後期バロック音楽 – HiSoUR 芸術文化美術歴史

ヨーロッパの音楽の歴史的重要性におけるバロックは、約1600年から約1750年の期間であった。初期から、ルネサンス音楽からバロックの音楽は変わった。テキストを支配するホモフォニー（主なボーカル）の歌で複数のメロディーを同時に置き換えることで、オペラ、吹き出し、カンタット、モノディを作成することで、ボーカルの音楽が急激に発展しました。初期のバロックでは、モーダルスケールは主に音色の音楽と交換された教会音楽に関連していました。これは、サウンドとより高度な作品を構成する能力の両方において大きな違いをもたらしました。

後期バー（1700-1750）の音楽は、
ロマンスのように他のいくつかのセクションにあるように、中盤から後期バーへの移行でも同じ世代の変化ではなく、1700年までの2つの期間の区別を設定する良い音楽的理由があります。 16世紀を通して発展してきた音楽は、音楽の未来に大きな影響を与えるように世紀の頃には非常に洗練されていました。 AlbinoniとVivaldiはコンサート、特にソロ・コンサートを開発し、それが強力な音楽スタイルとして引き継いだ。ソナタは、世紀の回りにドイツ語圏の国々に導入されました。当時、ドイツのヴォーカル教会音楽は、イタリアで長年前に動いていたように、オペラとますます似ています。

オペラは深刻で、しばしば悲劇的なテーマに向かって、そしてダンスは少なくなった。アクションはオペラの中心に来た。英語のオペラ聴衆は、ほとんどがイタリア人が書いたオペラに住んでいたが、フランスのオペラは依然としてルーリーと彼の相続人の大部分に関心を示していた。 1711年、イングランドはヘンデルの書いた英語のシーンのための最初のオペラを手に入れ、彼は今後20年間そこを支配し続けました。フランスは1730年代にRameauと共に次の主要オペラ作曲家を迎えました。

イタリアはコンサートやソナタで始まり、フランスは長い間スイートを支配していましたが、その間にドイツとイギリスのドイツ音楽がほとんどの楽器音楽に支配的になりました。ドイツの音楽が後期バーを支配した理由の1つは、周辺諸国からインスピレーションを得て、イタリア、イギリス、フランス、オランダで知られていたスタイルを開発する長い伝統を持っていたことでした。さらに、ドイツの音楽は、オランダと英国の主要音楽、フランダースのポリフォニー、イタリアのコンチェルト、オペラとマドリガル、フランスのオペラ、カンバロムミュージック、モテットとオーケストラのスイートを自作して開発しました。隣国の音楽に特に影響を与え、後に影響を与えた作曲家は、Georg Philipp Telemann、Georg FriedrichHändel、そして特にJohann Sebastian Bachであった。

同時に、ヘンデルとバッハの完成した音楽も終わりの始まりでした。公衆コンサートやブルジョワカートリッジの出現により、複雑な多音は単純なホモフォニーに置き換えられました。他の文化や現代音楽のフレーバーに適応するには、ゲルト・フィリップ・テレマンが最適でした。ゲルト・フィリップ・テレマンは、バッハよりもシンプルな音楽を好み、ガラントスタイルや古典主義への移行を手伝った作曲家の一人でした。

楽器
音楽の発展は後期バー、特に3つのブロアーの家族で続いた。期間は2つの新しい楽器を見た。 Chalmeauenはクラリネットに置き換えられました。クラリネットのメリットの大部分は、音圧、精度、音量のコントロールに役立つノズルの可能性でした。テンポロボ（後に “英語の角”）は、絶えず変化し続けていましたが、1720年代にはもっと最終的な形を取りました。しかし、テロロボがオーケストラで行われたのは、バロックの終わりに過ぎなかった。既存の楽器の中でも、変化が生じました。オーボエは拡声音と登録音が増え、その間にソロ楽器として頻繁に使用されていた可能性があります。ファゴットはまた、この期間の開始時に登録を拡大していた。また、1660年代から1720年代にかけて大きな発展を遂げました。

鍵盤楽器の開発もあり、1700年頃にはピアノの先駆けが作られましたが、これは高価で未完成で製作されました。ホーンは穴とフラップのない自然なホーンでしたが、1700年代初頭にはビームが増えて音がさらに変化しました。これはまた、HändelとBachを含む、ホーンが音楽でより頻繁に使用されていたことを意味していました。

Strykerファミリーは、ゲームがその屋根を失い始めた移行段階にあった。ゲンベとチェロは同時に生きていましたが、1710年のチェロはストラディヴァリウスの大きさで定義され、まもなく他の楽器デザイナーが続きました。この結果、細胞が人気を得た。生き残ったゲーマーファミリーの唯一の楽器、ダブルベースは、世紀の頃にオーケストラで開催されました。特に、Guarnieriのヴァイオリンでは、永続的な音色に優れていました。

オペラ
パルセルとリュリの死後、英語とフランス語の両方のオペラがストールしたので、イタリアのオペラは再び支配した。しかし、イタリアのオペラは絶えず進化していました。たとえば、キャラクターの行動、キャラクター、対立がより強調され、劇的にスペースが増えました。 1700年代のオペラの発展のもう一つの側面は、楽器がますます重要な役割を果たすということでした。彼らは以前は声優とアリーの間で演奏する機能を持っていましたが、現在は両方とも、通常はソリストに向かって参加しました。ときには、キャスター・ファリネッリとトランペットの巨匠の間に落ちたので、それは競争につながった。観客が投げた競争。

また、ドイツではイタリアのオペラに基づいた開発が行われました。特に、ハンブルクとライプツィヒの作曲家はオペラ制作に積極的でしたが、そのうちさらに多くはおそらくイタリアのオペラに触発されていました。特にTelemannのものの中には、ユーモアのある感じがあり、そのうちのいくつかは歌のゲームに触発されてドイツ語で歌われました。

イタリアのオペラ
イタリアだけでなく、もっと多くの国々でイタリアのオペラが支配していました。ウィーンとロンドンの両方は、特にナポリのイタリアのオペラに強くインスパイアされていました。

ナポリの学校が引き継がれた後、ナポリはオペラの制作においても支配的になりました。この街にはクラス別のオペラもありました。貴族にとって、オペラは名前の日や結婚式などのお祝いに関連していました。オペラはヴェネツィアの自由叙事詩でよく使われました。過去にはロマンス、ドラマ、コメディが混在していましたが、世紀に入ると、コメディーの部分は削除され、より悲劇的なオペラシリーズの行為の間に数えられるようになりました。ナポリオンのオペラシリーズはApostolo ZenoとPietro Metastasio（ウィーンを参照）によって定義され、ドラマチックな物語に重点が置かれました。音楽的には、楽器に大きな変化がありました。とりわけ、cembaloに加えてerkelutt、lutt、double bass、gambeなどで演奏することができました。時々、トランペット、オーボ、角のような風の楽器が、通常はそれぞれ2つずつ弦で結ばれています。さらに、音楽的スタイルは伝統的なバロック音楽とは異なり、小さな動機を繰り返すのではなく、ナポリの音楽はそれを繰り返さないことに熱心でしたが、ストロボの繰り返しの動機を広げました。劇的な効果としてブレークを使用すると、軽くて動きの速いメロディーを作成するのに役立ちました。さらに、多くの場合、非常に魅力的なボーカルパートがありました。

より人気のあるオペラは、コミックオペラを手に入れて、貴族の音楽を一時停止し、それに集中した。ナポリでは音楽のユーモアのために長い伝統があり、いくつかのオペラはナポリの方言とユーモアの両方に挙げられていました。深刻なオペラが超自然的で複雑な世界を選択した場合、コミックオペラは通常、毎日のテーマや歴史的に関連するイベントに加えられ、深刻なオペラを犠牲にして冗談を言うようになった。 1710年代から、真面目な作曲家は、芸術的自由のために、良いコミックオペラを提供することに熱心でした。漫画オペラは、ほとんどの人のために作られただけでなく、貴族のためのインターメゾです。毎日のテーマを使用することに加えて、ラテンのコメディは、予測可能な数字と矛盾、すなわち老いから老い、貧困から貧困、そして同性愛者への豊かな矛盾を持つコメディアン・コメディで置き換えられました。人気が高まり、1733年にジョバンニ・バッティスタ・ペルゴレシス・ラ・セヴァ・パドローナが国際的な注目を集めました。

ナポリの後、おそらくウィーンはイタリアのオペラの最大の中心地の一つでした。オペラの多くはチャペル奏者のアントニオ・カルダラ（Antonio Caldara）とピエトロ・メタスタシオ（Pietro Metastasio）の対訳で構成されていました。ウィーンでは、図書館員Metastasioと前任者Apostolo Zenoが、オペラの改革を担当し、物語、プロット、キャラクターがさらに鋭くなった。このように、ドラマはより良い効果を得たし、また、アリアは感情的な焦点になったが、抵抗者は行動を語った。ウィーンのオペラのもう一つの特色は、インストゥルメンタル・ソングがオーバース、バレエ、時にはアリアの両方で書かれたインストゥルメンタル・ミュージック、特にサウンドに焦点を当てました。オーストリアの皇帝の味に合わせて、そしてヘンデルの影響を強く受けていたため、メロディー・ソングの対地詞の使用など、他の場所での演奏ではこれだけが一般的でした。

ローマでは、オペラの伝統は座っているパビリオンと気まぐれな眺めの結果として曲がっていました。さらに、スペインの伝統的な戦争のような紛争は、ローマが1698年から1711年の間にオペラを持たないようにオペラに制限を設けました。順番に、アレッサンドロ・スカラッティ、アントニオ・カルダラ、アントニオ・ヴィヴァルディのオペラがありました。ここでは、Metastasioの図書館が1724年にデビューしました。これはScarlattiが死亡する前の年でした。最初は、Vinciが1730年に死ぬまでLeonardo VinciがMetastasioと協力していたことを意味しました。VinciはNaplesから、ナポリの学校はローマのオペラ – それが許されたとき。 Venicethereでは、当時の地域の革新は少なかった。最初に、Francesco GaspariniやCarlo Francesco Pollaroloのようなオペラ作曲家が設立され、後にLeonardo Vinciのような新政治作曲家が生まれました。このルールの例外は、いくつかのオペラとオラトリを書いたAntonio Vivaldiで、おそらく市内で最も人気のあるオペラ作曲家でした。

ドイツオペラ
オペラはドイツを襲ったが、バロックの最後の部分では、全国各地のオペラハウスで多くのオペラが行われた。ライプツィヒには既にオペラハウスが設立されており、さらに多くの貢献がありました。ドイツのオペラにはしばしば漫画の動きがあります。 Telemannが20のオペラを一緒に書いて送ったことを除いて、後世に知られる作曲家は誰もいなかった。

Hamurgには主に皇帝によって作曲されたオペラもありました。美しいメロディーを書いて、声とその能力を理解する天皇の能力は、ヘンデルの直接のインスピレーションでした。彼の時代、天皇はまた、世紀の初めに主要な作曲家とみなされました。 Händelは1704年に街にやってきましたが、彼はそこにとどまっていても、街のオペラ構成についてもっと学びました。テレマンが町に来た1721年まで皇帝が支配しました。彼のオペラはまだ漫画で深刻だった。オペラ・バファがラ・セヴァ・パドローナを打つ前にテレマンの漫画オペラが長年書かれていました。

フランス語オペラ
フランス語のオペラは、Lullyの影から脱出するのに苦労しました。最初の主要候補者であるパスカル・コラッセ（Pascal Collasse）は、Lullysにあまりにも似ているオペラを書いており、不完全で、しばしば拒否された作品を書くときに最も成功しました。ルーリー家が彼を訴え、彼の名声はすでに世紀の頃に弱まっていた。アンリ・デスマレツ（Henri Desmarets）はリバース・スキャンダルに結びついていたが、彼は合唱団のニコラス・ゴピレ（Nicolas Goupillet）の星によってリリースされた一連のモーターを書いた。それから彼は若い女性とブリュッセルに脱出し、不在時に死刑を宣告された。彼はその後スペインに行ったが、死刑判決が下されたときに戻った。彼のオペラは僅かしか成功しなかった。 AndréCardinal Destouchesはオペラでいくつかの成功を収めましたが、AcadémieRoyale de MusiqueのGeneral Inspectorとして新たに称号を授与されたあと、あまりにも控えめになりました。

フランスのオペラの偉大な革命はジャン=フィリップ・ラモーとバロック時代の終わりに向かってきただけです。非常に才能のあるオルガン・プレイヤーであるにもかかわらず、Rameauは彼が39歳のとき音楽理論家として知られるようになりました。音楽に関する彼のアイデアは、とりわけ高音と和音を好み、ベース音を導入し、不協和音音楽と和音の効果を伝播するものです。トマニック（基本的な調子）、ドミナント（調子と調和 – 調子の5つの調子）、調子の調子（調子と調律 – トニック調の五重奏）を定義したRameauでした。

作曲家として、Rameauは1730年代に50歳代で初めて発見されました。彼の最初のオペラ「Hippolyte et Aricie」は、50歳の1733年に録音された。 Rameauは、Lullyの悲劇の間で、MusiqueオペラをOpéraのバレエ、例えばLes Indes galantesに移しました。その後、より伝統的なオペラに移り、Lullyのスタイルからはるかに離れたCastor et Polluxと特別な成功を収めました。彼の音楽理論に基づいたラモーの新しい音楽スタイルは、それがLullisとRamisの間のパリの知性の中で戦いの一形態になったほど、Lullyの信者を誘発した。 Rameauの音楽が困難で、奇妙で機械的で不自然な闘争と非難にかかわらず、Rameauは人気を得て再びフランスのオペラを手に入れました。彼はまたオペラでより大きな成功を収めたフランス生まれの初めての作曲家でした。

イングランドとヘンデル
パルセルが死去した後で彼自身のオペラ作曲家がいないと、イングランドはイタリアのオペラに最も関心を持った。オペラは大部分公開されていましたが、すでに1705年にイタリアのインスピレーションを受けたオペラの最初の例が英語になっています。キプロスの女王アルシノーは、イタリアの古い作品を更新しました。アレッサンドロ・スカラッティが喜んでイタリアのオペラを貸し出し、英語に翻訳しているだけで、様々な品質のオペラがいくつか設立されました。その時、英国の聴衆のためにキャストレイターが立ち上げられました。イタリア語で短期間での英語のパーツの実験は、観客がオペラの半分だけを理解するのに飽きたときに終了し、ほとんどがイタリア語で歌われました。特に、HydaspesはFrancesco Manciniの1710年の比較的大きな成功となりました。

ヘンデルはハレで音楽活動を始めたが、ドイツ語、イタリア語、英語圏の都市に移住し、さまざまな文化から多くを集めた。彼の最初のオペラ、Almira、Königinvon Castilienは、1705年、ハンブルクにいた時、Reinhard Emperor、そしてフランスのマナーの後にダンスメロディーにインスパイアされ、イタリアとドイツの対立地とオーケストレーションの後ろにいた。彼の6番目のアグリッピーナは1709年からアレッサンドロ・スカラッティの影響を受けて、呼吸休憩やメロディーのリズミカルな変化を伴わずに、長いパートでエレガントなメロディーを披露する能力を示しました。ロンドンで上演された彼の最初のオペラ、リナルドは大きな成功を収めており、10年近くほとんどのオペラにリストされていました。

HändelがFaustina Bordoniのような有能な歌手を見つけるために恒久的な地位とお金を得た後、彼のオペラはより勇敢で挑戦的になりました。特にEgitto（1724年）のGiulio Cesareだけでなく、Tamerlano（同年）やRodelinda（1725年）も新しいオペラの良い例です。 Händelは、例えば、プトレマイオスの反逆を強調するために、夢中になり、狩りをしているような気持ちを作り出したという重要性を利用しました。現時点では、一般的に2つの主なタイプの響きがありました。一般的な低音と会話曲の「乾燥」とはるかに多くの楽器の伴奏が伴います。 Händelは後者を利用しました。またアリアはヘンデルにとって特別だった。彼は個々の歌手にそれらを書いたので、いくつかの牡羊座は装飾的なものになり、他のものは遅く感情を強調することができます。同時に、Händelは、以前は行為に伝えられていたよりもかなりアリアを使いたいと熱望していたので、ナポリの学校で何かを壊しました。コントラストポイントと荘厳な音楽は、単純な牧歌的な賛美歌で重み付けすることができます。 Händelはより多くのオーケストラを使用し、彼は現代のものよりも多くの風の楽器を積極的に使用していました。

宗教的な声楽
世紀の頃、ルター派の声楽教会音楽はますますオペラに似ていました。これの一部は、オペラとルター派の教会音楽を融合させた詩人・神学者Erdmann Neumeisterによるものです。彼のインスピレーションを得て、バッハはまた、宗教的、宗教的などのオペラのテクニックを使用し始めたが、合唱団、サンゴの音楽とオーケストラの伴奏も使用し始めた。彼の任命からThomaskantorにいたるまで、教会音楽に関心を失うまで、多かれ少なかれすべての教会のために音楽的責任があり、バッハは教会音楽を大きく発展させました。これは彼の2つの節で特に注目された。バッハは演奏家としての経験はありませんでしたが、音楽家1人当たりのドラマは注目に値するものでしたが、Pontus Pilateと聖歌隊の間の劇的な特徴を含むJohannespacelikeは、特にイエスが十字架につけられなければならないと主張しました。さらに、バッハはギリシャのドラマのように演技のコメントとして合唱を使用した。 Matthew Pathはより完全であり、コードはパフォーマンスにおいてより大きな役割を果たす。

バッハは1730年頃に教会音楽に関心を失ったが、昨年、彼は教会音楽の発展の名品であったH-Mollのメッセを完成させた。作品は20歳以上になり、過去の作品や不完全な作品の再利用（パロディと呼ばれる）が想定されていました。ミックスは、古いバーから進行中のガラントまでフェアを変えます。バッハはオペラから借りてきましたが、それらの間にも大きな違いがありました。カンタータは、マシューとして、反射的かつ完全であり、したがってドラマの出現なしに声で演奏し、音楽説教としても理解することができる。カンタータも1730年を超えて広がりましたが、急激に減少しました。

バッハの周辺では声楽の教会音楽が残っていましたが、ヘンデルは本当にそれらを世話し始めました。 1730年ごろ、彼はまた催し物を書き始めました。しかし、彼は伝統的なイタリアの吹奏楽を、ドイツとイギリスの合唱音楽にインスパイアされた大きな合唱団に参加させることで変えました。ギリシャのドラマにも触発されて、話をしてコメントを述べることから、彼らはさまざまな役割を果たしました。また、ドイツの教皇と英国の僧侶は、ヘンデルの新しい礼拝所で役割を果たしました。これは、教会が共通の経験であり、個人的な経験ではないことを支持した。 Händelはオペレーションテクニックによって高度に利用されていたため、オペラの叙述テクニックを借用し、アリーではなく合唱団によってフォローアップすることができます。それにもかかわらず、アリアや劇場での劇的な場面も現れます。さらに、ヘンデルは、クリスチャンではなく、セメルとヘラクレスを含むギリシア神話に属したオラトリオを作った。

コンチェルトとスイート
このコンサートは、20世紀に入る前の本物のイタリアの出来事でしたが、それはしばらく続きました。 Tomaso Albinoniはすでに1700年に初めてのコンサートを発表しました。Albinoniはメディエーターであったため、恩人の主唱者はいませんでした。彼はすぐに彼のコンサートを3組と定義し、彼は対抗拠点に熱心に勤めました。さらに、彼は遅い第2の速度の形で実験した。それはまた、イタリアの聴衆に独奏楽器としてオボを紹介したアルビノニでした。

Albinoniが最初のコンサートを発表して2年後の1702年、Antonio Vivaldiは定義されたコンチェルトになりました。彼はクリスチャン・スクール・オーファンズ、ホット・チルドレン、そして信じられないほどの娘たちの教師であり、彼らに大成功を収めた音楽ゲームを教えてくれました。彼と女の子の両方のゲームは、ヴェネツィアのアトラクションになるのに十分な注意を払った。生き残ったビバルディのコンチェルト500本のうち、ソロ楽器の場合は約3/4、バイオリンの場合は230本でした。バイオリンはヴィヴァルディの楽器だけでなく、女子学生のほとんどが学んだ楽器でもありました。さらに、彼はバスーンとフルート、オーボ、ブロックライター、ヴィオラ・ダモア、チェロ、マンドリンのために37を書いた。

ヴィヴァルディコンサートのコンサートは、新鮮なメロディー、活発なリズム、熟練したソロのケアと形式によって響き渡った。さらに、ビバルディには才能のあるミュージシャンが校内にいました。彼はコンサートで実験するチャンスを与えられました。柔軟性のあるシンプルな基本レシピがあったからといって、彼は協奏曲の発展に大きな成功を収めました。ビバルディは、いくつかのソリストが他のオーケストラと対戦した作品を持っていましたが、Corelliのコンチェルト・グロッソと違って、大きなオーケストラは小さなものをコピーしませんでしたが、ソロ・コンサートのように演奏しました。ヴィヴァルディはまた意図的にピザとsordinの両方を効果のために使いました。ヴィヴァルディは、Tomaso Albononiによって急速に導入された形でほぼ一貫した3レートのコンサートを使用しました。最も有名なのは、四季です。ここでは、他のほとんどのコンサートと同様に、ビバルディはより多くのゲイスタイル、すなわちメロディーの声を選んだのに対し、他の声はこれをサポートしています。

彼はまた、ほぼ一貫性のあるritornelloを使用しました。つまり、refrengであり、独自のritornello形式を設計しました。洗練された初期段階では、すでにトーン構造が使用されています。ソロ楽器用のパートと一緒にオーケストラ全体が含まれています。これは通常、繰り返されるか変化する小さな部分で構成されます。 refrainが繰り返されるとき、それは通常部分的です。リエンジニアリングは、ソロのエピソード、主に巨匠と特徴で分けられます。悲しみの部分は繰り返して、変えられますが、ヴィヴァルディは、より多くのスケール、アルペジオ、その他の音楽表現を使用しました。トーンは変調によって交換することができます。これは標準的なritornelloから非常に異なったritornello形式を作りました。さらに、ヴィヴァルディは、表情豊かなメロディー（リスニング・サンプル）をはじめとして、スローパートを最速のものほど重要なものにするために非常に重要でした。また、名匠は装飾品を追加したいと考えています。ソロ主義者に自分の声と彼の個性を与えるビバルディの能力は、コンサートにとって決定的になった。

バッハはコンチェルトとピアノの両方でヴィヴァルディの影響を受けました。彼はテーマとハーモニックプランをより明確にし、ritornello効果に基づく正式な構造に取り組むことから学びました。コンサートでは、他のすべてのものと同様に、バッハは様々で、他の音楽の影響を受けました。これは、コンベンション・グロッソ（1,2,4）からコンサート・ツアー（3,6）、5に至るまで広範囲に変化するブランデンブルク・コンサートで見られ、チェンバロとオーケストラのソロ・コンサートを最も思い起こさせるものです。おそらくヴィヴァルディの影響を受けて、彼はコンチェルトでいくつかのソロ楽器を持っていました。彼はまた、バイオリンのための2つの純粋なソロ・コンチェルトを書いていました。そして、1つ、そして最大で4つの鍵盤楽器、現在はほとんどがチェンバロです。バッハは頻繁にコンサートにジョイントを配置しました。 Händelもコンサートツアーを書いたが、はるかに少なかった。彼は14回のオルガンコンサートに加えて、オーボコンサートと12回のコンサートグロッシーを書いた。

オーケストラスーツは1600年代半ばから人気が高まっていました。しかし、1690年から1740年にかけて、ドイツのスーツケースは伝統的なフランス語とは異なっていました。これは部分的には固定注文という考えを破ったためです。ヘンデルの最も有名な2つの作品 – ウォーター・ミュージックとロイヤル・ファイアーワークのための音楽 – はどちらもドイツのオーケストラ・スーツで、約30年の間隔で構成されていました。 FrançoisCouperinもオーケストラスーツを書いた – 彼はroyaux royauxと呼ばれていたが、比較的小さなアンサンブルで演奏された可溶性ボンディングダンスのコレクションのように見える。彼のスーツは、イタリアの音楽にも大きな影響を受けました。

ピアノの音楽とソナタ
ピアノの音楽は、主にオルガンやカンバロム音楽であり、主にスイート、トッカータ、または童謡や旋律のプレリュードで構成されています。 ToccataまたはPreludiumとその後の戦闘機がいくつかの作曲家によって使用されたが、Johann Sebastian Bachがこのカテゴリーを支配した。ソナタでは、鍵盤はソロ楽器としての主な役割を果たしたか、または一般的なベース楽器としてのより退屈な役割を果たした。 Corelliのスタイル、特にヴァイオリン・ソナタを特徴とする人は、ピアノの音楽を一般的なベース・インストゥルメントとして使用していましたが、自分自身を分離した人、特にJohann Sebastian Bachはキーボードをはるかに支配的な役割でした。

オーケストラスーツに加えて、ソナタと一緒に配置される、より控えめなクルーのためにスイートを書いた作曲家もいました。これらのうち、特にカンバロが人気がありました。フランソワ・クペランは、彼が先生だった貴族を対象とした特別なカンバルロスを書いた。これらはフランス語で構成されていたため、伝統的な曲の分割を多くしていました。バッハのチェンバロスーツは、イタリア語だけでなく、フランスとドイツの音楽にも触発されました。バッハは、アレマンデ、クーランテ、サラバンデ、ギガの伝統を踏襲し、プレアンデとともにチェンバロへのイタリアのアンサンブルオーケストラを手配した。 Händelは、順番に、彼のcembalosuitesに、より直接的なイタリアの影響を利用しました。

より緩やかなピアノ作品は、通常、典型的なプレリュードまたはツォーカータの後にジョイントが続きました。これは特にバッハのエリアでした。バッハのバリエーションの一例は、Toccata＆Fuge d-Moll BWV 565です。そこでは、2頭の猫が始まり、終わり、終わりに現れます。 Hans PreludiumとFuge in A-mole BWV 543は、ヴィヴァルディのコンチェルト・アイデアを思い起こさせる、様々な音楽スタイル、シーケンス、主要なプログレッション、クリアな音色の構造、リトネロの一種を持っています。両方の例は、彼らが巨匠であり、ペースが協奏曲の最も速い部分、すなわち第1または第3の賭けについてのものであるため、典型的な例でもあります。バッハの最も有名なコレクションの1つは、子供向けまたはキーボード初心者向けのすべての音のプレリュードとジョイントの集まりであるDas Wohltemperierte Klavierでした。目的の1つは、新しいノート（大小）と古いモーダルスケールの両方を再生することに関連して、チェンバロの範囲を示すことでした。最初の巻は1724年に、もう1巻は20年後に来ました。

イタリアのソナタは、長い間Corelliによって特徴付けられていました。 Corelliのスタイルから逸れた最初の作曲家はTomaso Albinoniで、自分自身が豊かで、ナポリでは色彩的なスケールと大きなジャンプと非常に装飾的なスタイルを使用していました。より進歩的だったアルビノーニのコンサートツアーとは異なり、彼のソナットはCorelliの腐敗にもかかわらず、より保守的だった。ヴィヴァルディは73ソナタを書いた。そのうち3分の3はソロソネートであり、残りはトリオソネートであり、カップルはあまりにも多くの声である。ヴィヴァルディはCorelliとAlbinoniのバイオリンや弦楽器に焦点を当て、例えばフルートやその他の管楽器のために書いた。 Albinoniがより伝統的であったところで、ヴィヴァルディは、彼のトレードマークであった良いメロディーに加えて、リズムのドライブと形の統一を含む、コンサートのようにソナで多くを実験しました。ヴィヴァルディは、アレッサンドロの息子であったドミニコ・スカラッティ（Domenico Scarlatti）に似た心を持っていました。 Scallatti sonatesは、ほとんどがcembaloのためにほとんどそうではなかったが、それはまるで “典型的な” Scarlatti sonateに見えるかもしれない。彼は、ケイデンス、さまざまなアルペジオ、クロマチックスケーリング、難しい手の動き、同期、不協和音と豊富な多様性の変化と、トーンヒンジで演奏しました。しかし、Scarlattiはほとんどがマドリードであり、バロックの終わりの後に主に発見された。

ドイツ語を話す国々の中では、ヨハン・ジョセフ・フックス（Johann Joseph Fux）が世紀の終わりにソナタを導入し、次いでウィーンに導入しました。 Stephansdomのチャペルマスターとして、FuxはSonatesを含む様々なジャンルで活動していました。しかし、彼の息子は、典型的なイタリアの息子よりも多声であったが、その代わりに、その巨人の形はよく表現されていた。また、他のいくつかのドイツの作曲家が、ソネート形式をとった。しかし、SonatiansはHändelまたはBachのいずれかのための組成物の大きな選択を代表していませんでした。 Corelliの時代からバッハとHändelがソナタを書くようになったとき、ピアノのソナタはソロとトリオソネートに加えて第3のソナメートの形で登場した。これはまた、ヴァイオリンがもはやソナタで同じ優位性を持たなくなったことを示しています。

アルビノーニのように、バッハの息子は主に教会の息子であり、アルビノーニのように、バッハはこれらの数字の中で音楽の開発において比較的保守的だった。彼はピアノやヴァイオリンのソナーに加えて、3つのフルートの息子と3つのガンボネイトだけを用意しました。後者は非常に難しいです。しかし、イベントのソネートは非常に多様で進歩的であり、オーダーやコンテンツを試してみるなど、より伝統的なソノート開発から遠く離れていることがよくあります。ゲオルグ・フィリップ・テレマンは、数多くのソナタと数々の楽器を書いています。彼の作品は、この出来事の名前を変更せずに大抵ソナテのルールに従うという点で、バッハとコッリにははるかに近いですが、キャッチーなメロディーを構成し、元の作品ではないにしても、

ガラントスタイルへの移行
バロックはルネッサンスの音楽を比較的早く置き換えたので、突然新しいスタイルに取り替えられませんでした。音楽のスタイルと音楽の味について長い議論として18世紀を見ることができます。

ガラントのスタイルとそれ以降の古典主義がバロックを引き継いだのは、本質的に2つの理由があった。まず、観客と施設の両方が変更されました。早ければ1720年代には、公共のコンサート会場がロンドンとパリでますます建設され、1700年代にヨーロッパ全土に広がっていました。したがって、音楽はブルジョワジにますます近づくようになった。これはすでにオペラに起こっていて、1700年代初めには大きく発展していました。特に、それはオペラシリーズの足を裂く漫画、そしてしばしば風刺的なオペラでした。ヘンダーソンとロンドンの場合、特にビール・オペラは洗練されたオペラを攻撃し、ヘンデルを演奏場に運ぶのを助けました。

残念なことに、彼にとっても、教会音楽をたくさん書いたバッハにとっても、18世紀半ばには新興中産階級が支配的になった。悟りを特徴とする彼らのビジョンは、教会の政治的および文化的な立場に挑戦しました。これは「音楽を作り上げる」のに役立ちました。この文脈では、教会音楽は控えめで後退した。同時に、人間の知性がすべての課題を克服することができれば、楽観主義は素晴らしかった。

もう一つの問題は、18世紀半ばに多数の確立された作曲家が死亡したことでした。 Couperinは1733年にPergolesi、1741年にVivaldiとFux、1750年にBach、1751年にAlbinoni、1757年にDomenico Scarlatti、1759年にHändelで死亡した。これらのうち、Scarlatti、Couperin、Pergolesiは音楽を厳密にバロックから外した。そして、バッハは人生の終わりに向けて周辺人物として残っていたが、Telemannはその移行をより良く管理した。彼は対位法とポリフォニック・スタイルを比較的早く残し、ホモフォニックでガラントになりました。クラシック主義はしばしばより重くより複雑なバロック音楽への対応と見なされ、音楽表現が単純化された。新しい作曲家は、バロックのポリフォニック・スタイルと対話のスタイルを明確に区別しています。一般的な低音は、アルベルティー低音のような他の解決方法に置き換えられました。ガットスタジールでさえ

も、来るべき作曲家には好きなものでした。フジを書いて芸術は、忘れ去られていませんでした。これは、ハイドン、モーツァルト、ベートーヴェンの後期作曲の両方で明かになる。