ジョアン・ジョナス: 彼らは言葉なしで私たちのところにやって来ます、 アメリカ合衆国パビリオン、ヴェネツィアビエンナーレ2015

MITリストビジュアルアートセンターは、第56回国際美術展-ビエンナーレディヴェネツィアで、ビデオとパフォーマンスアートの先駆者であるジョアンジョナスに、米国パビリオンの5つのギャラリー全体を占める新しいマルチメディアインスタレーションの制作を依頼しました。

このインスタレーションには、パフォーマンス、ビデオアート、ドローイング、彫刻のジョナスの象徴的なブレンドが組み込まれており、自然界の脆弱性に対処する没入型のマルチパートジャーニーを作成します。

50年間、ジョナスは学際的な芸術の先駆者でした。彼女の先駆的なビデオ、彫刻、パフォーマンスの統合により、画像作成とストーリーテリングの従来のモデルをシフトする拡張環境が作成されます。ジョナスは1960年代後半から出現した最も影響力のあるビデオおよびパフォーマンスアーティストの1つと考えられており、風景の人物、オブジェクトとジェスチャーの儀式的な使用、自然環境の脆弱性などの主題を考慮した新しい作品群を作成し続けています。人類の年齢。彼女の作品は最近、テートモダンでの大きな回顧展のテーマであり、世界的な業績と人類への貢献を認めた2018年京都賞を受賞しています。

ジョナスが以前にハルダールラクネスの幻想的な小説を検討したことに触発され、氷河の下での彼女の夏、ノバスコシアの夏、そして自然の驚異、彼らは言葉なしで私たちに来て、ビデオ、ドローイング、サウンド、オブジェクト、パフォーマンスを統合して、それぞれが編成された5つの没入型ギャラリーを構築します中央の画像の周り(蜂、魚、鏡、風、担任)。ノバスコシア州ケープブレトンからの口頭の伝統によって供給されたゴーストストーリーの断片は、各ギャラリーを次のギャラリーにリンクする非線形の物語を形成します。異なるメディアの相互作用を通じて、彼らは言葉なしで私たちに来て、自然の生態系への人間の干渉を反映して、各芸術的要素の影響が部屋全体に反響する体験を作り出します。まとめると、これらの要素は、骨折しているが相互に依存している生命の連鎖を描いた非常に複雑な作品を形成しています。

バイオグラフィー
ジョーンジョナス(1936年7月13日生まれ)は、アメリカのビジュアルアーティストであり、ビデオおよびパフォーマンスアートのパイオニアであり、1960年代後半から1970年代初頭に登場する最も重要な女性アーティストの1人です。ジョナスのプロジェクトと実験は、多くのビデオパフォーマンスアートの基礎となる基礎を提供しました。彼女の影響はコンセプチュアルアート、劇場、パフォーマンスアート、その他のビジュアルメディアにも及んでいます。彼女はカナダのニューヨークとノバスコシアに住んでいて働いています。

ジョナスは1936年にニューヨーク市で生まれました。ElectronicArts Intermix、2014年8月13日取得。 ref> 1958年、マサチューセッツ州サウスハドレーのマウントホリヨークカレッジで美術史の学士号を取得しました。彼女は後にボストンのボストン美術館で彫刻と絵画を学び、1965年にコロンビア大学で彫刻のMFAを取得しました。ジョナスは1960年代のニューヨークのダウンタウンのアートシーンに没頭し、振付家トリシャブラウンと2年間学びました。 。ジョナスは振付家のイボンヌ・レイナーとスティーブ・パクストンとも仕事をしていました。

ジョナスは彫刻家としてのキャリアをスタートしましたが、1968年までに、最先端の領域に移動しました。パフォーマンスを小道具や媒介画像と混合し、都市や田園の風景や産業環境の屋外に配置しました。 1968年から1971年の間に、ジョナスはミラーピースを実行しました、ミラーを中心のモチーフまたは小道具として使用した作品。これらの初期のパフォーマンスでは、鏡は(自己)肖像、表象、身体、そして現実と想像の象徴となり、同時に、作品に不可欠な危険要素と観客へのつながりを追加することもありました。風(1968年)では、ジョナスは、振り付けに心理的な神秘性を与えた風に逆らって、視野を硬く通過するパフォーマーを撮影しました。

1970年、ジョナスは日本への長い旅行に出かけました。彼女は最初のビデオカメラを購入し、彫刻家のリチャードセラと能、文楽、歌舞伎の劇場を見ました。 1972年から1976年までの彼女のビデオパフォーマンスは、キャストを1人の俳優であるアーティスト自身にまで引き下げ、ニューヨークのロフトでオーガニックハニーとして演じました。彼女の精巧なオルターエゴは、「エレクトロニックエロティックな誘惑者」として発明されました。カメラのビットは、断片化された女性の画像と女性のシフトする役割を調査しました。図面、衣装、マスク、および記録された画像との相互作用は、知覚と意味の2倍になることに光学的に関連する効果でした。そのような作品の1つ、Organic HoneyのVisual Telepathy(1972)では、ジョナスは自分の断片化した画像をビデオ画面にスキャンします。 Disturbances(1973)では、ある女性が別の女性の反射の下で静かに泳いでいます。望遠レンズと広角レンズの両方で撮影されたSongdelay(1973)は、日本でのジョナスの旅を描きました。そこでは、能楽師のグループが木のブロックを叩いて角運動をしているのを見ました。 JoMAはMoMAのビデオインタビューで、彼女の仕事は両性具有だと説明しました。以前の作品は、芸術における女性のヴァナキュラーの検索により深く関わっていたと彼女は説明し、彫刻や絵画とは異なり、ビデオはよりオープンで、男性に支配されていませんでした。

1975年、ジョナスは写真家ロバートフランクと小説家脚本家のルディワーリッツァーによって、映画「キープビジー」に出演者として出演しました。 1976年、ジュニパーツリーとともに、ジョナスは、おとぎ話、神話、詩、民謡などの多様な文学資料から物語の構造にたどり着き、非常に複雑な非線形の表現方法を公式化しました。ジュニパーツリーは、カラフルな演劇セットと録音されたサウンドを使用して、典型的な邪悪な継母とその家族のグリムブラザーズ物語を再演しました。

1990年代、ジョナスのマイニューシアターシリーズは、彼女の肉体的存在への依存から脱却しました。順番に調査された3つの作品:ケープブレトンダンサーと彼の地元の文化。ジョナスが風景を描く間、犬はフープを飛び越えます。そして最後に、石、衣装、記憶に満ちたオブジェクト、そして彼女の犬を使って、演じる行為についてのビデオ。彼女はまた「既知の場所の思想に反抗して…(1992)と井戸の女(1996/2000)も作成しました。

ジョナスは、ドキュメンタ11に委託された彼女のインスタレーション/パフォーマンス(2002年)で、作家のHD(Hilda Doolittle)の叙事詩「エジプトのヘレン」に基づいたパフォーマンスインスタレーションで、自分と身体のテーマを調査しました( 1951–55)​​、それはトロイのヘレンの神話を作り直します。ジョナスは、ファンネル(1972)やバーティカルロール(1972)のスクリーニングなど、彼女の初期のパフォーマンスの多くをザキッチンで開催しました。ジョナスは、2004年にルネッサンスソサエティによって制作された「The Shape、The Scent、The Feel of Things」で、Aby Warburgの作品であるホピの画像を利用しています。

1970年以来、ジョナスは毎年夏にノバスコシア州ケープブレトンで過ごしました。彼女は、ギリシャ、モロッコ、インド、ドイツ、オランダ、アイスランド、ポーランド、ハンガリー、アイルランドで生活し、働いていました。

ジョナスの作品は、1960年代と70年代に、リチャードセラ、ロバートスミスソン、ダングラハム、ローリーアンダーソンなど、彼女の世代の最も影響力のあるアーティストのために初めて演奏されました。彼女はヨーロッパで広く知られていますが、彼女の画期的なパフォーマンスは米国ではあまり知られていません。評論家のダグラスクリンプが1983年に彼女の作品について書いたように、「モダニズムの実践に影響する破裂はその後抑圧され、なめらかにされています」。それでも、ジョナスは初期および最近の作品を再演することで、30年以上にわたって彼女の芸術に活気を与えてきたテーマとジェンダーとアイデンティティの質問における意味の新しい層を見つけ続けています。

ジョナスのパフォーマンスは、ドイツの人類学者、アビーウォーバーグの著書、「シェイプ、ザセント、フィールオブシングス」に触発され、Dia Beaconから委託され、2005年から2006年にかけて2回演奏されました。このプロジェクトは、ピアニストJasonとの継続的かつ継続的なコラボレーションを確立しました。モラン。

ウィーン国立歌劇場の2014/2015シーズンに向けて、ジョアンジョナスは、進行中の美術館が構想した展示シリーズ「安全カーテン」の一部として、大規模な写真(176平方メートル)をデザインしました。

ジョナスは2003年にロバートアシュレイのオペラ「天体の遠足」の振付家としても紹介されました

教える
1993年から、ニューヨークに本拠を置くJonasは毎年ロサンゼルスに滞在し、UCLA芸術学校で新しいジャンルのコースを教えていました。 1994年、ドイツのシュトゥットガルト国立美術アカデミーで教授に就任。 1998年以来、マサチューセッツ工科大学(MIT)で視覚芸術の教授を務めており、現在、建築および計画学部の芸術、文化、および技術のEmerita教授を務めています。

認識
Jonasは、National Endowment for the Artsから振付、ビデオ、ビジュアルアートのフェローシップと助成金を授与されています。ロックフェラー財団;現代美術テレビ(CAT)基金;ニューヨークのWNET / 13にあるテレビ研究所。 WXXI-TV、ニューヨーク州ロチェスターでのアーティストテレビワークショップ。ドイツアカデミッシャーオースタウシュディエンスト(DAAD)。ジョナスは、東京国際ビデオアートフェスティバルで兵庫県立近代美術館賞、ポラロイドビデオ賞、アメリカ映画研究所マヤデレンビデオ賞を受賞しています。

2009年、ジョナスはソロモンR.グッゲンハイム美術館から生涯功労賞を受賞しました。

2012年、ジョナスはキッチンスプリングガラベネフィットの際に表彰されました。

ジョナスはホワイトチャペルギャラリーアートアイコン2016に選ばれました。2018年、ジョナスは京都芸術賞を受賞しました。

Jonasは、Anonymous Was A Woman(1998)から賞を受賞しています。ロックフェラー財団(1990); American Film InstituteのMaya Deren Award for Video(1989)。グッゲンハイム財団(1976);国立芸術基金(1974)。

パブリックコレクション
Joan Jonasは、ニューヨークのGavin Brownの企業が代表を務め、ロサンゼルスはRosamund Felsen Galleryが代表を務めています。ジョナスは彼女のアートに取り組むことに加えて、2018年からハウザー&ワースインスティテュートの諮問委員会のメンバーを務めています。

ジョナスの作品は、以下を含む多くの公共機関で見つけることができます。

ニューヨーク近代美術館
ソロモンR.グッゲンハイム美術館、ニューヨーク
テート・モダン、ロンドン

展示会
ジョアン・ジョナスは、ビデオ、ドローイング、オブジェクト、サウンドを組み込んだ多層的な雰囲気を作り出す、作品の新しい複合体を考案します。文学は常にジョナスのインスピレーションと情報源であり、ヴェネツィアのプロジェクトは、彼女の調査をハルドールラクスネスの作品と自然の精神的側面に関する彼の執筆にまで拡大しますが、他の文学資料に焦点を当てます。

ジョナスは彼女のキャリアを通じてマルチメディアアプローチで働き続け、画像作成のツールとしてのビデオカメラと彫刻オブジェクトとしてのTVモニターの可能性を探求した最初のアーティストの1人でした。同時に、ジョナスは身体を視野に組み込んでパフォーマンスを試みました。彼女のインスタレーションとパフォーマンスは、これらのコンポーネントをドローイング、小道具、オブジェクトを通じてまとめ、鏡、ビデオ、距離などのさまざまなテクノロジーによって変更された空間、ナラティブ、ストーリーテリング、素材に関する彼女の研究を反映した作品を作成します。ヴェネツィアでは、彼女は実践のこれらの多様な側面と連携して、詩的な世界の現状に関連して、空間全体で統一および共鳴する共通のテーマで5つの異なる部屋を作成します。

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ジョナスの作品は、彼女の美術史の研究と彫刻の実践から発展し、ニューヨークの前衛シーンとの関わりを通じて1960年代にパフォーマンスと映画に拡大しました。彼女は過去50年間、パフォーマンスとビデオアートの分野で主要な人物であり続けているため、彼女の作品はこれまでの現代アートに大きな影響を与えてきました。

米国パビリオンでの彼女の新作のプレゼンテーションと併せて、このリストではJoan Jonas:Selected Films and Videos 1972-2005を紹介します。この展覧会は、2015年4月7日から7月5日まで、リストのバカラギャラリーで、40年間のキャリアから選ばれた、ジョナスの最も重要なシングルチャンネルのビデオ作品7点をヘンリエットハルディッシュがキュレーションします。親密な展覧会は、重要な背景を提供しますジョナスがヴェネツィアで同時に発表する新作の背景と状況を説明し、2015年ヴェネツィアビエンナーレの米国代表としてアーティストを選出するに至った重要なビデオとパフォーマンスを地元の視聴者と共有します。展覧会の作品は次のとおりです。
Organic Honey’s Visual Telepathy(1972)
ソングディレイ(1973)
おやすみなさいおはよう(1976)
ミラージュ(1976)
ダブルルナードッグ(1984)
火山佐賀(1989)
砂の線(2002-2005)

テーマ
ビデオ、ドローイング、彫刻、パフォーマンスの要素を含む、言葉なしで彼らは私たちのところにやって来て、急速に変化する状況で自然の脆弱性を呼び起こします。パビリオンの各部屋は、特定の生き物(蜂、魚)、オブジェクト(鏡)、力(風)、または場所(ホームルーム)を表します。ノバスコシア州ケープブレトンの口承の伝統に由来する幽霊物語の断片は、ある部屋を次の部屋につなぐ継続的な物語の一部です。これらの話された断片は、残っているものへの参照として部分的に機能します。ジョナスは、「私たちは幽霊、部屋は幽霊です。」と述べています。パビリオンの中庭にある屋外の作品は、ワイヤーでつながれた枯れ木の幹で構成され、インスタレーションのテーマを反映しています。

4つの部屋にはそれぞれ2つのビデオがあり、1つは部屋の主なモチーフを表し、もう1つは幽霊の物語を表しています。ジョナスは、2015年に5歳から16歳までの子供と一緒にニューヨークで動画を開発しました。子供たちは、ジョナスの初期の作品からの抜粋と、アーティストがカナダのノバスコシアとニューヨークのブルックリンで撮影した風景を含むビデオの背景の前で演奏しました。

ビデオで小道具として使用されたオブジェクトの選択は、ジョナスの非常に独特の絵と一緒に各部屋に配置されます。インスタレーションは、ジャズのピアニスト、作曲家のジェイソンモランによる音楽の抜粋と、ノルウェーのサーミ歌手ÁndeSombyによる歌を使用して、ジョナスがデザインしたサウンドトラックによってアニメーション化されています。カスタマイズされた照明は、デザイナーJan Kroezeによって考案されました。

鏡がパビリオンのロタンダの羽目板付きの壁を覆っています。ジョナスは、クリスタルビーズのシャンデリアのような構造物を天井から吊り下げました。波状ミラーはジョナスによって考案され、ムラーノで手作りされました。

ジョアンジョナスは、刺激的なビデオとサウンドのインスタレーションにより、第56回ベニスビエンナーレの国際審査員から特別賞を受賞しました。ジョナスのインスタレーション、ビデオ作品、パフォーマンスは、これらのコンポーネントを図面、小道具、オブジェクト、言語と結びつけ、鏡、距離、ビデオ、物語の媒体を通じて画像がどのように変更されるかについての彼女の研究を反映しています。

パフォーマンスアート
展覧会に関連して、ジョナスは魅惑的な賛辞と海の力への詩的な反応である、ムービングオフザランドのパフォーマンスを発表しました。多層的なパフォーマンスは、読書、ダンス、ライブドローイング、プロジェクションを組み合わせて、海洋の生物多様性のある住民と絶滅の危機に瀕している海洋文化を描写しています。

Joan Jonasのマルチメディアインスタレーション「言葉なしで彼らは私たちに来る」は、2015年7月にヴェネツィアのテアトロピッコロアルセナーレで再現され、一連のパフォーマンスとして発表されました。メディア間の翻訳のこのプロセスは、ジョナスの仕事の継続的な実践です。パフォーマンスのために、アーティストは特に米国パビリオンのために作成されたビデオ映像を再編集しました。彼らは言葉IIなしで私たちのところにやって来て、ジョアン・ジョナスは音と投影された画像に関連して動き、空間と時間を調査し続けます。この作品では、ジョナスは、人間が環境を無視し続けるにつれて、影や幽霊を通して自然界に消える側面を指します。

ジョナスによって考案され、監督された彼らは、言葉を使わずに私たちに来て、ジョナスの長年の協力者であるアメリカのジャズピアニストであり作曲家であるジェイソンモランが新しく作曲した音楽を特集しました。

「ジョアンジョナスが想起するこれらの自然現象は、音とドローイング、動き、およびその他の刺激で実行され、自分自身のために存在し、視聴者に彼らが何であるか、そして何をしているかを伝えます。または彼らの存在のメッセンジャー。」(マリーナワーナー)

「私の仕事のアイデアには、世界がいかに急速かつ根本的に変化しているかという問題が含まれていますが、私はその主題を直接または教訓的に取り上げることはしません」とジョナスは言いました。 「むしろ、アイデアは音声、照明、子供、動物、風景の画像の並置によって詩的に暗示されています。」

ジョアンジョナスは、テアトロピッコロアルセナーレでの彼女の世界初演で、音と投影された画像に関連して、動き、空間、時間を調査し続けています。パフォーマンスのために、ジョナスは米国パビリオンのために特別に作成されたビデオ映像を再編集しました。最初のビデオで取り上げられた子供たちの何人かは、ピッコロアルセナーレ劇場でも生演奏をしました。

アメリカ合衆国パビリオン
アメリカンパビリオンは、ベニスビエンナーレのナショナルパビリオンです。ビエンナーレ開催中の米国の公式代表がここにあります。アメリカのパビリオンはジャルディーニに建てられた9番目のパビリオンでしたが、政府によって建てられた他のパビリオンとは異なり、アメリカのパビリオンは個人所有でした。 3部屋のパラディオ様式の建物は、1930年にニューヨークのグランドセントラルアートギャラリーのために建設されました。所有権は1954年に近代美術館に移管され、1986年にグッゲンハイム財団に移管されました。

米国の国家代表については、専門家の委員会が機関によって作成された提案から選択します。国際展示会の諮問委員会は、国立芸術基金と国務省によって編成されています。数か月にわたるプロセスには、ほぼ100ページの長さのアプリケーションと、発表前の最終的な禁輸措置が含まれます。

ヴェネツィアビエンナーレの米国パビリオンは、1922年にウォルターレイトンクラーク、ジョンシンガーサージェント、エドマンドグリーセンなどによって設立された非営利アーティストの協同組合であるグランドセントラルアートギャラリーによって1930年に建設されました。ギャラリーの1934年のカタログで述べられているように、この組織の目標は「より広い分野をアメリカの芸術に与えることです。ニューヨークだけでなく、全国でより多くの聴衆に、より大きな方法で展示し、世界に向けて展示することです。私たちの芸術が間違いなく持っている固有の価値。」

1930年、ウォルターレイトンクラークとグランドセントラルアートギャラリーは、ベニスビエンナーレでの米国パビリオンの創設を主導しました。パビリオンの建築家は、グランドセントラルアートギャラリーも設計したウィリアムアダムスデラノとチェスターホームズアルドリッチでした。土地、設計、建設の購入は、ギャラリーが負担し、クラークが個人的に監督しました。彼が1934年のカタログに書いたように:

「アメリカの芸術を世界に目立つようにするという私たちの目的を追求するために、数年前のディレクターたちは、国際ビエンナーレの敷地内にあるヴェネツィアの展示ビルの建設に総額25,000ドルを充当しました。デラノ氏とアルドリッチ氏は、計画を惜しみなく寄付しました。この建物は、イストリア産の大理石とピンク色のレンガで構成されており、ヨーロッパのさまざまな政府が所有する公園内の他の25の建物とともに独自のものを保持しています。」

ギャラリーが所有、運営するパビリオンは、1930年5月4日にオープンしました。約90点の絵画と12点の彫刻が、クラークによってオープニング展覧会に選ばれました。注目のアーティストには、マックスベーム、ヘクターケーサー、リリアンウェストコットヘイル、エドワードホッパー、アブラハムプール、ジュリアスロルスホーフェン、ジョセフポレット、ユージーンサベージ、エルマーショフェルド、オフェリアキーラン、アフリカ系アメリカ人アーティストのヘンリータナーが含まれます。ジョンW.ギャレット米国大使がベルガモ公と一緒にショーを開きました。

グランドセントラルアートギャラリーは、1954年まで米国パビリオンを運営し、1954年に近代美術館(MOMA)に売却されました。 1950年代と1960年代を通じて、MOMA、シカゴ美術館、ボルチモア美術館がショーを主催しました。モダンは1964年にビエンナーレから撤退し、米国情報局はペギーグッゲンハイムコレクションから提供された資金のおかげでグッゲンハイム財団に売却されるまでパビリオンを運営していました。

フィリップモリスによる財政支援と1986年アメリカパビリオン委員会が1986年ヴェネツィアビエンナーレで調達した私費により、米国パビリオンでの展示が可能になりました。 1986年以来、ペギーグッゲンハイムコレクションは、米国情報局、米国国務省、国際フェスティバルと展示会の芸術家基金と協力して、米国パビリオンでの視覚芸術展覧会の組織に携わり、ソロモンR.グッゲンハイム財団は建築ビエンナーレで比較可能なショーを開催しました。 2年ごとに全米のミュージアムキュレーターは、アメリカパビリオンに対する彼らのビジョンを、NEA国際展示会諮問委員会(FACIE)が検討する提案の中で詳しく説明します。国際的なフェスティバルや展示会での米国のアーティストのための官民基金。

伝統的に、基金の選考委員会は博物館または学芸員によって提出された提案を選択していましたが、2004年には、後に国務省によって承認された学芸員を指名したアーティストを単に選択しました。

2015年ヴェネツィアビエンナーレ
2015アートビエンナーレは、2011年にバイスクリガーがキュレーションした展覧会、イルミネーションから始まり、マッシミリアーノジョニーの百科事典宮殿(2013)に続く一種の三部作を締めくくります。ラビエンナーレは、オールザワールドの未来とともに、コンテンポラリーアートの美的判断を下すための有用なリファレンスの研究を続けています。これは、前衛芸術と「非芸術」芸術の終焉後の「重要」な問題です。

Okwui Enwezorによってキュレーションされた展覧会を通じて、ラビエンナーレは、外的な力と現象の圧迫におけるアートと人間、社会的、政治的現実の発展との関係を観察するために戻ります。つまり、外部の緊張の方法世界は、感性、アーティストの活力と表現力、彼らの欲求、魂の動き(彼らの内なる歌)を求めています。

ラビエンナーレディヴェネツィアは1895年に設立されました。パオロバラッタは、2008年からその前に1998年から2001年まで社長を務めています。ラビエンナーレは、新しい現代アートのトレンドの研究とプロモーションの最前線に立ち、展示会、フェスティバル、研究を組織しています。芸術(1895)、建築(1980)、映画(1932)、ダンス(1999)、音楽(1930)、および劇場(1934)のすべての特定のセクター。その活動は、最近完全に改装された現代美術の歴史的アーカイブ(ASAC)に文書化されています。

地域社会との関係は、教育活動やガイド付き訪問を通じて強化されており、ベネト地域以降のますます多くの学校が参加しています。これにより、新世代の創造性が広がります(2014年には、3,000人の教師と30,000人の生徒が参加しました)。これらの活動は、ヴェネツィア商工会議所によってサポートされています。大学や研究機関との協力により、特別なツアーや展示会への滞在も行っています。 2012〜2014年の3年間で、227の大学(79のイタリアと148の国際)がビエンナーレセッションプロジェクトに参加しました。

すべての部門で、著名な教師と直接連絡を取りながら、若い世代のアーティストを対象とした研究や制作の機会が増えています。これは、現在ダンス、劇場、音楽、映画のセクションで運営されている国際プロジェクトビエンナーレカレッジを通じて、より体系的かつ継続的になっています。

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