日本風（ジャポニズム Japonism）は、1872年にフランスの批評家、コレクター、プリントデザイナー、フィリップ・バッティによって「芸術的、歴史的、民俗学的な新しい分野を指定するために造られた、日本のデザイン（18世紀の紀伊半島に似ている）、日本のシーンの絵画、日本の美学の影響を受けた洋画、版画、装飾芸術20世紀の奨学生は、ジャポナイゼリ、西洋の日本人やオブジェクトの描写日本の美学が西洋美術に及ぼした影響をより深く理解することができます。
Japonismeは、日本の芸術と芸術的な才能の研究です。 ジャポニズムは、西洋文化を通して美術、彫刻、建築、舞台芸術、装飾芸術に影響を与えた。 この用語は、特に印象派におけるヨーロッパの芸術に対する日本の影響を指すために特に使用される。
浮世絵
1860年代から、日本の木版画であるウキョウヨウが多くの西洋人アーティストのインスピレーションの源になった。 浮世絵は17世紀に開かれた日本の絵画学校として始まりました。 浮世絵の木版画は、安価でお土産のイメージの需要に合わせて作られました。 プリントは安価でしたが、革新的で技術的なもので、それぞれの価値をもたらしました。 これらのプリントは、単一の顧客を念頭に置いて作成されることはめったになく、むしろ日本の商業市場用に作成されたものです。 オランダの貿易商人を通じて印刷物の一部が西に持ち込まれたのですが、1860年代までは、ヨーロッパでウキヨプリントが人気を博しました。 西洋の芸術家は、元の色と構成の使用によって興味をそそられました。 浮世絵のプリントには、劇的な短縮と非対称の構成が特徴です。
歴史
セクレッション（1639-1858）
江戸時代（1639-1858）には、日本は孤立しており、国際港は1ヵ所しか残っていませんでした。 徳川家光は、日本が輸入を受けることができる長崎の海岸に、島島、デジマを建てるよう命令した。 オランダ人は日本人と貿易を行うことができる唯一の国でしたが、この僅かな接触が、日本の芸術が西洋に影響を与えることを許しました。 毎年、オランダは貿易のために西洋の商品でいっぱいになった船の艦隊で日本に到着しました。 貨物では、多くのオランダの絵画や数多くのオランダの写真が寄せられました。 ShibaKōkan（1747-1818）は、オランダの輸入品を研究した著名な日本のアーティストの一人でした。 Kōkanは、日本で最初に取り上げられた論文の一つを作りました。これは、輸入された論文の一つから学んだ技術でした。 彼は論文から学んだ直線的な視点の技法と、それ自身の浮世絵様式の絵を組み合わせるだろう。
セクレッション時代の磁器
孤立時代を経て、日本の商品は、ヨーロッパの君主によって贅沢に求められていました。 日本の磁器製造は、長崎近郊のカオリン粘土の発掘の後、17世紀に始まりました。 日本のメーカーはヨーロッパで磁器の人気を知っていたため、オランダの貿易のために特別に生産された製品もありました。 磁器や漆器は、日本からヨーロッパへの主要輸出国となった。 ポーセレンはバロック様式とロココ様式の君主の家を飾るために使われました。 家庭に磁器を展示する一般的な方法は、磁器室を作ることでした。 棚は、エキゾチックな装飾を表示するために部屋全体に配置されます。
19世紀の再開
ケーイ時代（1848-1854）には、200年以上の隔離の後、様々な国籍の外国商船が日本を訪れ始めました。 明治維新後、1868年に日本は長年の国家孤立を終え、写真や印刷技術を含む西洋からの輸入に開放されました。 この新しい貿易開放により、パリとロンドンの小さな好奇心の店に日本の芸術品や工芸品が現れ始めました。
ジャポニズムは、日本の芸術、特にウキョウの蒐集の流行として始まりました。 ukiyo-eの最初のサンプルのいくつかはパリで見られるはずでした。 1856年頃、フランスの芸術家、フェリックス・ブラクモンドは、彼のプリンター「オーギュスト・デラートレ」のワークショップでスケッチブック「北斎漫画」のコピーを見つけました。 スケッチブックは、1854年に日本の港が世界経済に開放された直後、DelaTreのワークショップに到着した。 したがって、日本のアートワークはまだ西洋で人気を博していませんでした。 この発見以来、日本の版画に関心が高まっていました。 彼らは好奇心の店、茶倉庫、大きな店で売られていました。 日本と中国の輸入販売に特化したLa Porte Chinoiseなどのショップ。 La Porte Chinoiseは特に、James Abbott McNeill Whistler、ÉdouardManet、Edgar Degasといったアーティストからインスピレーションを得て作品を魅了しました。
現時点でヨーロッパのアーティストは、厳格な学術的手法に代わるスタイルを模索していました。 La Porte Chinoiseのようなお店が集まり、日本の芸術や技術に関する情報の普及を促進しました。
アーティストやムーブメント
浮世絵は西洋美術の日本的な影響の一つであった。 カラフルな背景、現実的な内装と外装のシーン、そして理想化された姿に魅了されました。 ウイキョウの対角線、視点、アシンメトリーに重点を置いていましたが、このスタイルはすべてこのスタイルに適応した西洋のアーティストに見られます。 独自のイノベーションを生み出した個人として、各アーティストを勉強する必要があります。
ヴィンセント・ヴァン・ゴッホと木版画カラーパレット
ヴィンセント・ヴァン・ゴッホは、「Illustrated London News」と「Le MondeIllustré」のフィリップ・レガミーによるイラストを発見したとき、日本の版画に深い興味を持ち始めました。 Régameyは木版画を作成し、日本のテクニックに従い、多くの場合日本の風景を描写しました。 ヴァンゴッホは、日本人の芸術的な実践や日常生活の場として、レガメイを信頼できる源泉としていました。 1885年から、ヴァン・ゴッホは、レゲエなどの雑誌イラストを収集することから、小さなパリのお店で買うことができる集英社のプリントに切り替えました。 ヴァン・ゴッホは同時代の人々とこの作品を共有し、1887年にパリで日本の版画展を開催しました。ヴァン・ゴッホのペレ・タンギーの肖像画（1887年）は、色彩商人のジュリアン・タンギーの肖像画です。 ヴァン・ゴッホはこの肖像画の2つの版を制作しました。どちらも日本の版画を背景にしています。 Tanguyの背後にある印刷物の多くは、広重と国政のようなアーティストが出演しています。 ヴァンゴッホは肖像画に鮮やかな色を塗りつけた。 彼はバイヤーがもはやグレートーンのオランダの絵に興味がなく、むしろ多くの色の絵が現代的であり、追求されていると信じていた。 彼は日本の木版画と色とりどりのパレットに触発されました。 ヴァン・ゴッホは自分の作品に、日本の木版画で見た絵の前景と背景の色の鮮やかさと、光を利用して明瞭にすることを取り入れました。
エドガー・ドガと日本の版画
1860年代、エドガー・ドガはパリのラ・ポルト・チノワーズ（La Porte Chinoise）やその他の小さなプリントショップから日本の版画を集めるようになりました。 Degasの同時代の人々も、彼にインスピレーションのための大きなコレクションを与えたプリントを収集し始めました。 Degasに示されたプリントの中には、Dela TrereのワークショップでBracquondの作品を見た後にBracquondが購入した、HokusaiのRandom Sketchesのコピーがありました。 Degasの印刷物へのDegasの採用予定日は1875年です。日本の印刷スタイルは、壁を斜めに、斜めに、水平にバリアを置いて個々のシーンを分割するために、Degasの選択で見ることができます。 多くの日本人アーティストと同様に、デガのプリントは、女性とその日常生活に焦点を当てています。 女性の人物の非定型的な配置とデガの版画の現実感への献身は、北斎、うたamaロ、すけのうなどの日本人の製作者と彼を結びつけた。 ルーヴル美術館（1879-1880）のデガのプリントメアリー・カサット（Mary Cassatt）では、日本の版画とドガの作品の共通点は、立っているものと座っているものの2つの数字で見ることができます。 図の構成は、日本の版画によく似ていた。 また、Degasでは、ラインを使用して深みを作り、シーン内の空間を分割しています。 ドガの最も明確なのは、北斎の無作為スケッチから直接借りた閉じた傘に乗っている女性のことです。
ジェームズ・マクニール・ウィスラーと英国のジャポニズム
日本の芸術は1850年代初めに英国で展示されました。 これらの展覧会では、日常からの地図、手紙、織物、物体など、さまざまな日本のものが展示されました。 これらの展覧会は、英国の国家的誇りの源泉となり、一般化された「オリエンタル」文化のアイデンティティーとは別の日本人アイデンティティを創造しました。 James Abbott McNeill Whistlerは、イギリスを中心に活動していたアメリカ人のアーティストです。 19世紀後半、ウィスラーは同時代の人々が好んだ現実主義の絵画を拒絶し始めました。 代わりに、ウィスラーは日本の美学でシンプルさと専門性を見つけました。 ホイッスラーは、特定の日本のアーティストや作品をコピーするのではなく、日本の一般的な表現方法や構図に影響を与え、作品に取り入れました。 したがって、ウィスラーは絵画の中で日本の物を描くことを控えていた。 その代わりに、彼は構成的な側面を使ってエキゾチックな感覚を与えました。 WhistlerのThe Punt（1861）は、非対称的な構成と短縮化の劇的な使用に興味を示しました。 このコンポジションスタイルは、同時代には10年ほど前から人気がありませんでしたが、以前の浮世絵の特徴でした。
装飾芸術における日本の影響
ゴンコート兄弟は、1851年に日本の芸術1で飾られたリビングルームをジャーナルに描いています。1853年以降、ヨーロッパでは1855年以降、日本は徐々に国際貿易に参入し、ファン、ラッカー、磁器、プリント…アーティストと西洋の芸術愛好家を魅了しました。 1856年、フェリックス・ブレイクモンドはプリンター「アウグスト・デラトレ」のワークショップで北斎のマンガを発見しました。これは171番のサン・ジャック通りにあり、磁器の積み荷を塞いでいました。 1867年にユージン・ルソーのために作った陶器のサービスで彼の動物像を再現することで、彼は日本のアーティストを直接コピーするヨーロッパの最初のアーティストになりました。
少なくとも1850年から、ホテルドリューは1年に1回、日本の美術品を一般に販売しています。 イギリスでは、1852年に施設による日本の作品の購入が始まり、1862年以降、英国スタイルの家具の外観に影響を及ぼした。 1859年から1861年にかけて、ユーラリオの白黒の複製がDelaTreやViscount Adalbert de Beaumont、陶器のEugène-Victor Collinot、および1859年にヴィルヘルム・ハイネによって1859年にアブラハム・オーギュスト・ローランドによって翻訳されたフランシス・ホークスによる日本へのコモドール・ペリー探検隊の関係、あるいは1858年に再開された外交旅の関係で、チャールズ・ド・シャスロン南軍、ローレンス・オリファント、シャーアード・オズボーンエルギンの使命のメンバー。
商人の茶Decelle in the Sign中国帝国では1857年45番と1862年から1885年にかけて55番、Rue Vivienne、BouilletteにあるChina Gateの看板で、1855年から1886年には36番の同じ通り1860年にGoncourtの兄弟を印刷する様々な “中国の製品、インドと日本”、1862年の手紙に関連する1861年のBaudelaireを販売し始めた： “ずっと前に” japanic “というパケットを受け取った。それらを私の友人に配布しました」フェリックス・ブレイクモンドとアルフレッド・スティーブンサルソは、中国語の門を頻繁に使います。 同様に、1861年または1862年にルーヴル美術館近くのE.Dooye、Rue de Rivoliにオープンして以来、Real De SoyeはBaudelaireを驚かせる日本の美術や絵本の販売を専門としています。 これらの企業は、上記のほかにJames Tissot、Henry Fantin-Latour、Dante Gabriel Rossetti、Manet、Degas、Monet、Carolus-Duranなど、多くのアーティストの顧客を迅速に数えます。
ジェームス・マクニール・ウィスラーは、おそらくデルタールのフェリックス・ブレイクモンドと出会うでしょう。彼は1858年にフランス語と呼ばれる一連のエッチングをプリントしています。 彼はまた、スティーブンスが絵画を展示していたパリ・サロンの絵画と彫刻の開館の数日後、1863年5月10日にロンドンでスティーブンスを見ましたが、Whisterは白の女の子（交響曲は白、No 1 1863年5月15日に開かれた「The White Girl」サロン・デ・フェルセーゼ。その後、1863年10月初旬のパリへの新たな旅の間、ヘンリ・ファンティン・ラトゥールを通してボーデレールが彼に贈られた。 一方、James Tissotは、1856年にルーヴル美術館で会ったが、Whistler 1863-1865によれば、この新しいテーマを絵画に使用することの優位性から生まれたある種のライバルである。
したがって、1864年1月に実現した後、パープルとローズ：6つのマークのランゲ・ライゼン、実際には中国語に現れた最初のオリエンタル・ペインティング、ウィンスラーは1864年4月にファンティンから受け取りました。彼は1863年からパリに行き、ロセッティから他の人たちを借りて、紫と金のカプリスを含む日本のモチーフを描く3つの絵を描きました。 1865年3月頃に完成するゴールデンスクリーンと陶磁器の王女、ティソは日本の風呂をはじめとする同じテーマの3つを実現しました。 ますます多くの店舗への需要を満たすために、1874年には1874年にジークフリードビングと同じように19番地にある日本美術のサインでChauchatを、その後22番のプロヴァンスとPhilippe Sichel 11番には、1883年に日本でビベロッパーを発表し、所有者はサン・レヴァントへの遠い旅であるSoyeのような仕事をしています。
1859年以来、日本に駐在する外交官、ラザフォード・アルコック卿は、1862年のユニバーサル・エキシビションで、612の日本の人工物を個人的に収集しました。 デザイナーChristopher Dresser（1834-1904）は彼を数冊買って、1876年に日本政府に日本に招かれた。彼はおそらく漆塗りの椅子の著者であり、英日の家具の先駆者と考えられていたまた、1862年の展覧会でAF BathのBornemann＆Coによって発表され、1867年からEdward William Godwin（en）の家具、特にDromoreの城の家具が展示されます。 日本の影響下では、ナポレオンIIIスタイルの家具も黒い漆を使い、時にはマザー・オブ・パールで覆われています。
1867年にパリで開催された世界博覧会では、建築家アルフレッド・チャポン（Alfred Chapon）の指揮のもとに建てられた国のパビリオンであるチャンプ・ド・マース14に、初めて日本が紹介します。 ブルジョワ家は、薩摩府知事の後援の下、日本の職人によって建てられ、同じ年の10月に開催される将軍と皇室修復の支持者に反対した。日本は彼女の自由選択、彼女の様々な芸術的、工芸的、工業的な作品の数千点のオブジェクトは、イタリアのセクションに表示される彫刻のほかに; フェリックス・ブレイクモンドは彼に “ルソー・サービス”を公開する。 展覧会の終わりに、これらのアイテムの1300は一般に販売されています。 それ以来、日本の芸術は大規模に評価され始めました。 同じ年、James TissotはAvenue Fochの邸宅に日本のサロンを設立しました。
1868年、明治時代、コレクター、美術評論家（アンリ・チェルナス、テオドール・デュレ、エミールギメ）、画家（フェリックス・レガメイ）、1870年代に日本で旅をし、 1880年代の日本の作品の普及に寄与し、ヨーロッパ、特にフランスでの普及に寄与し、1878年の世界博覧会では、Bingコレクション、Burty、Guimetなど数多くの日本の作品が紹介され、ジャポニズムの流行のクライマックスとなった。
1867年から、ガブリエル・ヴィアードーは日本の家具を生産し、続いてユグエット・アメーバルメントを生産しました。 1875年頃、ÉdouardLièvreはキャビネットワークショップを創設し、1875年にはÉdouardDetailleの邸宅のものを含む豪華な家具を製作し、Paul SormaniやFerdinand BarbedienneやChristofleのような金細工師などの他のキャビネットメーカーと共同作業を行った。 1877年、ウィスラーはロンドンのピーコックルームのインテリアを実現しました。
1878年のユニバーサル・エキシビジョンへの日本代表団の翻訳者としてパリに到着し、そこにとどまることを決断した林Tadamasa（またはTasamasa）は、1883年に、輸入会社Kenzaburô（若井兼三郎）として知られるWakai Oyaji北島の伝記作者、飯島半十郎は、日本の美術品の17点を印刷し、続いて飯島漢字を印刷した。 1886年、Tadamasaは、パリの芸術と文化にパリの作品を紹介しました。 Tadamasaはまた、1889年の日本の警察署ユニバーサル・エキシビジョンに参加しました。1890年、彼はパリのヴィクトワール通りにある65歳の店を開店し、1894年にはルーヴル美術館で剣士の警備員を召集しました。 日本への11年間の活動と帰国旅行では、156の487枚のプリントを含む218の納品を受け取ります。 彼はEdmond de Goncourtによって書かれたOutamaro（1891）とHokousai（1896）の本にも積極的に協力し、日本語のテキストと無数の情報の翻訳を提供しています。 ルイスゴンセも彼の著書「日本の芸術」に彼の知識を使用しています。
ピエール・ロティの小説、1887年に出版されたChrysanthème、Madameは、このジャポニズムのファッションを強調し、普及させただけです。 1878年、1889年、1900年のパリの世界的な展覧会では、建築、版画、陶磁器生産の両方に日本が非常に存在しています。 日本の作品は、1884年のアドルフ・ティエールの遺産のおかげでルーヴル美術館のコレクションに入り、1892年には宗教作品も手に入れました。1900年の世界博覧会では、林忠政が日本の素晴らしい作品明治天皇は個人的なコレクションからもいくつかの作品を提供しています。
この動きはBracquemondに加えて、彼の友人Marc-Louis SolonやJean-Charles Cazinなどの他の陶芸家たちもHorace Lecoq de Boisbaudranの絵画学校のFantin-Latourと同級生であり、1867年に設立されたJinglar日本の会社に集まったまた、Carrièsのようなエナメル加工された石器、クリストフルの家の漆喰や飾り金属、織物の装飾やファッションの生産などがあります。 サミュエルビンが1895年から彼のプロモーションに彼のアートギャラリーを捧げて守護者になったアールヌーヴォーの全体は、エミールガレを含む多くの参考文献と日本の影響を含んでいます。
日本の芸術への影響
ヨーロッパのアーティストに影響を与えた日本の主なアーティストは、北斎、広重、うたamaロでした。 当時の日本のエリートによって軽く人気のあるアートを制作しているため、日本ではほとんど認められていないアーティストです。 このように、日本の宗教は、消え去ることのできる作品を救い、日本の芸術の新しい道を開拓しました。
それに代わって、日本の西洋人の到着は日本のアーティストの間で多くの反応を引き起こしました。 例えば絵画分野では、日本画のキヤノンを永続させようとしていた、いわゆる「日本の道」と、日本の絵画のキヤノンを永続させようとしていた、いわゆる「西方」の2つの偉大な学校が形成されました。 ）は、油絵の技法やモチーフを開発した（白馬協会の創始者である黒田精機と久米啓一郎を参照）。
しかし、ジャポニズムの逆の動きは、文明開化（文明開化）、中国語から「文化文明」、「文明の孵化」と呼ばれている。 彼は近代化と西洋化の影響にもっと関心を持って日本のアーティストの関心を引き付けませんでした。 日本の芸術家や研究者が日本の文化を学ぶには長い時間がかかりました。
1850年代後半までに、パリでは、1871年に231歳のウィスラーとティソとモネ、1900年後には200歳近くのロダンなど、パリで日本の版画を購入したアーティストもいました。ファンティン・ラトゥール、エドゥアール・マネ、Carolus-Duran、Mary Cassatt、ジュゼッペ・デ・ニティスも日本の版画を集めた。 Van Goghは1885年にアントワープでそれを購入し、400以上を所有していました。
1864年から1864年にかけて、1867年から1868年にかけて、徳川皇太子、ウィスラー、ヴァンゴッホ、モネに描かれていたティソットは、スティーブンス、ドガ、マネットの作品にも関わらず、ジャポニズムの信者であった、Breitner、Renoir、Chaseなど、さらにはウクライナ・ポーランド人のBilińska-Bohdanowicz、Klimt、Auburtin、Gauguinなどでさえ、VuillardやBonnardのようなNabisが画面に表示されることがあります。
アルフレッド・スティーブンスはまた中国扉の店を頻繁に訪れ、そこで極東から物を買った。 1867年の万国博覧会では、美術評論家のロバート・ド・モンテスキオウがGazette des Beaux-Artsで挨拶するパリのインド（Exotic Bibelotとも呼ばれる）を含む18の絵画を展示します。 1866年からピンクの女性が先行し、1868年には1892年頃にいくつかの日本画が描かれています。 1893〜1894年に、オランダの画家George Hendrik Breitneralsoは、自分の写真に触発された色々な着物の少女を少なくとも6つのキャンバスで展示します。
1888年、オーギュスト・レペールはフェリックス・ブレイクモンド、ダニエル・ビエージュ、トニー・ベルトランドの「L’Estampe」オリジナルを創作し、新しいプロセスや彫刻のトレンド、特にカラーに関心を持つアーティストやアマチュアに注目しました。 日本の影響が装飾芸術に大きな影響を及ぼしているこの時期、アンリ・リヴィエールは1888年から1902年にかけて、エッフェル塔の36の見解を実感しました。 1891年、VallotonはPaul GauguinやÉmileBernardとの木版画を更新し、Toulouse-Lautrecは1889年にオープンしたMoulin Rouge-La Goulueと呼ばれる有名なキャバレーと同じ年を描いたポスターの芸術に革命を起こしました。 1895年から1909年までのアメデオ・ジョヤウの木彫り作品もジャポニズムの痕跡を残しています。
新しい美学の普及に参加するパリでは、日本版画の大規模な展覧会も開催されています。 1873年、フィリップ・バーティーの先駆的な重要作品に加えて、アンリ・チェルヌスキーとテオドール・デュレは、1871〜1873年の航海で収集された作品をパレ・ド・レ・インダストリーに展示しました。 1883年、Georges Petit Galleryは、Gazette des Beaux-ArtsディレクターのLouis Gonseによって企画された3000点の美術品の回顧展を開催しました。 1888年には、彼のギャラリー「アート・オブ・ザ・ノー・プロヴァンス」（22才）に美術評論家や若手画家が集まり、サミュエル・ビンは日本での彫刻芸術の歴史展を開催し、雑誌、Le Japon artistique、特にナビスとグスタフクリムトが読んだ。 1890年に、彼の友人のコレクションのおかげで、Bingはパリの美術学校で、760枚のプリントを含む日本の巨匠の展覧会を企画しました。ポスターはジュール・チェレによって設計されています。 1909年から1913年まで、装飾美術館で6つの展覧会を印刷することに専念したRaymond Koechlin
日本の芸術と文化の影響を受けたアーティスト
グスタフクリムト
グスタフ・クリムトの最も有名な陶器の絵画は、アデーレ・ブロッホ・バウアーの第二の肖像画です。 クリムトの最後のスタイルでは、彼はノルウェーのフーヴィストの影響を受けました。
ジェームス・ティソット、ジェームズ・マクニール・ウィスラー、エドゥアール・マネット、クロード・モネ、ヴィンセント・ヴァン・ゴッホ、エドガー・ドガ、ピエールオーギュスト・ルノワール、カミーユ・ピサロ、ポールゴーギャン、アンリ・ド・トゥールーズ・ロートレック、メアリー・カサット、バター・ラム、ウィリアム・ブラッドリー、オーブリー・ビアズリー、アーサーWesley Dow、Alphonse Mucha、Gustav Klimt、Pierre Bonnard、Frank Lloyd Wright、Charles Rennie Mackintosh、Louis Comfort Tiffany、Helen Hyde、Georges Ferdinand Bigot、
文学や詩では、xix世紀のフランスの作家は、ある種の古典主義に立ち向かい、オリエンタリズムや日本の芸術などを見る必要があると感じています。 日本に関しては、新しい感性や美学からインスピレーションを得るのはそれほどテーマを取り上げることではありませんでした。 これらの著者の中にはCharles Baudelaire、StéphaneMallarmé、Victor Hugoがあります。
他の作家は、Marcel Proust、Edmond de Goncourt、Emile Zolaなど、芸術と日本の精神について書いています。 ピエール・ロティは、最も有名な小説「マダム・クリザンテーム」（1887年）を執筆し、彼のテーマとして、若い日本人女性と1ヶ月結婚し、マダム・バタフライとミス・サイゴンの先駆者と、物語と旅行の日記。
ジャポニズムの過度に対応して、作家のチャンフフラリーは1872年から「ジャポネセリー」を捏造した。 彼は、この新人の卑劣な者によって、批判的精神を巧みに抱きしめていないことを非難しています。それは、日本のすべてのフランスのサークルに囲まれています。 その言葉は、フランシスヨンのAlexandre Dumas Jr.の演劇に現れる「Japanese Salad」、Pierre Lotiに触発され、「mousme」という言葉を象徴するジャンクのエロティシズムなど、 。
音楽の日本主義
1871年、カミーユ・サン=サーンスは、若いオランダ人の女の子が彼女のアーティストの友人が日本の版画で作った固定具を嫉妬しているルイス・ガレットの手紙に、イエロー・プリンセスという1つの行為でオペラを書いた。 1885年、漫画オペラ「The Mikado」がアーサー・サリバンによってロンドンで、ウィリアム・S・ギルバートとオペラ「マタイ・バタフライ」によって、100年にミラノでルイージ・イリカとジュゼッペ・ジアコサの対訳付きで制作されました。 1892年、サン・オノレー通りの新サーカスで与えられた日本のバレエ「パパ・クリサンツ」は、1895年にビールの依頼を受け、ルイス・コンフォート・ティファニーによって実行されたトゥールーズ・ロートレックのステンドグラス・ウインドウを呼び起こします。
詩人に続いて、ミュージシャンは、より簡潔でより鋭い詩に興味を持って、オペラの分野のために予約された偉大な宣言よりも繊細な旋律の発展を可能にした。 この精神で古典的なマドリガルの精度に戻って、フランスの作曲家の注目はフランス語の唐とハイカの翻訳に変わった。
日本の詩に積極的に専念した最初のミュージシャンの1人はモーリス・デラージュでした。 1911年の終わりにインドと日本を旅し、1912年にそこにとどまった。フランスに戻り、彼は彼の友人ストラヴィンスキーが1913年に音楽に入れた詩を自分自身に翻訳する詩的な微妙な熟練を十分に持っていた。タイトルの下で日本の歌詞の3つの詩。
3年後、ジョルジュ・ミゴットは古典詩人の詩から声とピアノのために日本の7枚の小さな絵を書いた。
1925年、モーリス・デラジはソプラノと室内楽のアンサンブル（フルート、オーボエ、フラット、ピアノ、弦楽四重奏のクラリネット）のために9月に嫌われたKaïsの創作を目の当たりにした。
1927年、Jacques Pilloisは五重奏（フルート、ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ、ハープ）のためにCinqhaï-kaïを提案した。 俳優は作品の間に読み込まれます。
1928年から1932年の間、ディミトリ・ショスタコーヴィチは、テノールとオーケストラのために、日本の詩人によるテキストに6ロマンスのサイクルを編成しました。 テキストは、ストレイヴィンスキーが3つの詩を借りた日本の歌詞のコレクションから部分的に取り出されています。 ロシアのミュージシャンの好きなテーマには、恋と死を中心にしたテーマがあります。 彼は最初の3つのロマンスを最初の年、1931年の4番目と1932年の最後の2つのロマンスを作った。
1951年、アメリカの作曲家ジョン・ケージは、その次にピアノのためのCinqハイクスを提案し、翌年には7つのハイクスを提案した。 MichaëlAndrieuによれば、ミュージシャンは、「最小限のフォームの愛好家は、彼のキャリアの後半に俳句に興味があるでしょう」。
1912年までに、ボフスラフ・マルティニュは、1963年に創作されたソプラノとインストゥルメンタル・アンサンブルの7つのメロディーを、ニッポナーリで構成しました。
同じ年、オリヴィエ・メシアンは、7つの俳優、ピアノとオーケストラのための日本のスケッチを作った。
作曲家フリードリッヒ・セッラ（Friedrich Cerha）もミカエル・アンドリュー（MichaëlAndrieu）によると、「本当に日本を参考にして」という俳句を作ったが、テキストの内容は自然と詩的なイメージへのすべてのリンクが失われている。私が疲れているほど、私はウィーンにいるのが好きです…）」。
流行のジャパニズム
XIX世紀の後半より前に、ヨーロッパ人は日本で文化的意義はほとんどない。 しかし、XVII世紀では、日本の着物はオランダの東インド会社によってヨーロッパに輸入され、裕福なヨーロッパ人がガウンとして着用しています。 これらの本物の衣類の輸入は限られており、市場はオランダの「Japonsche rocken」（日本式ドレス）、フランスの「Indian dressing gowns」、「Banyans」インドの商人 “）。 1868年（明治時代）に日本がオープンした後は、着物衣装で着物が採用されました。（オーギュスト・ルノワールのマリア・ヘリオット（1892年）は室内着物で表現されていますが、1908年にはCallot Sistersが再解釈されました着物の着こなし、生地は西洋のドレス、例えばクリノリンのドレスを作るのに使われていました（Belle Epoque中の西部の女性の状態を参照）。 日本のモチーフは、リヨンのシルクの植物、小動物、さらには家族のキャビネットなどの西洋の織物にも適応しています。 20世紀になって、着物の形が最終的に衣服と混同されてしまう点には一般的になっていると、伝統的な着物は西洋のファッションに本当の影響を及ぼします。
日本の庭園
Josiah Conderの日本の風景ガーデニング（Kelly＆Walsh、1893）によって、日本の庭園の美しさが英語圏の世界に紹介されました。 それは、西洋の最初の日本の庭園を引き起こした。 1912年に第2版が必要とされた。コンダーの原則は、
その地方の衣服やマラニズムを奪った日本の方法は、あらゆる国の庭園に適用可能な審美的な原則を明らかにし、どのようにして詩や絵に変換するかを教えます。団結と意図
サミュエル・ニューサムの日本庭園建設（1939年）は、アルパイン・スカリーの近似でアルパインを育てたいという19世紀半ばの願いから、西洋のまったく別の起源を理由に、ロック・ガーデンの建設で日本の美学を矯正として提供しました。ガーデンヒストリーソサエティによると、日本のランドスケープガーデナーの楠本世満は、英国の約200の庭園の開発に携わっていました。 1937年、チェルシー・フラワー・ショーでロック・ガーデンを展示し、ハートフォードシャー州のCotteredにあるBognor Regisの日本庭園のBurngreave EstateとロンドンのDu Cane Courtの中庭で働いた。
印象派の画家であるクロード・モネは、ジベリーにある彼の庭の一部を、何百回も描いたユリ池の橋のような日本の要素の後にモデル化しました。橋やユリのようないくつかの選択点だけを詳述することによって、彼は豊かなコレクションを持っている浮世絵のプリントに見られる伝統的な日本の視覚的な方法に影響を受けました。彼はまた、よりエキゾチックな気分にするために、多くのネイティブな日本の種を植えました。
博物館
米国では、日本の芸術との魅力は、コレクターや美術館にまで及んでいます。コレクションは依然として存在し、多くの世代のアーティストに影響を与えています。 震源地は、アジア美術の先駆的な収集家であるイザベラ・スチュワート・ガードナーのおかげで、ボストンでした。 その結果、ボストン美術館は現在、日本国外でも最高級の日本美術を収蔵しています。 フリーアギャラリーとアーサーM.サックラーギャラリーは、米国最大のアジアの美術研究図書館を所蔵しており、日本の影響を受けたウィスラーの作品とともに日本の美術館を所有しています。