日本画

日本絵画は、日本の視覚芸術の中で最も古く、最も洗練されたものであり、多種多様なジャンルやスタイルを網羅しています。 日本美術の歴史と同様に、日本の絵画の長い歴史は、日本の美学と、多くの点で特に影響を与えた中国の絵を中心に、輸入されたアイデアの適応との合成と競争を示している。 重要な西洋の影響は、日本の芸術が西洋の芸術に影響を与えているのと同時に、16世紀後半からしか生じない。

中国の影響が繰り返されている主題の分野には、仏教の宗教絵画、中国の文芸絵画の風景のインキ洗い絵画、表意文字の書道、動植物、特に鳥や花の絵画などがあります。 しかし、これらの分野では日本の伝統がはっきりと発達しています。 日本画の特徴であると広く認識されている主題は、日常からの場面や描写の場面を描いたものであり、多くの場合、図や細部が混在している。 この伝統は、中世初期に中国の影響下ではじまり、最も一般的な言葉を除いてトレースを越えて始まったが、最も初期の生き残った作品の期間から現代まで持続した特に日本の伝統に発展した。

正式な国宝（リスト）には、8月から19世紀までの作品（158冊）が含まれていますが、中国の絵画は数多くあります。早期から。

タイムライン

古代日本とアスカ期間（710年まで）
日本の絵画の起源は、日本の先史時代に遡ります。 ヨモン時代の陶器や弥生時代（300 BC〜300 AD）の青銅の鐘には、簡単な形状表現や植物、建築、幾何学的デザインが見られます。 コフン期とアスカ期（300〜700年代）の数多くの古墳において、幾何学的図形と幾何学的図形の両方の壁画が発見されています。

漢字、漢字の導入、仏教の登場とともに、中国から多くの芸術作品が日本に輸入され、同様のスタイルの地元のコピーが制作され始めた。

奈良時代（710-794）
6世紀と7世紀の日本における仏教の確立により、宗教画は栄え、貴族によって建てられた多くの寺院を飾るために使われました。 しかし、奈良時代の日本は、絵画よりも彫刻の分野で重要な貢献をしていると認識されています。

この間に生まれた初期の絵画には、奈良県伊香保市の弘利寺の近藤（金堂）内壁の壁画がある。 これらの壁画や重要な玉兵神社の絵画には、仏、菩薩、様々な小神々の象徴的なイメージに加えて、歴史的な仏陀、釈迦牟尼の生活からのエピソード、ジャタカのような物語が含まれています。 このスタイルは、Sui王朝または16世紀後半の中国の絵画を連想させるものです。 しかし、奈良中期にかけて、唐時代の絵は非常に人気がありました。 700年顷、高松塚にある壁画も含まれています。 このスタイルは、平安時代初期にも残った（カラエ）ジャンルに発展しました。

奈良時代の絵画の大部分は本質的に宗教的なものなので、殆どが匿名の芸術家です。 奈良時代の美術品、日本人、中国の唐代の蔵書は、以前は東大寺が所有し、現在は皇室が運営していた8世紀の蔵書店に保存されています。

平安時代（794-1185）
新門と天台の宗教宗派の発展に伴い、8世紀と9世紀の絵画は宗教的なイメージが特徴で、特にマンダラ（マンダラ・マンマラ）が描かれています。 多くのマンダラの版、最も有名なダイヤモンドレルムマンダラとウブンレルムマンダラは、京都の東寺で吊り下げ柱として、また寺院の壁に壁画として作られました。 注目の初期の例は、京都の南部の寺院の5階建ての塔です。

10世紀に日本の仏教の純粋宗派がますます重要になってきたため、これらの宗派の信心深いニーズを満たすために新しいイメージタイプが開発されました。 阿弥陀如来を描いている阿弥陀如来を描いた「来月幻」と、阿弥陀如来の西洋の楽園を去った忠誠心の魂を歓迎するために到着した「紀念」。 京都宇治の寺院の鳳凰堂の内部には、1053年の初期の例が描かれています。 これは景観の現実の様子を映し出すような柔らかい転がり丘のような風景要素が含まれている限り、いわゆる大和絵（日本画絵画）の初期の例でもあります。西日本 しかし、芸術的には、このタイプの絵は、唐朝の中国の「青と緑のスタイル」の風景画の伝統によって引き続き報道されています。 ヤマトは、日本の美術学者の間で議論され続けている不​​正確な言葉です。

平安時代は、当初は主にスライドドア（襖）と折り畳みスクリーン（ōōbu）に使用されていた大和の黄金時代とみなされます。 しかし、新しい絵画形式も、特に、平安時代の終わりに近づいてきました。エマキモノや長いイラストレーションのハンドスクロールを含みます。 エマキモノの品種には、源氏物語などのイラスト、小説、宗教作品などが含まれます。 いくつかのケースでは、Emakiの芸術家は仏教の芸術で古くから使用されていた絵の物語の慣習を採用したが、他の時代には根本的な物語の感情的な内容を視覚的に伝えると考えられる新しい物語モードを考案した。 源氏物語は控えめなエピソードに編成されていますが、より活気のある禁止の大乗隊エコトバは物語の前方への動きを強調するために連続的な物語モードを使用します。 これらの2つのエマキーも、文体的にも異なっています。バンダイナゴンの急速なブラシストロークと淡い色合いは、源氏のスクロールの抽象的な形と鮮やかなミネラル顔料にはっきりとは対照的です。 SanjōPalaceの包囲は、このタイプの絵のもう一つの有名な例です。

E-makiは、onna-e（「女性の絵」）とotoko-e（「男性の絵」）と絵画のスタイルの、最も初期で偉大な例の一部としても機能します。 2つのスタイルには多くの細かい違いがあります。 これらの用語は各性の審美的嗜好を示唆しているように見えるが、日本の芸術家の歴史家は長い間、これらの用語の実際の意味を議論しており、依然として不明である。 おそらく最も簡単に目立つのは、主題の違いです。 源氏物語の手で描かれた恩納は、宮廷の生活や恋人の儀式を扱っていますが、歴史や半伝説的な出来事、特に戦いが多いです。

鎌倉時代（1185-1333）
これらのジャンルは、鎌倉時代の日本でも続いた。 いろいろな種類のE-makiが引き続き生産されました。 しかし、鎌倉時代は絵画ではなく、彫刻の芸術によってはるかに強く特徴付けられていました。

平安時代と鎌倉時代の絵画の大部分は本質的に宗教的なものなので、殆どが匿名の芸術家によるものです。

室町時代（1333-1573）
14世紀には、鎌倉や京都の禅宗の偉大な修道院が、視覚芸術に大きな影響を与えました。 中国の宋と元朝から導入された厳しい単色の墨絵であるSuibokugaは、禅僧のチンソーの絵のように多色の肖像画が残っていたにもかかわらず、前期の多色スクロール絵画を大幅に置き換えました。 このような絵画の典型は、啓蒙を達成した瞬間に、伝説の僧、謙介（中国の秀子）の司祭画家Kaoによる描写である。 このタイプの絵は、迅速なブラシストロークと最小限の細部で実行されました。

司祭画家法師によって、ひょうたんとナマズを捕まえると、室町絵画の転換期を迎えます。 フォアグラウンドでは、小さなひょうたんを保持している大きな塊茎を見ている川のほとりに男が描かれています。 ミストは中間地面を満たし、背景は遠くに見える。 一般的に、1413年頃に行われた絵の「新しいスタイル」は、画面内のより深い空間の中国的な感覚を指していると一般に考えられている。

14世紀末までには、足利家家による白黒風景画（山水画三志賀）が禅家の間で好まれたジャンルであり、徐々に中国のルーツから日本のスタイルへと進化していった。 風景画のさらなる発展は、志賀寺と呼ばれる詩の絵巻でした。

室町時代の一番の芸術家は、僧侶画家のShūbunとSesshūです。 Shōkoku-jiの京都寺院の修道士Shūbunは、竹林（1446）の絵を描いて、宇宙への深い不況を伴う現実的な風景を作りました。 Sesshūは、当時のほとんどのアーティストとは異なり、中国に旅して中国の絵画を勉強することができました。 フォーシーズンズの風景（Sansui Chokan; c。1486）は、四季を通じて継続的な景観を描くセツフの最も秀でた作品の一つです。

室町時代には、奈良絵師や阿弥派の芸術家がスタイルやテーマを取り入れていたが、墨染は禅宗の修道院から芸術界に移っていった。現代に至る装飾的な効果。

室町時代の日本の重要なアーティストには、

木ケ（1250）
モクアン・ライアン（1345年没）
ニンガ・カオ（e.14世紀）
明朝（1352-1431）
上越（1405-1423）
天正書房（1460年亡くなった）
Sesshū東洋（1420-1506）
金正信（1434-1530）
元本加茂（1476-1559）
前室町時代とは対照的に、安土桃山時代は金色や銀色の箔を多用した壮大な多彩な色彩と、非常に大規模な作品が特徴でした。 織田信長、豊臣秀吉、徳川家康、そして彼らの信者が愛用していた奈良の学校は、大きさと威信が絶大だった。 Kanoy Eitokuは、部屋を囲むスライドドアに記念碑的な景観を創造するための式を開発しました。 これらの巨大なスクリーンと壁画は、軍の貴族の城や宮殿を飾るために委託されました。 江戸時代に続いて、徳川幕府は長年にわたり、高苑、大名、皇室の正式認可芸術として、加納校の作品を引き続き推進していた。

しかし、安土桃山時代には、華人ではない学校の芸術家や潮流が存在し発展し、中国のテーマを日本の素材や美学に適応させました。 1つの重要なグループは、主にヤマトの伝統から発展し、小規模の作品や本や絵巻の文学の古典のイラストで知られていた土佐の学校でした。

安土桃山時代の重要なアーティストには、

金子英徳（1543-1590）
Sanrakan（1559-1663）
KanoyTan’yū（1602-1674）
長谷川東方（1539-1610）
KaihōYūshō（1533-1615）
江戸時代（1603-1868）

多くの美術家の歴史家は、江戸時代を安土桃山時代の続きとして示す。 確かに、江戸時代初期には、絵画のこれまでの傾向の多くは引き続き人気がありました。 しかしながら、いくつかの新しい傾向もまた現れた。

江戸初期に生まれた非常に重要な学校の1つは、古典的なテーマを使ったリンパの学校でしたが、大胆で装飾的な様式で示しました。 Sōtatsuは特に金の葉の背景に設定された自然界からの鮮やかな色の図形とモチーフを使用して、古典文学からテーマを再作成することによって装飾的なスタイルを進化させました。 一世紀後、コリンはソタツのスタイルを改作し、独自の視覚的に豪華な作品を独自に作り出しました。

安土桃山時代に始まった江戸時代初頭に全面的に発展したもう一つの重要なジャンルは、異国的な外国人の描写と絵画の異国的な外国スタイルの両方のナンバンアートでした。 このジャンルは長崎港を中心としたもので、幕末の幕府の国家孤立政策が唯一の日本貿易開放港であったため、中国とヨーロッパの芸術的影響が日本にもたらされた。 このジャンルの絵には、長崎の学校の絵画や、中国と西洋の影響を伝統的な日本の要素と組み合わせた丸山四条の学校などがあります。

江戸時代の第3の重要なトレンドは、「バンギンガ」（文芸絵画）のジャンルで、ナンガ学校（南絵画学校）としても知られています。 このジャンルは、18世紀半ばに日本に来た元朝の中国学者 – アマチュア画家の作品を模倣して始まりました。 クンワママ師匠は、バンジョースタイルを生み出す最大の支援者でした。 彼は、多色の風景は、中国人の文芸家による単色絵画の同じレベルで考慮されることを理論化しました。 さらに、ナンガの代表者の中には、RinpaグループのTawarayaSōtatsuやOgata Kohrinなどの日本の伝統芸術家も参加していました。 その後のブンギンガの芸術家は、このジャンルのテクニックと主題の両方をかなり修正して、日本と中国のスタイルをブレンドしました。 このスタイルの模範は、Ike no Taiga、UragamiGyokudō、Yosa Buson、Tanomura Chikuden、TaniBunchō、Yamamoto Baiitsuです。

徳川幕府の財政・社会緊縮政策のおかげで、これらのジャンルやスタイルの豪華なモードは、社会の上位層に大きく制限され、下層階級には実際に禁じられていない限り利用できませんでした。 一般の人々は、共通の人々、特に一般人、歌舞伎劇場、売春婦、風景の場面を描いた絵が人気を博した別のタイプの吹き出物（風俗画、ジャンルアート）を開発しました。 16世紀のこれらの絵は、浮世絵の絵画や木版画を生み出しました。

江戸時代の重要なアーティストには以下のものがあります：

タワラヤ・ソタツ（1643年没）
土佐光夫（1617-1691）
緒方正林（1658-1716）
祇園南海（1677-1751）
百貨百年（1697-1752）
柳沢園（1704-1758）
ヨサ・ブソン（1716-1783）
イトウ・ジャクチュウ（1716-1800）
Ike no Taiga（1723-1776）
鈴木春信（c。1725-1770）
曽我朔学（1730-1781）
丸山大紀（1733-1795）
岡田別山（1744-1820）
ウラガミ協同堂（1745-1820）
松村五星（1752-1811）
葛飾北斎（1760-1849）
TaniBunchō（1763-1840）
田村筑波（1777-1835）
岡田漢子（1782-1846）
山本百合（1783-1856）
渡辺カザン（1793-1841）
歌川広重（1797-1858）
柴田善信（1807-1891）
富岡テッサイ（1836-1924）
熊代裕（Yūhi）（c。1712-1772）

戦前期（1868-1945）
戦前期は、芸術を競合するヨーロッパのスタイルと伝統的な先住スタイルに分けることで特徴付けられました。

明治時代、日本は明治政府が主催した欧州化・近代化運動の過程で、大きな政治的、社会的変化を遂げました。 西洋式絵画（yōga）は公式に政府から助成され、有望な若手アーティストを海外に送り、外国人アーティストを日本に招いて日本の学校で美術カリキュラムを確立した。

しかし、西洋風の芸術に対する熱烈な情熱の後、振り子は逆の方向に振り回され、芸術評論家、岡倉学園と教育者のアーネスト・フェノロサが率いて、日本の伝統的なスタイル（Nihonga）を復活させました。 1880年代、西洋風の芸術は公式の展覧会から禁止され、評論家によって厳しく批判されました。 岡倉とフェノロサの支持を得て、日本の様式は、ラファエル前のヨーロッパの動きとヨーロッパのロマン主義の影響を受けて進化した。

ヨガスタイルの画家たちは、明治美術館で独自の展覧会を開催し、西洋美術の新たな関心を促しました。

1907年、文部科学省の下にバウンテンが設立されたことで、両競争グループは互いの認識と共存を見出し、相互合成のプロセスを開始しました。

大正時代には、日本の上には、ヨガの優位性が見られました。 ヨーロッパでの長い滞在の後、多くのアーティスト（Arishima Ikumaを含む）がYoshihitoの治世のもとに帰国し、印象派と初期の印象派のテクニックをもたらしました。 カミーユ・ピサロ、ポール・セザンヌ、ピエールオーギュスト・ルノワールの作品は、大正初期の絵画に影響を与えました。 しかし、大正時代の芸者は折衷主義に傾き、反体制的な芸術運動が繰り広げられた。 これには、印象派後の様式、とりわけfauvismを強調したFusain Society（Fyuzankai）が含まれていた。 1914年に、第二部会であるニカカイが、政府主催のバウンテン展に反対した。

大正時代の日本画は、新古典主義や後印象派のような他の現代ヨーロッパ運動の影響を軽度にしか受けなかった。

しかし、1920年代中頃にかけては、印象派後の姿勢から一定の傾向を取り入れたものが、復活したNihongaでした。 第2世代の日本人芸術家は、日本美術学院を結成し、政府が主催する「バウンテン」との競争に勝ち、古くからの伝統は強く残っていたが、西洋的な視点の使用や西洋の宇宙と光の概念が始まった。日本と日本との区別を曖昧にする。

戦前戦争における日本の絵画は、日本の伝統に純粋な芸術と抽象絵画の概念を導入し、そのジャンルをより解釈したバージョンを作り上げた康平康太郎と梅原龍三郎によって支配されました。 この傾向はLeonard FoujitaとNika Societyによってシュルレアリスムを取り入れてさらに発展しました。 このような傾向を促進するために、1931年に独立美術協会（独立行政法人）が設立されました。

第二次世界大戦中、政府の統制と検閲は、愛国主義のテーマだけを表現できることを意味した。 多くのアーティストが政府の宣伝活動に募集され、作品の重要で非感情的なレビューは始まったばかりです。

戦前の重要なアーティストには次のものがあります：

原田直人郎（1863-1899）
山本幸生（1850-1906）
浅井忠（1856-1907）
東方神起（1828-1888）
橋本郷（1835-1908）
黒田精機（1866-1924）
和田英作（1874-1959）
岡田奉行（1869-1939）
坂本一治郎（1882-1962）
青木茂（1882-1911）
富士島武士（1867-1943）
横山大観1868-1958
菱田順寿1874-1911
カワイ協同堂1873-1957
植村昭園（1875-1949）
前田セイソン（1885-1977）
竹内成夫（1864-1942）
富岡哲生（1837-1924）
下村寛三（1873-1930）
金子武郎（1874〜1941）
今村史郎（1880-1916）
富田敬三（1879-1936）
小出奈良（1887-1931）
岸田竜世（1891-1929）
永津哲吾（1885-1927）
早見善（1894-1935）
川端竜志（1885-1966）
土田白善（1887-1936）
村上文学（1888-1939）
小谷宗太郎（1881-1955）
和田三蔵（1883-1967）
梅原竜三郎（1888-1986）
安田幸彦（1884-1978）
小林幸喜（1883-1957）
Leonard Foujita（1886-1968）
佐伯裕三（1898-1928）
伊藤信水（1898-1972）
木場克輝（1878-1972）
竹久夢二（1884-1934）

戦後（1945-現在）
戦後日本政府は、日本美術学院（日本芸術院）が1947年に結成された。 政府による美術展のスポンサーシップは終了しましたが、Nittenのような私的展示会は、さらに大規模になりました。 ニッテンは当初、日本美術学院の展示会でしたが、1958年以来、別の民間企業が運営していました。 ニッテンへの参加は、日本芸術アカデミーへのノミネートのためのほとんどの前提条件となっています。それは、文化秩序への指名のための非公式の前提条件です。

江戸時代と戦前期（1603〜1945年）の芸術は、商人や都市人の支援を受けていました。 江戸時代や戦前期に逆行して、戦後の芸術が人気を博しました。 第二次世界大戦後、画家、書家、印刷業者は大都市、特に東京で繁栄し、ちらつきの光、ネオンの色、抽象的なペースに反映された都市生活の仕組みに精通しました。 ニューヨークとパリの芸術界のすべての「イズム」は熱心に受け入れられました。 1960年代の抽象化の後、1970年代には、1980年代に牛原宇宙の爆発的な作品で具現化された “op”と “pop”の芸術運動によって強く風刺されたリアリズムへの復帰が見られました。 そのような優れたアバンギャルドなアーティストの多くは、国内外で活躍し、国際賞を受賞しました。 これらの芸術家は、自分の作品について「何も日本人がいない」と感じ、実際に彼らは国際学校に所属していました。 1970年代後半までに、日本の資質と国家のスタイルを求めて、多くのアーティストが芸術的イデオロギーを再評価し、西洋の空の公式であるものを払拭しました。 現代のイディオムにおける現代の絵画は、伝統的な日本の芸術形態、装置、イデオロギーを意識して使い始めました。 多くのモノハのアーティストは、空間的な手配、色の調和、叙情主義の伝統的なニュアンスを取り戻すために、絵画に目を向けました。

戦前の日本式や日本版の絵は、本来の性格を保ちながら伝統的な表現を更新し続けています。 このスタイルのアーティストの一部は、シルクや紙に伝統的な色やインクでペイントしていますが、他のアーティストはアクリルなどの新しい素材を使用していました。

古い芸術学校の多くは、特に江戸時代と戦前の芸術学校の多くがまだ習っていました。 例えば、鮮やかな純粋な色と出血の洗いを特徴とするリンパ学校の装飾的な自然主義は、1980年代の彦坂直義の芸術における戦後の多くの作家の作品に反映されました。 丸山大紀の学校の現実主義と、紳士奨学生の書道的かつ自発的な日本的スタイルは、1980年代に広く実践された。 時には、これらの学校のすべては、かの学校のインクの伝統のような古いものと同様、日本の現代の芸術家や現代のイディオムによって描かれていました。 1970年代に始まった日本的スタイルの芸術に対する需要の高まりの結果、多くの日本人画家たちが賞や賞を授与されました。 ますます、国際的な近代画家たちは、1980年代に西洋スタイルから離れた日本の学校を描いていました。 東と西を合成する傾向があった。 著名な画家篠田東子のように、すでに2人の間にギャップを逃していたアーティストもいます。 彼女の大胆な墨インクの抽象化は、伝統的な書道に触発されましたが、現代の抽象化の叙情的な表現として実現しました。

日本には、アニメのサブカルチャーや、ポピュラーや若者文化の他の側面に大きな影響を受けている数多くの現代画家もいます。 村上隆は、おそらくカイカイキキのスタジオ集団の中で最も有名で有名なアーティストのひとりです。 彼の仕事は、戦後の日本社会の問題や懸念を、通常は一見無害な形で表現しています。 彼はアニメや関連するスタイルから大きく引き離されていますが、伝統的には美術と関連したメディアで絵画や彫刻を作り、商業と一般の芸術と美術の間の線を意図的にぼかす。

戦後の重要なアーティストには次のものが含まれます：

小倉由紀（1895-2000）
植村祥子（1902-2001）
小泉良平（1903-1988）
東山カイイ（1908-1999）