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インストールアート

インスタレーション・アートとは、しばしば現場特有で空間の認識を変えるように設計された3次元作品の芸術的なジャンルです。一般に、この用語は内部空間に適用されるが、外部介入はしばしば公共芸術、土地芸術または介入芸術と呼ばれる。ただし、これらの用語の境界は重複しています。

インスタレーションアートは、1970年代から絵画、彫刻、イメージ、写真などの後に一般化された現代美術の表現方法とジャンルの1つです。室内や屋外などで物や設備を置く芸術は、芸術家の意図に応じた空間を作り変えて異化し、全体の空間と空間を作品として体験させます。ビデオ画像をスクリーニングして空間を構築したり(ビデオインストール)、サウンドなどで空間を構築することも可能です(サウンドインストール)。

空間全体が作品であるため、視聴者は各作品を「鑑賞」するのではなく、作品全体に囲まれた空間全体を「体験」する必要があります。それは、視聴者が空間を体験(見る、聞く、感じる、考える)方法を変える方法を主なポイントとする芸術的技法です。もともとは、彫刻作品の表示方法、土地芸術・環境芸術の製作、パフォーマンスアートの製作などの試行錯誤から生まれましたが、彫刻の枠組みから徐々に逸脱し、独立して独立しました表現力のあるテクニックとして扱われます。

インスタレーションは、3次元の枠組みで表現されることが最も多い。アーティストは、自分の作品と単純なぶら下がりを区別する環境やその他の要素を含んでいる。作品は状況に置かれ、視野を見ている人がすぐに見ることのできない範囲に、視野外のものを使用します。「観客」として参加すること、浸漬、演劇的な考えを呼び出すという事実だけです。

特徴:
インストールは、通常、異種のオブジェクトが新しいコンテキストで統合されて構成されます。これらのオブジェクトは密接にリンクされていません。その場合、アセンブリについて話すほうがよいでしょう。

建築の概念は、アーキテクチャ、彫刻、絵画などの様々な分野の古典的な芸術部門が、アランカプローのようないくつかの芸術家によって妨げられていると認識されてから60年代の視覚芸術で使用されてきました。

インスタレーションは基本的には一時的なもので、展示期間終了後に取り除かれ、人々の記憶にとどまるだけです。その後のフォローアップの方法は写真やビデオ録画だけであるが、単に写真を見るだけでは経験がないということはできない。しかし、写真そのものは、設置作業とは異なるアトラクションを示す作品である可能性があります。

さらに、インストールはサイト固有です(サイト固有)。現代の西洋美術は、絵画や彫刻などの絵画のようなスタイルになって教会などの建築から独立しており、どこに置かれても同じように確立されると考えられます世界はなりました。一方、設置作業は、設置場所の形状、周囲の壁との関係、建築、地形、歴史、そしてその場所に関する思い出からインスピレーションを得て、これらと密接に結びついています。したがって、仕事として確立されないため、他の場所への移転や再生は困難です。

それは一時的かつ場所特有のものなので、永久に設置された作品でない限り、展覧会後に消えます。また、取引は根本的に困難です。販売や買物の際には、美術館等で製作を依頼したり、制作費を払い、永続的な設置や一時的な設置方法を採用したり、コレクターと博物館は詳細な設計図と共にすべてのパーツを購入する。ライター場所に応じて表示方法を監督、変更するなどの方法がとられています。アーティストやアートディーラーがインストールを作成した後、図面を販売したり、モデルのプロトタイプを作成したり、写真を記録したり、インストールの前にスタディとして取り上げたりすることがあります。

インスタレーションは彫刻家によって作られることが多いが、画家や他のアーティストが作ることもできる。壁、天井、天井に設置することができます。構成部分は、ショーケースに置くことができ、または観客が設備の部分の間を移動できるように空間的に配置することができる。設置の特徴は、設置場所の重要性と(一時的な)相互の一貫性である。アーティストは、プロジェクション、オーディオ、ビデオ、絵画、彫刻、建築など、さまざまな素材、テクニック、物理現象を組み合わせることができます。

Ed Kienholzが作った50年代から60年代の環境との違いは、インスタレーションは物語の内容が少なく、その多様性はすべて精神的または概念的な衝動から来ているということです。設置は、ヴェネチア・ビエンナーレやカッセルのドキュメンタリーなど、博物館の展示会で頻繁に見られます。

インストールは次のいずれかになります。
モバイル(または再マウント可能)。
永久(または固定)。
一時的な(または一時的な)。
インストールは、ほとんどの場合彫刻に似ていますが、それを縮小することはできません。我々はハイブリダイゼーションと突然変異について話している。
ボリュームの概念を打ち破ることもできます。設置は、非常に広い空間(例えば、Monumentaを参照)へのサイズの縮小の対象として理解することができます。
特定性:一部の施設は、特定の展示場所のために設計されています。
インタラクション:場合によっては、一般の人がインスタレーションやアーティスト自身と交流することがあります。一般市民と仕事の距離は多かれ少なかれ廃止されている。いくつかのケースでは、参加があり、一般の人は作品に適切な境界を入力し、作成、作成者、および視聴者の間に新しいタイプの関係を生成する。
風景画:いくつかの作品は、道に招待され、道を開き、さまざまな段階や感覚の順序を提案します。

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歴史:
インスタレーションアートは、一時的でも恒久的でもあります。博物館やギャラリーなどの展示スペースや公共スペースや私設スペースにインスタレーションアート作品が制作されています。ジャンルは、ビデオ、サウンド、パフォーマンス、没入型バーチャルリアリティ、インターネットなどの新しいメディアだけでなく、「想起的」な性質のために選ばれることが多い、幅広い日々の自然素材を取り入れています。多くの設備は、3次元の没入型媒体で明白な品質に魅力的な、作成された空間にのみ存在するように設計されている点で、サイト固有です。ニューヨーク自然史博物館の展示室などの芸術的集団は、自然界をできるだけ現実的な媒体として展示するための環境を作り出しました。同様にウォルト・ディズニー・イマジネーリングは、1955年にディズニーランドの複数の没入型スペースを設計する際に同様の哲学を採用しました。独立した専門分野としての受け入れから、インスタレーション・アートに焦点を絞った多くの機関が創設されました。これらには、Mattress Factory、ピッツバーグ、ロンドンのインスタレーションミュージアム、ミシガン州アナーバーのFairy Doorsなどがあります。

インスタレーションアートは1970年代に顕著になりましたが、マルセル・デュシャンプやレディメイドやクルト・シュヴィッターズのメルツ美術館などの伝統的な工芸品ではなく、初期のアーティストのルーツを特定することができます。芸術家の「意図」は、1960年代の概念芸術の根源となっている晩年のインスタレーション・アートで最も重要です。これは、フォームに焦点を当てた伝統的な彫刻からの出発点です。初期の非西洋的なインスタレーションアートには、1954年に始まった日本のグータイグループが主催したイベントが含まれており、アランカプローのようなアメリカのパイオニアに影響を与えました。 Wolf Vostellは1963年にニューヨークのスモーリン・ギャラリーで彼のインスタレーション6 TVDé-coll / ageを展示します。

インストール:
特定の形態の芸術のための命名法としての設置は、かなり最近になって使用された。 1929年にオックスフォード・イングリッシュ・ディクショナリーが文書化した最初の使用法は1969年であった。この文脈では、先史時代には間違いなく存在していたが、20世紀半ばまで離散的なカテゴリーとはみなされなかった芸術の形態に関して、アラン・カプローは1958年に「環境」という言葉を使用して(Kaprow 6)、彼の変容した屋内空間を記述した。これは後に “プロジェクトアート”や “一時的なアート”という言葉に加わりました。
インスタレーションとは、博物館などの壁に作品を展示することを「インスタレーション」とも呼ばれていたが、壁や床を意味する「展覧会」の意味を意味する。片面に絵画や彫刻が装飾された時代には、設置(出展)にはあまり質問されませんでした。

ロダンの彫刻家の中には、展示方法の工夫によって展示者を見せつけるための先駆的な作業に取り組んだものの、宇宙そのものが展示方法によって作品に仕立てられた芸術の技法として認識されていましたと絵画。

本質的に、インスタレーション/環境アートは、「ニュートラル」な壁に焦点を合わせた浮遊した点を浮かべること、またはペデスタル上に隔離されたオブジェクト(文字通り)を表示することよりも広い感覚体験を考慮に入れている。これは、空間と時間を唯一の次元定数として残し、 “芸術”と “人生”の間の線の解消を意味する。 Kaprowは、「芸術を迂回し、自然を出発点としてモデルや出発点として取り上げれば、普通の人生の感覚的なものから別の種類の芸術を考案することができるかもしれない」と指摘した。

インスタレーションの作成では、ビデオ、彫刻、絵画、毎日のレディメイド、廃棄物、サウンド、スライドショー、パフォーマンスアート、コンピュータ、博物館やギャラリーなどのギャラリーなど、使用するメディアを知る必要があります。空間、住宅などの私有空間、広場/建物などの公共空間、人がいなくても本質的にどのような場所を使用するのかなどの空間。

Gesamtkunstwerk:
リチャード・ワグナーがGesamtkunstwerkを考案した1849年には、トータル・エクスペリエンスに関してすべての感覚に芸術的に取り組むという意識的な行動が誕生しました。これは、古代ギリシア劇場のインスピレーションをすべてのメジャー芸術形態:絵画、執筆、音楽など(ブリタニカ)。聴衆の感覚を司るオペラ作品を考案するにあたり、ワーグナーは何も観察せずに残しました。建築、雰囲気、そして聴衆さえも考慮され、芸術的没入の状態を達成するために操作されました。 「コンテンポラリーアートのテーマ」という本では、「1980年代と1990年代のインスタレーションは、複雑な建築環境、環境サイト、日常的なオブジェクトの普遍的な使用などの相互作用を含む業務ネットワークによってますます特徴付けられていた。複雑でインタラクティブなマルチメディアやバーチャルリアリティ環境を含むように拡張されたシンプルなビデオインストールがあったのは、1965年のビデオの登場です。

アートとオブジェクトの時代:
「Art and Objecthood」では、マイケル・フライは、鑑賞者を「劇場」(Fried 45)と認識する芸術に斬新なラベルをつけています。インスタレーションと劇場の間に強い平行性があります。両方は、彼を取り巻く感覚的/物語的体験に一度没頭し、視聴者としての自己同一性を維持することが期待される視聴者と遊びます。伝統的な演劇者は、彼が外から座って創造された経験を取り入れることを忘れていない。インスタレーションアートの商標は、彼が展覧会の場にいて、インスタレーションの新世界を暫定的に探検していることをまだ意識している好奇心が強い熱心なビューアでした。

インスタレーションアートを体験する際の主観的な視点の中心的な重要性は、伝統的なプラトニックイメージ理論の無視を指摘する。実際には、インスタレーション全体が擬似傷跡や欠陥のある彫像の特徴を採用しています。観察者への直接的な外観を最適化するために理想的な形を無視しています。インスタレーション・アートは、感覚知覚の領域内で完全に動作し、人のシステムに鑑賞者を「設置」し、主観的な認識を究極の目標としてアピー​​ルします。

インタラクティブなインストール:
対話型インストールは、インストール技術のサブカテゴリです。インタラクティブなインストールでは、聴衆が芸術作品やユーザーの活動に反応する作品を頻繁に演奏します。アーティストは、Webベースのインストール(例えば、Telegarden)、ギャラリーベースのインストール、デジタルベースのインストール、電子ベースのインストール、モバイルベースのインストールなど、いくつかの種類のインタラクティブインストールを提供しています。 1980年代の終わり(Jeffrey ShawのLegible City、Edmond CouchotのLa plume、Michel Bret …)は、1990年代にアーティストの関心を集めて、インストール。

没入型バーチャルリアリティ:
長年の技術の向上に伴い、アーティストは過去には決して探究することができなかった境界の外側を探検することができます。使用される媒体はより実験的で太字です。彼らはまた、通常はクロスメディアであり、設置場所を見るときに観客の動きに反応するセンサーを含んでいてもよい。没入型バーチャルリアリティアートは、仮想現実感を媒体として使用することによって、おそらく最も深くインタラクティブなアートの形態です。観客が表現を「訪問する」ことを可能にすることによって、アーティストは「見るべき光景」対「生きる状況」を作り出す。新しい世紀の幕開けになると、デジタル、ビデオ、映画、サウンド、彫刻を使用したインタラクティブなインストールの傾向があります。

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