アールデコの影響

デコとも呼ばれるアールデコは、第一次世界大戦の直前にフランスで初めて登場した視覚芸術、建築、デザインのスタイルです。アールデコは建物、家具、宝飾品、ファッション、自動車、映画館、電車のデザインに影響を与えました、オーシャンライナー、ラジオや掃除機などの日常的なものが含まれます。 その名は、1925年にパリで開催されたInternational Moderne des ArtsDécoratifset Industriels Modernes(近代装飾工芸品国際展)から、ArtsDécoratifsの略称となりました。モダニズムスタイルとファインクラフトマンシップと豊かな素材を組み合わせました。 その盛況の間、アールデコは、贅沢さ、魅力的、盛り上がり、社会的、技術的進歩に対する信仰を表していました。

1920年代と1930年代にヨーロッパとアメリカで広く普及した装飾芸術のスタイルに適用される記述的用語。 Exposition Internationale desで人気のあるスタイルから生まれました。 1925年にパリで開催されたArtsDécoratifset Industriels Modernesという用語は、20世紀初頭の装飾美術に関心が復活した1960年代後半から使われていました。それ以来、「アールデコ」という用語が戦争の間に生産された多種多様な作品、さらにはドイツのバウハウスのものまで。 しかし、アールデコは本質的にフランス語の由来であったため、フランスの作品やフランスの影響を直接受けた国のものにのみ適用されるべきです。

アールデコは、時には矛盾する、多くの異なるスタイルの切り抜きであり、近代的な欲求によって統一されました。 アート・デコはその初期から、大胆な幾何学的形態のキュービズムの影響を受けました。 FauvismとBallets Russesの明るい色。 ルイフィリップとルイ16世の時代の家具の更新された職人技。 中国、日本、インド、ペルシャ、古代エジプト、マヤのエキゾチックなスタイルがあります。 エボニーやアイボリーなどの希少で高価な素材、そして絶妙な職人技を特色としていました。 1920年代と1930年代に建設されたニューヨークのクライスラービルやその他の高層ビルは、アールデコ様式のモニュメントです。

1930年代、大恐慌時には、アールデコ様式がより穏やかになりました。 クロムメッキ、ステンレススチール、プラスチックなどの新しい材料が到着しました。 Streamline Moderneと呼ばれるより洗練されたスタイルのスタイルが1930年代に登場しました。 それは湾曲フォームと滑らかで磨かれた表面を特色にしていました。 アールデコは、最初の真に国際的なスタイルの1つですが、その優位性は、第二次世界大戦の始まりと厳密に機能的で装飾のないモダニズムスタイルとそれに続くアーキテクチャの国際スタイルの上昇で終わりました。

ネーミング
アールデコは1925年にパリで開催されたデオラティブ・デコラティフ・エ・エス・インダストリー・モダネスの博覧会から、アートデコラティフの略称を取りましたが、アールデコを特徴付ける多様なスタイルは第一次世界大戦の前にパリとブリュッセルですでに登場していました。

artsdécoratifsという用語は、1858年にフランスで初めて使用されました。 Sociétéfrançaisede photographieに掲載されています。

1868年、ル・フィガロの新聞では、オペラ座のために作られた舞台風景の対象物に関して、オブジェ・アート・デコラティフという用語を使用していました。

1875年には、家具デザイナー、繊維製品、ジュエリー、ガラスデザイナーなどの職人が、フランス政府によって公式にアーティストの地位を与えられました。 これに応えて、1766年にルイ16世のもとに設立されたÉcoleroyale gratuite de dessin(ロイヤルフリースクールオブデザイン)は、美術に関する工芸家の芸術家や職人を養成するため、国立装飾美術学校(l’Écoleナショナル・アーツ・アート・デコラティブ)。 それは1927年に現在のENSAD(エコール・ナショナル・スーパー・エデュレーター・デ・アート・デコラチフス)の現在の名前をとった。

建築家ル・コルビュジエは、1925年の展覧会で、雑誌L’Esprit Nouveauの雑誌「1925 Expo:ArtsDéco」の雑誌「L’artdécoratifd’aujourd」の展覧会に関する一連の記事を書いた。 (今日のコンテンポラリーアート)。 この本は、博覧会での色とりどりの贅沢な物の超過に対する激しい攻撃でした。 家具のような実用的なものには全く装飾が施されてはならないという考えに基づいている。 彼の結論は、 “現代の装飾には装飾がない”ということでした。

Le Corbusierが記事や本に使用した略語「Art Deco」は、1966年にLesAnnées25:Artdéco、Bauhaus、Stijl、Esprit nouveauと名付けられた最初の近代的な展覧会のタイトルとして、 1920年代と1930年代の主要なスタイルの Artdécoという言葉は、1966年のヒラリー・ゲルソン(Hillary Gelson)の1966年の新聞記事(11月12日、ロンドン)で使用され、さまざまなスタイルが展示されました。

アールデコは1968年に歴史家Bevis Hillierが20年代と30年代のアールデコという最初の主要な学術書を出版したときに広く適用された文体的なラベルとして通貨を得ました。 Hillier氏は、この用語がすでにアートディーラーによって使用されており、以前の使用法の例として、The Times(1966年11月2日)とElle誌(1967年11月)の「Les ArtsDéco」というエッセーを挙げています。 1971年、ヒラリーはミネアポリス美術学院で展覧会を開催し、彼の著書「アールデコの世界」について詳しく述べました。

起源

コンテンポラリーアーティスト協会(1901-1913)
アールデコの出現は、装飾的なアーティストの地位の上昇と密接に関連していました。装飾的なアーティストたちは、19世紀後半までは単に職人とみなされていました。 “artsdécoratifs”という用語は、1875年に発明され、家具、織物、その他の装飾の公的地位をデザイナーに与えました。 Sociétédes artistesdécorateurs(装飾芸術家協会)(SAD)は1901年に設立され、装飾作家には画家や彫刻家と同じ作家権が与えられました。 同様の動きがイタリアで発生しました。 装飾芸術に完全に専念した最初の国際展は、1902年にトリノで開催されました。Arts etdécorationやL’Artdécoratifmoderneなど、装飾芸術に特化したいくつかの新しい雑誌がパリで創設されました。 装飾芸術のセクションはSociétedes artistesfrançaisの年次サロンに、その後Salon d’automneに導入されました。 フランスのナショナリズムは装飾芸術の復活にも貢献した。 フランスのデザイナーは、より安価なドイツの家具の輸出の増加に挑戦しました。 1911年、SADは1912年に装飾芸術の新たな国際展覧会を開催することを提案しました。古いスタイルのコピーは許可されませんでした。 現代の作品だけです。 展覧会は1914年に延期され、戦争のために1925年に延期され、Décoとして知られている全家族の名前を称した。

パリデパートやファッションデザイナーも、アートデコの登場で重要な役割を果たしました。 手荷物メーカールイ・ヴィトン、シルバーウェア会社Christofle、ガラスデザイナーRenéLalique、宝石店Louis Cartier、Boucheronなどの創業者は、より現代的なスタイルで製品を設計し始めました。 百貨店は1900年に始まり、デザインスタジオで働くために装飾的なアーティストを募集していました。 1912年のSalon d’Automneの装飾はデパートのPrintempsに委ねられていました。 同年、Printempsは「Primavera」という独自のワークショップを立ち上げました。 1920年までにプリマヴェラは300人以上のアーティストを雇いました。 このスタイルは、ルイ14世、ルイ16世の更新版、特にLouisSüe製のルイフィリップ家具とPrimaveraの工房から、Au Louvre百貨店の工房からのより現代的な形へと変わりました。 Émile-Jacques RuhlmannやPaul Foliotをはじめとする他のデザイナーは、大量生産の使用を拒否し、個々の作品を手作業で作ることを主張していました。 アーバンデコスタイルでは、エボニー、アイボリー、シルクなどの豪華でエキゾチックな素材、非常に鮮やかな色彩、モチーフ、特にモダニズム風の花のバスケットやブーケが特徴です。

シャンゼリゼ通り(1910-1913)
Auguste PerretによるThéâtredes Champs-Élysées(1910-1913)は、パリで完成した最初の画期的なアールデコ建築でした。 以前は鉄筋コンクリートは工業用およびアパート用のみに使用されていましたが、1903年から04年にかけて、パリの最初の近代鉄筋コンクリートのマンションビルをrue Benjamin Franklinに建設しました。 アンリ・ソヴァージュは、1904年に7ルー・トータテイン(1904年)に建てられました。 1908年から1910年まで、21歳のル・コルビュジエは、ペレットの事務所の草案者として、コンクリート工事の技術を学びました。 ペレットの建物は、綺麗な長方形の形状、幾何学的な装飾と直線、アールデコの将来の商標を持っていた。 劇場の装飾も革命的でした。 アントワン・ブルデルのアールデコ彫刻、モーリス・デニスのドーム、ÉdouardVuillardの絵画、アールデコのカーテン・カー・ザビエル・ルッセルの装飾が施されています。 この劇場は、バレエ団の初演の多くの場として有名になりました。 Perret and Sauvageは、1920年代にパリの主要なアールデコ建築家になった。

Salon d’Automne(1912-1913)
1910年から1914年の間に誕生したアールデコは、家具、室内装飾品、カーペット、スクリーン、壁紙、織物などで彩られた、鮮やかで色の鮮やかな色合いが特徴です。 椅子やMaurice Dufreneのテーブル、Paul Follotの明るいGobelinカーペットを含む多くのカラフルな作品は、1912年のSalon des artistesdécorateursで発表されました。 1912-1913年にデザイナーのアルフレッド・カルボスキー(Alfred Karbowsky)は、美術コレクターのジャック・ドゥケ(Jacques Doucet)の狩猟用ロッジのために、オウムのデザインを施した花椅子を製作しました。 家具デザイナーのLouisSüeとAndréMareは、1912年の展覧会でアトリエ・フランセーズの名前で初登場し、カラフルな生地とエボニーとアイボリーを含むエキゾチックで高価な素材を組み合わせました。 第一次世界大戦後、彼らはフランスの大西洋ライナーのファーストクラスのサロンやキャビンの家具を生産する、最も著名なフランスのインテリアデザイン会社の1つになりました。

アールデコの鮮やかな色は、Leon Bakstによるバレエ団のラッセルのためのエキゾチックなセットデザインを含む多くの情報源に由来しています。これは第一次世界大戦の直前にパリでセンセーションを起こしました。マティス; ソニア・ドローネイのような画家のオーフィズムによるもの; ナビスと呼ばれる運動によって、また、壁画やその他の装身具をデザインした象徴画家、オディロン・レドンの作品などがあります。 明るい色はファッションデザイナーのポール・ポアレ(Paul Poiret)の作品の特徴であり、その作品はアールデコ様式とインテリアデザインの両方に影響を与えた。

キュービストハウス(1912年)
キュービズムとして知られるアートスタイルは、1907年から1912年の間にフランスで登場し、アールデコの発展に影響を与えました。 ポールセザンヌの影響を受けたキュビストは、円柱、球体、円錐の幾何学的な必需品への形状の単純化に興味を持っていました。

1912年、セクション・ドールの芸術家たちは、ピカソとブラクの分析的キュビスズムよりも、一般市民にかなりアクセスしやすい作品を展示しました。 キュビストの語彙はファッション、家具、インテリアデザイナーを引き付ける姿勢を示しました。

AndréVeraの1912年の執筆で。 L’Artdécoratifという雑誌に掲載されているLe Nouveauスタイルでは、アールヌーボーのフォーム(非対称、多色、絵柄)の拒否を表明し、シンプルなボルネア、symétrieのマニフェスト、l ordre et l’harmonie、アールデコ内で一般的です。 デコスタイルはしばしば非常にカラフルでシンプルなものでした。

1912年のSalon d’AutomneのArtDécoratifセクションには、La Maison Cubisteとして知られる建築用インスタレーションが展示されました。 ファサードはRaymond Duchamp-Villonによって設計されました。 家の装飾は、1912年にAtlelierFrançaisという会社を結成したLouisSüeとAndréMareの会社によって行われました。La Maison Cubisteは、ファサード、階段、錬鉄製の房、ベッドルーム、リビングルームには、Albert Gleizes、Jean Metzinger、Marie Laurencin、Marcel Duchamp、FernandLéger、Roger de La Fresnayeの絵が吊るされたサロン・ブルジョアがあります。 サロンで観客の数千人が本格的なモデルを通過しました。

Duchamp-Villonによって設計された家の正面は、現代の基準ではあまり根本的ではありませんでした。 まばゆい模様とペディメントは角柱形をしていたが、それ以外の場合は正面が普通の家と似ていた。 客室には、ネオルイ16世とルイフィリップ様式の椅子とソファが付いたマレの家具が置かれていました。 批評家Emile Sedeynは、雑誌Art etDécorationでのMareの作品について次のように説明しています。「彼は、どこにでも花を盛り付けるため、シンプルさで自分を困らせることはありません。 キュービズム要素は絵画によって提供された。 その緊張感にもかかわらず、インスタレーションはいくつかの批評家によって非常に過激なものとして攻撃され、その成功のために役立った。 この建築的なインスタレーションは1913年のアーモリーショー、ニューヨーク、シカゴ、ボストンで展示されました。 主にこの展覧会のおかげで、「キュビスト」という言葉は、女性のヘアカットから衣装、演劇に至るまで、あらゆる現代に適用され始めました。

デコが他の多くの方向に分岐していたとしても、キュービズムスタイルはアールデコの中で続けられました。 1927年、建築家ポール・ルアードによってデザインされたスタジオ・ハウス、ル・サン・ジェイムス、ノイイ・シュール・セーヌの装飾で、キュービズムのジョセフ・クサキ、ジャック・リプチッツ、ルイス・マーキュシス、アンリ・ローレン、彫刻家ギュスターヴ・ミクロス、フランスのファッションデザイナー、Jacques Doucetが所有しています。アンリ・マティスのPost-Impressionistアートとキュービストの絵画(ピカソのスタジオから直接購入したLes Demoiselles d’Avignonを含む)のコレクターです。 Laurensは噴水を設計し、CsakyはDoucetの階段を設計し、Lipchitzは暖炉を造り、MarcoussisはCubistの敷物を作った。

キュービストのアーティストのほかに、Doucetはデコのインテリアデザイナーの他に、装飾を担当していたPierre LegrainとPaul Iribe、Marcel Coard、AndréGroult、Eileen Grey、Rose Adler 。 モロッコの革、クロコダイルの肌とスネークスキン、アフリカのデザインから採取された模様で覆われた家具、アフリカの芸術からインスパイアされたマカッサルエボニーで作られた大規模な作品が含まれています。

影響
アールデコは、単一のスタイルではなく、時には矛盾した異なるスタイルのコレクションです。 建築では、アールデコは、1895年から1900年にかけてヨーロッパで栄えたアールヌーボー様式の後継者であり、ヨーロッパやアメリカの建築で優勢だったボザールと新古典主義を徐々に置き換えました。 1905年にユーゲーネ・グラッセは、「ÉlémentsRectilignes」の作曲家メドード・デ・オルレメンテ(Méthodede Composition Ornementale)を執筆し、出版した。そこでは、起伏のある芸術とは対照的に、幾何学的要素、形、モチーフとそのバリエーションの装飾的(装飾的)ヌーボー様式のヘクター・ギマール(Hector Guimard)は数年前からパリで人気がありました。 Grassetは、三角形や四角形などの様々な単純な幾何学的形状がすべての構成上の取り決めの基礎であるという原則を強調しました。 Auguste PerretとHenri Sauvageの鉄筋コンクリート造建築物、特にシャンゼリゼ劇場は、世界的に複製された新しい建築と装飾を提供しました。

装飾では、多くの異なるスタイルが借用され、アールデコで使用されました。 ルーヴル美術館、ルーヴル美術館、フランス国立美術館、フランス国立美術館、フランス国立美術館などで展示されています。 また、ポンペイ、トロイ、18世紀のファロー・トゥタンクハムンの墓の発掘による考古学への関心が高かった。 アーティストやデザイナーは古代エジプト、メソポタミア、ギリシャ、ローマ、アジア、メソアメリカ、オセアニアのモチーフと機械時代の要素を統合しました。

借用された他のスタイルには、ロシアの構成主義とイタリアの未来主義、オーファズム、機能主義、モダニズムが含まれていました。 アールデコはまた、特にアンリ・マティスとアンドレ・デラインの作品で、アール・デコのテキスタイル、壁紙、塗装された陶器のデザインにインスピレーションを与えた、フォービズムの色とデザインがぶつかり合っていました。 幾何学的なデザイン、シェブロン、ジグザグ、花の花束をテーマにしたこの期間のハイファッションの語彙からアイデアを得ました。 それはエジプト学における発見、オリエントとアフリカの芸術への関心の高まりの影響を受けました。 1925年以降、飛行船、自動車、海洋ライナーなどの新しい機械に対する情熱に惹かれ、1930年には流線型のモダンと呼ばれるスタイルがもたらされました。

贅沢と近代のスタイル
アールデコは、豪華さと近代性の両方に関連していました。 それは非常に高価な材料と絶妙な職人技を組み合わせて現代的な形にしました。 アートデコについては安いものはありませんでした。象牙や銀のインレーを含む家具、プラチナ、ヒスイ、その他の貴重な素材とダイヤモンドを組み合わせたアールデコジュエリーの作品が含まれています。 このスタイルは、海上ライナー、デラックストレイン、高層ビルのファーストクラスのサロンを飾るために使用されました。 1920年代と1930年代後半の偉大な映画館を飾るために世界中で使われました。 その後、大恐慌後、スタイルが変わり、より冷静になった。

アールデコ調の豪華なスタイルの代表的な例は、1922〜25年の間に作られたArmand-Albert Ratau(1882-1938)によってデザインされたファッションデザイナーJeanne Lanvinの内装です。 1965年に解体されたパリの16世紀のバーベット・デ・ジュイ(Barbet de Jouy)にある彼女の家にあった。部屋はパリの装飾美術館で再建された。 壁は、スタッコの彫刻されたベースレリーフの下に成形ラムリスで覆われています。 廊下には、大理石の柱と彫刻された木の台座があります。 床は白と黒の大理石でできており、キャビネットには装飾品が青いシルクの背景に表示されています。 彼女のバスルームには、シエナの大理石製の浴槽と洗面台があり、刻まれたスタッコとブロンズの飾りの壁がありました。

1928年にはスタイルがより快適になり、深い革製のクラブチェアが登場しました。 ブルックリン博物館にある1928-30年のアメリカ人ビジネスマンのために、パリのAlavoine社がデザインした調査は、ユニークなアメリカの特徴を持っていました。 禁止期間中に製作されたため、アルコールを提供することが禁じられていたため、パネルの裏に秘密のバーが隠されていた。

1930年代になるとスタイルはやや簡略化されましたが、まだまだ贅沢でした。 1932年、デコレータPaul RuudがSuzanne TalbotのGlass Salonを作った。 それは蛇行したアームチェアとシルバーとブラックラッカーの抽象的なパターンのパネルとマットシルバーグラススラブの床アイリーングレイ、2つの管状アームチェアを特色にし、動物の皮の品揃え。

近代装飾工芸国際展(1925年)
そのスタイルの天頂を象徴し、その名前を付けたイベントは、1925年に4月から10月までパリで開催された近代装飾工芸国際展である。これはフランス政府が正式に後援し、右岸のグラン・パレ(Grand Palais)から左岸のレ・アンヴァリッド(Les Invalides)まで、セーヌ川沿いには55エーカーのパリがあります。 市の最大のホールであるグランドパレは、参加国の装飾芸術の展示品でいっぱいでした。 ドイツ、戦後の緊張のため招かれなかったが、イングランド、イタリア、スペイン、ポーランド、チェコスロバキア、ベルギー、日本、新ソ連など20カ国から15,000社が出展し、目的を誤解した。展示会は、参加を拒否した。 その7ヶ月間に1,600万人が訪れました。 展覧会の規則は、すべての作品が現代的であることを要求しました。 歴史的なスタイルは許されませんでした。 展示品の主な目的は、高級家具、磁器、ガラス、金属加工品、織物およびその他の装飾品のフランスの製造業者を促進することでした。 製品をさらに宣伝するために、主要なパリのデパートや主要デザイナーにはそれぞれ独自のパビリオンがありました。 博覧会には、象牙やエキゾチックな林など、アフリカやアジアのフランスの植民地からの製品を促進するための第二の目的がありました。

Hôteldu Riche Collectionneurは博覧会で人気のアトラクションでした。 Emile-Jacques Ruhlmannの新しい家具デザインや、Art Decoの生地、カーペット、Jean Dupasの絵が展示されました。 インテリアデザインは、アールヌーボーとは違った、対称性と幾何学的な形の同じ原則に従いました。鮮やかな色彩、モダニズムスタイルの厳密な機能とは別に、珍しい高価な素材を使っています。 ほとんどのパビリオンは手作りの豪華な家具で贅沢に装飾されていましたが、ル・コルビュジエが運営するこの名前の雑誌で作られたソビエト連邦とパビリオン・デュ・ヌーボー・エスプリのパビリオン2軒は、平らな白い壁と装飾はありません。 彼らはモダニズム建築の最も初期の例の一つであった。

超高層ビル
アメリカの高層ビルはアールデコ様式の頂上に位置しました。 彼らは世界で最も高く認識されている近代的な建物になりました。 彼らは、高さ、形、色、夜間の劇的な照明を通して、ビルダーの威信を示すように設計されています。 最初のニューヨークの超高層ビル、新古典主義スタイルのウールワースビルは1913年に完成し、アメリカ電話と電報ビル(1924年)はイオンとドリックの列とフリーズの古典的なドリックハイポストイルを持っていました。 Raymond Hood(1924)のAmerican Radiator Buildingは、建物のデザインにゴシックとデコのモダンな要素を組み合わせたものです。 建物の正面にある黒い煉瓦(石炭を象徴する)は、強固さのアイディアを与え、建物に固い塊を与えるために選ばれました。 ファサードの他の部分は金色の煉瓦(火を象徴する)で覆われ、入り口は大理石と黒の鏡で飾られていました。 1929年にオープンした初期のアールデコの超高層ビルは、1929年にオープンしたデトロイトのガーディアンビルでした。モダニズムのWirt C. Rowland氏が設計したこの建物は、装飾的な要素としてステンレス鋼を初めて使用し、伝統的な飾りの代わりに色彩豊かなデザインを使用しました。

ニューヨークのスカイラインは、ウィリアム・ヴァン・アレンによって設計されたマンハッタンのクライスラービル(1930年完成)によって大幅に変更されました。 それはクライスラー自動車のための巨大な77フロアの高さの広告でした。 トップにはステンレススチールの尖塔があり、ステンレススチールのラジエーターキャップ装飾のデコ「ガーゴイル」で装飾されていました。 通りの上の33階にあるタワーの底には、カラフルなアールデコ調の飾りが施され、ロビーは近代を表現するアールデコのシンボルとイメージで装飾されていました。

クライスラービルに続いて、ニューヨークのスカイラインを完全に変えたウィリアム・F.ラム(1931年)とロックフェラーセンターのRCAビル(現在はコムキャスト・ビル)のレイモンド・フッド(1933年)によるエンパイアステートビルが続いた。 建物の頂上には、アールデコの冠とステンレススチールで覆われた尖塔が装飾されていました。クライスラーの建物では、アールデコのガーゴイルはラジエーターの装飾品をモデルにしていましたが、入り口とロビーはアールデコの彫刻、セラミックス、デザイン。 同様の建物は、シカゴや他のアメリカの大都市にも登場しました。 クライスラービルはエンパイア・ステート・ビルディングによって、やや豪華なデコスタイルですぐに高さを上回った。 ロックフェラーセンターには新しいデザイン要素が追加されました。中央には噴水があるオープンプラザを中心にいくつかの高層ビルが集まっています。

後期アールデコ
1925年には、2つの異なる競争学校がアールデコの中に共存しました。伝統芸術家たち。 家具デザイナーEmile-Jacques Ruhlmann、Jean Dunard、彫刻家Antoine Bourdelle、デザイナーPaul Poiretが含まれています。 彼らは伝統的な職人技と高価な材料と現代の形態を組み合わせた。 一方で、近代主義者たちは、過去を拒否し、新技術の進歩、シンプルさ、装飾の欠如、安価な材料、量産に基づいたスタイルを求めていました。 近代主義者は1929年に自身の組織であるフランス近代美術館を設立しました。そのメンバーには、建築家Pierre Chareau、Francis Jourdain、Robert Mallet-Stevens、Corbusier、ソ連ではKonstantin Melnikov、 アイルランドのデザイナー、アイリーン・グレイ、フランスのデザイナー、ソニア・ドローネー、ジュエリーのJean Fouquet、Jean Puiforcat。 彼らは裕福な人々のためだけに作られた伝統的なアールデコ様式を猛烈に攻撃し、誰もが利用できるようにしなければならないと主張しました。 オブジェクトや建物の美しさは、その機能を果たすために完全に適合したかどうかにありました。 現代の工業的方法は、手作業ではなく、家具や建物を大量生産できることを意味していました。

アールデコのインテリアデザイナーPaul Follotは、このようにArt Decoを擁護しました。「人間は決して不可欠なものに満足することはなく、余分なものは常に必要であることを知っています…そうでなければ、音楽、花、香水..! ” しかし、ル・コルビュジエ(Le Corbusier)は、モダニズム建築の素晴らしい広報家でした。 彼は家が単に「生きる機械」であり、アールデコは過去であり、モダニズムは未来であったという考えをずっと促進していると述べました。 ル・コルビュジエの考えは徐々に建築校によって採用され、アールデコの美学は放棄されました。 アールデコの冒頭で人気があったのと同じ機能、その職人技、豊かな素材と装飾は、その減少につながった。 1929年に米国で始まり、その後ヨーロッパに到着した大恐慌は、家具や美術品を払うことができる裕福な顧客の数を大幅に減らしました。 不景気の経済環境では、新しい超高層ビルを建設する準備ができていた企業はほとんどありませんでした。 Ruhlmann社でさえ、個々の手作り品ではなく、一連の家具を生産することに頼っていました。 新しいスタイルでパリに建設された最後の建物は、オーギュスト・ペレット(現フランス経済社会環境審議会)のパブリック・ワークス博物館、ルイ・ヒポポリト・ブイロー、ジャック・カルル、レオン・アゼマのパレ・ド・シャイヨ、 1937年パリ国際博覧会の東京 彼らは、アルバート・スペイアーがデザインしたナチス・ドイツの壮大なパビリオンを見ました。これは、同様に壮大な社会主義者であり、スターリンのソ連の現実主義的パビリオンに直面していました。

第二次世界大戦後、支配的な建築様式はLe CorbusierとMies Van der Roheによって先駆けられた国際的スタイルになりました。 マイアミビーチでは、第二次世界大戦後、いくつかのアールデコのホテルが建設されましたが、それ以外の場所では、自動車のスタイリングやジュークボックスなどの製品に使用され続けていた工業デザインを除いて、 1960年代には、Bevis Hillierのような建築史家の著述のおかげで、穏やかな学術的復活を経験しました。 1970年代には、アールデコ建築の最良の例を保存するための努力が米国とヨーロッパで行われ、多くの建物が修復され、再利用されました。 アールデコのような1980年代に最初に現れたポストモダンな建築は、しばしば純粋に装飾的な特徴を含んでいます。 デコは引き続きデザイナーを鼓舞し、現代のファッション、ジュエリー、およびトイレタリーで頻繁に使用されています。