ロマンチックな全盛時代の音楽

ロマンチックな音楽はおよそ〜 1830年と1910年。それは、文学や絵画、つまり個人主義、愛国心、自由欲求、目標の長さと追求など、他の芸術におけるロマンスとは似ていました。 音楽のロマンスは、文学や芸術のロマンスに関連して比較的遅れて続き、ずっと長く続いた。

期間は古典主義からの滑りの移行として、しかしまたこれの明確な違反として始まった。 ジョセフ・ハイドン、ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト、アーリー・ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンの古典は、啓発、明快、落ち着き、バランスの古典的な理念に焦点を当てていたが、ロマンスははるかに感情的でダイナミックで、 何かのための憧れとそこへの旅は、旅の目的よりも重要でした。 リチャード・ワグナー、ジュゼッペ・ヴェルディ、ヨハネス・ブラームスの支配的な地位がその人物を支配した。 同時に、ロシア、チェコ共和国、スカンジナビアなど多くの国や地域で国家のロマンスがますます支配的になりました。 ここでは民族音楽の影響を受けたり、その国の影響を受けた自分の音楽を作ったりするという考え方がありました。 ロマン主義の終わりに向かって、音楽はロマンチックな理想から、より現実主義に向かい、感情的な動きが少なく、新古典主義やインプレッション主義のどちらかのスタイルに向かった。

ロマンチックな全盛時代
ロマンチックな全盛時代は、時間と音楽の発展の中で最も支配的な時期です。 オペラは、特にワーグナーの劇的なオペラやヴェルディスのメロディアスなオペラの重要な発展をもたらしました。 この2つのオペラでもドイツとイタリアのオペラがますます支配的になりました。特にジョルジュ・ビゼーとジュール・マセネに気付いたフランスのオペラ作曲家がいくつかありました。 この間、劇的で深刻なオペラが強く復活しました。 オペレッタはまた、ジャック・オッフェンバッハとヨハン・シュトラウス・ダイとの大きな発展を遂げた

Valserはますます人気が高まったが、国内と国の両方の舞踊は、踊る音楽よりもオーケストラ作品になることもあった。 同時に、バレエは最後にロシアからの助けを得てブーストを得た。 交響曲は長い間後退しましたが、ヨハネス・ブラームス、アントン・ブルックナー、アントニヌ・ドヴォルザーク、ピョートル・ツィコフスキーの人気に戻ってきました。 ロシア、チェコ、北欧地域ではロマンチックな時代が特に顕著になった。 ブラームスは、いくつかのジャンルでいくつかの優れた作曲を持つ多面的な存在であった。

期間は世代の変化から始まりました。 メンデルスゾーンは1847年に死去し、ドニゼッティは1848年に、ショパンは1849年に死去した。シューマンは1850年に精神的に問題を抱え、1856年に死亡した。メイヤーベールは1850年以降はるかに少ない作曲をした。下に倒れたり反抗したりする。 非常に多くのジャンルや非常に多くの国が発達したため、音楽は以前よりもはるかに少なく制御されました。

ヴァルサーと他のダンス
ヨハン・シュトラウスは1825年に自身のオーケストラを始め、ワルツの普及に重要な役割を果たしました。 ウィーン渓谷として知られるようになったものの背後に立っていたのも彼でした。 彼の現代ワルツは、特にロンドンで1838年にヨーロッパ全土を襲った。 彼は1840年にノルウェーに来て、そこでウィーンの人気者にしました。 しかし、シュトラウスは、彼のRadetzkymarsjを除いて、早い時期に家に帰っています。 しかし、彼の2人の息子、ヨハン・シュトラウスとヨセフ・シュトラウスも熱心な選曲作曲家でした。 沼地と池も家族に加わりました。 特に、シュトラウスは1867年にDanubeからAn derscönenblauenを引用し、非常に人気があります。 シュトラウス・Dyは、彼の父とシューベルトが彼の前にしたいくつかのダンスや曲のサイクルとしてロールを開発し続けました。 シュトラウス・Dyはまた、精巧なイニシアチブとエンディング、そして作品間の移行を追加しました。これは、より分かりやすいオーディエンスの中でワルツをより受け入れやすくするのに役立ちました。

ホセ・シュトラウスは、彼の兄弟ヨハン・シュトラウスの兄弟であるエドゥアルドとともに、激しい合唱指揮者の作曲を敢行した後になった。 ジョセフ・シュトラウスはワルツと交響曲の融合に興味を持ち、新しい音楽を試すことを恐れていませんでした。 とりわけ、彼はワーグナーのオペラ「トリスタン」と「イゾルデ」の作品をローリングコンサートに組み込んでいたため、多くの聴衆がオペラが開かれる前にいくつかの曲を熟知していました。

しかし、多くの地元のダンサーがヒットしました。 ショパンは、ポーランドの影響を受けたマスクとポールを、そして1860年代後半には、ハンガリーの舞踊を持つブラームスを作曲しました。おそらく、彼はヴァイオリニストのエドゥアルド・レメニーとのコンサートに触発されました。 ハンガリーの踊りは、ブラームスにとって経済的に有利でした。 1870年代には、彼のスラブ人のダンサーと共にAntonínDvořákが来ました。 彼がハンブルクで会ったReményiとハンガリーの政治難民を通じた民俗音楽の影響を強く受けたブラームスとは異なり、DvořákのSlavicダンサーはインスピレーションの源がほとんどなく、人工的になりました。

バレエ
フランスのバレエは、フランス革命中に苦しんでいた。それは、作曲家を怖がらせたり、貴族の能力を弱めたりする。 しかし、バレエは1830年代のロマンスの台頭で再び成長しました。 ロマンチックなバレエでは、オペラのように、超自然が重要でした。 その一例は、主人公が自分の結婚式の直前に妖精と恋に落ちるシルフィデン(Sylphiden)でした。 特に、マリー・タリオーニとその父親である振付家フィリッポは、マリー・タリオーニがバレエでいつもよりも説得力のある演奏をしていたため、ロマンチックなスタイルの発展に欠かせませんでした。 この時期の最も有名なバレエの1つはジゼルで、Adolphe Adamの音楽がありました。 それはまた、超自然の存在、この場合、結婚する前に死亡した処女の霊によって特徴付けられます。

バレエは主に舞踊と振付家に焦点を当てていましたが、男性のダンサーはそれほど多くなく、男性のバレエダンサーがはるかに少ないことを意味していました。 これは西ヨーロッパのバレエの人気を妨害するのに役立った。 しかし、ロシアでは、ダンス、特に男性舞踊が国家のアイデンティティの重要な部分であったが、初期のバレエは男性側からの劇的なダンスを意図していた。 Marius Petipaの振り付けとPjotr​​ Tsjajkovskyの作曲の組み合わせが救済になりました。 チャイコフスキーの音楽は、ダンサーにうまく適応し、作曲家を振付師やダンサーの影から脱却させることに成功しました。 彼の作曲であるスワン湖(1876)、トルネーゼス(1889)、ナットクラッカー(1892)は、西部でもバレエの人気を高めています。 チャイコフスキーは、謙虚で簡単な良いメロディ、冒険的な物語と雰囲気にマッチしたカラフルなオーケストレーション、そしてバレエダンスの動きのために非常によく戦ったメロディーを見つけることに成功しました。 さらに、彼ははるかに交響的なバレエを作成しました。

オペラとオペラ
オペラはグランドオペラからグランドオペラとオペラコミックのオペラLyriqueに進化しようとしていました。 これはメイヤー・ビールのスタイルとひどく合っていて、1850年に比較的成功したにもかかわらず、彼のスタイルはとにかく外に出ていた可能性があります。 その代わりに、チャールズ・グノードとジュール・マセネはこのオペラ風のものでした。 しかし、オペラはフランスのオペラ、ワグナーとヴェルディの側に立っていた2人の作曲家によってまもなく支配されました。 さらに、オペラでエキゾチックでリアルな表現を加えたLeo DelibesやGeorges Bizetなど、他の才能あるオペラ作曲家も登場しました。

リチャード・ワグナー
しかし、ワーグナーにとって、1848年の革命年は政治的なコミットメントを特徴とし、彼の革命的な活動のために追放された。 ワーグナーはまた、ベートーベンの第九交響曲の未来の芸術を含む音楽分析を書いた。彼は「最後の交響曲はすでに書かれている」と言った。 1850年、彼は匿名で反ユダヤ主義の作品を書いた。ユダ・ジャッジメント・オブ・ミュージックではユダヤ人全般とMeyerbeerとMendelssohnを特にロマンチックな音楽を抑えたと非難した。 ワーグナーは、競合他社についても非常に否定的なコメントをしているのは特徴的ではありません。 ヴェルディは、ワーグナーに関する多くの意見を持っていたにもかかわらず、ワーグナーの妻の日記のメモを除き、現時点ではより知られていたヴェルディについては、より多くのリスト。

しかし、ワーグナーにとっての重要なポイントは、彼がドイツのテーマでドイツのオペラを見逃していたことです。これはウェブのハンターのパンが主に地方になってから面白くないからです。 ワーグナーはフライング・ダッチマンとタンハイザーに成功し、1847年にワーグナーがワイマールで1850年に書いたように、リストがローンリンを設立したときにはすぐにオペラ作曲家として戻った。ロウグリンは成功し、中世の伝説とドイツの人々の将来への魅力を予測した冒険は、しばしば道徳的で象徴的です。 オープニングでは、ヒーローの一人がデーンズを破った時を指し、ハンガリーリストが指揮する休戦を壊したハンガリー人との戦争についても話しています。

ワーグナーは1848年に彼の主な仕事であるニーベルングゲンリング(Nibelungenring)を始め、4つのパートのオペラ・サイクルを始めました。 最初の部分、Rhingulletは、1854年まで準備ができておらず、次の部分、2年後のValkyriaでした。 どちらもSearch Motivを使用しています。つまり、オペラの主題である気分や人物を強調するために時々繰り返される旋律部分です。 メロディーは、オーケストラ、曲、または合唱団に出て、可能な限り最高のポイントを示すことができます。 ワグナーの検索モチーフの使用は、このようにベルリオーズのアイディアを思い起こさせる。 違いは、ワーグナーはTristanとIsoldeと同じオペラの下でそれらのいくつかを使うことができ、また彼は頻繁にそれらを使用して、動機が冗長行為を説明するプログラムを作ることです。 メロディーはアクションをさらに導き、オペラの中で同時に、矛盾し、強化する感情を作り出すことができます。 ワーグナーのオペラは、モーツァルト、ベートーヴェン、ケルビニ、ウェーバー、メイヤーベルの影響も受けていました。 ワグナーは、以前の作曲家、ベートーヴェンとグルックを懐疑的だったにもかかわらず、彼は過去と密接に接触していた。

音楽的には、ワーグナーのオペラは、しばしばトリスタンやイゾルデなどの複雑なクロマチックな和音の変化です。 発音のない音楽的なものとサインのあるものとの間の300年前のミックスと、安定したものと不安定なものとの間のミックスは、ワーグナーの音楽の多くの要素です。 これはしばしば長さ感覚と不満足なニーズを作り出しました。 ワーグナーが多く使ったウェーバーのロマンチックな理想は、長さとゴールまでの道のりでした。 また、オーケストラと歌手が矛盾した印象を与えることができるように、オーケストラを使用してベル・カンツォとの最終解決に成功しました。 ワーグナーのアイデアは、歌、オーケストラ、ステージ、そして演劇が衝突して強力な劇的な表現をする完全なオペラでした。

ジュゼッペ・ヴェルディ
ワーグナーは、Rienziとのブレークスルーから10曲を作曲し、Nabuccoとのブレークスルーの後にVerdi 26を書いた。そして、Wagnerがリードモチーフとオーケストラの使用で最も有名だったGiuseppe Verdiは、良いメロディーを書く力で最も有名だった。キャラクターのキャラクター、感情、状況をキャプチャーします。 価値は現実主義者でもあり、彼の行動は神と怪物の神秘的な世界ではなく、この世界に関係していることが最も多いはずです。 ヴェルディは、ワーグナーとは対照的に、オーケストレーションが歌手を圧倒してはならず、むしろ色と雰囲気を付け加えるべきだと懸念していた。 ワーグナーは彼自身の手紙を書いていました。多くの場合、さまざまな情報源が混在しています。ヴェルディはウィリアム・シェイクスピア、フリードリッヒ・フォン・シラー、バイロン・ロード、ビクター・ヒューゴ、ヴォルテール、アレクサンドル・ドゥマスを若手に選んでいます。

ヴェルディスの大きな飛躍は、政治とブルセト市から引退したときだった。 そこでは、アントニオ・ガルシア・グティエレス、そしてアレクサンドル・ドゥマスの作品を元にしたラ・トラヴィアータを元にしたビクトル・ユーゴ、イル・トロヴァトーレの作品をもとに、トリロジー・リゴレットを書く時間がありました。 すべての人が伝統的なベル・カントゥー・オペラとメロディーを組み合わせて、主人公と主役の個性を強調しています。 これは、音楽と歌のスタイルが役割の特徴となったことを意味しました。 同時に、彼はまた過去の出来事の聴衆を思い出させるために動機を使用した。 これはWagnerのSearch Motivと同時にVerdiを導入しましたが、Wagnerの原則とは対照的に、Verdiの動機は行動を進めることや葛藤や異なる動機を生み出すことを意図するものではなく、 ヴェルディのモチーフも新しいものではなかった。例えば、ドニゼッティはすでに1835年に使用されていた。ヴェルディのオペラはロッシーニとドンツェッティのベル・カントー・オペラと遠く離れておらず、ロッシーニのオペラ標準からも借りた。

ヴェルディは彼のオペラが豊かになった後、最新のオペラで壮大なオペラを借り、漫画の役割とエキゾチックなテーマとサウンドイメージ(アイダ)を導入し、より勤勉にしました。 ヴェルディが作曲した最後の2つのオペラは、シェイクスピアのオペラ、オテロ、ファルスタフの両方であり、悲劇的な(オテロ)とコミック(ファルスタフ)のオペラの両方の優れた例であるマクベスの初版をより精巧にしている。 後者はヴェルディの唯一のコメディで、ワグナーのいくつかの特徴を持っています。なぜなら大統領の牡羊座でカンテオオペラを呼び出すのではなく、人々や状況の劇的な特徴を持っているからです。

他のオペラとオペレッタの作曲家
より才能のあるフランスのオペラ作曲家がいました。 Georges Bizetは、セイロン(現代スリランカ)(パールフィッシュ)とセビリア(カルメン)からエキゾチックな作品を書いた。 Camille Saint-SaënsはSamson a Dalila(聖書オペラ)を、LéoDelibesはLakméを作ってインドに加えました。 これらのうち、カルメンは、即時性と遡及的な成功の両面で、またアクションのリアリズムを区別して区別しています。 カルムの官能的でリベラルな生活は、彼女がジプシーの男の子であることに関連しており、したがって社会の外のあらゆるところで生きている。 ロシアとチェコにはオペラもありました。これについてはナショナリズムを参照してください。

ナポレオン3世が権力を発揮した後、劇場オペラは厳しく監視され、漫画オペラ「オペラ・ブフェ」はより自由になった。 これは、特にオペレッタ、すなわち伝統的なオペラ・コミックよりもはるかに多くの演劇で使われていました。 漫画と風刺的なオペラの最も重要な作曲家はジャック・オッフェンバッハでした。 オフェンバッハは、オルフェウス(テノール)が実際に別のものと恋をしていたが、「世論」(メゾソプラノ)を恐れていたので、間違いを犯して結婚した。 彼は、冥王星が彼女と恋をしていて、幸福に暮らしているので、彼女の死を手配します。世論によって彼が彼女を救うことが必要になるまで、Evrydikeもまた冥王星の夫として死刑囚になります。 オッフェンバッハにはまた、退廃的な人がガロップ(一種の踊り)を踊って死んだときも含めて、メロディーが後で缶にリンクされてしまうなど、良いメロディの耳があった。 同時に、オペラを楽しませてくれる彼のオペラは、18世紀初めの巨匠の歌の数、現代の現代の数、ボルネオス、ファンゴンゴ、クワドリル、ローラーから多くを集めました。

オッフェンバッハの人気はこの演劇の後に劇的に増加し、美しいヘレナとラ・パリ・パリシエンヌでは、多くの国で他のオペレッタ作曲家やコメディー・オペラ作曲家にも影響を与えました。 そのうちの1つは、ヨハン・シュトラウスのdyで、1874年にはバット、その後はHMSピナフォールに所属するアーサー・サリバンとWSギルバート、その後は一連の漫画オペラで大成功を収めました。 これは、英語(そして英語生まれ)の作曲家が、1600年代後半のヘンリー・パーセル以来初めて音楽を歌うのに役立つことを意味していました。

交響曲
交響曲は1850年代にはじまって異常な状態になり始めました。 たとえば、パリの主要コンサートホールは、ハイドン、モーツァルト、ベートーヴェンの古典的な交響曲や、メンデルスゾーンとシューマンの初期のロマンスを演奏するために使われました。 コンサートを手がけたパスデループは、最終的にフランスの音楽生徒のゴーンズンとサン・サーンスの交響曲を演奏するように説得されましたが、バッハが再発見され、ヘンデルはいつも人気がありました。 同時に、1848年から1857年にかけてフランシュリズムの交響曲の詩に新しい形の音楽が登場しました。これらは、哲学、文学、絵画などのオーケストラのためのソロ作品でした。 これはベルリオーズに沿った番組音楽であったが、物語よりも説明的であった。 リズムは画期的な調和と、19世紀の残りの部分を特徴付けるオーケストラ効果とに成功しました。 作品の交響曲は、特にソネート形式の輪郭に代表される。

Johannes Brahmsが現代音楽と古典的な交響曲を継承した味の間の頑固な状況を打ち破ったとき、ジャンルとしての交響曲は強く復活しました。 彼は後ろの交響曲を書くことで2つを組み合わせることを選択しました。それと同時に現代的でした。 ブラームスはシューマンに触発されていたので、彼はリストとベルリオに反対する古典的な枝に属していた。 しかし、彼が音楽を書いたブラームスは、ワーグナーの音楽にはほとんど残らなかったにもかかわらず、おそらくワーグナーのトリスタンとイゾルデの影響を受けていたと思われる。 これは、彼の交響曲が完全にも完全にプログラム的でもなく、スタイルに絶対的に近いことを意味します。 これはまた、ブラームスもベートーヴェンの第5交響曲の影響を強く受けていることからも強調されている。 それはまた、決勝でベートーベンの第9交響曲に触発されました。 それは主に音韻論的でメロディアスであったが、彼は声に色彩的な線を持っていた。 交響曲は1860年代に書かれましたが、1876年までは公表されませんでした。

すべてのブラームス交響曲の特集は、厳密には絶対的な形の音楽であり、プログラム音楽は一切ありませんでした。 ベートーヴェンのように、ブラームスは演奏のトーンでロマンチックであったが、第1部のソナタ、第2部のラージ、第3部のシェルソを尊重した。 それにもかかわらず、ブラームスは現代音楽にも関心を持ち、影響を受けています。

ブラームスが1860年代初めに交響曲を作曲したとき、彼はこの一人ではなかったが、アントン・ブルックナーは1865年に初めて交響曲を書いた。しかし、彼はしばしばそれを書き直して、ブラームスと同時に前に打ち砕かなかった。 ブルックナーは、ブラームスとは違って、はるかにワグナーにやさしく、彼はブラームスよりもはるかにプログラム音楽の方向に作っていました。 しかし、ブルックナーはベートーヴェン、特に第9交響曲にも関心を示していた。

Tshechkovskyも交響曲を書いていて、彼の最初は1867年に来た。Tsjkovskyは、ロシアの国歌を再発見したいと思っていた “強大な5人”とは異なり、西洋的な指向だった。 Tsjovkovskyが交響曲の前を打ったのは、4回目の交響曲の時だけだった。 その後、彼はすでにバレエ団やピアノコンサートで成功を収めていました。 1878年のツェフコフスキー交響曲第4番は、形式的な手続きを取っていたことと、強烈なハーモニック楽器を使うことに成功したことがあったために、画期的なものとなった。 しかし、彼の不在のマンフレッド交響曲は最も有名です。

交響曲もフランスで書かれました。 1871年に、CésarFranck、Camille Saint-Saënsなどの作曲家がフランスの音楽を宣伝することに決めました。 以前は主に印象的な主催者だったフランクが “Ars Gallia”というモットーの下で作曲を始めました。 最初は交響曲の詩でしたが、高コンバーチナンスの終わりになると、交響曲を書き始めました。 彼の交響曲は、その悲しみのために部分的に辞任したが、4つの文を別々に扱う代わりに、テーマをあるレートから別のものに取ったためだ。 さらに、ヨハン・セバスチャン・バッハと比較されたフランクは、彼の作品に対抗詞を使用することも得意であった。

全国的なロマン主義
ヨーロッパのさまざまな場所で、音楽の中でロマンティックな動きが強く現れました。 その理由は、例えば、ますます多くの国で集められた人気のある新聞をめぐり、国の独特の音楽スタイルを見つけたり、歌と音楽で国を叫ぶことができるような理由があるかもしれません。 高い支配力では特にロシア、チェコ、スカンジナビアートでは全国的なロマンスが現れましたが、しばらくの間はドイツの音楽に出ていました。 しかし、フランスでは、あるグループの作曲家が、ベートーベンやワグナーのようなドイツ人からインスピレーションを受けたフランクとデリベスのような作曲家に反対していた。 これらはむしろ彼ら自身の敷地内にフランスの音楽を書くだろう。 作曲家の一人はカミーユ・サン=サーンス(Camille Saint-Saëns)であり、彼のオルガン交響曲としての彼の深刻な作品で知られており、カメはオッフェンバッハの地獄ガロップの非常に驚異的なバージョンになる漫画のカーニバルである。

ロシア
ロシアは1830年代にミハイル・グリンカがヒットする前に作曲家をほとんど作曲していなかった。 彼の最初のオペラ、ツァールのための人生は、ツァールと政府を叫ぶことに加えて、明確なロシアの特徴を持っていた。 音楽はモーダルスケールで使用され、主に西洋の大小のスケールに置き換えられましたが、ロシアではまだ使用されています。 しかし、彼の他のオペラ、RusslanとLyudmila(1842)は、ヘールトンのスケール、クロマチック、不協和音、フォークソングのバリエーションを使用していました。

彼がとても典型的なロシア人であったためにGlinkasのオペラが西にぶつかりましたが、彼を追ってきたロシアの作曲家は2つの主要なカテゴリーに分類されました:モダンで西洋の音楽スタイル(Tsjajkovsky)を求めていた人、 (「The Five」または「Thefulful Handful」と呼ばれることも多い)。 チャイコフスキーの音楽はとても西洋的で、個々のサブグループに所属していたので、5人の作曲家のロシア語の検索は非常に重要なので、主にオペラや交響曲の場合がほとんどです。

Tsjaijkovskyのバレエや交響曲はすでに触れられているが、Eugen OneginやSpar Dameなどのオペラも書いている。 このうち、前者は明らかに知られており、その後はロシアの全国オペラを思い起こさせる地位を得ています。 チェチェンで最も有名な作品の1つは、1812年の序曲で、独立した作品であり、伝統的な姦淫者ではなく、オペラにリンクしています。 ナポレオン・ボナパルト上のロシア人の勝利を賞賛しているこのダチョウは、マルセイユ族に対するロシアのコサック、民俗旋律、およびトルコ人への言及がいっぱいです。 後者は、tsarhymは1812年以降に書かれ、ナポレオン・ボナパルトは1805年にマルセイユを禁じたという事実にもかかわらず、

5人はMilij Balakirev、Alexander Borodin、Cesar Cui、Modest Musorgsky、Nikolaj Rimskij-Korsakovで構成されていました。 5人はロシア音楽に対するドイツとイタリアの影響に反対したが、ベルリオーズとリストの音楽でも占められていた。 クイは、モーツァルトとメンデルスゾーンを敬愛することなく、シューマンに対する抵抗、リストとベルリオの熱意、ショパンとグリンカの女神に対する批判の中で、彼らが批判されて若くて残忍であったことを記した。

5人の作曲家のうち、CuiもBalakirevも後で作曲するために大きな意義を持ちませんでした。 ボロディンは、特にオペラ・ファースト・イゴール(完成していない)と彼の交響曲で、中央アジアの階段上の交響曲詩はもちろんのこと、彼の音楽に白人や中央アジアのテーマを使用しました。 しかし、彼は忙しい人でした(彼は化学教授でした)、作文時間はほとんどありませんでした。 彼の2つの交響曲はそれにもかかわらず、彼はベートーベンからのはるかに小さな融資でこれらを書いたので、ほとんどの他の交響曲の作曲家よりも過去の影響を受けていないため特別でした。

Musorgskijはウクライナの背景を持っていたが、サンクトペテルブルクに彼の人生のほとんどを残し、決して海外に去ったことはなかった。 彼の最も有名な作品の2つは、交響曲の詩である。ブローズベルクのある夜(1867年、死後に演奏)とピアノの絵画展(1874年)である。 プログラム音楽に加えて、Musorgskyの音楽は、エキゾチックなものに魅了されているにもかかわらず、ロマンスよりも現実主義と呼ばれることがあります。 したがって、SalambôOperaのような彼の音楽は、カルメンを思い出させるかもしれません。 さらに、Musorgskyは、音楽と芸術は、それ自体で終わるのではなく、人間のスピーチを助けるべきだと考えました。 音楽の法則は、いつでも重要なものであり、常に変わり、壊れるべきです。 アレクサンドル・プーシキンの作品に基づくオペラのボリス・ゴドゥノフは、ロシア語の朗読パターンを模倣した際の、Musorgskyのスピーチの魅力を強調しました。 BorodinとTsjajkovskyのEugen Oneginの最初のイゴールとともに、ボリス・ゴドゥノフはロシアで最も演奏されたオペラです。

Nikolaj Rimskij-Korsakovは1871年に教授になったため皮肉なことに音楽教育を受けた5人の唯一の人物であり、彼の学生よりも一歩前に勉強しなければならなかった。 5人であっても、西洋指向の音楽教育には懐疑的だったが、途中で多くのロシア音楽を保存したRimskij-Korsakovの教育であり、Glinka、Musorgskij、Borodinを編集して音楽の存続を確保した。 ロシアと西ヨーロッパの指揮者として、彼は音楽をこれらの分野に輸出することにも成功した。 Rimskij-Korsakovはオペラを書いたが、Borodin、Tsjovkovsky、Musorgskyの作品ほど注目を集めていなかった。 リムスキー=コルサコフの強さは、彼がオーケストラのすべての楽器を演奏することができ、オーケストレーションに非常に優れていたことでした。 彼のCapriccio espagnolとScheherazadeは、フランス語のタイトルとスペイン語のインスピレーションと1001夜の主人公にちなんで命名されたので、皮肉なことに特に有名になりました。

チェコ共和国
チェコの作曲家は、マンハイムの学校の下にマークされていたが、その後ほとんどがドイツの音楽に関連していた。 しかし、19世紀後半には、主にベドリッヒ・スメタナとアントニン・ドヴォルザークが主導した民族主義の波がありました。

最初はスメタナだった。 彼はチェコ音楽の創始者とされています。 スメタナはチェコ共和国の独立を懸念し、同時に音楽で忙しかった。 Prahaは重要な音楽センターであり、彼はBerlioz、Liszt、RobertとClara Schumannの両方に出会った。 ヨーテボリに滞在した後、彼はボヘミアに戻った。 これは、彼が2番目のオペラ「The Solded Bride」(1866年)を書いた場所で、多くの国のロマンチックな動きを持つ漫画オペラです。 後でスヴァヴィアのダンスでDvořákと同じように、スメタナはフォークミュージックから直接的に刺激を受けるのではなく、フォークチューンを作って自分自身を踊ることにしました。

この選挙の背景は、深刻なオペラがチェコ民謡に基づいて書くことを容易に可能にしたと思った原始政治家との議論であったかもしれないが、チェコ人のキャラクターで漫画オペラを書くことは不可能であった。 スメタナは、これが異なる曲のポッププーリで終わると主張した。 販売された花嫁の成功にもかかわらず、スメタナは他のオペラでこのスタイルから離れました。 彼は真面目なオペラを試みました。最後の4つのオペラでは、売春婦とお互いから、スタイルが大きく異なっていました。 SmetanasMávlast(「私の故郷」)は交響曲の詩のサイクルであり、特に第二のレーベルであるVltava(ドイツ語のMoldau)は大きな成功を収めました。

スメタナがリズムとプログラム音楽に触発された場所では、ドヴォルザークはブラームスのような絶対的なミュージシャンだった。 彼はすぐにワグナーの魅力から回復し、ブラームスにインスパイアされたいくつかの交響曲をリリースしました。 確かに、最初の4つの交響曲はDvořákの死には分かっていませんでしたが、最後の5曲はますます演奏されました。 しかし、ブラームスが古くから帰ってきたと非難された場所では、ドヴォルザークはより先見性があり革新的な交響曲であった。 しかし、ドヴォルザークは、ブラームスのような憧れで神秘的なものではなく、遊び心があり新鮮な作曲家でした。 しかし、交響曲としての最大の成功は、全世界の交響曲第9番「新世界から、アメリカへの旅に触発されただけでなく、チェコの音楽が混ざり合っている」の時を過ぎてしまった。 また、Stabat MaterとRequiemは大成功を収めました。H-Mollのa-moleとcell concertでの彼のバイオリンコンサートはヨーロッパでも非常に人気がありました。

北欧諸国
北欧諸国、特にノルウェーは、国家の恋愛の影響を受けました。 北欧の多くの作曲家は、ロシアで行われたように民族音楽に基づいて、またはプラハで行われたようにそれを書いて、国の音楽を定義しました。 それは特に、高変換で自分自身をマークしたスカンジナビア諸国でした。 フィンランドのJean Sibeliusは、デンマークのCarl Nielsenと一緒に、初めて商業化を始めました。

デンマークでは、1800年代半ばに「北欧の音色」というアイデアがはじめて登場しました。 この開発を始めたのは特にNiels Wilhelm GadeとJens Peter Emilius Hartmannでした。 これらのうち、交響曲奏者Gadeは北欧諸国に最も大きな影響を与えたが、舞台芸術家Hartmannは彼の作曲においてより多くの北欧人であった。 スウェーデンでは特にFranz Berwaldが支配的でした。 彼は室内楽とオペラの両方を書いたが、ガードとしては彼の交響曲で最も有名である。 Berwaldの交響曲は、ブレークとリズムの積極的な使用と非常にオリジナルだった。 残念なことに彼のために、ストックホルムは現代音楽の準備が整っていなくて、彼の音楽には生きていませんでした。

スカンジナビアの3つの国から独立した唯一のノルウェーでは、音楽会社 “Harmony”がベルゲンに設立された1765年以来、公の音楽生活が存在していました。 これは、世界で最も古い音楽会社の1つになります。 クリスチャニア(今日のオスロ)では、1810年にライアサムが代案として登場し、より大きな競争とプロ意識を生み出しました。 19世紀初めにノルウェーの作曲家が登場したとき、彼らは国家の思想や1814年のエイズヴルの出来事によって動かされた。そのため、非常に早い時期から、ロマンチックな雰囲気の一種となった。 すぐにハーモニーで演奏したOle Bullは、民俗音楽に特に力を入れていたヒット曲のMyllargutenと共演した。 このパートナーシップは、ノルウェー全土で人気のある音楽を作りました。 結局、Halvdan KjerulfやRichard Nordraakのような有望な作曲家が登場しましたが、特に1800年代後半にノルウェーのEdvard Grieg、Johan Svendsen、Christian Sindingが登場しました。北欧諸国。

ガード、ハルトマン、またはベルワルドで北欧やスカンジナビア語を検索した場合、グリーグは第一にスカンジナビア人ではなくノルウェー人です。エドヴァルド・グリッグは大きな形をよくしていなかったが、ロマンス、芝刈り機、ピアノ作品などの小さな作品に頼っていました。したが、彼はガードとベルワルドに対して反対者でした。例え、グリーグはは交響曲もなく、彼は少数の歌声を持っています。グリーグの音楽のもう一つの特徴は、全国的な調子を見せながら、多くの民俗旋律に触れられたときに彼が源に行ったことでしたそれと同時に、国の国境を越えて簡単にアクセスできるように、彼は人々の旋律に個人的な感触を与えられました。グリーグのローマ人はジャングルの中で最高の存在です。グリーグはミニです・アーティストと見せられていてもかわらず、彼のオーケストラ作品は最有名なものの1つであり、特にモニング・ムード、Dovregubbens Hall、Anitaの最初の曲のダン、Solveig ‘もう片方の歌。またホルベルグの時代から、A-Mollのピアノは大きく国際的な魅力を持っています。グリーグはロングイヤーによって「19世紀の最とも個性的な作曲家の一人」とされた。

その他の音楽
彼の交響曲や交響曲の詩に加えて、セゾン・フランクは、室内楽、オリエンテーリング、ファンタジー、フジ、合唱の音楽やオルガンの音楽など、多少のファッションを欠いていたたくさんの音楽を手がけていました。で、フランス音楽とJohann Sebastian Bachの両方からMendelssohnの努力を受けて、彼はますます人気を博した。フランクは現代のフランス室内楽の創始者であり、彼のピアノクインテット、弦楽四重奏、バイオリンの息子なんて、どんな循環的な形をしていました。

GabrielFauréは、基本的にフランクのワグナーとドイツ風のスタイルの対比です。彼は順序と制約を重要な基礎として示しました.Fauré はSaint-Saënsの学生でした。Fauré はまた、メロディーが楽しくなんと、巨匠がいないGounondを鼓舞します。結局、彼はおそらく彼のレクイエムとして知られている大きなクルーと音楽ジャンルに焦点を当てた。最終的には、フォレは音楽的な形であります人気があります高まってきました。そっと、どのメロディーは、しばしば一緒にリンクされまし