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高ルネッサンス

高ルネッサンスとは、ルネッサンス・ダ・ヴィンチ、ラファエル、ミケランジェロの偉大なルネサンスの巨匠のキャリアが重なり合った16世紀初頭に、イタリアで生産された芸術を指す言葉です。 彼らの仕事で達成した技術的な習熟と優雅な調和は、Vasariのような作家の理想として浮かび上がった。

美術史では、ルネッサンス時代は、ルネッサンス時代の視覚芸術のアポジーを表す期間です。 この期間は1480年代に始まり、レオナルドのミラノでの最後の晩餐のフレスコ画とフィレンツェのロレンツォ・デ・メディチの死により、1527年にはチャールズ皇帝の軍隊によるローマの解体で終わりました。この用語は、19世紀初めにドイツ語(Hochrenaissance)で初めて使用され、Johann Joachim Winckelmannによって描かれた絵画と彫刻の “ハイ・スタイル”に由来しています。 過去20年にわたり、この用語の使用は、芸術的発展を過度に単純化し、歴史的文脈を無視し、いくつかの象徴的な作品にのみ焦点を当てるために、学術史家によって頻繁に批判されてきた。

高ルネサンスは、1500年から1530年にかけて、ローマ法王、ローマ、ヴェネツィア、ヴェネツィアの芸術を指します。ルネサンス高ルネサンスの絵画では、西洋の芸術が盛んになり、芸術作品が普及しています。

この期間のマスターには、Leonardo da Vinci(1452-1519)、Michelangelo(1475-1564)、Raphael(1483-1520)が含まれます。
レオナルド・ダ・ヴィンチ(Leonardo da Vinci)は、彼の絵画における熟練した味方に、スフマートの技法をもたらしました。

概要
18世紀後半以降、ルネサンス高等学校は、教皇ユリウス2世の下で、教皇国家の首都ローマを中心としたイタリアの州で、例外的な芸術的生産の短期間(30年間)の期間を指すように取られてきた。 時代の始まりと終わりの時期と時期についてのアサーションは様々ですが、一般的にはルネサンス期のルネサンス期のLeonardo da Vinci、初期のMichelangelo、Raphaelなどがあります。 ルネッサンス文化の一般的なルーブルを拡張して、ルネッサンスの視覚芸術は、古典的伝統、後援のネットワークの拡大、後にマンネリズムと呼ばれる様式へのフィギュア的形態の徐々の減衰を強調して強調された。

ミケランジェロとラファエロによるバチカンの絵画は、スティーブン・フレデリベルクのような学者によって、作品の野心的な大きさとその構成の複雑さ、密接に観察された人物のために、絵画におけるルネサンス様式の最高峰を表現すると言われています、および古典的な古代への象徴的な装飾的な参照を指摘し、ルネッサンスの象徴として見ることができます。 近年では、美術史家は、ルネサンス期を15世紀後半から16世紀初頭の芸術へのいくつかの異なる実験的態度の1つである期間とは対照的に、ムーブメントとして特徴付けました。 この運動は、保守的なものとして様々に特徴づけられている。 美に対する新たな態度を反映するものとして; 文学文化におけるファッションに関連した折衷的モデルを合成する意図的なプロセス。 解釈と意味を持つ新たな関心を反映している。

それに先行する期間は、ルネッサンスの初期または初期のものです。 継続するものは後期ルネサンスまたは最終ルネッサンスです。 ルネッサンス時代という用語は、たとえ特殊な書誌であっても、その使用において誤解を招いています。 時には、2番目のルネサンス表現が “高い”(最初のルネサンス “最初のルネッサンス”である)と同等に使われます。

イタリアの高ルネッサンス
イタリアのルネサンスでは、最も名高い芸術的中心地としてのフィレンツェの代名詞(フィレンツェ – ローマ時代のルネッサンスを使用するのが通例です)として、ローマのフィレンツェを置き換えています。 3フィレンツェは、サバナローラの勃興とメディチェの追放を含む暴力的な社会的、政治的動きによって揺さぶられました。 ローマでは、バチカンの野心的な芸術的プログラム(サン・ピエトロ大聖堂、システィーナ・チャペル、エスタンシア・デ・ラファエル)は、一流のアーティスト、ブラマンテ、サンガロ、前述のラファエルとミゲル・アンヘルのコンスタレーションを集めました。 その中には、マナーニスト(Giulio Romano、Benvenuto Celliniなど)と考えられる次の時期に際立つものがあります。 イタリアの他の芸術的な中心の中でも、ヴェネツィアのみが重要な意味を持っています。ベネチア美術学校のユニークな特徴のために、ベニス、ジョルジョーネ、ティツィアーノの生産の最高の部分に出席しました。

ヨーロッパの残りの部分は、最初のルネッサンスやクアトロセンター(イタリアでは4000年)の芸術革命の影響を既に受けていましたが、現実には後期になると、シンケセントの終わりルネッサンスの古典主義段階の芸術の影響がすべての次元に達したとき、ルネサンスまたはマニエリスモの下に建てられた、イタリア語で500人) これは、Vite(1550年)の著者であるVasariのような学者が、自分自身の前に世代の天才たちに与えたものであっても、それらを疑似的に神格化したという特別な威信に大きく起因していた(実際には、 “神” – )。

15世紀半ばのルネサンスとの関係では、ルネサンスの実験で特徴づけられていたが、ルネサンスは、レオナルドの霊長類の成熟とバランスによって特徴づけられた。 Michelangelesqueterribilitáの大理石のボリュームで。 光と影に新しい隆起を与えるヴェネチア人やラファエロのマドンナの色彩、テクスチャ、キアロスロなどでは、 肖像画の中で腕を追い抜くこと(ジオコンダのように)。 とりわけ手の中で、外見と姿勢を持つ人物の関係によって特徴づけられた、組成上の明確なもの、特に三角形。

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マンネリズムは、歴史考古学がそれを自律的なスタイルとして定義している瞬間であったが、当初、オリジナリティーの欠如した芸術家を指名し、ミゲル・アンヘルまたはラファエルのマニエラを描いたり彫刻したアーティストを指名するのは軽蔑的だった。 確かに、ルネッサンス時代の芸術家が達成した威信は、ティントレットのような個性を持つアーティストであり、「ティツィアーノの色とミケランジェロの絵」を使用することを宣言しました。

バロック時代の破滅論的美学が主導していた17世紀には、18世紀にアカデミズムと新古典主義の仕組みを継承した古典主義の傾向が残っていた(フランス古典主義、ボローニョ学校、古典主義絵画)古代芸術の純粋さの考古学的回復に重点を置いている)、そして20世紀前半までは前衛的イノベーションに抵抗する芸術の公式パラダイムであった学術主義を通した現代美術であった。 19世紀半ばには、ラファエル前の絵画の職人の純粋さに戻って振り回されたプレ – ラファエリの動きがありました。

欧州の他の地域におけるルネサンス高
イタリアのルネサンス様式の受け入れは、15世紀を通してゆっくりと不均一でした。 しかし、16世紀の中頃には、彫刻と文章のおかげで、ルネッサンス時代の作品の普及が広まり、治療者(Vasari、Serlio、Vignola、Palladio)は彼らを古典的なキヤノンにした。

北欧のルネッサンス(特にフランダースの復活 – フランダースのプリミティブ – ドイツのルネッサンス – デューラー、アルドドルファー、グリューネヴァルト、ドナウブの学校)は自主的な焦点として発展してきましたが、イタリア語と流動的な関係にありました。 (グーテンベルク、1453年)は、15世紀の最後の10年と16世紀の最初の2世紀(フランダース – ブルゴーニュとドイツの政治的にはマクシミリアン1世の台頭によって政治的に支配された)プロテスタント改革(ルーサーの論文、1517年)に至る超越的な社会的、政治的、イデオロギー的変化のシナリオにおいて、

カトリック君主とスペインの最初の2つのハプスブルク(フィリップ・フェアとチャールズ1世、チャールズ5世の皇帝)の君主制については、歴史学は通常、15世紀の最後の四半期と16世紀の最初の2/3を指しますスペインのルネッサンス時代のルネッサンス時代、16世紀の最後の3分の1はフィリップⅡの野心的な芸術的プログラムによって支配されていましたが、 スペインの知的生産のすべての分野は真の黄金時代に入った。

こちらもご参照ください:スペインのルネサンス、スペインのルネッサンス文学、スペインの科学技術史、スペインのキリスト教史。
フランスのルネサンスと英国のルネッサンスも独特の特徴を持っていました。

建築
建築における高いルネサンス様式は、1510年にローマのモントリオにあるサン・ピエトロのテンピエートが始まったドナト・ブラマンテで始まります。テンピエートは、古代ローマ記念建築の本格的な復活を意味します。 David Watkinはバチカンでのラファエルの作品(1509-11)のようなテンピエートは、「キリスト教とヒューマニストの理想を和解しようとする試み」と書いている。

ペインティング
高いルネッサンスは、フィレンツェ・ジョルジョ・ヴァザーリによって最初に提案された美術史のモデルに従って、伝統的に創造的な天才の爆発と見なされました。 Fra BartolomeoやMariotto Albertinelliなど、時代の比較的小さな画家でさえ、彼らのデザインと技術の調和のために依然として賞賛されている作品を制作しました。 Michelangelo、Andrea del SartoおよびCorreggioの後期作品の細長い割合および誇張されたポーズは、後のルネサンスの様式が美術史で言及されているように、いわゆるマンネリズムを前提としている。

ジョルジョーネと初期のティツィアーノの絵画の穏やかな気分と明るい色合いは、ヴェネツィアで実践されているような高いルネッサンス様式の例です。 この期間の他の認識可能な部分には、レオナルド・ダ・ヴィンチのモナリザとラファエルの「アテネの学校」があります。 アーチの下に置かれたラファエルのフレスコ画は、視点、構図、不相応の巨匠の作品です。

彫刻
ミケランジェロのピエタと象徴的なダビデのような高ルネッサンスの彫刻は、静寂と動きの「理想的な」バランスが特徴です。 高いルネッサンスの彫刻は、一般に公衆と州によって委託されましたが、これは高価な芸術形態である彫刻のためにより一般的になっています。 彫刻は、建築家の装飾や装飾によく使われました。通常は、他の人が委託作品を勉強して賞賛する中庭内にあります。 枢機卿、支配者、銀行家のような裕福な個人は、非常に裕福な家族とともに民間利用者である可能性が高い。 教皇ユリウス2世も多くの芸術家を愛用しています。 高ルネッサンス期には、民間のお客様のための小規模な小像の開発、胸像や墓の創造も発展しました。 彫刻に関連する主題は主に宗教的であったが、墓の彫刻や絵画や大聖堂の天井の形で古典的な人々の重要な鎖でもあった。

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