アートとクリエイティビティは、NUfactoryが第6版でキュレートするフェスティバルであるOutdoor 2015でローマで祝われます。「ここ、今」というタイトルは、この第6版のタイトルは、反射時間と空間の次元を私たちの経験の最後の構造として焦点を当てることを目的としています。
ここと今、場所と時間制限。ユニークな、複製不可能な、時間のさまざまな面を具現化します。兵舎の過去、芸術的創造の現在、そして空間の将来の再生。シンプルなコンテナではなく、実際のコンテンツである場所。
かつての兵舎SMMEP（設立軍事電子機器の精度）は、90年代初頭に放棄されたグイドレニによって、フェスティバルがさまざまなプロセスを体験的に動かす道具になります。空間の変容の行為、「一時的な行動」の知覚、作品自体との相互作用、再生された場所の集合的な楽しみ、アウトドアキャンプのワークショップでのアーティストやクラスの積極的な参加。
むき出しの建築構造物とそこに含まれる芸術作品との間に作成されたボックス内の空間と時間のある特定の時間と経験に存在することで、…変容を通じて空間と時間に従事していることに気付きます。
アウトドア自体は常に動いています。過去数年間、表現とコミュニケーションの媒体となり、いくつかの芸術的経験、新しい言語、創造的なスタイルを伝え、ストリートアート、アーバンアートへの国家レベルの基準になることへの関心がますます高まっています。そして新しい芸術的表現。
このエディションでのアーティストの選択は、ストリートアートから始まり、常にフェスティバルのエッセンスであり、他の芸術的表現に到達するために、可能な限り最大のアートマップを描きたいという願いを基にしています。フェスティバルの期間中、バラックの多数のホールが、展示が明確に表現されている国によってパビリオンに改造されます。
2015年版では、空間や時間などの概念、その特定のコンテキストに固有のエクスペリエンスのために確立された要素に注目が集まります。スタッフとアーティストが集まり、2015年10月2日から31日まで、都市の創造性に焦点を当てた国際フェスティバルOUTDOORの第6版を開催する旧グイドレニバラックで行われているクリエイティブプロセスについて話し合います。
芸術、音楽、トーク、映画を中心とした豊富なスケジュールで、フェスティバルは、それが置かれる場所、1か月間だけ観客が訪れるかもしれない場所に密接に結びついた素晴らしい文化的コンテナになります。ここで、今、それは芸術的創造の行為とその楽しみを反映しています。
エキシビション：
新聞、家具、小物、奇妙な機械、タイヤの山。カレンダー、フロッピーディスク、キャスター、古いコンピューター。そして、地面に置かれ、ほこりで覆われた、ホイットニーヒューストンのカセットテープで、若くて認識できませんでした。ギドレニの兵舎での最初の訪問中に私の想像力をかきたてたすべてのもののうち、台風がハリケーンのように残骸が散らばった放棄された場所ゆっくりと空間を取り戻しつつある自然を通り抜けて囲まれていましたが、私の最も鮮やかな記憶は、奇妙なことに、そのカセットテープです。私はそれを子供として所有していることを知っていましたが、それを私の記憶から完全に削除しました。私が家に帰ったその夜、私はそれを探しました、そして、それが他のカセットと一緒にきちんと管理されて整理されているのを見つけました。そのため、オブジェクトと場所が、時間の経過とともにさまざまな反応を引き起こす強力な手段になり得ることを考えさせられました。その忘れられたテープは、私を時間に引き戻す目的でしたが、同時に、その正確な瞬間に、来たるべきものを具体化しました-すべての作業は、今後数か月の兵舎で完了する予定です。
記憶、記憶喪失、待機、および創造はすべて、現在のトリガーを介して過去と未来に関連するすべての方法です。ここで、今、フェスティバルの第6版のタイトル、時間と空間の反映、これらの手段を使用して私たちの経験を構築します。ここと今、特定の場所と特定の時間、それ自体はさまざまな時代を網羅する、複製されるべきではないユニークな瞬間：兵舎の過去、現在の芸術的創造、そして空間の将来の再生。このように、空間は単なる容器ではなく、実際の物体です。
イタリアンパビリオン
ルカマレオネテ
Lucamaleonteは1983年にローマで生まれ、現在も仕事と生活を続けています。彼はポスターとステンシルを使い始め、それからキャンバスにもペイントすることに専念しました。彼は、マスクとペイントを使用して、非常に複雑で色が重なっていることを特徴とするマルチレベルのステンシルを実現できる、世界でも数少ないアーティストの1人です。
アーティストが公開することを決定した個人的な記憶であるルカマレオネは、彼の過去を探る珍しい作品を発表します。それをホストする建物と重複する過去、彼の芸術的介入は、公と私の間の境界を曖昧にします。兵舎は彼がよく知っている空間であり、彼の記憶からの場所であり、彼の祖父が長年、監督であった場所です。このため、ローマの芸術家は、祖父の就任式と引退を、父親がここで述べた歓迎の挨拶と送別のスピーチを通して、オフィスから引退することを決定しました。部屋を支配する写真は私たちをその日まで連れて行き、観客の同僚と部下と共に、ステージからの彼の祖父の見解を示しています。
隣の部屋では、三連祭壇画が彼の祖父を将軍の制服に身を包み、彼の顔はアーティストの署名の1つである六面体で隠されています。最初の図はゴーストのように単純にスケッチされ、最後の図は完全に定義されています。彼の祖父の兵舎の壁からの出現は、過ぎ去った時を表すだけでなく、祖父の彼自身の個人的な記憶、彼をこの場所に結びつける記憶を表しています。
アイデアなし
No Ideaは、イタリア人で1983年に生まれたMauro PaceとSaverio Virilloによって形成されたラボです。彼らは、自らをデジタルで創造的な職人と定義しています。相互作用の設計、インタラクティブなインスタレーションの作成、美術館やイベントのための感情的でインタラクティブなマルチメディアの展示の投影と実現に焦点を当てたアイデアはありません。異例の場所での彼らの芸術的実験を変容させ、文化的空間に革命を起こそうとしている2人のアーティストによって作られた夢の結果です。
アイデアのインスタレーションは、西側世界のポストモダン危機を視覚的に表現することを目的としています。その中には、確実性の破壊、何世紀にもわたって存在する普遍的価値の崩壊が、論理の私たちの表現を導き、社会的および文化的現象や現代の出来事のために議論の余地がありました。人の意識を象徴する海が浮かび上がるこの集合インスタレーションの背景には、一見安心させると、それはすぐに悲劇的なシーンとして現れます。ボリュームのある光は、シルエットの存在を突然裏切り、劇的な出来事の象徴であり、その不屈の苦悩の中で死を経験させます。本物の、予測不可能な出来事、世界が置かれている基盤を再構成したトラウマ。
キャンディをこする
Rub Kandyとして知られるMimmo Rubinoはイタリアのアーティストであり、彼は複数のサポートで彼の芸術的研究を実験しています。彼の作品はシャープで正確です。彼は都市の状況をよく観察しており、画像や深い社会的メッセージによってそれを分解することができます。
ROOM1-Antonella Di Lulloの作品解説-
野外フェスティバルでは、Rub Kandyが中央ギャラリーの隣接する3つの部屋のスペースに侵入することにしました。技法と媒体は作品を区別しますが、それらを結合する共通の糸があります：空間、アーティストの変更、および領域へのアクセス不可能です。3つのサイト固有の作品は、建物とその建築要素に対する深い研究から生まれました。部屋1 –水で満たされた暗くて狭い部屋で、背景には大きな光の輪があります。閉鎖された空間は、植物が活動していたときに必然的に建てられた壁の存在によって増幅された困難の感覚を与えます。大きな光とそれに続く残響は、観客を導き、部屋が彼らの目にもたらす圧倒的な感覚からの解放を提供する要素です。
ルーム2
Rub Kandyの2番目の設備をホストする大きな倉庫は、2つの異なる部分に分割されました。1つ目は、劣化した状態を示すためにそのまま残されました。背景には、塗装された白い表面が明確な切れ目を示し、空間を無菌のシーンに変えています。彼らの率直さを通して、スペースは兵舎とその建築物を通る時間の流れを修正し、強化します。
客室3
フェスティバルの開催中に清掃された多数の鏡が、ピラスターに寄りかかって視聴者に向けられました。鏡での光の反射を増大させるゲームを通して、光のビームが空間を通り抜け、部屋の視覚的認識を変えます。
ハロハロ
Halo Haloはイタリアのアーティストで、1984年に生まれました。彼は2次元の言語を使用して、無限に自分自身を再現するように設計された標識の迷路を作成します。彼の作品は、あらゆる方向で失われる思考でできた軌道をたどるソフトな構造、複雑な構成を特徴としています。
ポップアートの形の無秩序で紛らわしい絡み合いは、論理に圧倒される前にイメージが頭に浮かび上がるときに、イメージの自由な表現を形成します。これらは、Halo Haloの作品を継続的に定義する特性です。部屋は空間的な座標と建築要素がその重要性を失った状態で埋め尽くされています。むしろ、それらはトリネーゼ作家の意識の流れの気まぐれによって置き換えられます。この作品では、空間の以前の機能を思わせる機械的なギア、アーティストの小さな自画像、古典的な建築要素、そしてチャープとともにアーティストの時代にアーティストに同行し続けたセミの詳細を見つけます。 ex Caserma Guido Reni。これらの画像で、アーティストは彼が働いたコンテキストを思い出し、私たちを彼の刺激的なものの中に完全に浸すように私たちを招待します、
108
108としてよく知られているグイドビサニは、1978年に生まれたイタリアのアーティストであり、ストリートアートのライターです。彼の作品は、抽象的でシュールで、ほとんどの場合ミニマルです。彼は、ヨーロッパの新石器時代の落書き、20世紀のアヴァンギャルド、StakやRichard Longなどの現代アーティストにインスピレーションを見出しています。
彼の研究により、108はストリートアートラベルから距離を置き、長年にわたって、絵の言語の基本的な要素としての形と色に重点を置き、大きな抽象的な図を作成してきました。「この作品のために、私は芸術的研究の統合を作成し、形状、またはむしろこれらの建築空間の形而上学的な構造に集中したかった。放棄された空間の美しさに対する一種の敬意は、時間とともに消費された。明るい色を使用すると、失礼で、場違いで、上品ではありません。」
彼の巨大な黒い斑点は、内部紛争の感覚を生み出します。それらは、どこを見ても邪魔にならない存在感を発する空虚さを含んでいます。非合理的で形のない形は、同時に原始的なマーキングと現代的な形の両方に類似していることを考えると、それらは概念的な矛盾です。彼の抽象的な人物像には、不完全さ、妨害の付随要素を作成する小さな不規則な垂れも含まれています。私たちを邪魔するのは、未知で理解不可能なものであり、最終的に私たちを反省と熟考の方向に導き、それはこれらの作品で完全に起こります。
フィリッポミネリ
彼はイタリアのアーティストであり、1983年に生まれました。彼は、建築、政治、コミュニケーション、地理学などの多くのテーマを分析、研究し、それらを作品、インスタレーション、パフォーマンスのベースとして使用し、すべてを写真とビデオで文書化しています。彼は常に風景や公共スペースに興味を持っており、彼の直感的で許可されていない介入のおかげで、イタリアのストリートアートのパイオニアになりました。
私が軍に勤務していなかったときに私が行ったすべてのことは、そのタイトルから意図の明確なメッセージを送信するインスタレーションです：tto ipフェスティバルのコンセプトを頭に入れて、他の場所で暗示と挑発的なテーマで作られた場所に連れて行きます。一見、場違いなように見えますが、不在を通してフェスティバルのテーマを反省し、この場所に関連する不利なイメージを示す反対意見を生み出すことを望んでいる逆転。境界が明確に定義されたビーチで、彼のアーカイブから撮影した写真、遠く離れた場所の詳細、人生の瞬間、兵舎の過去との対比として立つ個人的な体験の垣間、その機能を使用して、アーティストは展示しますそしてそれが表したもの。部屋にぶら下がっているポスターに見られる、一見切り離された不透明な言葉、
トマソ・ガラヴィーニ
Tommaso Garaviniは1972年にローマで生まれました。彼はローマの美術アカデミーを卒業しました。1998年から彼は映画や劇場のシーングラファーとして働いた。彼のアートは、絵画、デザイン、グラフィック、彫刻、さまざまなインスタレーションにまで及びます。2003年に彼はデボラ・パッパラルド、アナスタシア・シュート、イゴール・バコビッチによって上演された演劇作品「オペラマラ」を書いた。2006年、彼はデザインとアートのラボであるROTA-LABを設立しました。
セットデザイン、インテリアデザイン、ファインアートが、トマソガラヴィーニが創り出すこの世界に集結します。彼のスキルを組み合わせることで、彼はすぐに私たちを、天体、地球、そして深淵の間の熟考のために機能する部屋の親密な設定に導きます。ガラヴィーニによるこの「最後の晩餐」は、焦げた彫刻的なトランクから、自然の要素と鉄の神聖な雲に向かって、私たちの最悪の習慣を表す科学と自然が組み合わさっています。それはこの神の領域にあり、人間が作った「雲」の鋭いエッジを備えた自然の形のカスケードの結合を見ることができます。
自然のカオスを模倣することにより、ガラヴィーニは、自然環境で見つけた「完璧な」カオスを再現するために、メディア自体のリズムに挑戦しました。誰がこのテーブルに座って、象徴的なプレートをむき出しにしていますか？数字は、インストールでも重要な役割を果たします。13は、永遠の愛と精神的な清潔さまたは不運を表す数値であり、見方によっては、雲とテーブルの彫刻と木の彫刻の比率に比例して比例します。雲と彫刻の両方が表に対して1; 1,3の関係にあるため、この数の反対の意味は、インフェルノと崇高さの間の反対の引きに結びついています。スケールアップとスケールダウンには、これらのレベル間を移動する権利があり、自然界でのみ見られる調和を達成するために移動します。
うの
ウノはイタリアのアーティストであり、2005年からローマに在住しています。彼が制作に使用した手法は、ストリートアートの古典的な手法です。ただし、彼はポスターやアイコニックな要素やコラージュの繰り返しを好みました。彼はウォーホル、デボール、ロテラのレッスンに触発されたので、スプレーとペイントを使用して広告技術を試し、無限のイメージの繰り返しを作成しました。
UNOの世界は、色、プロポーション、パターンの繊細なダンスであり、ほとんど過剰の限界に追いやられています。インパクトの主なポイントは、目の前の壁、デザイン、パターン、色のツアーデフォースであり、UNOの過去数年間の芸術作品を特徴づけています。UNOは、ステンシルやコラージュからポスターやフリーハンドスプレーペイントまで、幅広い技術を駆使して、提示された環境を完全に取り入れています。
一見、混沌としていて調和の取れた微妙なバランスが取れた空間は、部屋の幾何学的な支点であるひし形から焦点を当てています。これらのフォーム内では、主に白黒のパターンが、キンダーの顔の微妙な描写から、この部屋の機能を思い起こさせる雨のしずくに移行し、シンクが隅に押し込まれています。宇宙のサウンドトラックに命を吹き込むと、水のコンセプトは遍在し、シンク自体が3次元のショーケースに変わります。そのようなダイナミックな空間での水の沈静効果は、色の選択（および非選択）によって反映されます。明るい蛍光グラデーションが黒と白の要素の周りに浮かび上がり、金の帯を微妙に反射します。これは、UNOの芸術的実践を360度垣間見ることへの最後のタッチです。
アリス・パスキーニ
アリス・パスキーニは、イラストレーター、風景画家、画家として活動するローマのアーティストです。彼女のお気に入りの「キャンバス」は壁です。彼女は多くの旅行に出かけ、例えばシドニー、ニューヨーク、バルセロナ、オスロ、モスクワ、パリ、コペンハーゲン、マラケシュ、サイゴン、ロンドン、ローマなど多くの芸術作品を制作しました。彼女は1980年に生まれ、ローマの美術アカデミーを卒業しました。その後、彼女はイギリス、フランス、スペインに住んで働きました。彼女はマドリードにいたとき、有名なアルスアニメーションスクールの非常に有名なアニメーションコースに通っていました。2004年には、Computense大学で美術評論家の修士号を取得しました。アリスは彼女の芸術によって、彼女の主題の最も親密な瞬間、つまり普通の人々とそれらの間の微妙なつながりを明らかにしたいと考えています。
信じられないかもしれません」-これらの言葉を使って、アリスパスキニは、彼女の作品の予期せぬ、インパクトのある側面を描写する空間を通して、客を航海に連れていきます。一見黒と白の配色から浮かび上がる微妙な色彩から、数字やフレーズの重ね合わせまで、さまざまなレベルで幻想に導かれた空間。
信じるか、信じないか？この部屋では、警備員を降ろし、このアリスの暗い世界に浸るように求められます。この内部空間でのみ、アーティストは彼女の作品の新しい側面を明かすことができます。それは、空間のすべての表面から注がれるように見えるミステリーと妖怪の構造に基づいて構築されたものです。パブリックアートへの配慮から解放され、アーティストの二元性が展示されています。彼女の公共の仕事を定義する鮮やかな色から離れて、このインテリア設定は、ファンタジーと幻想が何かが可能であったと私たちに信じさせた別の時代への復帰を要求して、黒に浸されたフリンジキャラクターの出現を可能にします。
2501
2501はイタリアのアーティストです。彼は14歳のときにストリートアートシーンに初めて登場し、ミラノの電車や壁に乗っていました。グラフィティ、キャンバスへのペイント、彫刻、ビデオを芸術的研究に取り入れています。彼は20歳のとき、グラフィックデザイナーとしてブラジルのサンパウロに移り、NGOとのパートナーシップを始め、貧民街の子供たちに教えました。
Recipient.ccは、ミラノの芸術集団です。マルチメディアコミュニケーション、ビデオ/オーディオ制作、インタラクティブインスタレーション、デザイン、アートなど、さまざまな分野の専門家によって構成され、多くの技術的および商業的
Blind Eye Factoryは、ビデオと写真コンテンツの制作と実現を専門とするアーティストの独立したスタジオです。このグループは、ジョルジオフィリッピーニとロレンツォガリートの組合によって2013年に設立されました。スタジオは当初からアートとデザインの分野、特に「新しい壁画」とストリートアートの流れに焦点を合わせていました。
2501の大きな塗られた壁は、Recipientの実験技術とBlind Eye Factoryの動画に適合しています。インスタレーションの間に、パビリオンは実際のアートスタジオに変わりました。このグループプロジェクトでは、一般の人でさえも、作品に従事し、作品の本質的な部分になるように求められます。作品の本質的な部分は、その芸術家。壁の実現に使用されたブラシは一般に公開され、受信者集団によって作成されたMacchina 03にある動く紙の上で使用できます。完成した紙は毎日パビリオンの壁に沿って吊り下げられ、フェスティバルの最後にのみ設置が完了します。設置全体は遊牧民の実験プロジェクトの一部です。これは、現代社会を特徴づける変化する断片化した状態の反映です。彼の継続的な旅行を通じて、2501はこの状態を実験し、記録しています。ブラインドアイファクトリーによるプロジェクトのドキュメンタリービデオの一部がパビリオンに展示されます。
スペインのパビリオン
ペニークプロダクション
Penique Productionsは、短命なアートワークの作成に基づく共通プロジェクトの実現に結ばれたさまざまな分野のアーティストによって2007年にバルチェローナに設立された芸術的集団です。Penique Productionsの作品は、表面全体に侵入するカラフルな風船です。そのようにして、彼らはスペースに新しいアイデンティティを与えます。
ペニークプロダクションの場合、部屋は事前テストであり、空間とのやり取りについて考えることができます。ファンによって動かされる空気のおかげで、2人のスペインのアーティストは屋内空間の表面を覆うためにプラスチック製のラッパーを使用しています。そうすることで、彼らは私たちの空間に対する認識を変えてしまいます。このプロセスにより、部屋は使用できなくなり、観客はその中で迷っています。彼らは初めて、特にアウトドアフェスティバルで、相互に作用する2つの異なるプラスチック環境を作成しました。黄色のラップが部屋の壁にくっつき、建築の形が際立っています。部屋の隅に、彼らはアートワークの主な焦点である巨大な赤い立方体を作成しました。どうやら無関係で独立したオブジェクトのようで、
ブリティッシュパビリオン
インサ
インサはイギリスで生まれ、12歳のときに絵を描き始めました。今日はイギリスで最も革新的で尊敬される作家の一人です。彼の作品は、絶え間ない創造的な研究と実験において、さまざまでカラフルな要素が混在しています。
InsaのGIFアニメーションで流れる画像の万華鏡は、観客に対して催眠術の力を持っています。彼らの周期的な動き、深さ、そして鮮やかな色は私たちを長引かせ、まるで強力な鎮痛剤の影響下にあるかのように私たちを不動にします。上からの眺めは作品の強調された見方を与え、部屋を支配する渦、その動きによって無に沈む渦を観察するように強制します。その上には、頭蓋骨が無限に回転し、不遜で皮肉っぽい。どちらの図も、Insaの作品の画期的なマークであるGIFを形成するためにペイントされた8つのレイヤーで作成されました。英語のアーティストは、現実の生活とは対照的に、オンラインで見られるトレンドにおける不死の概念を反映しています。作品に表されている2つのオブジェクトはどちらも、2つの象徴的な意味を持っています。回転する頭蓋骨は、同時に死の寓話であり、
渦は、古代の伝統において、生命と進化の象徴であり、同時にその動きを通じて、生命の一時性について警告しています。全体の作品は、人間のバニタの現代的でありつまらない再考です。私たちの存在の短命な性質の狂乱的で遊び心のある表現であるこの作品は、オンラインで作成された幻想的な世界に沈むときに、これらの条件を忘れることが多いことを思い出させます。
フレンチパビリオン
傾ける
ティルトは世界中で有名なグラフィティアーティストです。彼は南フランスのトロサ出身です。彼は自分を「落書きフェティシスト」と定義し、最初のタグは1988年にスケートボードのランプで実現しました。彼のキャリアは、ティルトが彼の足跡を残した長い旅行、例えばアメリカ、香港、日本、メキシコ、タイ、オーストラリア、ニュージーランド、ラオス、台湾、中国、カナダ、フィリピン、インドネシア、その他ヨーロッパの12か国。彼はいつもオールドスクールとワイルドなスタイルに専念し、それによって彼は観客を魅了する形と色を生み出しています。
ティルトの作品を解釈することが可能な意味の異なる層があります。疑いの余地なく、グラフィティの原始的な性質はフランスのアーティストの作品に不可欠です。彼の芸術的研究は常にこのテーマに焦点を合わせてきました：世界の広大な部分とさまざまな表面にサイン、名前を残すこと。ティルトを介した放棄は、単に破壊行為と見なされることが多く、挑発的に文脈を取り除きます。予期せぬ状況で抽出され挿入されると、それは不安と混乱の新しい美を獲得します。この偽装の下で、タグは概念的にも審美的にも正当化され、それらに対する否定的な偏見を短絡させます。
以前の兵舎の中で彼は彼の研究の限界を押し広げてきました。単なる脱文脈化の行為ではなく、彼はこれらの介入に向けられた表面を再形成しました。したがって、大きな窓は、アーティストが作業する面になります。ゴシック様式の教会の大きなステンドグラスの窓を思い起こさせる、色とりどりの多数の投げ縄は、私たちを神聖な領域へと導きます。床や壁、窓のネガティブなシルエットのあるフォーカルウォールでの光の反射は、敬意と熟考のために私たちを引き付けます。大きく塗られた壁は、ローマの地下鉄や他の国際都市の窓から撮影された写真の展覧会、および芸術家の署名と対照的です。鑑賞者は、空間全体を調査するために、パビリオン内を歩くことを余儀なくされます。
ダッチパビリオン
グラフィック手術
Graphic Surgeryは、オランダ出身の芸術的なデュオです。彼らの名前は、Erris Huigens（1978）とGysbert Zijlstra（1978）です。彼らは常に自分のスタイルを維持しながら、さまざまなテクニックやジャンルの境界を探りました。彼らは通常、ラインとジオメトリの白黒システムを使用して、絵画、グラフィティ、ビデオ、インスタレーションを実現します。
オランダのデュオのインスタレーションは、建築空間を貫通する複雑な構造に焦点を当てた一連の作品の4番目です。彼らの作品は、倉庫やクレーンに見られる梁など、産業環境を形作る最小限の幾何学的形状に大きく影響されています。特に後者は、それらが特に関係しているものであり、都市景観に遍在する機能的手段ですが、無視されるか、不快感をもたらすことがよくあります。グラフィック手術では、機械式クレーンは変化する都市の象徴であり、更新または絶えず進化する環境の破壊の道具です。アウトドアの仕事は、3つの部屋に横に黒いトレリスを埋め込む、兵舎の環境の再構成に焦点を当てています。各部分は独立しています、しかし同時に、全体的な構造の不可欠な部分です。この木造建築は、アーティストがインスピレーションを得た建物の倉庫にある露出した梁を思い起こさせます。石に囲まれた純粋に形成されたクリスタルのように、それらのインスタレーションは部屋を変え、新しい空間的展望を作り出します。
ギリシャパビリオン
アレクサンドロス・バスモルラキス
アレクサンドロスバスモウラキスは1980年にアテネで生まれました。彼はアテネとロンドンの間に住んでおり、フリーランスとして働いています。彼はストリートアート分野で彼の芸術的研究を開始し、それを、特にここ数年で、リサイクルされた材料で実現された大きな設備に拡大しました。
RELICS-Antonella Di Lulloによる作品解説-
この放棄されたスペースで発見されたオブジェクトは、アレクサンドロスバスモウラキスの芸術のおかげで新しい生命を取り戻しました。彼の野外フェスティバルでの作品は、一連のインスタレーションで構成されており、アーティストが現場視察の際に発見したオブジェクトや資料を使用して作成されています。アーティストは、彼らの発見をフェスティバルの主張「ここ、今」に関連付けました。緑のキラキラで覆われ、ファンのおかげで宙に浮いている波状のパネルの軽さとは対照的に、椅子で作られた柱や引き出しで作られた柱があり、どちらも一種の静的な存在を表しています。アクション。バスモウラキスの作品では、彫刻、素材、時間の両方が芸術的に重要です。
ブラジルのパビリオン
ティーニョ
観客がティニョの作品を見たときに必然的に感じるのは、驚きと孤独です。彼の本名はWalter Nomuraで、1973年にブラジルで生まれました。彼はグラフィティアーティストであり、彼の作品で、彼の世界と現代のブラジル社会のイメージを提示したいと考えています。
ウォルターノムラ（別名Tinho）の作品は、視聴者との個人的な対話を作成し、幼少期のような親密な時間に戻そうとしています。彼の刺激的な絵画と巨大な人形を通して、彼は現代の生活の不安、深遠な疎外感、そして隠された都市空間での生活を日常生活の熱狂的なペースから区別する深遠な個性を伝えています。彼の人形、失われた純真さと軽さの象徴は、私たちをこの暗黙の不満に導き、私たちの行動の最終結果に反映させます。とりわけ、彼の作品は道徳的かつ倫理的な選択の成果です：経済学が私たちの惑星を破壊する現象（資源の浪費や大量のゴミの生成など）を生み出す時代に、彼は布のスクラップや古着。
ノルウェーのパビリオン
マーティン・ワットソン
マーティンワットソンは1984年にノルウェーで生まれ、現在もノルウェーに住んでいます。彼は美容研究において、通常醜い、時代遅れ、または単に面白くないと考えられているものの継続的な緊急性を示しています。彼のインスピレーションは、人々、都市のシーン、古い建物、傷のある壁にあります。
ステンシルとスプレー。これらは、ノルウェーのアーティストがアウトドアでの作業に使用した2つの方法です。1つは正確で技術的な方法、もう1つは衝動的で混沌とした方法です。他の部屋よりも小規模な部屋では、観客がすばやくパノラマビューを見ることができ、作品のダイナミックなリズムを誘発します。2人の人物は、無限の追跡を行っています。1つは絵を描くこと、もう1つは彼の軌跡を白いペンキで覆うことです。チェイスを始めたのは誰なのか、謎を解くのは誰なのか。これらの2つの相反するジェスチャーは、アーバンアートの短命な性質と、アーバンコンテキストでの作業中に発生するダイナミクスを例示しています。アーティストは、対立する勢力間のこの戦いにおける判断を留保し、対立する勢力間のこの必要なゲームの表現に彼の関与を制限します。
特別企画
マリーン・リリシェ
Marine Lericheはグラフィック、テキスタイル、セットデザイナーです。彼女は最初、パリの国立応用工芸学校でビジュアルコミュニケーションとマルチメディアを学びました。その後、ENSCI-Les Ateliers（National school for Advanced Studies for Design）のテキスタイルデザイン部門に進学しました。同時に、彼女は常にスタイリスト、アーティスト、エージェンシーとの仕事とコラボレーションについて多くを学びました。実際のところ、彼女は今学際的なプロファイルを持っています。創造は、彼女が日常生活の中でオブジェクト、写真、コンテンツを作成して収集することによって達成する必要性です。彼女は、新しいパートナー、新しい媒体、新しいプロジェクトに取り組むことで学ぶことが大好きです。彼女によると、異なる創造的な分野の間で出会いと対話をすることによって常に想像力を刺激することが重要です。
この場所に入ったとき、私たちはすぐにこの旧軍事工場で経験していた大きな感情を共有する必要性を感じました。Objetstrouvésは、1世紀以上にわたって活動し続けた生産的で活気のある場所を祝う感情のカタログです。3か月間、7ヘクタールの元兵舎SMMEPが展開され、発見の地でした。この広大な場所の隅々は、途中で本当の中毒になり、私たち自身の人生ではない人生の断片を集めることに導いた飽くなき探求の対象となっています。
ほこりっぽくてカビの生えた屋根裏部屋で冒険的な発見をする子供たちの好奇心と興奮で、私たちにとって、各オブジェクトは成果を象徴し、すべての成果は物語になりました。私たちが伝えたい物語は想像力のひとつです。展示されているオブジェクトは一見価値がないように見えますが、それらを使用した男性のエネルギーが豊富です。彼らの配置は、これらの兵舎内に住んでいる生命の科学カタログにそれらを還元しないように、意図的に行われた美的で感情的な組織を持っています。そのため、個人的な体験を提供する手段として、歴史書よりも絵本に似た、親密で反射的なストーリーにご招待します。
家具、塗料、木材、鉄、錆びた物体、椅子、アームチェア、ヘルメット、ボトル、電球、ポスター、ポストカード、手紙、図面、記録、注文およびコマンド、サングラス、スキー用具、ペン、ツール、ボタン、ジャケット、シャツ、バナーとフラグ、理解できないもの、古いコンピュータ、青写真、図、電線、エロティックカレンダー、ラジオ、グラフィック、チラシ、未知のオブジェクトは、それらの美しさや未知のシンプルな魅力のために評価されています。
3か月で収集されたこの宝物は、混乱の感覚を伝えるために配置されています。これは、検索の最初に私たちが経験したのと同じ混乱です。その代わり、展覧会は、色、形、素材、質感、テーマごとに、心強い、体系的な展示方法を採用しています。これは、オブジェクトの美しさを強調し、スペースを規則化し、楽しみを促進します。私たちは、日常と未知のオブジェクトの間のこの魅力的な旅に、彼らの通常性に価値を与える方法で並置された、日常生活の新しい崇高な外観への招待を公衆にもたらします。
ローマ野外フェスティバル
OUTDOORは、都市構造への芸術的介入を通じて市民と都市の関係を強化することを目的として2010年に作成されました。恒久的なパブリックアートインスタレーションを通じてオスティエンセのかつての工業地帯の特徴付けに貢献した後、フェスティバルは、都市再生のプロセスにおけるアートの使用というテーマに焦点を当てており、影響する変革のダイナミクスへのパブリックアクセスを可能にします領土と国際レベルでの都市のコミュニケーション手段として。
野外フェスティバルは、あなたが放棄された場所の再活性化のための道具となる芸術と音楽による公共空間の変換についての反映を続けています。
科学都市および都市再生プロジェクトの地区の所在地として出現する70,000平方メートル以上。元の兵舎は、最終的な再生の前に一時的にアニメートする国内および国際的な17人の地元アーティストの広範な文化プログラムとサイト固有の介入によって再活性化されました。
5つのエディション、70人以上のアーティストが関与し、昨年サンロレンツォの以前の習慣に16,000の出演があった後、今年のフェスティバルはシンプルなコンセプトと強い印象を同時に示しています。
海外の大使館や文化研究所と協力して、野外フェスティバルは8か国から17人のアーティストを招き、旧兵舎のグイドレニの放棄されたスペースにある10のパビリオンを作品で占めています。
2501年には、抽象から108までのグラフィティ、彫刻、ビデオの折衷的な作品が、Recipient and The Blind Eye Factoryと共同で制作されました。ミネリのギリシャのヴァスムーラキス作品の大規模なインスタレーションから、ポリシーはそうですが、同時に内省的です。
幾何学的な白黒のオランダのデュオグラフィック手術であるHalo Haloのインスタレーション。2次元の迷路と、ドラマティックなグレーが色のパッチによって破壊されているノルウェーのマーティンワットソンの作品の魅力が対比されています。カラフルな人形がブラジルのティニョをぼろぼろにして、その社会的なメッセージを伝えます。スペインのペニークプロダクションの空間的革命は、その場所の歪曲を通してその場所の新しい概念を要求し、フランスの落書きティルトは私たちに執筆の始まりを思い出させます。Rub Kandy、Insa、およびその「giffiti」によって構築された都市の解体、多層化された画像、アニメーション、ストップモーション、ストリートアーティスト、Lucamaleonteの研究。今回はNo Ideaの記憶とインタラクションデザインに焦点を当てます。そして最後に、ローマのパビリオン、
イベントの広範なプログラムは、トーク、映画、食べ物、そして国際的な音楽の幅広いセレクションを含むホスト国の文化を発見するために視聴者を導きます。
このエディションの屋外プランは拡張仕様です。ビジュアルアートと共に、音楽は今年のフェスティバルの共演者です。関係する17人のアーティストの各作品は、オリジナルのサウンドインスタレーションを実現するために呼ばれるミュージシャンの介入と組み合わされています。
アウトドアには3つの特別な機能もあります。レナトファウンテンが創造性に重点を置いたクリエイティブコンファレンスイタリアン主義、「Made by Italians」、イタリアに住む100人以上のプロやアーティストと一緒に新しいビジュアルシーンの状態を知る方法海外では、建築、アートディレクション、コミュニケーション、デザイン、写真、漫画、グラフィック、イラスト、壁画、ビデオの世界から。