ゴシックアートは、12世紀にロマネスク様式の芸術から北フランスで発展した中世芸術のスタイルであり、ゴシック建築の同時発展に牽引されました。それは西ヨーロッパのすべてに、そして南ヨーロッパと中央ヨーロッパの多くに広がり、イタリアのより古典的なスタイルに決して影響を与えませんでした。14世紀後半、インターナショナルゴシック様式の洗練された宮廷様式が発展し、15世紀後半まで進化を続けました。多くの地域、特にドイツでは、後期ゴシック様式の芸術は16世紀まで続き、その後ルネサンスの芸術に包まれました。ゴシック時代の主なメディアには、彫刻、パネル絵画、ステンドグラス、フレスコ画、照明付きの原稿が含まれていました。ロマネスク様式からゴシック様式へ、そしてゴシック様式からルネサンス様式への建築の容易に認識できるシフト、
初期のゴシック芸術は、大聖堂や修道院の壁に刻まれた記念碑的な彫刻でした。キリスト教の芸術は本質的に類型学であり（中世の寓話を参照）、新約聖書と旧約聖書の物語を並べて示しました。聖人の生活がしばしば描かれました。聖母マリアのイメージは、ビザンチンの象徴的な形からより人間的で愛情深い母親に変わり、乳児を抱きしめ、腰から揺れ、生まれながらの貴族の宮廷女性の洗練された態度を示していました。
世俗芸術はこの時期に都市の台頭、大学の設立、貿易の増加、お金に基づく経済の確立、芸術を委託し、作品を委託する余裕のあるブルジョワ階級の創設によって生まれました。絵画と照明付き原稿の急増。識字率の向上と世俗的な自国の文学の増加により、芸術における世俗的なテーマの表現が促進されました。都市の成長に伴い、貿易ギルドが形成され、アーティストは画家ギルドのメンバーであることがしばしば要求されました。その結果、記録の保存が改善されたため、この時期、以前よりも多くのアーティストが名前で知られています。一部のアーティストは、彼らの名前に署名するほど大胆でした。
起源
ゴシックアートは、12世紀初頭にフランスのイルドフランスで、アボットシュガーによって建てられたサンドニ修道院教会で生まれました。スタイルは急速に建築の起源を超えて、記念碑的および個人的なサイズ、テキスタイルアート、絵画に広がり、フレスコ画、ステンドグラス、照明付き原稿、パネルペインティングなど、さまざまな形をとっていました。修道院の命令、特にシトー会とカルトゥーシア人は、スタイルを普及させ、ヨーロッパ全体でその独特の変形を開発した重要な建築者でした。14世紀後半までに、国際ゴシックと呼ばれる一貫した普遍的なスタイルが進化し、それが15世紀後半まで続き、多くの分野でそれが続いたとしても、建築の地域的なバリエーションは重要なままでした。
今日考えられるよりもはるかに世俗的なゴシック芸術がありましたが、一般的に宗教芸術の生存率は世俗の同等のものよりも優れているため、教会によって委託されたものであれ、教会によって委託されたものであれ、その時代に制作された芸術の大部分は宗教的でした信徒。ゴシック芸術はしばしば旧約聖書の出来事が新約聖書の出来事よりも前に構成されたという信念を反映し、これが実際に彼らの主な重要性であったという信念を反映して、本質的に類型学でした。
新約聖書のシーンは、Speculum Humanae Salvationisや教会の装飾などの作品に並べて表示されました。ゴシック時代は、視覚芸術が大きな役割を果たしたマリアンの献身の大きな復活と一致しました。聖母マリアの画像は、ビザンチンの階層的なタイプから、聖母の戴冠式を経て、より人間的で親密なタイプへと発展し、聖母の生涯のサイクルは非常に人気がありました。イタリアのジョット、フラアンジェリコ、ピエトロロレンゼッティ、初期オランダ絵画などのアーティストは、アートにリアリズムとより自然な人間性をもたらしました。西洋のアーティストとその常連客は、革新的な図像にはるかに自信を持ち、コピーされた式がほとんどのアーティストによってまだ使用されていましたが、はるかに独創性が見られました。
図像学は神学の変化の影響を受け、マリアの被昇天の描写はより古い「聖母の死」に根を下ろしました、そして「悲しみの男」などの主題でキリストの新しい治療法を生み出した「デヴォティオモデルナ」などの信心深い実践では、処女の描写と同じ動きで、人間の苦しみと脆弱性を強調した物思いに沈んだキリストとピエタ。最後の審判でさえ、キリストは今や彼の情熱の傷を示すために彼の胸をさらすことが通常示されました。聖人はより頻繁に示され、祭壇画には、はりつけや聖母子に参加したり、中央のスペース自体を占有したりしている特定の教会または寄贈者に関連する聖人が示されていました（これは通常、サイドチャペル用に設計された作品の場合）。
特徴
これを一般的に言ったロマネスク様式の教会や修道院の前で、ゴシック様式の象徴的な建築作品として、光に満ちた非常に高い壮大な大聖堂があります。これらは、主要な技術的貢献であり、重要な土木建築も開発されましたが、Pseudo Dionisio Aeropagitaの著作。もう1つの特徴は、絵画や彫刻などのその他の造形芸術が、それらの従属構造から建築支援への独立を始めたことです。
ただし、継続性には多くの要素もあります。これは依然として主に宗教的な芸術です。制度としての修道院は、正式な詳細と新しい要件への適応を除いてほとんど変化しませんが、そのレイアウトは変化を示さず、教会、主に大聖堂の計画は、主に東向きの後陣の頭を持つラテン十字でありましたが、複雑であるか、または変化しました（バジリカルプラント、中央にトランセプトの配置、ネイブ、礼拝堂、救急車の複雑化）。間違いなく、継続性の主な要素は、時代を超越した作品の概念です。ほとんどの構造では、スタイルは互いに続き、数世紀のリズムに溶け込みます。子供や孫、しかし、これらの建物の建設は私が数世代働くことを意味します。それらの多くでは、技術的または経済的挑戦を開始する大胆ささえ評価されます。これは、プロジェクトの開始時に完全に計画されていなかったために、どのように完了するかわからない、政治的な対立が原因である場合があります。シエナとフィレンツェの大聖堂。
光
新しい宗教的な建物は、体験のほとんど明白な方法で、時代の宗教的および象徴的な価値を忠実にもたらしたい空間の定義によって特徴付けられます。ヒューマニズム初心者は男を暗い闇から解放し、彼を光に招待しました。この事実は、神の概念と光の場との間のリンクを確立する新プラトニックな哲学的潮流の普及に関連しています。新しい建設技術によって壁が開口部の利益のために実質的に不要になったため、教会の内部は光で満たされ、その光が新しいゴシック空間を形作っています。それは絵画やモザイクに含まれていない物理的な光になります。点に集中せず、あたかも焦点であるかのように方向付けられた、一般的な拡散光。同時に、それはステンドグラスとバラの窓の遊びを通して変容し、色付けされた光であり、それが空間を非現実的で象徴的なものに変えます。色は非常に重要になります。
光は神性の昇華として理解されています。象徴学は当時の芸術家を支配し、シャルトル派は自然現象の最も高貴な要素、最も重要でない要素、純粋な形に最も近い近似を光と見なしています。
ゴシック建築家は、彼がテクニックを使用して、建物の要素を非物質化する光、変容した光を使用することを可能にする構造を編成し、高度と無重力の明確な感覚を実現します。
建築
ゴシック建築の最も独創的な目新しさは、ロマネスク建築に典型的な厚い壁の消失です。構造の重量は壁に吸収されなくなりましたが、柱と建物の外側に配置された一連の二次構造に分散されています。このようにして、壮大な窓で覆われた光の壁が生まれました。これは、力を解放するための要素の複雑なネットワークの外側に対応しています。フライングバットレス、ピナクル、アンローディングアーチはすべて、屋根の横方向のスラストを含み、地面に向ける構造要素ですが、インフィル壁は重要性を失い、窓に置き換えられています。ゴシック建築家の並外れた能力は、新しい静的な構造で終わるわけではありません。石積みの壁の境界から解放された建物は、垂直の推進力で開発されました。
イングランドでは、6セグメントボールト、次にラジアルまたはファンボールトを備えたクロスボールトのさらなる開発がありました。さらに優れた重量配分を可能にするソリューションです。ゴシック様式の大聖堂は天国の隠喩として考えられていたため、最後の審判はしばしば入り口に彫られました。
後期ゴシック建築
14世紀から15世紀にかけて、ゴシック様式は前の2世紀の形態を基準に新しい方向に発展しました。
XIVおよびXV世紀の建物は、かなりの高さの中央の身廊と2つのはるかに低い側部の身廊によって特徴付けられました。これは、光が何よりも聖職者のレベルに集中していたことを意味します。
一方、後期ゴシック様式では、最も一般的な内部レイアウトは、ホール教会のモデルに従います。つまり、中央の通路と比較して、側面の通路は同じ高さです。これは、光が上からではなく側壁から来て、環境全体を均一に照らしていることを意味します。従来の方向性も変更され、以前の軸の強い意味合いが失われ、多中心的な空間性が優先されました。この新しい宇宙のビジョンは、15世紀のより地上的で世界的な信仰心とも関連しています。
この新しい感性の地理は、古典的なゴシックのそれとは異なる地図を示しています。最も革新的な地域は、ドイツ、ボヘミア、ポーランド、イギリス、そしてアルプス地域でした。
イベリア半島では、15世紀から16世紀にかけて、前世紀のフランスとドイツのモデルに触発されて、いくつかの大きな大聖堂が建設されました。ポルトガルでは、自律的な傾向がいわゆるマヌエルアートになりました。
ペインティング
ゴシック様式と呼ばれる様式での絵画は、ゴシック様式の建築と彫刻の起源からほぼ50年後の約1200年まで現れませんでした。ロマネスクからゴシックへの移行は非常に不明確であり、明確な区切りはありません。また、ゴシックの装飾的なディテールは、図や構成自体のスタイルに大きな変化が見られる前に導入されることがよくあります。次に、人物のポーズや表情がよりアニメーション化され、シーンの背景と比べて小さくなる傾向があり、余裕のある絵の空間に配置されやすくなります。この移行は、最初にイギリスとフランスで1200年頃、ドイツで1220年頃、イタリアで1300年頃に行われます。ゴシック時代の絵画は、4つの主要なメディア、フレスコ画、パネル画、原稿の照明、ステンドグラスで行われました。
ゴシック時代の絵画は他の芸術と比較してかなりの時間差を経験し、イタリアの学校（特にトスカーナとおそらくローマ）のおかげで30年から40年の遅れで更新になりました。ジョットの作品のおかげで、13世紀の後半になってようやく、舞台は急速に焼き上がり、絵画は完全に一新されました。
この遅延の理由はおそらく、絵画と彫刻が持っていたさまざまなモデルに関連していた：ロマネスク時代には、彫刻はすでに更新されており、いくつかの場合には古典主義の既存の作品が再発見されたが、主な参照モデルの絵画にはビザンチン様式が使用された学校。4回目の十字軍（1204年）中のコンスタンティノープル征服と、東のラテン王国の形成により、ビザンチン絵画とモザイク作品の流れはさらに濃くなりました。
13世紀の後半、ニコラピサーノの時代に、物語の活気、自然主義的なレンダリング、彫刻と絵画の間の表現力の間の分離はクライマックスに達し、画家たちは彫刻家によって導入された並外れた革新の前で武装解除されました。しかし、2世代以内に、画家たちはステージを焼き、モデルと言語を更新し、絵画芸術に到達して、空間、物語の活気、信頼できる人物、そしてもっともらしい建築または風景の設定を回復することができました。画期的なコストのおかげで、絵画はまた、より広い顧客層を持つことからのリニューアルにおいて恩恵を受けました。
ロマネスク絵画から、特にイタリア中部では、実用的な携帯性を求める医師の指示に支えられて、塗装された版の普及を受け継ぎました。主な主題は多くありませんでした：
形作られた十字架は、教会の身廊の端にぶら下がって、忠実な人々の騒ぎを起こさせました。
マドンナと子供、エクレシアのシンボル、そして宗教を人間化した母子関係のシンボル。
聖人の描写、中でもアッシジの聖フランシスの人物像に関連する新しい図像が際立っています。
イタリアの13世紀の巨匠には、ベルリンギエロベルリンギエーリとマルガリトーネアレッツォがいました。どちらもまだ完全にビザンチン様式でしたが、典型的な西洋の登場人物が現れ始めました。後にジュンタピサーノは、ビザンチンアートの可能性の限界に達し、典型的な「イタリアン」スタイルの創造に触れました。ジョルジオヴァザーリも、「バカであまり機敏ではなく、通常のギリシャのやり方」から脱した最初のチマブエによって、この制限は克服されました。最後に、アッシジの大聖堂の建設現場で、ジョットに起因する有名なフレスコ画で、新しいモダンな西洋スタイルが形成されました。しかし最近の研究はイタリアの学校の革新的な範囲を部分的に減らしました、
ジョットスクール（タッデオガッディ、ジョッティーノ、マエストロデッラサンタセシリア、マソディバンコなど）に加えて、ドゥオーチョディブオニンセーニャ、ピエトロ、アンブロージョロレンツェッティ、シモーネマルティーニなどの巨匠がいるシエナスクールも非常に重要でした。ピエトロカヴァリーニ、ヤコポトリッティなどのローマ派の重要性も最近のことです。もっと独立した性格は、Boonamico BuffalmaccoまたはBolognaのVitaleでした。
フレスコ画
フレスコ画は、初期のキリスト教とロマネスク様式の継承として、南ヨーロッパの教会の壁に描かれた主な絵画物語の工芸品として使用され続けました。生き残った事故により、デンマークとスウェーデンは、ビブリアの貧困層様式で生き残った教会の壁画の最大のグループになりました。デンマークとスウェーデンの両方で、宗教改革後、それらはほとんどすべて石灰洗液で覆われましたが、それらは保存されましたが、一部は創設以来手付かずのままでした。デンマークの最も優れた例の1つは、ファネフィヨルド、ケルドビー、エルメルンデの教会を飾ったデンマークのメン島のエルメルンデマスターの例です。Albertus Pictorは、おそらくスウェーデンで働いていた時代から最も有名なフレスコ画家です。
ステンドグラス
北ヨーロッパでは、ステンドグラスは、15世紀にパネル絵画に取って代わられるまで、重要かつ権威のある絵画の形態でした。ゴシック建築は、大きな建物のガラスの量を大幅に増やしました。これは、バラの窓のように、ガラスの広い広がりを可能にするためです。期間の初期には主に黒色の塗料と透明または鮮やかな色のガラスが使用されていましたが、14世紀初頭には、ガラスに塗られて焼成された銀の化合物を使用することで、さまざまな色のバリエーションが可能になりました。黄色、透明ガラスと一緒に使用する場合。時代の終わりまでに、デザインは黄色が主な色として塗装された大きなガラス片を使用するようになり、他の色の比較的小さなガラス片は比較的少なくなりました。
12世紀から14世紀にかけての絵画の発展は、ゴシック建築システムの急速な出現によって調整されました。ほとんどの新しい大聖堂では、石積みのものと比較してガラス面が主流になり、壁を装飾する必要性はますます限界になっています。モザイクとフレスコ画の古代の統合された技術が避けられない衰退に直面しているのはこのためです。この衰退は、ローマ時代にすでに成功を収めて発展し始めたガラス絵画とパネル絵画の現代的な洗練と一致しています。その実現は、いかなる建築要件にも従うものではなく、これにより、アーティストは自由に自分自身を表現することができます。ガラスの絵画は、大聖堂の窓やロゼットに適用される着色された窓の実現にあります。
中世には大きなスラブが得られなかったため、各ウィンドウはいくつかのピースを組み合わせて構成する必要がありました。このため、「H」字型のリードストリップで形成されたフレームで結合されたカラーグラスを使用することが決定されました。最初に、前に作成した図面に従って赤熱金属チップでガラスをカットし、次にさまざまな部分をリードストリップの2つのウィングの間に取り付けます。段ボールによって提供されたデザインを再構成するために、各ストリップは隣接するストリップに溶接されました。全体が最終的に鉄のフレームに挿入され、壁に囲まれました。この技法により、効果の高い図形を得ることができました。
数字を描くためには、ガラスに直接つかむことができる色が必要でした。フランスでは、グリザイユ（イタリアのグリザリア）が実験されました。この物質は、ガラス粉末と酸化第一鉄の混合物から粉砕され、水と動物用接着剤と混合されたものです。グリザイユの使用は非常に簡単でした：装飾するガラスのさまざまな部分に広げ、乾くと不透明になる特徴がありました。次に、グリザイユを木製のスタイラスで引っかき、下のガラスの透明度を明らかにしました。絵を修正するには、個々のガラスを再調理して、グリザイユがガラスペースト自体に溶けて混ざり合うようにする必要がありました。そうすることで、トレースされた輪郭は不透明になり、
絵画のテーマの扱い方は、歴史的、社会的、経済的状況の変化によって影響を受けます。都市ブルジョアジーは今、より具体的な精神で活気づけられており、世界と生命のビジョンも根本的に変化しています。
聖なる物語の漸進的な更新があり、そこでは、聖典の登場人物は当時の服を着て現れ、場所は既存の場所に対応しています。
イタリアでは、フランス、イギリス、ドイツ、オランダとは異なり、フレスコ画やモザイクも非常に広く普及し続けました。宗教的なシンボルでは、窓は超自然的な形而上学的な光の通過を許可します。ステンドグラスの窓は、キリスト教終末論によると、黙示録の天のエルサレムの素晴らしさを思い出させます。光は神の霊であり、窓は聖なる光で輝くマリアの象徴です。多くの場合、ステンドグラスの窓の数には象徴的な宗教的価値があります。それらは、3つのグループ（三位一体）、4つのグループ（伝道者）、7つのセグメント（7つの秘跡、聖霊の7つの贈り物、創世記によると創作の7日間）。
原稿と版画
照らされた原稿は、ゴシック様式の絵画の最も完全な記録であり、記念碑的な作品が他に生き残っていない場所での様式の記録を提供します。フランスのゴシック様式のイラストを使用した最初期の完全な原稿は、13世紀半ばにまで遡ります。詩篇には挿絵も含まれていましたが、そのような照らされた原稿の多くは王室の聖書でした。1253年から1270年にさかのぼる、セントルイスのパリの詩篇、テンペラペイントと金箔の78枚の全面照明が特徴です。
13世紀後半に、書記たちは平信徒のための祈祷書を作成し始めました。これは、1日の指定された時間に使用することから、時間の本としてよく知られています。最古の既知の例は、1240年頃にオックスフォード近郊の小さな村に住んでいる見知らぬ素人女性のために書かれたようです。貴族は頻繁にそのようなテキストを購入し、装飾的なイラストに手際よく支払いました。これらの最も有名なクリエーターの中には、ジャン・ピュセルがいます。その時間は、ジャンヌ・デヴルーの時間は、チャールズ4世によって彼の女王ジャンヌ・デヴルーへの贈り物として委託されました。そのような作品に存在するフランスのゴシック様式の要素には、細長くて詳細な数字を用いて、時代の建築を連想させる装飾的なページフレームの使用が含まれます。
14世紀半ばから、テキストと画像の両方が木版画として切り取られたブロックブックは、最も人気のあった低地の教区の司祭によって手頃な価格で購入されたようです。20世紀の終わりまでに、主にまだ宗教的な主題に関するイラスト付きの印刷された本は、イスラヘルファンメッケネムやマスターESなどの印刷メーカーによるかなり高品質の彫刻と同様に、急速に繁栄する中産階級にアクセスできるようになりました。15世紀には、主に木版画で安価な版画が導入されたため、農民が自宅で祈りのイメージを持つことも可能になりました。これらの画像は、市場の最下部にある小さなもので、しばしば粗く着色されており、数千枚で販売されていましたが、現在は非常に珍しく、ほとんどが壁に貼り付けられています。
祭壇画とパネル塗装
キャンバスに油絵を描くことは、15世紀から16世紀まで人気がなく、ルネサンスの芸術の特徴でした。北ヨーロッパでは、初期のオランダ絵画の重要かつ革新的な学校は本質的にゴシック様式ですが、古典主義への関心のイタリアの復活が大きな影響を与えるまでに長い遅れがあったため、北ルネサンスの一部と見なすこともできます北。ロバートカンピンやヤンファンエイクのような画家は、油絵の手法を使用して、詳細な作品を作成しました。透視図は正確であり、見かけ上のリアリズムは、たとえ小さなものであっても、それらが現在含むことができるリアルなディテールから正確に生じる非常に複雑なシンボリズムと組み合わされています。動作します。
オランダ初期の絵画では、北ヨーロッパの最も豊かな都市から、油絵の新たな微細なリアリズムが、宗教シーンの非常に詳細な設定を通して正確に表現された、微妙で複雑な神学的暗示と組み合わされました。ロバートカンピンのメローデの祭壇画（1420年代）、ワシントンヴァンエイク受胎告知やロリン首相のマドンナ（どちらも1430年代、ジャンヴァンエイク作）がその例です。裕福な小さなパネル絵画では、油絵のポリプティックスさえも人気が高まり、描かれている聖母や聖人よりもはるかに小さいものの、寄贈者の肖像画を並べて表示することがよくありました。これらは通常、家に展示されていました。
彫刻
ゴシック様式の彫刻は、ロマネスク時代に与えられていた役割、つまり建築を装飾し、いわゆる石造りの聖書を作成することで信者を教育するために移動しました。
徐々に、建築物における彫刻の配置は、より複雑で風景的なものになりました。彫刻の最も重要なエピソードは、ロマネスク時代のように、旧約聖書と新約聖書の登場人物が通常登場する大聖堂の入り口でした。
基本的なパッセージは、ゴシック時代に彫刻が完全に建築空間に組み込まれなくなったという事実です（ポータルまたは首都の側枠…）。さまざまな耐荷重要素。したがって、独立した孤立した使用がまだ考えられていなかったにもかかわらず、最初の万能の像が現れました。ラウンドで彫像を神性として崇拝した異教との戦いの遺産はまだ潜在的だったかもしれませんが、イタリアのルネサンスまで、彫像は常に壁に対して、ニッチで、アーキトレーブの下で、またはキャリヤードやテラモンとして配置されました。
文体の観点から見ると、ゴシック彫刻の革新的な特徴は、建築で導入されたものほど明白ではありませんが、その後の美術史の発展への影響はそれほど豊富ではありません。一方、図がかなり長く伸びており、モデルが名作であり、時にはありそうもないドレープなどのまったく新しいゲームで生きている場合、他方で、彼は体の動き、顔の表情、個々の生理学のもっともらしい表現に戻り、最高の例（1250年頃のランス大聖堂のポータル、またはニコラピサーノの作品など）よりも前の時代には知られていない自然主義へのアーティストの注意は、ローマの肖像画と比較されるようになります。これは、絵画分野での同じ業績より数十年前に行われるため、なおさら重要です。
古典主義と比較して、しかし、異なる表現力のある落ち着きのなさ、フォームとカーテンの特定の角度、キアロスクーロ効果の落ち着きのない使用に注意する必要があります。
記念碑的な彫刻
ゴシック時代は本質的にゴシック建築によって定義されており、彫刻の始まりや終わりのいずれかの彫刻のスタイルの発展に完全には適合していません。大きな教会のファサード、特にドアの周りには、引き続き大きな鼓膜がありましたが、その周りに彫刻された人物の列が広がっていました。
シャルトル大聖堂（1145年頃）の西側（王室）ポータルの彫像は、エレガントであるが誇張された柱状の伸びを示していますが、1215〜20年の南側翼廊のポータルにある彫像は、より自然なスタイルと背後の壁からの分離を示しています。 、そして古典的な伝統のいくつかの意識。これらの傾向は、数年後のランス大聖堂の西側のポータルでも継続され、ゴシックがヨーロッパ中に広まるにつれて、数字はほぼ円形になりました。バンベルク大聖堂はおそらく13世紀の彫刻の最大の集まりであり、1240年に6世紀以来の西洋美術で最初の等身大の騎馬像であるバンベルクライダーで最高潮に達しています。
イタリアでは、ニコラピサーノ（1258–78）とその息子のジョヴァンニは、プロトルネサンスと呼ばれるスタイルを開発しました。シエナ大聖堂（1265–68）、ペルージャのフォンターナマッジョーレ、1301年のピストイアのジョヴァンニの説教壇。
クラシックスタイルのもう1つの復活は、1400年頃のブルゴーニュとフランダースでのクラウススルーターとその追随者の国際ゴシック様式の作品に見られます。表現力豊かな数字; 現存するほとんどの例は、他の場所での多くの偶像破壊の後、ドイツにあります。ティルマンリーメンシュナイダー、ファイトストスなどがこのスタイルを16世紀まで続け、イタリアのルネサンスの影響を徐々に吸収しました。
石やアラバスターで作られた等身大の墓の彫像が裕福な人々に人気となり、壮大な複数レベルの墓が発展しました。ヴェローナのスカリガーの墓は教会の外に移動しなければならなかったためです。15世紀までには、ヨーロッパの多くの地域で、石の留め金を買うことができない経済的な小教区のために、パネルのグループでノッティンガムアラバスター祭壇レリーフを輸出する業界がありました。
ポータブル彫刻
小さな彫刻は、主に素人で、しばしば女性の市場でしたが、パリや他のいくつかのセンターではかなりの産業になりました。象牙の種類には、小さな祈りのポリプティク、一人の人物、特に聖母の鏡像、鏡箱、櫛、そしてロマンスのシーンが収められた精巧な棺が含まれ、婚約のプレゼントとして使用されました。非常に裕福で、精巧で精巧な宝石やエナメルを塗った金属細工を収集しました。デュックデベリーのホーリーソーン聖遺物箱のように、世俗的で宗教的なものでした。
象牙、骨、木材の小さなレリーフは宗教的および世俗的な主題の両方をカバーし、教会および家庭での使用でしたが、建築装飾とは独立したゴシック彫刻は、主に家のための祈りのオブジェクトとして作成されたか、地元の教会への寄付を意図したものでした。そのような彫刻は都会の職人の作品であり、三次元の小さな彫像の最も典型的な主題は、一人でまたは子供と一緒の聖母マリアです。パリは象牙工房の主な中心地であり、北ヨーロッパのほとんどに輸出されていましたが、イタリアにもかなりの生産がありました。
これらの独立した彫刻の手本は、セントデニス修道院教会のコレクションの1つです。銀色の金のヴァージンアンドチャイルドは1339年にさかのぼり、乳児のキリスト像を抱えた流れるマントに包まれたメアリーが登場します。マントのシンプルさと子供の若者の両方が、14世紀から15世紀初頭にさかのぼる北ヨーロッパで見つかった他の彫刻を予感させます。そのような彫刻は、初期の堅くて細長いスタイルから、まだ部分的にロマネスク様式から、12世紀後半から13世紀初頭に空間的で自然主義的な雰囲気へと進化しました。他のフランスのゴシック様式の彫刻の主題には、当時の人気のある文学の人物や場面が含まれていました。トルバドールの詩の画像は、おそらく女性が使用するためのミラーケースや小さな箱の職人の間で特に人気がありました。
粘土や鉛のバッジ、メダル、画像が刻印されたアンプラなど、神社への巡礼のお土産も人気で安価でした。彼らの世俗的な同等物、カラーリングバッジは、封建的および政治的な忠誠または同盟のしるしであり、卑劣な封建主義の下でイングランドで社会的脅威と見なされるようになった。安価なフォームが無料で配布されることもありました。1483年にイングランドのリチャード3世がフシウスの布で注文した13,000のバッジのように、息子のエドワードをプリンスオブウェールズとして叙述するために白いイノシシの紋章を付けたものです。当時の人口。エナメルゴールドのラウンドで完全にモデル化されたダンスタブルスワンジュエルは、ドナーに非常に近い、または重要な人物に与えられた、はるかに限定的なバージョンです。
アートとアーティストの社会的配慮
羊毛と布地の繁栄は、ヨーロッパを北から南へ（ヨーロッパ、フィレンツェ、ジェノヴァ、ヴェネツィアからシャンパーニュとフランダースへ、メディナデルカンポを忘れずに）横断する見本市と交易路に関連し、芸術の誕生を生み出します。非常に重要な社会的威信を備えたタペストリー生地。単なる職人の考えを超えたことのない作者のためではなく、所有者のためです。工芸と今日私たちが美術と見なしているものを明確に区別していないため、マスタービルダー、画家、彫刻家についても同じことが言えます。下品で機械的な貿易の、リベラルな職業にさえ匹敵しません。