Categories: アート要素生活

芸術の合成

芸術の合成(ドイツ語:Gesamtkunstwerk)は、すべてのまたは多くの芸術形態を利用しているか、そうしようと努力している芸術作品です。 Gesamtkunstwerkは、音楽、詩、ダンス/パントマイム、建築、絵画などの様々な芸術を組み合わせた作品です。編集は恣意的ではなく、説明的なものではありません。

「芸術の総仕事」、「理想的な芸術作品」、「普遍的な芸術作品」、「芸術の合成」、「包括的な芸術作品」、「すべてを包含する芸術形態」または「総アート作品」を意味するGesamtkunstwerkは、 Gesamtkunstwerkは、異なるメディアや芸術分野に同時に関連して統合された自律的なアートワークの一種であり、「美的構造と現実の境界をなくす傾向がある」(Odo Marquard)。それはゴシックとバロックの間の芸術で習慣的だったように、神の創造への言及ではありませんが、それはそれ自身の妥当性を主張しています。

この用語は、1827年にドイツの作家であり、哲学者K.F.E. Trahndorffがエッセイで最初に使用したものです。しかし、芸術融合の合成は歴史上長い間現れています。ドイツのオペラ作曲家、リチャード・ワグナー(Richard Wagner)は、1849年の2つのエッセイでこの言葉を使用し、その言葉は特に彼の審美的理想に関連しています。

その作文以来、Gesamtkunstwerという用語は、劇作、美術、風景画、そして一般的に様々な芸術の要素が組み合わされた異なる芸術的表現を記述するために広く使われてきました。映画芸術や音楽ビデオやビデオゲームなどの他のオーディオビジュアル芸術も、劇場、音楽、画像などが組み合わされているため、「トータルアートの作品」として記述されています。この用語は、建築一部は全体的に他者を補完するように設計されています。

20世紀には、いくつかの作家がこの言葉をいくつかの形式のアーキテクチャに適用し、他の作家はそれを映画やマスメディアに適用しました。

この用語は、20世紀の初めから「ウィーンの分離」に属し、審美的な目的を説明するために使用された。

歴史:
古代の芸術の合成:
合成思考と認識論的態度の伝統は、古代に至り、さまざまな象徴言語で現れます(研究者はエジプトの象形文字を指します)。すでにその時、言葉とイメージの間のリンクが明らかにされました – ピクトグラムでは、現代の視覚資料の核であったものが、様々な物質的および共通の意味の不可欠な組み合わせです。

ギリシア文化では、歌詞と音楽を結びつけ、そのメロディーと詩に関連付けられたメリティックな詩としてテキストを扱うことが重要でした。例えば、サッポのすべての保存された詩は、メリハルのキャラクターを持っています(ギリシャのメロはメロディと同じくらいの意味です)。

ローマ文化の中では、詩人のホラシーはピザへの手紙(詩的な芸術として知られています)にルネサンスの美学のインスピレーションとして使われている有名な絵画の詩(絵画のようなラテン語の詩)を含みました。例えば、Leonardo da Vinciペインティング。

Gesamtkunstwerkのアイデアはロマン主義時代に現れます。例えば、哲学者フリードリッヒ・シェリングは、「人間に必要なものになる」ことを強調している(ブルーノや、1802年の神聖で自然な原則)。この自信が高まったことで、アーティストの作品と自然の作品を同一視することが可能になりました。この用語自体は、作家であり、哲学者であるユーセビアス・トランンドルフが、美学や世界観と芸術の教義(1827)で初めて使用しています。 1849年に彼はリチャード・ワグナーの著書である「芸術と革命」に再び現れます。 WagnerがTrahndorffの仕事を知っていたかどうかは未解決の問題です。

中世芸術の合成:
古代のインスピレーションとは別に、芸術界への敏感さは、中世、特に彼の作品であるモリアンディ(死のラテンの芸術)を視覚芸術の主題(ナレーションと「文学的」のやり方で捕らえたもの)として明らかにしました。

相互の相互侵入のもう一つの領域は、中世における原稿でした。ベネディクト会修道院では、主題と芸術的な質にかかわらず、最初に咲き乱れ、漫画の美学を約束します。

女性、ベネディクト、ヒンデガルド・ビンゲン:詩人、画家、作曲家、神学者(女性神学者)、哲学者(そして自然療法を実践するフィトセラピスト)など、多才なアーティストが中世に登場した。 20世紀に有機食品と呼ばれるものを大切にしている料理人)。

ルネッサンスの芸術の合成:
ルネッサンスは彼が想像力として扱った想像力だけでなく、認知にも興味を持っていました。芸術の合成の理論的基礎(ロマン主義による)は、フィレンツェ新古墳論、特にMarsilio Ficinoの哲学と美学によって、プラートの饗宴と論文プラトニック神学の広範な解説で与えられた。再生の象徴も復活の対象でした。ジャン・フランチェスコ・ピコ・デラ・ミランドラは、イマジネーションのエッセイで、美しい絵画を青少年を育てるのに役立つと指摘しました。数多くのシンボルの辞書がこの精神で出版されています。

印刷の発明のおかげで、書籍はすでに印刷されていて、(中世の伝統のために)グラフィックス(通常は木版)を使って豊富な印刷設定を得ました。そのような文字は、例えば、象徴的な本の一種として、彫刻を含むサンタクロースのサンタクロースであった。テキストが別のグラフィック素材として扱われた音量も人気が高まった。彼らは視覚資料の核であった。

しかし、厳密に理解された芸術的合成の探索は、ルネッサンス古典主義によって禁止され、各芸術の自主性を強調している。

芸術のバロック合成:
それは普遍的な知識とすべての芸術の精神的かつ形式的な団結を追求し、バロック時代までのコミュニティの考え方を完全に発展させました。シンボルのバロック語の辞書は、すべての霊的かつ物質的な現れの団結であることの理解のために開かれた – 統一がシンボルによって「捕らえられた」。チェザーレ・リパと彼の描写は特に意義深いものでした。木版で描かれた広範なものであり、象徴的なイメージで包摂された概念の辞書です。バロック時代には、自然と文化の相互依存性も明らかになりました。これはバロック様式の美学に影響を与えました。

ポール・サルビエフスキーのエッセイにおける認識の一貫性を認識する精神のエレジーの長所と短所について、彼は母音の感情的な次元を分析し、広範な論文Dii Gentiumは古代とキリスト教の伝統を組み合わせた文化的神話の辞書を与えた。

バロック芸術の中で、芸術の合成の実現は、文学と美術の境界線からのジャンルとしての象徴となっている。また、絵画的な側面から「絵画」として扱われた文学や視覚芸術の境界線から、実験的に全体として扱われる作品や書籍が頻繁に出てきました。テキストは、笏、木、大きなガラスなどの形をとりました。これまでは、バロックは、視覚資料の盛んな開花期でした。ポーランドでは、このような形は時々文学において頻繁に現れ、例は十字形のテキスト、刻印、星、オベリスク、または重大な記念碑である。

しかし、芸術のコミュニティの夢は、バロック時代に作られたジャンルのオペラ、正確には合成の探求、音楽(作曲、健全な基礎の創造)、文学(リレットト・ソング)、劇場(ステージング)と絵画(そこからステージデザインを描く)。オペラはフィレンツェカメラターサークルで構成されました(ヴェネツィアで開発された画期的な論文Dialogo della musica antica e modernaのルネサンス・ヴィンチェンツォ・ガリレイによる理論的背景が新しい美学的思考に与えられました)。彼女の最初の傑作はClaudio Monteverdi (1607年に彼のオルフスは種の初めとして初演された)。

様々な材料と知覚の領域を組み合わせた、バロック様式の先見性のある芸術は、実際には、芸術の合成のコンセプトを実現することを可能にしました。

芸術の啓蒙統合:
例外はオペラであり、ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトが作曲したものではなく、ヴォーカル・パフォーマンスそのものに限られていたこともあります。彼の最も完全なオペラ作品の2つ – ドン・ジョバンニとマジック・フルート – は、音楽、テキスト、ストーリーと想像力のゲームの完全に調和の取れた組み合わせを作り出します。

ロマン主義の芸術の合成:
古い夢の再生と芸術の合成への新しい魅力は、このように古い考え方を更新し、バロックの巨匠(シェイクスピアのような)、ロマン主義にもなっています。彼はまた、芸術を官能的な形で絶対的な表現として扱ったヘーゲルの美学、芸術の象徴的な形態、「ロマンチックな芸術の形態」、そして特定のタイプの芸術についての広範な考察についての講演に触発した。

ロマン主義の哲学的、審美的思考は、しばしば、文化や自然、人と神との親密性を含む人間と自然の精神的統一に焦点を当て、これらの趣旨に象徴的に影響を与える芸術のプロジェクトを描く:Jean Paul Richter、Friedrich Schleiermacherは、Gesamtkunstwerkのコンセプトを開発した思想家でもあるKarl Trahndorff(1782-1863)の画家Otto Runge(風景画を象徴的に描く画家の友人)も書いた。様々な芸術の組み合わせ:詩、音楽、絵画、舞踊)。どこにいても、芸術は物質の多様性にもかかわらず、均質な言語として構想されています。「全体の仕事」(Gesamtkunstwerk)です。

演劇の総合を成し遂げたのは、啓蒙とロマン主義の境界線からの作家であった:ヨハン・ヴォルフガング・ゲーテ(ファウストの悲劇の中で)、特に多才なウィリアム・ブレイク(神秘主義者、詩人、画家、グラフィック・アーティスト、調和的

成熟したロマン主義では、想像力と素材の共同体という概念が宣言され、完成し、他の芸術のインスピレーションを得た作品が展示されました:画家EugèneDelacroixとポーランド作曲家Fryderyk Chopin他のポーランドのロマン派は、演劇の合成を形作る:JuliuszSłowacki(特に後期作品では、詩や絵画的、音楽的効果の先見性のある統一を与える)とCyprian Norwid(多才なアーティストとして:詩人、画家、起草者 – 自分自身と呼ばれる)。

演劇の総合精神の偉大なビジョンの中でこの時代に富んだジャンルはドラマ、より具体的には時代の慣用的なジャンル、つまりロマンチックなドラマでした。カルデロン、特にシェイクスピアを含むバロック様式のロマンチックなレセプションは、芸術の自由を教え、様々なスタイルや素材を組み合わせ、その形に大きな役割を果たしました。ロマンチックなドラマの理論的根拠はVictor Hugoによって策定されました。 Goethean Faustは、音楽的な効果がいっぱいで、特にPart IIでは、ほぼ「映画」が、芸術の融合のビジョンと完成をもたらしました。ロマン主義では、チャールズ・グノード(ファウスト)とヘクター・ベルリオーズ(ファウスト・ダムネーション)のオペラの適応を強調している。ポーランドのロマンチックなドラマの中で、DziadyのAdam Mickiewicz(特にPart II)とJuliuszSłowacki(最後はSamuel Zborowski)が、共謀的なビジョンを示しています。

ロマンチックなオペラは、バロック時代の形をしたバロック様式の伝統を再編したものである(ガマノ・ドニゼッティとラムマーアールのŁucja、Modest MussorgskyとBorys Godunov、GounodとBerlioz、そして特にシェイクスピアの悲劇に基づいたジュゼッペ・ヴェルディとオペラ)マクベスとオテロ)。フランスでは、バロックを指していると知らずに(そのような審美的な意識のない)ジャンルのバリエーションは、その代表がGiacomo Meyerbeerだった壮大なオペラになりました。しかし、しばしば、ロマンチックなオペラは、ジャンルの本質を失って、壮大なボーカルパートの周りにあまりにも集中していた。

特に重要なのは、オペラと区別された音楽劇の概念の理論に基づいて作成された後半のロマン派の作曲家、リチャード・ワグナー(Richard Wagner)である。これらの前提に基づいた彼の作品(TristanやIsoldeのようなNibelungリングの四枝編成)は、一つの創造的な視覚作品の中で様々な芸術の素材を結合させるバロック・ロマン派の概念を新たに完成させたものです。ワーグナーは以前の理論家 – Gesamtkunstwerkによって「全仕事」を実施した。彼は自分自身のために詩的な大書きを書いた。

ワグナーとゲサムクトクンベク:
オペラ改革のいくつかの要素は、より古典的な公式を求めて、18世紀の終わりに始まった。オペラ座とダ・カーポ・アリアの長い支配の後、歌手との関係で自由主義者と作曲家を前進させ、ドラマをより強く、より倫理的ではない焦点に戻す動きが始まった。この動き、「改革オペラ」は、主にクリストフ・ワリバルド・グルックとラニエリ・デ・カルザビギに関連しています。カール・マリア・フォン・ヴェーバーのオペラでは、ベルクットの伝統とフランスの「スペクタクル・オペラ」の両方を拒絶するまで、カルザビギとのコラボレーションによるオペラのテーマは、音楽、ドラマ、演劇、時折踊ります。

しかし、これらの傾向は、芸術の特定の哲学に対応するのではなく、偶然に発展した。ヴュルガーの改革を認め、ヴェーバーの作品に賞賛したワーグナーは、もともと、1840年代後半の急進的な社会的・政治的見解の一環として、彼の考えを統一したかった。 Wagner以前は、Trahndorffのエッセイのタイトルが示すように、ドイツのロマン派のなかでよく知られた話題であった芸術の団結についてのアイデアを表明していた他の人たちは、「美学、または芸術の哲学の理論」 。芸術の合成について書いた人たちには、ゴットフリート・レッシング(Gottfried Lessing)、ルートヴィヒ・ティック(Ludwig Tieck)、ノヴァリス(Novalis)などがあります。カール・マリア・フォン・ウェーバーのE.T.Aの熱心なレビューホフマンのオペラ・ウンディーネ(1816)は、それを「芸術作品」と称しています。それは、関連するアートと共同アートの部分的な貢献が混じり合って消滅し、消えていくと、どういうわけか新しい世界を形作るものです。

Related Post

ワーグナーは1849年のエッセイ「アートと革命」と「未来の芸術」において、「Gesamtkunstwerk」(彼は「Gesammtkunstwerk」と綴られていた)という厳しい言葉を2回しか使用しなかった。劇場を通じたアート。彼はまた、これらのエッセイでは、「未来の徹底的なアートワーク」や「統合されたドラマ」といった多くの同様の表現を使用しており、「Gesamtkunst」とよく言われています。そのような芸術作品は民族伝承の最も明快で最も深い表現であったが、それは民族主義の細部から普遍的なヒューマニスト主義の寓話に抽象化されていた。

ワーグナーは屋根裏部屋の悲劇を「偉大なGesamtkunstwerk」と呼んだ。 Wagnerは彼の作品「未来の芸術」において、その直後に書かれており、この用語の意味を広げました。彼は豊富な本「オペラとドラマ」で詳細に説明し、後に他の人がミュージカルドラマとして取り上げた、不可欠で多様な芸術作品の構想の中で、個々の「姉妹芸術」を共通の目的であるドラマに従属させた。彼の視点から見ると、(例えば劇場部門の分離における)分業の増加と社会における異世代の孤立は廃止されるべきである。それと同時に、ロールモデルと敵として、彼はすべての舞台芸術がすでに最新の技術スタンドに統合されているフランスの大オペラを構想しました。ワーグナーは、音楽を絶対に設定し、他のすべての要素、とりわけドラマそのものに劣った場合、オペラが間違ったトラックにあったとの確信から始めました。

ワーグナーの兄弟姉妹は、俳優、歌手、ダンサーであったが、1850年以降の劇場職業の専門性のためにもはや不可能であった。別の方法として、この普遍性は修復されるべきである。その作家のための芸術です。ワーグナーは「すべてのアーティストの協同組合」について語った。彼は、ドイツのロマン派の美学的思想、1840年頃にパリで様々な革命を経て政治的、審美的な言説から出発し、美学的手段によって社会的なユートピアを実現することを望んだ。

「すべての芸術のジャンルを取り入れなければならない偉大な芸術作品は、すべての集団目的を達成するための手段としてのこれらの種のそれぞれを消費するために、すなわち無条件で即時の展示完璧な人間性の – この偉大な芸術作品は、個人の恣意的な行為ではなく、将来の男性の必然的に考えられる共通の仕事であると認識しています。

ワーグナーは、エスキリウスのギリシャの悲劇は、これまでのところ完全な芸術的合成の中で最も優れた(しかし、まだ欠陥のある)例であると感じましたが、この合成はその後、ユーリピデスによって崩壊しました。ワグナーは、人類の歴史の残りの部分(現在1850年)まで、芸術はさらに漂ってきて、グランドオペラのような「怪物」を生み出していると感じました。ワーグナーは、そのような作品は、勇敢な歌、驚異的なステージの効果、無意味なプロットを祝ったと感じました。 「アートと革命」では、ワーグナーはギリシャの悲劇の文脈で「Gesamtkunstwerk」という言葉を適用する。 “未来の芸術 – 仕事”では、彼はそれをまだ自分自身に適用するために使用しています。

彼の広範な本「オペラとドラマ」(1851年完成)では、彼は個々の芸術が従属しているオペラとドラマ(その後、ワグナーの言葉の不満にもかかわらず音楽ドラマと呼ばれた)共通の目的に

ワーグナー自身のオペラ・サイクルであるDer Ring des Nibelungen、特にその構成要素Das RheingoldとDieWalküreは、おそらく彼または他の誰かがこれらの理想を実現するために来たと思われる。彼は自分自身の狭窄を緩和し、より多くの “operatically”を書くこの段階の後で自分自身だった。

ワグナーは、照明、音響効果、座席の配置などの環境要素を重視し、ステージ上の視聴者の注意を集中させ、ドラマに完全に浸るようにしました。これらのアイデアは当時革命的でしたが、近代のオペラではすぐに考えられました。

Gesamtkunstwerkの音楽:
gesamtkunstwerkという用語は、さまざまな芸術の完璧な統合を達成するために、音楽、劇、芸術、詩、造形芸術が収束する劇場の理想を示しました。さらに、この総合的な仕事は、一方では民衆の魂の最も深い表現を構成し、他方は普遍性の分野に投影される。この概念の最高の例は、バイロイトの作曲家にとっては、屋根裏部屋と特にeskyleanの悲劇でしたが、後に、ユーリピエスからオペラの伝統、特にイタリアでは、Gesamtkunstwerkの理想が漸進的な悪化を経験しました。ワーグナーの意図は、芸術の全体的な仕事を再確立し、それを完璧で決定的な芸術的形態として課すことでした。ワグナーの直後、実際には、Aleksandr Skrjabinは彼のプロメテウスや詩歌を思い描いた。その芸術的な共感覚は、それぞれの音符に関連する楽器を設計した。プロジェクト、これは、その時代に先んじて、それを実現することは不可能でした。

Gesamtkunstwerkの理想は、様々な芸術の理想化された融合を考慮してデザイン、彫刻、塗装、装飾するGustav Klimtを含むViennese Secessionの比喩的なアーティストによって高く評価されています。

Gesamtkunstwerkの建築:
建築家の中には、Gesamtkunstwerkという言葉を使って、建築家が建築物の全体像(シェル、アクセサリー、家具、風景)の設計や監督を担当する状況を示すものがあります。 Gesamtkunstwerkの概念が建物とその内容の観点から最初に採用された時期(20世紀後半までこの言葉自体は使用されていないが)には主張するのが難しい。すでにルネッサンス時代には、ミケランジェロなどのアーティストは、建築、インテリアデザイン、彫刻、絵画、さらにはエンジニアリングの間で厳格な分業を見ていませんでした。歴史家のロバート・L・デリヴォイ(Robert L. Delevoy)は、アール・ヌーヴォーは本質的に装飾的な傾向を示し、それゆえに建築的Gesamtkunstwerkの考え方に役立つと主張してきた。しかし、産業主義の台頭の恐れから生まれた社会理論から生まれた可能性も同じです。

しかし、Gesamtkunstwerkのコンセプトに典型的な完全なインテリアの証拠は、1890年代前半に見ることができます。 18世紀と19世紀の建築家の間で建築委員会のあらゆる側面をコントロールする傾向が高まっています。その構造を担当するだけでなく、内部の仕事のすべての側面も設計する(または少なくとも吟味する)ように彼らの役割を広げようとしました。これにはインテリアの建築機能だけでなく、家具、カーペット、壁紙、織物、照明器具およびドアハンドルの設計にも拡張されました。ロバート・アダムとオーガスタス・ウェルビー・プーギンは、時には銀、陶器、ガラス製品のテーブルの選択やデザインにまで及ぶことがある、全体的な調和効果を作り出すこの傾向の例です。

建築家Gesamtkunstwerkの概念に対するはっきりと現代的なアプローチは、Walter Gropiusによって1919年にワイマールで最初に設立されたバウハウスの学校で浮き彫りになりました。学校はデザイン、芸術、職人技を専門としていました(アーキテクチャはDessauに移転した後1927年まで別のコースとして導入されませんでした)。 Gropiusは、芸術家や建築家も職人でなければならず、産業デザイン、服装デザイン、演劇、音楽など、さまざまな素材や芸術的なメディアでの作業経験があるべきだと主張しました。しかし、グロピウスは建物とその設計のあらゆる面を片手で見ることを必ずしも見ませんでした。

Ian Gillespieによって設立されたカナダの開発会社、Westbankは、Gesamtkunstwerkを同社のビジョンと都市開発の哲学の背景にある創業思想として使用しています。

象徴主義とモダニズムの統合:
リチャード・ワグナーの芸術の「トータル」作品のビジョンに感銘を受けたCharles Baudelaireは、音楽を詩のモデルとみなし、最も個人的で捉えきれない経験と印象を表しています。そのような象徴的な重要性はミュージシャンに与えられました。それは彼女よりも効果的であり、感情を刺激して直感を引き起した言葉よりも効果的であり、イメージ(それでもなお現実的)でさえあります。有名なソネット・ボーデレール・コレスポンデンス(ポーランド語の翻訳では、それは同等またはエコーに与えられましたが、タイトルは「相互の相互作用」という意味でCorrespondenceを意味します)、Flowers of Evil、1857の巻からすぐに戻ってきました美学の分野での用語としての芸術のコレスポンス。このソネットに描かれたボーデレールは、人間と自然の霊的親和性を「シンボルの森」と呼んでいます。このロマンチックな自然のビジョンから、詩人はシンボルの新しいコンセプトを描きました。それは、意味のある認識辞書の粒子ではなく、深く個人的で不可解なビジョンです。ボーデレールは美学と芸術の親近感につながった芸術的な方向性として象徴主義を鼓舞し、偉大な混乱のビジョンに向かっていました。これはアーサー・ランボー(Arthur Rimbaud)が詩と詩集で表現したものであり、ソノフル・ソネット(Sonoflu Sonnet)はプログラム的に表現されている(音と画像の親和性を明らかにしている)。

新しい象徴主義の霊感から、文学と芸術の時代としてのモダニズムは、しばしば芸術の合成に到達した。彼らは作曲家Gustav Mahler(彼の哲学が豊富な交響曲の中で)とAleksandr Scriabin(演奏の中での音と色の組み合わせ – 有名な “light piano”のコンセプト)を開発していました。ヤング・ポーランドの芸術家の中でも、詩人、画家、草案家、スタニスワフ・ウィスパイエンスキーは、特にノック・リストポーダ、ヴェーゼル、そして先見的なアクロポリスのドラマで最も多彩なアート・コミュニティを実現しています。演劇の合成はまた、TadeuszMicińskiによって行われています。絵画的でほとんど「映画」のパナシズム – Basilis Teofanuの悲劇は、

芸術の合成の定義と芸術の対応は、しばしば交換可能に使用されるが、それらは主に現れた芸術の目的および分野が異なる。

第一次世界大戦後、詩人Guillaume ApollinaireはCaligrams(1918)のコレクションで、テキストを自由なグラフィック構成として大胆に扱い、視覚詩(例えば、マンドリン、クローブ、竹の作品など)全体の性格を与えました。未来主義は、しばしば実験を行い、芸術を合成しようと試みた。

想像力の新しい賞賛はシュールレアリスムによって与えられました。幾分プログラマティックな自由な協会の分野と様々な芸術の材料の組み合わせに開放されていました。理論家、アンドレ・ブルトンは、シュルレアリスム宣言(1924年)に自由と幻想的な芸術のプログラムを与えました。これらの前提の芸術的実現はより控えめであった。例外は、1928年のアンダルシア犬であるLuisBuñuelによる無声映画であり、曖昧な象徴的意味、特にエロティックな意味を持つ劇的なイメージ(剃刀で目をカットする有名な場面)の幻想的な組み合わせ。これは主に潜在意識の研究でした。しかし、シュルレアリスムというアイデアは、後の芸術のインスピレーションとしての意義は大きい – バロックとロマン主義の精神から芸術家の創造的自由への同意である。

戦時期には、未来的な詩人、タイタス​​・チェジエスキー(TytusCzyżewski)が視覚詩に近い形で作品を取り上げました。ポズナンとドームの詩である電気の幻想です。 TomCzyżewskiPastorałkiは、Tadeusz Makowskiのイラストを使って、古典的なグラフィックに詩的な文章とテキストを組み合わせることによって、芸術の合成の効果を達成します。芸術の合成に最も近いのは、2つの多彩なアーティスト、ウィットカイシーとブルーノ・シュルツです。クリエイティブ活動の範囲と作品の素材の両面からです。 Witkacyの純粋な形の理論はまた、(彼が書いたように)「形而上学的な感情」を表現し、審美的かつ実存的な次元を組み合わせ、清浄なカタルシスを構成する、混合的な芸術のプロジェクトでもあった。 Witkiewiczは絵画と映画(Kurka Wodna、Matka、Sonata Beelzebub)に含まれる緊張感、洗練された構図でいっぱいの緊張を形作っている間、彼のドラマの中で形態論の時代から形態論の時代から彼の油絵を与えた(Tempting Saint Antoni)。 Schulzはグラフィックのエロチックなプロット(Xięgaidwochwalcza)に基づいたフレームワークを作り、散文は豊かな彩色されたイメージを表現主義的に構築して表現されました。

美術のポストモダニティ総合:
新しい文献は、しばしば実験の機会に、芸術の合成のアイデアを指しています。 JanRechońは絵画や音楽に常に敏感な詩人、Wanda Landowskaのための詩(1954年のMarbleとRoseより)、彼はリズムがハープシコードのミニチュアに似たサラバンデという題名に従って、ほぼミュージカルと表現した。 JarosławIwaszkiewiczはWitkacyの専属作「An Evening to Abdon」(1922)で、夢のような気分な話、魅力的な音楽リズム、鮮明な画像の鮮明さを作り出しました。数年後、心理学的な物語、絵画や音楽のモチーフ(ワグナーの作品を使用)の合成のように、彼はDreamsの物語からDreamsの物語を作り上げました。庭園。 Sérénité(1974)。詩や文章の後半では、Tatra Album(1975)は、Nieboがリズミカルな文章で書かれた詩を出版した。これは、「ソナタ形式を可能な限り単語の近くに配置しようとする試み」である。したがって、音楽形式のソナタの文学転置。

現代の文化では、アッシジのオペラの聖フランチェスコとマルテノットの波を使った電子音楽を中心に、作曲家オリヴィエ・メシアン(Olivier Messiaen作曲家)(色とりどりの声、 Krzysztof Pendereckiのオペラ作品では、さまざまな素材が繋がり、バラエティー的なロマンチックな伝統的な伝統に直結するパラダイスを失ったsacra rappresentazione(オペラのジャンルの多様性)で最も完全に繋がっています。

特別な個性は、バロックの伝統、特にシュルレアリスム(彼は個人的にブルトンを知っていた)、グラフィック・アーティスト、劇作家、そして映画(キャサノバ・フェリーニのマジック・ランタン)と協力して作家を務める作家からなる多彩なローランド・トーファーでした。

現代において、動きの記録と視覚化、時間と芸術の技法として作成された映画は、メッセージの技術的成熟度が音と色の精度で達成されるとすぐに、合法的なビジョンを構築することができます。それは50-60年の間に起こった。 20世紀。彼は映画の最大のビジョン、フェデリコフェリーニ – 画家の想像力(そして芸術的な才能)のディレクター、そして音楽的にも敏感な人物を築いた。彼は全作品を通して演劇の総合を作り、ジュリエッタの幽霊からの映画(主人公の隣のスージーの家の官能的かつ奇抜なエピソード)、サティコリコ(公共の家を通って歩く同性愛者の恋人)、ローマ(教会ファッションショー)、Casanova(Toporのプロジェクトの魔術師、Wagnerの音楽エピソードドイツの合唱団)、City of women(主人公の妻、Verdiowska La TraviataのSnaporaza aria家で歌う)、そして船はセーリングヴェルディが歌手の海中での灰の飛散と沈没)

同様のスタイルは、Leopardとthe Twilight of the Godの映画の中で、特にWagner Ludwig(その主人公は作曲家の非常識な守護者だった)の映画で、Luchino Visconti(オペラとオペラの演奏を大切にしていた)ルードヴィヒ・バイエルン王)。演劇の合成はケン・ラッセル(Ken Russell)が描いたもので、彼の映画の彩りは描かれた作曲家の音楽であり、厳密に幻想的なシーン(音楽の恋人 – チャイコフスキー、マーラー)、そしてバロック時代の残酷で劇的なビジョン時代。ラッセルは1975年にトミーの映画を作った。これはバロックで鮮やかな音楽の適応であり、芸術の合成は大衆文化の輪に入った。 Andrey Tarkovsky(Andrei Rublev、Zwierciadło、Sacrifice)の映画では、偉大な巨匠の音楽に関連した絵画作品からの直接引用によって、芸術の合成が行われています。 Werner Herzogも同様の合成を行い、 “絵画的な”風景とサウンド(グラス・ハート – サイケデリック・ロック・ミュージック、フィッツカラルド – オペラ・ミュージック)を関連づけています。

1983年チューリッヒ美術館、ウィーンの20世紀美術館、1984年ベルリン・シャルロッテンブルクで始まったHarald Szeemannの展覧会「The Hang to Gesamtkunstwerk」では、様々な芸術作品が公開されている:Kurt SchwittersのMerzbau、DornachのGoetheanum、Antonio Gaudiの大聖堂(SagradaFamíliaのような)、Asconaの近くのMonteVerità、ガルダ湖のVittoriale degli italiani。この展覧会では、1800年以来、ヨーロッパのユートピアは、純粋に審美的な意味に限定したくないものの、社会的現実が新たな社会に変わることを念頭に置いています。

最近では、Gesamtkunstwerkという用語は、(合成)中間的なものと重複している。異なる感覚に同時に対処するアート作品、マルチメディアやミックスメディアの意味での自由な構図、あるいはGesamtkunstwerkへの統一の要件を満たしているかどうかは、解釈の問題です。ハプニング、フルクサス、パフォーマンス、実験劇場などの現象もGesamtkunstwerkのアイデアのバリエーションとして解釈されます。

別のオペラはオペラが占めるが、これはオペラの適応であるが、ディレクターが現実主義を目指すのではなく、多くの演劇を1つの作業内で満たす芸術的結果を引き出す。それはIngmar Bergman(モーツァルトのThe Magic Flute)とAndrzejŻuławski(MussorgskyによるBorys Godunov)のことでした。現実的な形のミュージカルの伝統から逸脱したヨーロッパのミュージカル映画に近いです – ジャック・デミーとシェルブールのパラソルキーとキャサリン・ドヌーヴと主役、ルグランの音楽、映画は完全に歌われますが、カラーフレーム。

第二次世界大戦後の絵画と彫刻の範囲内では、芸術の合成が明らかにされ、形式の融合主義を介して行われ、最終的には芸術家によって完成された完成からの出発は、様々な芸術の素材。そのような概念的な芸術、それに関連するパフォーマンスの即興、芸術をプロセスとして示す – 彼らは絵画、文学、しかし特にマルチメディア技術(特にビデオ)のさまざまな素材を使用します。はい、電子機器やデジタル技術を使用して、芸術の合成の古くからの長年のアイデアが形を取っています。

大衆文化の中で、知覚の中で物質の最も簡単な合成から生じる現象は漫画である。より興味深く、しばしば洗練された、芸術的に卓越した、芸術の合成の現実的な発現は、一般的な音楽文化に共通する現象であり、映像と音声の関連性に基づくビデオクリップです。歌を解釈する、またはむしろ視覚化する、ミュージックビデオはプロットの輪郭の周りにぶら下がり、演技者に演技の役割を与え、風景、衣装、またはメイクアップキャラクターに意味を与える。アセンブリ(通常は速いリズム)は、コンピュータによって得られる特殊な視覚効果と同様に、特に重要です。これにより生じる全体像は、芸術の合成です。この点に関するパイオニアの成果にはバンドQueenがいました(曲「Save Me」アニメーションのビデオで初めて使用されました)。オリジナルのミュージックビデオはMadonna( “Music”、 “Hung Up”と “Sorry” – アルバムConfessions on a Dance Floor)で録音されました。この形式のマスターはマイケル・ジャクソンであり、そのアルバムのスリラーのタイトル曲のミュージックビデオは傑作とみなされています。

Share