ゲームチェンジャー:20世紀のシルエットを一新、ファッション博物館アントワープ

展覧会「ゲームチェンジャー:20世紀のシルエットを再発明する」は、20世紀半ばの革新が根本的に新しいシルエットを生み出したファッションデザイナー、クリストバル・バレンシアガの画期的な作品に注目します。その周りのスペース。

1920年代と1930年代のオートクチュールの先駆者、そして後に1980年代と1990年代のデザイナーと一緒に、バレンシアガは一般的な建設的な砂時計シルエットのための代替手段を証明しました。これらの「ゲームチェンジャー」は、新しい視点から20世紀のファッションを見ました。

着物のような日本からの影響力のある衣服は、20世紀の初めに彼らのタイトなコルセットから女性を解放しました。 Madeleine Vionnet、Paul Poiret、Coco Chanelなどのファッションデザイナーは、1920年代から1930年代にかけて、技術の革新と女性らしさについての現代的なアイデアによって、この自由を形作りました。 20世紀の終わりには、Issey Miyake、Yohji Yamamoto、Comme desGarçons、Ann Demeulemeester、Martin Margielaなど、日本とベルギーのデザイナーによって、女性のシルエットの境界がさらに探索されます。彼らは新しい体の形や抽象的なシルエットへの道を切り開き、ファッションと見なすことができるものについての新しい解釈を与えました。

展覧会の中心人物は、バスクのファッションデザイナーCristóbalBalenciaga(1895-1972)で、2つの期間の間の中心的人物、イノベーションの建築家として見られています。彼のパターンと作品は展覧会の中心軸です。それぞれのデザイナーは、同様に革新的なアイデアに独自の方法で取り組み、古典的な女性のシルエットの境界線をシフトさせました。

このように、ファッションは一連のトレンド以上のものになります。ファッションは身体、空間、そして動きを形作る方法です。 Ray Kawakuboの “Body Meets Dress、Dress Meets Body” SS 1997コレクションは、これらの新しい形がファッション語彙の一部になった方法を示しています。

この展覧会では、Cristobal Balenciaga、Paul Poiret、Madeleine Vionet、Gabrielle Chanelの100のユニークなクチュールとプレタポルテのシルエット、そしてIssey Miyake、Ann Demeulemeester、Yomji Yamamoto、Comme desGarçons、Maison Martin Margielaの3人が参加しました。ニューヨークのファッションテクノロジー研究所の美術館、V&A、MUDEリスボン、およびMuséeGallieraの一流コレクションからの融資を受けています。

20世紀のシルエットを根本的に革新した、ゲームを変えるデザイナーを発見してください。

2016年3月から2016年8月まで、Game Changers展はMoMuで開催されました。このショーは、ゲームを変えるデザイナーによる130以上のシルエットで構成され、CristóbalBalenciagaが主人公でした。

この展覧会では、MoMuのアーカイブ作品と、Palais Galliera、V&A、FIT、パリのBalenciagaアーカイブ、SAIC Chicago、Groninger Museum、MKG Hamburg、Kunstgewerbemuseum Berlin、Modemuseum Hasseltの融資を組み合わせました。

ショーはMiren ArzalluzとKaren Van Godtsenhovenによってキュレーションされました。

タイガーの飛躍
将来を見据えて

展覧会の紹介テーマは「タイガーの飛躍」と呼ばれ、2つのゲームを変えるシルエットから成ります。1つはCristóbalBalenciagaによるもので、もう1つはRei Kawakuboによるものです。

「虎の飛躍」というフレーズは、哲学者ウォルター・ベンジャミンによるドイツのコンセプト「タイガースプルング」から来ています。彼は、ファッションを未来志向の何かと表現していますが、同時にインスピレーションを求めて過去を振り返っています。過去は展覧会を通して指導の原則です。

川久保玲の象徴的な ‘Body Meets Dress、Dress Meets Body’のシルエットは、西洋の砂時計のシルエットが20世紀のデザイナーによってどのように挑戦され、21世紀の新しい形、曲線、星座に挑戦しているかを示しています。

MoMuは2015年7月のDidier Ludotクチュールオークションでこのドレスを手に入れました。MoMuはReim KawakuboによるComme desGarçonsのようなベルギーのデザインと国際的な前衛的なデザイナーを集めます。

あなたがバレンシアガの1953年秋冬コレクションのこの非対称タフタドレスで見ることができるように、歴史主義的な形と革新の両方の使用は彼の作品をトラの跳躍原理の例にします。

バレンシアガのアイコン
CristóbalBalenciagaの最も象徴的なシルエット

バレンシアガの最も象徴的なシルエットは、20世紀のファッションに理想的な卓越した砂時計で壊れました。バレルライン、セミフィットスタイル(1951年)、チュニック(1955年)、サックドレス(1957年)、4コーナードレス(1968年)そして1958年の台形の赤ん坊の人形は彼の最も抽象的な段階の始まりを迎えました。そこでは建築的品質の漸進的に概念的な衣服が自由で自由な身体をまとった。

1942年に、パリのナチス占領の制限的な期間の間に、バレンシアガは前例のない結果で形式で実験の過程に乗り出しました。

同じ年(1947)クリスチャンディオールは「ニュールック」で世界を魅了しました、バレンシアガはむしろ包み込む流動的な曲線の新しいシルエットを発表しました
体をくびれよりも。

1967年のこの四隅のシルクガザールドレスは、彼のキャリアの終わりにバレンシアガの最も抽象的な彫刻作品の一つであり、彼の最も象徴的な衣服の一つとして残っています。

サックドレスは1950年代のクチュールの構造化された、体を意識したシルエットから切り離され、エレガントで快適な方法で体を解放しました。

ゆったりとした衣服は、1960年代の簡単で最小限のシルエットを発表した衝撃的な進化でした。

着物
「私は伝統的な着物から体と織物の間の空間から学びました…スタイルではなく空間です。」 – Issey Miyake

このグループは、西洋風の着物原則の採用について調べています。

20世紀の西洋のファッションにおける変化と革新の重要な要素は、東洋の服装の概念、そして特に日本人から来ています。日本は19世紀の後半になって初めて西洋への扉を開きました。日本の装飾芸術のためのジャポニズムと呼ばれる広まったマニアが続きました。女性の曲線を形作る複雑で体の近くでカットされるヨーロッパのファッションとは対照的に、ドレスの東の概念は体の周りを包む長方形の布地に焦点を当て、「より穏やかな装い」を作り出します。

フランスのクチュールマドレーヌ・ヴィオネは、彼女の作品に深く影響を与えることになっていた着物や浮世絵のコレクターになりました。

彼女は言いました。それはその着用者に同伴しなければならず、女性が微笑むときドレスは彼女と一緒に微笑しなければならない。」

Vionnetの着物は、1950年代から60年代にかけての彼の代替ビジョンの中心に位置する、CristóbalBalenciagaの作品に根本的な影響を与えることになりました。

川久保玲、山本洋二、三宅一世のような20世紀末の日本のデザイナーがパリで発表される国際的なファッションを生み出しています。

ワビサビのような日本の美学の影響、そして着物の原則、体の周りに布を包むという考えが彼らの作品にあり、多くの同時代の人々によって取り上げられてきました。

写真家のピーター・リンドバーグは、1983年のこのシリーズで、川久保玲の最も象徴的な衣服をいくつか捉えました(次の写真も参照)。

特大のボリューム
メゾンマルタンマルジェラのイタリア製のサイズ78で作られた典型的な衣服の爆発的なバージョンは、オートクチュール(測るために作られる)とプレタポルテ(既製服)の両方の概念を解体します:それらは着用者の体にフィットしませんそして、事前に定義されたコマーシャルサイズはありません。

Margielaの特大サイズの衣服は、標準サイズのさまざまな体型のために既製の工業用衣服が製造されているというファッションシステムを解体します。すべて’。

直線
このグループは、20世紀のさまざまな時期、1920年代と1960年代に、曲線のS字型のシルエットが、より直線的で現代的な線に変わった方法を示しています。

アールヌーボーの高さにあり、非常に小さい腰と十分な幅が特徴の、19世紀後半から20世紀初頭のファッショナブルで波状のシルエットは、徐々に20世紀の初めにリフォームドレスのストレートラインに取って代わられました。

ガルソンヌは短い髪、ストレートのシュミーズドレスを着ていて、男の子っぽい姿をしていました。

シャネルは、新しい女性を「解放」しただけでなく、新しいスリムな美しさの理想を課しました。

スポーツウェアはオートクチュールに影響を与えました、そしてシャネル、ジャンパットー、マドレーヌヴィオネのようなデザイナーはスポーティでチークだった解放されたニューウーマンに仕出しました。

バレンシアガは、1955年の有名な「チュニック」シルエットで直線を再解釈しました。シンプルで膝丈の長いスカートの上に着用しました。装いはシルエットの輪郭を示唆し、着用者の体と衣服の間のスペースは自由な動きを可能にします。そのエレガントなシンプルさは即座の成功とインパクトを確実にしました。

バレンシアガのチュニックの再解釈はすぐに彼の作品の新しい古典となり、1955年2月から1968年2月の最後のものまで、すべてのバレンシアガのコレクションに再び現れました。

1920年代の革命的な精神は、1960年代に同様にまっすぐなシルエット、自由の象徴、そして宇宙時代の世代のための現代性を反映しています。 1960年代の「青春」と未来派のデザイナーは、1950年代の腰をなくし、代わりにガミンのシルエットを発表しました。 AndréCourrègesとPaco Rabanneは見習いに携わったり、バレンシアガのレーベルで働いたり、彼の純粋な幾何学的形態を引き継ぎました。

フランスの写真家Peter KnappはAndréCourrègesの密接な共同編集者であり、1960年代に最も注目に値するSpace Ageの画像を作成しました。

体を再考する
ボディに出会うドレス、ドレスに出会うボディ、そして一体になる、河久保玲S / S 1997

コルセットから解放された体は、20世紀の終わりに衣服に関して新しい役割を果たす準備ができていました。

1997年春夏、Rei Kawakuboはさらに一歩進んだ「ボディの再考」というアイデアを取り入れ、「Dress Meets Body、Body Meets Dress、Become One」という有名な「Lumps」n Bumpsコレクションを発表しました。統合された有機的なパッドを入れられた形、かくして人体の脱改質。

川久保氏はそれを単に「体を考え直す」と言ったのに対し、報道機関は「カシモド」コレクションを呼んだ、またはさらに「今年の最も醜いコレクション」と呼んだ。

「以前に見られたことではなく、繰り返されたことではなく、代わりに、未来を見据えた、解放され活気のある新しい発見。」
– プレスリリースComme desGarçons1997

シナリオ制作でコレクションを手がけていた振付家のMerce Cunninghamは、次のように述べています。「しこりは、私たちが毎日見ることのできるおなじみの形、肩にかばんがある自転車のメッセンジャー、ファニーパックの観光客、母親の赤ちゃん腕。”

同様に、英国の芸術家でファッションデザイナーであるジョージナ・ゴッドリーの作品は、女性の身体をセクシー/セックスレスとして表現することから逃れています。彼女は、代わりに「第三の方法」を選びました。
不妊女神、そしてフェルメールの女性たち。

Martin Margielaは、女性の西洋的な考えを「生きている人形」、またはより完璧な女性の人形としてふざけて分解しています。仕立て人形を特集した彼のコレクションは、ベストになっています(1997年春夏、1997年秋冬)。そして1950年代の適応可能な金属線のダミージャケット(1989年秋冬)。
実際の、生きている体をダミーで身に着けることによって、それは女性の体の崇拝されたバージョンとして機能する、彼は標準化されたダミーが本物の体に対してどれほど異質であるかを示す。

“人形…これは多くの男性が女性になりたいものです…ちょうど人形です。”
– 山本洋二

展示会の中心的な段階に体を置くために、MoMuは写真家ダニエルサンヴァルト(王立アントワープ美術アカデミーの卒業生)によって指示されたホログラフィックビデオを作成しました。 Sidi Larbi Cherkaoui(Eastman)による振り付けで、Demna Gvasalia、Balenciagaの家の現在の芸術監督、およびRoyal Academy of Fine Artsのファッション部門を卒業したBalenciagaアーカイブ作品のセレクションをフィーチャーしています。

これらのアーカイブ作品には、Issey Miyake、Ann Demeulemeester、Maison Martin Margiela、Comme desGarçons、そしてGvasalia独自のレーベルVêtementsのデザインが変わります。

「私」がなく、子供の身体、母親の身体、そして外界の間に区別のない人間の生活の言語前の段階(13か月)の喚起では、抽象的な衣服と生体は融合します。新しい星座。

後ろから見た
「私は女性を通り過ぎる人、姿を消す人としてしか見ることができません。私は服を後ろから作るのではなく、正面から作るべきだと思います。」 – 山本洋二

女性のシルエットの裏側は、CristóbalBalenciagaの作品の中心となっています。首の首筋、または背中の下の方に優雅に落ちるネックラインは、特徴的に流れるカーテンを形成しました。

バレンシアガは伝統的な着物のネックラインにインスパイアされ、首から切り離された襟は、スーツや日中のアンサンブルに優しく露出しています。

日本では、首筋は女性の体の最も美しい特徴の1つと考えられています。

そのため、着物の襟の裏側は、うなじを露出させて長く見えるようにするために浸されています。

襟の流線とは対照的に、着物は胸の周りにしっかりと固定されており、背の高い他の目立つアクセサリーで飾られています。

バレンシアガはまた、この展覧会で展示されている彼の1965年代の秋から冬にかけてのピンクのイブニングドレスのような1960年代の彼の最も有名なデザインにこれ​​らの要素の彼の個人的な解釈を取り入れます。

ベビードール
抽象化への道

シュミーズドレスやベビードールは、1950年代のゆったりとしたネグリジェからその名前が付けられ、Balenciagaによって1957年冬のコレクションとして最初に導入されました。

それはレースで作られ、タイトフィットのドレスの上に着用された台形のカクテルデザインであり、着用者の実際の体型の輪郭を描き、ウエストの表現とその否定の妥協点をもたらしました。

次の1958年の夏のコレクションでは、CristóbalBalenciagaはさらに一歩進んで、体への言及が根本的に排除されたフルドレスでボリュームを誇張しました。

腰、腰、胸は、体と衣服の間に介在する新しい空のスペースに住んでいるのに気づかれずに行きました。

赤ん坊の人形は、1950年代の形でのバレンシアガの実験における最後のランドマークと考えることができます。

台形の形状のベビードールは現代のデザイナーにとってありがたい出発点です。

究極の抽象化
最終段階

1968年、クリストバル・バレンシアガは1960年代に彼の最も創造的で純粋なデザインを世に送り出した後、彼の家を閉鎖しました。それは彼のル・チョー・ノワールまたは彼の象徴的な四隅ドレスで見られるように最大のボディ抽象化をもたらしました、彼の1967年冬コレクションの一部です。

バレンシアガの後期クチュール作品は、1960年代のプレタポルテブームとは接触していないと言われてきましたが、実際には彼の次の世代の作品に彼の進歩的なボディ抽象化と純粋な線が見られます。 Pierre Cardin(時々彼のきのこの形や抽象化で非難されている)、Issey Miyake、そしてSybilla(スペイン)、Hussein Chalayan(Cyprus)、Junya Watanabe(日本)、そしてIris van Herpen(The Netherlands)の3Dプリントドレスなど)

彼らは彼らの前任者のように革新の伝統の中でファッションをさらに前進させます。このように、過去の考えは、永遠のタイガーの飛躍の中で未来の形と衝突します。

最後のシルエットは、Alexander McQueenによる「Horn of Plenty」に由来します。このコレクションは、「ファッションの歴史に対処し、成熟したデザイナーとして始めることができる」という彼自身の言葉で、McQueenが作成した最後のコレクションです。

彼はシャネル、ディオール、バレンシアガなどの20世紀の象徴的なデザイナーを想起させ、彼らに自分のスタンプを付けました。シャネルとディオールの典型的な千鳥格子モチーフは、このドレスを鳥プリント、マックイーンのサインに変えます。

バレンシアガの毛虫のようなドレスは、劇的に膨らんだボリュームに成長します。

アントワープ、ベルギーのファッション博物館

MoMu(Mode Museum)はベルギー、アントワープ県のファッション博物館です。 2002年9月21日に設立されたこの美術館は、ベルギーのファッションを収集、保存、研究、展示しています。博物館は特に80年代と90年代の間にアントワープで訓練されたファッションデザイナーのグループの出現によるベルギーの現代的なファッションデザイナーに焦点を合わせています、ヴァルターヴァンBeirendonck、ダークヴァンSaene、AF Vandevorst、等。)。博物館の最初の監督はLinda Loppaで、これは王立芸術アカデミー(アントワープ)のファッションスクールの創設者でもあり監督でもありました。現在の監督はKaat Deboです。

コレクション
MoMuには、服、靴、織物、アクセサリー、レースなど、33,000点以上のアイテムが揃っています。服やアクセサリーは、購入を通じてだけでなく、個人、デザイナー、ファッションからの寄付によっても生み出されるコレクションの中核を成しています。住宅や多くの長期融資を通じて。たとえば、Linda LoppaとChristine Matthijsからの初期の贈り物は、MoMuのデザイナーコレクションを発表しました。このサブコレクションは、とりわけDries Van NotenとBernhard Willhelmからの惜しみない寄付金でいっぱいになりました。しかし、2012年のWalter Van Beirendonckinによる100のシルエット、アントワープCoccodrilloの靴屋Geert BrulootとEddy Michielsによるコレクターや創設者による数十のデザイナーシューズとイギリスのデザイナーStephen Jonesからの100以上の帽子を含む長期ローンも。博物館のコレクションは、2012年にオランダのコレクターJacoba de Jongeからの歴史的なファッションのコレクションの寄付と部分購入を通じて、数百個に拡大されました。 MoMuは今日、以前のTextile and Costume Museum Vrieselhofの以前のコレクションと一緒に、主に家に保管されている約33,000個のオブジェクトのコレクションを管理しています。

コレクションは、服、アクセサリー、そして織物、そして道具、織物生産のための機械、パターン、そしてファッションショーの招待状など、より意外な作品から成り立っています。

MoMuの収集方針は、ベルギーのデザイナーとアントワープの王立美術アカデミーのファッション部門の卒業生の仕事に焦点を当てています。現代の国際的なファッションの世界からの著名な名前もコレクションに表されています。

コレクションは、買収、ローン、そして多数の寄付を通じて毎年成長し、現在では33,000点を超える作品で構成されています。これにより、MoMuコレクションは、世界で最も大きく最も重要な現代ベルギーファッションのコレクションとなります。博物館は継続的にそのデザイナーのコレクションからの作品のための国際融資の依頼を受けます。

MoMuの西ヨーロッパのコスチュームとテキスタイルの歴史的コレクションは、かつてのコスチュームとテキスタイル博物館Vrieselhofのコレクションの続きです。

2011年に、歴史的なコレクションは重要な買収で拡大されました。現在のMoMuコレクションを補完する、Jacoba de Jongeさんの個人コレクションから、18世紀、19世紀、および20世紀前半までに2,000個以上のオブジェクトが入手されました。

ファッションやコスチュームのコレクションに加えて、美術館には膨大な図書館のコレクションもあります。 MoMu図書館は、歴史的および現代的なファッション、織物、民族衣装のための学術図書館です。 1万5千冊以上の本、貴重な参考書が揃ったアーカイブ、何百もの現代的な歴史的な雑誌、そして急成長している画像のデジタルデータベースで、MoMu図書館は世界でもトップクラスの分野にあります。

2017年に、スタディコレクションは博物館のコレクションに追加されました。スタディコレクションは、訪問者が物を近くで研究できるようにすることで、ファッションについてビジターに教えることを目的とした別のコレクションです。研究コレクションは、学術研究のために、教材として、またはインスピレーションのために使用することができます。 2018年秋からの相談が可能になります。

研究コレクションは、歴史的、現代的、そして民族的な服装、断片とサンプルから成ります。このよりアクセスしやすいコレクションは、アントワープ大学の保存修復修復学部からの長期貸付金とMoMuからの作品からのJacoba de Jongeさんによる寄付で構成されています。