図の描画

図形図は、任意の図面媒体を使用して、その様々な形状および姿勢のいずれかで人間形を描いた図である。この用語は、そのような図面を作成する行為を指す場合もあります。表現の程度は、非常に詳細で、解剖学的に正しいレンダリングから緩やかで表現力豊かなスケッチまで多岐にわたります。 「生命線」とは、生きた模型を観察して人間の姿を描くことです。図形図は、絵画のようなより完成した作業に備えて構成された、芸術の構成された作品または図の研究であってもよい。図の作図は、おそらく最も一般的に遭遇する困難な科目であり、コース全体が専攻科目に専念しています。人間の姿は視覚芸術における最も永続的なテーマの1つであり、人間の姿は肖像画、イラストレーション、彫刻、医学イラストレーション、その他の分野の基礎となりうる。

アーティストは、人間の姿を描くためにさまざまなアプローチを取っています。ライブモデルや写真、骨格モデル、記憶や想像力から描くことができます。ほとんどの指導は、「ライフ・ドローイング」コースでのモデルの使用に焦点を当てています。写真参照の使用は、写真の開発以来共通していますが、しばしば批判されたり、被写体の動的な側面を捕らえることができない「フラット」な画像を生み出す傾向があるために落胆します。想像力からの描写は、それが奨励する表現力のためにしばしば賞賛され、人物の視覚化における知識の不足または記憶の不足によって引き起こされた不正確さを批判する。他の方法を用いたアーティストの経験は、このアプローチの有効性に大きな影響を与える。

イメージを開発する際に、一部のアーティストは、体の表面上の明るい値と暗い値の相互作用によって作られた形に焦点を合わせます。他の人は解剖学的アプローチを取って、図の内部骨格を近似し、内臓器官と筋肉組織を覆い、それらの形状を皮膚で覆い、最後に(該当する場合)服を着用する。人間の内部解剖学の研究は、通常、この技術に関与している。別のアプローチは、幾何学的形状(例えば、頭蓋用の球、胴用の円柱など)から身体を緩く構築することであり、これらの形状をより緻密にして人間の形状に近似させる。

視覚的な参考なしに(または自分の仕事をチェックする手段として)働く人々のために、図の描画で一般的に推奨される割合は次のとおりです。
平均的な人は、一般的には頭が7分の1(頭を含む)の高さです。これは、紙の板を使って体の長さを視覚的に示す教室の生徒に説明することができます。
貴族や恵みの印象に使用される理想的な姿は、8頭の高さで描かれています。
神とスーパーヒーローの描写に使われたヒーローの姿は、8分の1の高さです。追加の長さのほとんどは、より大きな胸と長い脚から来ています。
これらの比率は、直立モデルにとって最も有用であることに注意してください。様々な身体部分の短縮化をもたらすポーズは、それらを異なるものにする。

19世紀のフランスのサロンでは、ワックス、オイル、顔料のスティックである特別な配合紙を使用して、Contéクレヨンの使用を推奨しました。消去は許可されませんでした。代わりに、芸術家は明るいストロークでフィギュアを描くことが予想され、より暗く目立つ印をつけた。

人気のある現代的な技術は、特別なブドウから調製された木炭スティックと、より粗い用紙の使用です。木炭は紙にゆるやかに付着し、非常に簡単に消すことができますが、最終的な図面は、木炭をはがすのを防ぐためにスプレーオン「固定剤」を使用して保存することができます。より硬く圧縮された木炭は、より慎重かつ正確な効果を生み出すことができ、目盛りを付けたり、切り株と呼ばれる円筒形の紙製ツールで目盛を作り出すことができます。

グラファイトペンシルは図形描画にも一般的に使用されています。この目的のために、芸術家の鉛筆は、9B(非常に柔らかい)から1B(中程度の柔らかい)、および1H(中程度の硬度)から9H(非常に硬い)のさまざまな調合で販売されています。木炭のように、それは削除することができ、切り株を使用して操作します。

インクは別の一般的な媒体です。アーティストはグラファイトの鉛筆で絵を描いたり、輪郭を描いたりします。最後の線の作業はペンやブラシで行い、永久的なインクで行います。インクを水で希釈してグラデーションを生成することができ、これはインク洗浄と呼ばれる技術である。鉛筆のマークは、インクが塗布された後に消去されるか、濃いインクがそれらを圧倒して所定の位置に残される。

一部のアーティストは、鉛筆スケッチの準備なしにインクで直接描画し、誤解を修正する能力を制限するという事実にもかかわらず、このアプローチの自発性を好む。マティスは、このように働いたことが知られているアーティストです。

Watteauや他の17世紀と18世紀のバロック様式とロココ期のアーティストの好きな方法は、白と黒の中間の色調で始まり、白と黒の色合いをペンとインクで追加することでしたクレヨン

先史時代から人間の姿が描かれてきました。古代の芸術家のスタジオのプラクティスは、主に彼らが作品の解剖学的な洗練によって示唆されているヌードモデルから描かれ、モデル化された、推測の問題です。 Plinyに関連した逸話は、Zeuxisが裸のアグリジェントの若い女性をどのように見直し、理想的なイメージを描くために彼が組み合わされるかの5つを選択する方法を説明しています。中世の芸術家のワークショップでのヌードモデルの使用は、Cennino Cenniniの執筆に暗示されており、Villard de Honnecourtの原稿は、人生からのスケッチが13世紀の確立された習慣であることを確認しています。 1580年にボローニャでAccademia degli Incamminatiを開設したCarracciは、人生を中核とすることによって、後の美術学校のパターンを設定しました。練習の過程は、彫刻のコピーから始まり、その後、模型からの引き出しに進み、生徒は生の模型を描くように訓練されました。

18世紀後半、ジャック・ルイス・デイヴィッドのスタジオの学生たちは、厳しい指導プログラムを踏襲しました。絵を描くのは、絵を描くための前提条件と考えられていました。毎日約6時間、同じ姿勢で1週間留まっていたモデルから生徒が引かれました。 19世紀後半まで、女性は一般的に絵画の授業を理解することは認められなかった。

アカデミーのフィギュアは、典型的には半減期の生きたモデルを使って、ヌードの人体を描く、絵を描く、または彫刻的なものです。

これは、過去と現在の両方のアートスクールやアカデミーの学生に必要な共通の演習です。その名前です。

歴史的事実は、志望する女性アーティストのためのヌードモデルはほとんど利用できないことを明らかにしている。女性はヌードモデルから勉強することが不適切で、おそらくは危険であると考えられたため、特定の機関からの逸脱がありました。男性は男性と女性の両方のヌードにアクセスできるが、女性はキャストやモデルから解剖学を学ぶことに限定されていた。 1893年にロンドンのロイヤルアカデミーで女子学生の人生観を手に入れることは許されていませんでした。それでもモデルは部分的にドレープする必要がありました。

ヌードフィギュアへのアクセスが制限されているため、女性アーティストのキャリアと発展が妨げられました。最も権威ある絵画は、体系的に女性に拒否された解剖学の深い知識を必要とし、それによって、ジャンル、静物、風景、肖像などのあまり理解されていない絵画に落ちた。リンダ・ノクリンのエッセイ「なぜ偉大な女性アーティストがいないのか」では、女性が女性の芸術的発展にとって歴史的に重要な障壁となっているのは、図画を裸にしなければならないという制限されたアクセスを示しています。

図描画命令は、ほとんどの美術やイラストレーションプログラムの要素です。イタリアの美術アカデミーには、学位プログラムの一部を構成するスクオラ・リベラ・デル・ヌード(「フリースクール・ヌード」)がありますが、学外の学生にも開放されています。典型的な図画スタジオの教室では、生徒はモデルの周りに半円または完全な円で座ります。 2人の生徒はまったく同じ視野を持っていないので、その図面はモデルに対するアーティストのユニークな場所の視点を反映します。モデルはしばしばスタンドに置かれ、学生は障害のない視点をより簡単に見つけることができます。ポーズのタイプに応じて、家具および/または小道具を使用することができる。これらは、典型的には図面に含まれ、アーティストに見える範囲で含まれます。しかし、環境は、環境内の人物の配置について学ぶことが目的でない限り、一般的に無視されます。個々のモデルが最も一般的ですが、より高度なクラスでは複数のモデルを使用できます。多くのスタジオには様々な照明設備が備わっています。

大学のレベルで教えられると、図形描画モデルはしばしば(必ずしもそうではない)ヌード(小さな宝飾品または他の目立たないアイテムを除いて)です。ポーズを取っている間、モデルは通常完全に静止しているように要求されます。長時間にわたってこの作業を行うことが難しいため、モデルを休止および/または伸張するための定期的な休憩は、通常、より長いセッションおよびより困難なポーズに含まれます。

図形描画セッションの始めに、モデルはしばしば一連の短いポーズを連続して素早く作成するよう要求される。これらはジェスチャーポーズと呼ばれ、通常それぞれ1〜3分です。ジェスチャーの描画は、多くのアーティストのためのウォームアップのエクササイズですが、一部のアーティストはすべてのFigureの描画の最初のステップとしてジェスチャーをスケッチします。これらの広いストロークは、手首のフリックによってのみ行われるのではなく、アーム全体を使用してモデルの動きをキャプチャすることによって行われます。また、紙の代わりにモデルに焦点を当てたアーティストを維持するのにも役立ちます。人体に関しては、芸術家は非常に批判的です。静物の割合は本物に見えるように完全に描く必要はありませんが、人間の割合のわずかな誤差でさえも容易に検出されます。

現代と現代のアーティストは、ジェスチャーやモデルのポーズの気分を強調するために、比率を誇張したり歪ませたりすることがあります。成果は、完成した作品と見なすことができ、主題、観察的、感情的、そして作家のフィギュアドローイング体験への反応を表すマークの両方を表現することができる。

解剖学は、生命授業における心配の第一歩に過ぎない。図 – 地理関係と他の構成要素も考慮されます。構成のバランスがより重要になり、したがって生命線によって理解されるようになります。ポーズに対する芸術家の力学的反応と、これがアートメディアの選択を通じてどのように伝達されるかは、より高度な懸念事項です。人物を描く方法を学ぶことが絵画の授業の目的なので、美しいモデルや「理想」の人物だけを選ぶのではなく、すべての年齢、形、民族の男性と女性のモデルが求められます。いくつかのインストラクターは、ファッション写真家が好まれるような種類のモデルを避け、もっと「現実的な」例を求めて、性的な客観化を暗示することを避けようとしています。インストラクターは、独自の輪郭や表面テクスチャに基づいて特定のボディタイプのモデルを好む場合もあります。雇用されたモデルの多様性は、長期間のポーズ(不安定な子供や虚弱な高齢者の排除)の必要性、モデルがヌード(未成年者の使用を制限する)の謙虚さと合法性の懸念によって制限される場合があります。