表現主義の音楽

表現主義という言葉は、おそらく彼の音楽の中で強力な感情を伝えるために “伝統的な美しさ”を避けていたからである(Sadie 1991,244)、画家Wassily Kandinsky(1866-1944) 。 テオドール・アドルノは、「伝統音楽のすべての従来の要素を排除する、形式的にはすべてを厳格にする」ことを追求しながら、表現主義的な音楽の動きを音楽の中で見ています。 これは彼が「叫び声」の文学的理想に類似していると見る。 同様に、アドルノは、表現主義的な音楽を、「幻想、変装または婉曲のない主観的感情の真実性」を求めて見ている。 Adornoはそれを無意識に関連して記述しており、表現の自由の音楽の中心に「恐怖の描写があり、不協和音が優勢だから、調和のとれた肯定的な芸術要素が追放される」と述べている(Adorno 2009、275- 76)。

表現主義的な音楽は、高いレベルの不協和音、ダイナミクスの極端なコントラスト、テクスチャの絶え間ない変化、「ゆがんだ」メロディーとハーモニー、広い飛躍の角音色を特徴とすることが多い(Anon、2014)。

特徴付け
テオドールW.アドルノの特徴:

表現の自由の表現理想は表現の即時性の全体的なものであり、それは二重を意味するものである。表現主義的な音楽は、従来のすべての従来の要素を排除しようとするものであり、 「悲鳴」の詩的な理想に似ていますが、表現主義の句は音楽の内容に関係していますが、これは主観的な衝動の隠されていない啓示されていない真実です。表現主義的音楽は、アルフレッド・アインシュタインが喜んで表現した後、心理学のプロトタイプベースの非定型ノートを与えることを望んでいる。

文体的には、和音に加えて解散しなくなった(不協和音の解散とも呼ばれる)不協和音の変更された機能が目立つ。 トーンシステムは主に解決され、無調性に拡張されました。 極端なピッチ、ボリュームの極端な違い(ダイナミックなコントラスト)、広いジャンプを伴うギザギザのメロディーライン、 自由なリズムと斬新な計器である。

表現主義のフェーズ
表現主義は3つのフェーズに分かれています。

早期表現主義 20世紀初頭 シェーンベルク、スクリャービン、アイヴス、ストラヴィンスキー、ヒンデミット、プロコフィエフ、ホネッガー、バルトーク
高い表現主義 1907年から1912年 ウェーベルン、ベルク、シェーンベルク(ウィーンの学校)、ブソニ
後期表現主義 1914年から12曲の音楽で終わる
表現主義全体と同様に、音楽表現主義は主にドイツ語圏で発展してきた。 初期の表現主義者の多くの作曲家が後に表現主義的なスタイルを残していたが、シェーンベルクと彼の弟子たちは、このような構成のままだった。 Schoenberg周辺のグループは、ウィーンの学校と呼ばれています。表現主義の最も重要な表現となった不協和音の解放を最も根本的に実現しました。

主要人物
音楽表現主義の3つの中心的な人物は、アーノルド・シェーンベルク(1874-1951)と彼の生徒、アントン・ウェーバーン(1883-1945)とアルバン・ベルグ(1885-1935)、いわゆる第2ウィーンズ・スクールです。 表現主義に関連した他の作曲家はErnst Krenek(1900-1991)(1922年の第2交響曲)、ポール・ヒンデミット(1895-1963)(ジョージ・トラークの6詩を設定するジャンジャン・マグド、Op。23b、1922年)イゴール・ストラヴィンスキー(1882-1971)(3つの歌詞、1913年)、アレクサンダー・スクリャービン(1872-1915)(ピアノ後期ソナタ)(Adorno 2009、275) ブルービアーズの城(1911年)(ガニェ2011年、92年)、木製の王子(1917年)(クレメンツ2007年)など、20世紀後半に書かれた初期の作品のベーラ・バルトーク(1881-1945)とThe Miraculous Mandarin(1919)(Bayley 2001,152)がある。 Schoenbergの表現主義的自由主義的組成物​​(1908年から1921年)と同じ時期に活動していた同性愛者の「表現のそのような強要に対する衝動」を持つアメリカの作曲家には、Carl Ruggles、Dane Rudhyar、「ある程度は」Charles Ivesその歌「Walt Whitman」は特に明確な例である(Carter 1965、9)。 Richard Wagner(1813-1883)、Gustav Mahler(1860-1911)、Richard Strauss(1864-1949)(Anon、2000; Mitchell 2005,334)のような表現主義の先駆者が存在する。 ピーター・マクスウェル・デイヴィス(1934〜2016年)のような後の作曲家は、「時々Schoenberg、Berg、Webernの表現主義を永続させると見なされている」(Griffiths 2002)、Heinz Holliger(1939年)の最も特徴的な特性は ” Schoenberg、Berg、特にWebern(Whittall 1999、38)に見られる本質的に歌詞的表現主義の強烈な関与。

アーノルド・シェーンベルク
ミュージカル表現主義は1908年から1921年の間に作曲されたアーノルド・シェーンベルクの音楽と密接に関連しており、12トーンのテクニック(Schoenberg 1975,207-208)を考案する前の彼の「自由なアトナル」構成の期間である。 同様の特性を持つ同時期の作曲、特に彼の生徒Alban BergとAnton Webernの作品は、このルーブリックの下に含まれることも多く、ミュージシャンのジャーナリストによって、作曲家の個人的な試み表現は一貫性を克服するか、単に伝統的な形式や実践に反して使用されるだけである(Fanning 2001)。 したがって、SchoenbergのSecond String Quartet(1907-08)によれば、4つの動きのそれぞれが徐々に音色が小さくなる(Fanning 2001)ことから始まると言える。 3番目のムーブメントは間違いなくアトナルであり、最終的な動きの導入は非常に色彩的で、間違いなくトーンセンターがなく、ソプラノの “IchfühleLuft von anderem Planeten”( “私は別の惑星の空気を感じる”)ステファン・ジョージの詩。 これは、Schoenbergが無神論の「新しい世界」に入ったことを表しているかもしれない(Fanning 2001)。

1909年、シェーンベルクはワン・アクションの「モノドラマ」エルワルテング(予言)を作った。 これは無名の女性を中心とした音楽ドラマにアトナル・ミュージックが付随する非常に表現主義的な作品である。 彼女の恋人を見つけようとする邪魔な森を見つけたので、彼女は開いた田舎に達する。 彼女は別の女性の家の近くで彼女の恋人の死体を横切って遭遇し、その時点からはドラマのことは純粋に心理学的なものです:女性は彼女が見ていることを否定し、彼女を殺したことを心配します。 プロットは女性の主観的な観点から完全に演奏され、彼女の感情的苦痛は音楽に反映されます。 小説の著者Marie Pappenheimは、Schudberg自身(Carpenter 2010、144-46)のように、フロイトの新たに開発された精神分析理論に精通した、最近卒業した医学生でした。

1909年、シェーンベルクは5つの小品管弦楽団を完成させました。 これらは、画家Wassily Kandinskyとの作曲家の関係の主要な理想を予期して、意識のない、潜在意識に基づいて自由に建設されました。 このように、作品は認識可能な形を避けようとしますが、それを達成する程度は議論の余地があります。

1908年から1913年の間に、Schoenbergはミュージカル劇「DieglücklicheHand」にも取り組んでいました。 音楽は再び無声である。 プロットは無名の男から始まり、彼の背中に獣を舞台の中央に置いた。 男の妻は別の男のために彼を残しました。 彼は苦しんでいる。 彼女は彼に戻ろうとしますが、彼の痛みは彼女を見ません。 それから、自分を証明するために、男は鍛え屋に行き、不思議なワグネルの場面(音楽的ではないが)で、他の鍛冶屋が彼に向かって攻撃をしているとしても傑作を捏造する。 女が帰ってきて、男は彼女と一緒にいることを誓いますが、彼女は彼に岩を蹴ります。そして、行為の最終的なイメージは、再び獣と背中に執着した男のものです。

このプロットは非常に象徴的で、シェーンベルク自身のように書かれています。 Schoenbergが仕事を始める時に彼女は戻ってきましたが、彼らの関係は容易ではありませんでした(Biersdorfer 2009)。 中央鍛造場面は、彼の作品に対する否定的な反作用の中で、シェーンベルクの失望を代表するものと見なされている。 彼の望みは、主人公のように傑作をつくることでした。 再び、Schoenbergは彼の実際の人生の困難を表現しています。

1911年頃、画家Wassily KandinskyはSchoenbergに手紙を書いてくれました。これは長く続く友情と仕事関係を始めました。 2人の芸術家は同様の視点を共有しました。芸術は意識的に自由である潜在意識(内的必要性)を表現するべきです。 Kandinskyの「霊性の芸術」(1914)は、この見解を強調している。 2人はお互いの絵を交換し、SchoenbergはKandinskyの出版物Der Blaue Reiterに記事を寄稿しました。 この学際的な関係はおそらく第二ウィーン学校のメンバー間の関係以外の音楽表現主義における最も重要な関係であろう。 表現主義の学際的な性格は、カンデンスキーによって奨励されたシェーネベルグの絵画の出口を見つけた。 一例は、赤い目がSchoenbergの潜在意識の窓である自画像Red Gaze(Archivedリンクを参照)です。

アントン・ウェーベルンとアルバン・バーグ
アントン・ウェーベルンの音楽は、シェーンベルクの表現主義に近いスタイルであった。 その後、彼の音楽は「ますます構成主義的になり、情熱的な表現力のある核を隠すようになった」(Fanning 2001)。 オーケストラのための彼の5つの部分、Op。 10(1911-13)はこの時期のものです。

Alban Bergの貢献には、彼のOp。 1つのピアノソナタと4つのオペラ曲 2.音楽表現主義への彼の主な貢献は、1914年と1925年の間に作曲されたWozzeckオペラ、そして未完成のLulu(Reich 2013)である。 Wozzeckは、精神的な苦痛と苦しみを表現し、Wozzeckの視点から客観的に提示されたものではないが、巧みに構築された形式の中で表現主義を提示するという点で、主題の材料において非常に表現主義的である。 オペラは3つの行為に分かれており、そのうちの第1の行為は文字の展示となる。 第2はプロットを展開し、第3は一連の音楽的なバリエーション(リズムやキーなど)です。 ベルグは2番目の行為で1つの場面でソナタ形式を使用し、最初の主題がマリー(Wozzeckの愛人)をどのように表現しているのかを記述し、2番目の主題はWozzeck自身の記入と一致する。 これは、プロットの即時性と明快さを高めますが、意識によって媒介されていない潜在意識を音楽的に表現しようとするSchoenbergの表現主義の理想とは幾分矛盾しています。

ベルクは1928年から1935年にルルーのオペラを手がけたが、第3作を完成させることはできなかった。 ある見解では、「音楽的に複雑で表現力豊かなイディオムで、ルルは完全に12音系で構成されていた」(Reich 2013)が、これは普遍的に受け入れられる解釈ではない。 オペラの文学的根拠は、フランク・ヴェデカインドの関連する演劇であり、文字の心理的状態の完全な無関心と、「人格現実に根拠がほとんどなく、歪みが心理的緊張の産物ではない」(Gittleman、1968、134)。 ベルグの音楽に対する明白な感情は、その原因とはずれ、「定義することが不可能な何かに偏向」され、それによって、自身の強さと矛盾し、「感情的な指示への本能的な服従」を損なう。表現主義に反し、明確にどのように反応するか」(Holloway、1979、37)。 それゆえルルーは、ウーゼクの明示的表現主義とは対照的に、1920年代のノイエ・サクライチェット(新客観主義)とベルトルト・ブレヒトの壮大な劇場(ジャーマン1991,19-20,94-96)に近い。

実際に、ヴォーゼックが1925年に演奏されるまでに、Schoenbergは彼の表現主義的な期間(1923年)の終わりとおおよそ12トーンの期間の始まりを表す、彼の生徒に12トーンのテクニックを導入しました。

Arnold Schoenbergは音楽表現主義の中心的人物だったが、Berg、Webern、Bartókは他の様々な作曲家とともに著しく貢献した。

受信
Rudolf Stephanが書いたように、芸術家と作曲家の集中的な仕事と聴衆の感覚の間にはギャップがありました。

「表現の自由という言葉は、(SchoenbergとFerruccio Busoniの不快感に)音楽の文学(1919年以降)に現れて以来、今ではアートの闘いに一定の役割を果たす共通の、酷使されたキャッチフレーズとなっていましたこれは戦争のパンフレット、音楽の新聞、特にMelos(Hermann Scherchenによって編集された)と(新しくて、ほとんどが短命である)美術と文化誌の終わりの後に満たされ、文学と美術の分野では、 1920年頃には関連する音楽作品がわずかしか印刷されず、ほとんど演奏されていなかったため、この作品はほとんど知られていなかった”

文体の限界
音楽スタイル決定は、表現主義スタイルの主な瞬間を表現するタスクを有する。 以下の主な瞬間(スタイル基準)を実演することができます:

刺激
旋律方向の急速な変化、不協和調和の並置、モチーフの落ち着き、ホモフォニーと線形部分の交替(ポリフォニー)、鋭い間隔の選択、広範囲(アンビタス)、リズム(ポリリズム)の解放、メートル(音楽)(ポリメトリクス)。
式:
表現とは、和音形成の拡張(音調空間の拡張)による音調空間の広がりを意味します。 それぞれの声は同じですが、異なる音楽素材が同時に開発され、お互いの上に保存されます。 音声の平等は、線形性に関する全体的な音に焦点を合わせます。
削減:
削減とは、本質への制限を意味する。 すべての音色が重要であり、音楽の効果的な密度を実現します。 一般的な低減手段は、オーケストラ装置の圧縮である。 新しいオーケストラの色と楽器が検索されます。 可能な限り高い低減(密度)が達成されると、音の分裂が起こり、これはポリリズムといくつかの交互の器具上のモチーフの分布によって表される。
抽象化:
抽象化とは、次のように表すことができる高調波進化の合理化を意味します。
音楽は強壮​​剤とは関係がありません。d。 H.この作品はもはや鍵の対象にはなりません(印象派と早期表現主義)
コードには、(簡単に分かりやすい)機能的に調和のとれた関係はありません
コードは改造によって分割される(Late Romantic:Tristan Chord)
レイットンはもはやアトナル音楽に溶けなくなり、彼らは凍りつく
12トーンのテクニックは、アトナルのコンポジションスタイルの基礎となる新しい規則性を作り出します

音楽表現主義における伝統的な形態
無調性によって、コンポジションの調和の取れた関係が失われ、表現主義者の作曲家は公式のレベルバランスを取ろうとする。 この理由から、表現主義者は、キヤノン、発明、フーガ、スイート、ミヌエト、マーチ、セレナード、ワルツ、古典的なソナタ、特に曲の形式の基礎などの伝統的な形式を使用します。 伝統的な形を通して、彼らは合理的なものと感情的なものの間の隙間を埋める。

アントン・ウェーベルンは、1933年に1910年頃の状況に関連した彼の「講義」で表現した:

「新しい12トーンの法律が制定されるまでの間、調性がなくなってから創られた作品はすべて短く、すばらしく短かった – その時に書かれたものは、支持テキストと結びついている[…] – 調性の放棄、より長い作品を構成する最も重要な手段は失われた。調性は形式的統一をもたらすために最大限の重要性を持っていたように、光が消えたかのように – そうだった。

主な作品
次の年代順のリストでは、作品の多くは作曲の後に長く演奏されただけであることを覚えておかなければならない。

プリフォーム/初期表現主義
表現主義的な音楽のプリフォーム:激しく高いコントラストの作品、不協和音に夢中

Max Reger:シンフォニックファンタジー&フーガop。 オルガン(1901)のための57
レゲーダー:ピアノ五重奏C minor op。 64(1902)
シェーンベルク:PelleasとMelisande op。 5(1902-1903)
Scriabin:ピアノソナタ第4番、シャープメジャー。 30(1903)
グスタフ・マーラー:第六交響曲(1903-1904)
リチャード・シュトラウス:Salome op。 54、オペラ(1905)
チャールズ・アイヴス:トランペット、4つのフルートと弦楽器の未解決の質問(1906)
アイヴス:オーケストラのためのダークのセントラルパーク(1906、1936年革命)
シュトラウス:エレクトラ作曲 58、オペラ(1906-1908)

高い表現主義
Scriabin:LePoèmede l’Extase op。 オーケストラのための54(1905-1908)
Scriabin:ピアノソナタ第5番、シャープなメジャーオペラ。 53(1907)
ショーンバーグ:第2弦楽四重奏曲集Op。 ソプラノパート(1907-1908)で10(Fシャープマイナー)
シェーンベルク:吊るす庭の本、Op。 ステファン・ジョージの後で15の声とピアノ(1908-1909)
Webern:弦楽四重奏のための5つの動き。 5(1909)
Webern:ラージオーケストラのための6つの作品op。 6(1909)
Schönberg:3つのピアノ作品op。 11(1909)
Schönberg:5つのオーケストラ作品op。 16(1909年、1922年改訂)
シェーンベルク:期待op。 17、monodrama(1909年、1924年に最初に演奏された)
Webern:ヴァイオリンとピアノのための4つの作品op。 7(1910)
シェーンベルク:ハッピーハンドop。 18(1910-1913、1924年に最初に掲載)
Schönberg:6つの小さなピアノ作品op。 19(1911)
シェーンベルク:Heartwoods op。 20、ソプラノ、セレスタ、ハーモニウム、ハープ(1911、1928年に初めて演奏)
Webern:オーケストラのための5つの作品op。 10(1911)
Schoenberg:Pierrot Lunaire op。 21の話し声とアンサンブル(1912年)
ベルク:ピーター・アルテンベルグ作曲の詩の後の5つのオーケストラ曲op。 4(1912)
ベルグ:クラリネットとピアノのための4つの作品。 5(1913)
シェーンベルク:4つの歌op。 22声とオーケストラ(1913-1916、1932年に初めて演奏)
ベルグ:3つのオーケストラ作品op。 6(1914)
Schönberg:Jacob’s Ladder、oratorio fragment(1917)
ウェーベルン:声とアンサンブルのための歌。 14-18(1917-1925)
Berg:Wozzeck op。 7、オペラ(1917-1922、世界初演1925)

後期表現主義
Scriabin:ピアノソナタ第10番Op。 70(1912-1913)
Scriabin:Verse la flame、poem op。 ピアノのための72(1914年)
Scriabin:Deux Danses op。 ピアノのための73(1914年)
バルトーク:オーケストラのためのワンダフルマンダリン(1918-1923、1924年と1926年 – 1931年)
Schönberg:5つのピアノ作品op。 23(1920-1923)