初期の展覧会レビュー、ストックホルム近代美術館、スウェーデン

近代美術館(Moderna Museet)は、自然の美しさを誇るシェップスホルメン島にある、近現代美術の州立美術館です。1958年にオープンしたこの建物は、スペインの建築家ラファエルモネオによって設計されました。2009年、博物館はスウェーデン南部のマルメに新しい支店、ModernaMuseetMalmöを開設しました。

ストックホルム近代美術館は、近現代美術の国家的使命を帯びた州立博物館です。このコレクションは、ヨーロッパでこの種の最前線にあります。美術館は、社会や世界に根ざした人と芸術の出会いの場です。展示会、コレクションベースのプロジェクト、教育活動の世界クラスのプログラムで、ModernaMuseetはかなりのローカルプレゼンスと国際的なリーチを持っています。世界中の他の芸術機関との交流は広範です。

ストックホルム近代美術館は、文化省の管轄下にある州の行政機関であり、その指示に従って、20世紀と21世紀の芸術をあらゆる形態で収集、保存、展示、伝達する任務を負っています。 Moderna Museetは、巡回展という形でスウェーデン国外の機関とのコラボレーションを通じて国際的な交流を促進し、国際的なアートビエンナーレへのスウェーデンの参加にも責任を負います。近代博物館は中央博物館でもあり、その地域で国の責任を負っています。

ストックホルム近代美術館は、1958年5月9日、シェップスホルメンのエクササイズハウスで発足しました。国立博物館の監督であるオッテスケルドは、就任演説で、早くも1908年に国立博物館の現在の地元の芸術の問題が取り上げられたことを思い出しました。真剣にそしてこれらのコレクションのための新しい建物のアイデア。彼の死の少し前に、オッテ・スケルドは美術館が実現したことを自分自身で見て、新しい美術館を作るという彼のコミットメントは決定的でした。とりわけ、1953年に設立された現代美術館の友と一緒に、彼は国立美術館の20世紀の芸術のコレクションに独自の家を与えました。博物館の運転監督であるポントゥスフルテンとオルレグラナスは、次の数十年でこれらの意図を追求するための連絡先とイニシアチブを持って来ました。

2004年2月14日、博物館の建物はお祭りで再開されました。修繕に加えて、一部のスペースを改善する機会があり、一部は来館者が美術館内を移動しやすくなり、一部は上部の入り口スペースをより適切に利用できるようになりました。同時に、美術館のグラフィックプロファイルが更新されました。リニューアルオープンのもう一つの大きな新機能は、美術館の主催者の紹介でした。救命から常設展と臨時展の両方で芸術作品について訪問者に伝えることができるようになるまで、さまざまなスキルを持った人々です。新しいホストを導入した理由は、入場料が廃止されて以来、訪問者数の大幅な増加に対応するためでした。

1901年、建築家のジョンスメドバーグは、ガスヴェルクスガタン22に美しい発電所の建物を設立しました。今日、建物をより適切な美術館に変えるという使命は、受賞歴のある建築家会社Tham&VidegårdHanssonArkitekterにありました。彼らは新しい別館を設立することを選びました–歴史的な建物への現代的な追加。そして、インテリアにまったく新しい空間秩序を与えます。

ストックホルム近代美術館の情熱は、人々のために芸術を仲介することです。人々を受け入れ、挑戦し、刺激すること、そして私たちは多くの人々と話すという野心に駆り立てられています。ストックホルム近代美術館は、人々がさまざまな出発点から到着することを認識し、多様性を祝います。ストックホルム近代美術館は、芸術の素晴らしさを共有することで、より多くの聴衆を魅了しています。

Moderna Museetは、画期的な展示会、パフォーマンス、その他のプレゼンテーションのために、また世界的に有名なコレクションを通じて、国際的なアーティストをホストしてきた長い歴史があります。ピカソ、ダリ、デルケルト、マティスなどの芸術家の作品をフィーチャーした、20世紀から今日までのヨーロッパ有数の芸術コレクションの1つを体験してください。

アートの並外れた力は私たちの生命線です。アートはその時代に生まれ、それを反映しています。これにより、新しい視点を生み出す質問が可能になります。アーティストは巨大な力であり、より広い創造性を刺激します。ストックホルム近代美術館のチャンピオンアートは、新しい道を切り開き、歴史と現在の両方を反映したビューを可能にするためです。

ストックホルム近代美術館は、人々と芸術のための刺激的なプラットフォームであり、精神として存在する活気に満ちた、オープンでダイナミックな美術館であり、観客に平等に芸術に出会うための優雅で魅力的で直接的な方法を提供します。 Moderna Museetは、世界クラスのアートを幅広い視聴者が利用できるようにする刺激的なプラットフォームになることで、刺激を与え、新しいアイデアのためのスペースを作成します。私たちは世界中の美術館に新しい基準を設定しました。

Moderna Museetは、近現代美術を収集、保存、展示、仲介します。 Moderna Museetは、最高水準の卓越性に基づいて文化遺産を管理し、質の高い国際的なコラボレーションと認知につながる研究を生み出しています。ストックホルム近代美術館は私たちの分野の主要な機関であり、私たちは知識を共有することを信じています。

ストックホルム近代美術館のコレクション、研究、展示会、調停、コミュニケーションは、お互いを補完し、肥沃にする必要があります。これらの活動は単独では成り立ちません。ストックホルム近代美術館は、私たちが関わっている文脈に基づいて自分自身を定義しています。できるだけ多くの人々が最高の芸術を利用できるようにするという私たちの目標は、環境的および社会的影響を考慮した持続可能な慣行に基づいている必要があります。 Moderna Museetは、実験し、限界を押し広げ、タスクの管理方法に新しい道を歩む勇気に駆り立てられなければなりません。

13万点以上の作品からなるアートコレクションを擁する近代美術館(Museum of Modern Art)は、スウェーデンを代表する近現代美術館です。ストックホルム近代美術館には、ヨーロッパで最も優れた近現代美術のコレクションがあります。コレクションには、1900年以降の現代絵画、彫刻、写真、アートフィルムが含まれ、写真の場合は1840年頃のものも含まれています。

ウォーホル、ピカソ、ダリなどの芸術家による国際的な傑作と、20世紀と21世紀の著名な芸術家による一時的な展示会を組み合わせることで、Moderna Museetは、絶えず変化する芸術体験のために多くの再訪者を引き付けることができます。オリジナルのコレクションは、スウェーデンと北欧の芸術、1950年代と60年代のアメリカの芸術、フランス志向のモダニズムによって支配されていましたが、コレクションはより多くの女性アーティストを含み、世界中の作品でより用途の広いコレクションを作成するように拡張されました世界。

ストックホルム近代美術館は、ストックホルムとマルメの両方で毎年いくつかの大規模な展示会を開催しており、中小規模の展示会も数多く開催しています。2012年、ストックホルムの美術館には約50万人の訪問者があり、マルメの美術館には10万人以上の訪問者がありました。

1958年の開館以来、美術館は芸術家との密接な関係で知られています。たとえば、マルセルデュシャンは、彼の人生の終わりに向けてストックホルムで彼の作品のいくつかに署名し、アンディウォーホルはヨーロッパで最初の個展を開催しました。 1968年の近代美術館。

ストックホルム近代美術館のコレクションは現在、約6,000点の絵画、彫刻、インスタレーション、25,000点の水彩画、ドローイングと版画、400点のアートビデオとフィルム、100,000枚の写真で構成されています。コレクションには、20世紀から21世紀までのスウェーデンおよび国際的なアーティストによる絵画、彫刻、インスタレーション、映画、ビデオ、ドローイング、版画、1840年代から今日までの写真が含まれます。

集中的な収集イニシアチブのおかげで、博物館はコレクションの幅と深さを増やすことに成功しました。 1963年に、私たちの願いの博物館が発足し、博物館は即座にヨーロッパの主要な芸術機関に変わりました。政府は、ジャコモバッラ、フランシスピカビア、クルトシュヴィッタース、ジョルジョデキリコなどの象徴的な作品の買収に500万クローネを寄付しました。数十年前にこの演習が繰り返されましたが、今回は女性アーティストのみにスポットライトを当てました。ルイーズブルジョワ、ドロテアタニング、ジュディシカゴ、スーザンヒラーなどの作品がコレクションに追加されました。

コレクションの一部のみを展示できます。しかし、それは私たちが展覧会の新しい洞察と絶え間ない変化を通して標準的な美術史の物語を探求し、再定式化することを可能にします。これには、2009年のオープン以来、コレクションから作品を選択して表示するという革新的な角度を持つModernaMuseetMalmöが含まれます。

大規模なアートコレクションは、視覚的および知的実験の最良の出発点です。ストックホルム近代美術館は、オープンで生きた美術館として、コレクションを根本的な新しい方法で頻繁に変更することにより、モダニズムの標準的な歴史を絶えず書き直しています。2009年以来、美術館にはストックホルムとマルメの2つの場所があり、コレクションからの革新的な作品のセレクションが開館以来定期的に紹介されています。アンリ・マティスのモロッコの風景(アカンサス)、ロバート・ラウヘンバーグのモノグラム、エヴァ・ヘスの彫刻「無題」など、象徴的な作品のいくつかは、ほとんどの場合、チェックできます。

爆発!-アクションとしての絵画
Explosionは、絵画、パフォーマンス、コンセプチュアルアートの豊かで複雑な相互受精と国境地帯を探索します。それは、1940年代後半から今日までの行動としての絵画のこの拡張された考えをたどります。展覧会には、嶋本昭三、モトナガサダマサ、村上三郎、白髪一雄など、世界各地の45人のアーティストによるさまざまな媒体の作品と、アラン・カプロー、ジャクソン・ポロックなどのアーティストが参加します。ニキ・デ・サンファル、イヴ・クライン、アナ・メンディエタ、アリソン・ノウルズ、リヴァーン・ノイエンシュワンダー、オノ・ヨーコ、ローレンス・ワイナー。

第二次世界大戦後、世界のさまざまな地域の多くの画家が、攻撃的で遊び心のある方法で絵画の基本的な仮定を攻撃し始めました。多くの芸術家は、創造的な行為自体を、それから生まれた絵画と同じくらい重要視していました。絵画とパフォーマンスの境界であるこの作品では、偶然または観客が作品の共同制作者として採用されることがよくありました。絵画と芸術に対するこの実験的で概念的な態度は、その後、他の多くの芸術家に影響を与えました。近年、パフォーマンスアートへの関心が高まり、そのルーツへの関心も高まっています。

イグナシアバリ(1958)
IgnasiAballíの作品Personesは、壁に沿った汚れた足跡の長い列で構成されています。それらは、壁にもたれかかって片足をだらしなく壁に立てかけた芸術家によって作られました。観客は壁にもたれかかって、通常は染みのない白い美術館の壁に汚れた足跡を残すことで作品を完成させるので、この作品は一種の振り付けとしても機能します。アバリは、欠席と失踪の問題、そして時間をとらえるさまざまな方法に夢中になっています。彼の実践は、画家としての彼の経歴に基づいて、しばしば概念的です。

ウィリアム・アナスタージ(1933)
1970年代初頭、ウィリアムアナスタージは、ニューヨークの地下鉄に乗っていたときに一連のブラインドドローイングの作業を開始しました。多くの場合、彼はチェスをするためにジョン・ケージに向かう途中でした。膝にスケッチパッドを置き、両手にペンを持って、彼は大きなイヤホンを装着し、目を閉じて集中し、瞑想的な心の状態を実現しました。彼の体は列車の急降下、停車、加速に伴って動いた。地震計のように、アナスタシは彼の位置の変化を記録しました。列車の動きを記録するための道具になり、彼はドローイングの作者を放棄した。作品のタイトルは、それが作られた時です。

ジャニン・アントニ(1964)
ジャニン・アントニは彼女の髪をペイントブラシとして使用して、ギャラリーの床をラビングケアヘアカラーでペイントします。アントニは私たちが私たちの体で行う毎日の儀式を探求します。彼女は、食事、入浴、床の拭き取りなどの日常的な活動を行い、それらを彫刻のプロセスに変換して、芸術の儀式を模倣します。彼女は歯を彫り、髪とまつげでペイントします。彼女が使用する材料は、石鹸、ラード、チョコレート、染毛剤など、社会でそれを定義するために通常体に使用されるものです。女性にとっての彼らの特別な重要性は、彼女の作品が視聴者の性別によって異なって解釈されることを意味すると彼女は主張します。

ジョン・バルデッサリ(1931)
家主の息子であるジョン・バルデッサリは、時々アパートを改装しなければなりませんでした。彼は壁を描いたとき、絵を描いているふりをしていた。この楽しい概念的な演習は、彼が単調な雑用を乗り越えるのに役立ちました。彼はまた、ある種類の画家と他の種類の画家の違いについても考え始めました。バルデッサリは、6つのカラフルなインサイドジョブで、部屋を6つのプライマリカラーとセカンダリカラーで6日間塗り直し、すべてを上から撮影します。塗装の時間はフィルムの分になります。タイトルは駄洒落です。Inside Jobは、ハリウッドの探偵ドラマをほのめかしています。時間は平日の6営業日に相当します。神のように、画家は7日目に休むようになります。

リンダ・ベングリス(1941)
リンダ・ベングリスの一連の作品「Pours」では、大きな大桶から絵の具を注ぎ、床に置いて乾かします。このように、絵の具は、キャンバスやパネルの形で「サポート」のない彫刻、乾燥した絵の具の特徴を持っています。ポロックとは異なり、絵は壁に掛けられるのではなく、床に直接設置されます。ベングリスの作品は、絵画的および彫刻的な品質に加えて、ポロックについての解説でもあります。これは、1970年にアメリカの雑誌Lifeに掲載された写真と、ポロックの絵画の小さな写真でさらに強化されています。

オーレ・ボニエ(1925)
オーレ・ボニエは、1947年にストックホルムで開催された伝説的なグループ展で最初に作品を発表しました。2年後の1949年に、彼は抽象絵画であり楽譜でもある作品Plingelingを作成しました。この白い絵は虹色の宇宙として見ることができます。この宇宙で発生する点は不合理な軌道を持っており、時折互いに衝突して、きらめく音が発生します。Plingelingには、どのように演奏されるかについての明確な指示は含まれていません。結果は、演奏されるたびに異なります。ボニエールの作品は、パフォーマティブペインティングの初期の例であり、絵画として作成された作品ですが、音楽に変換できる指示が組み込まれています。

ジョージ・ブレクト(1926–2008)
Water Yamは、GeorgBrechtが1963年に最初に出版したアーティストの本です。FluxusManifestoを書いたGeorgeMaciunasがデザインした箱に入っています。このボックスは、FluxboxまたはFluxkitと呼ばれることもあり、さまざまな種類の出来事に対するイベントスコアまたはFluxスコアであるさまざまなサイズのカードが含まれています。スコアはしばしば偶然や偶然の余地を残し、スコアが公に行われる場合はユーザーまたは聴衆に独自の解釈を行わせ、作品の共同作成者になることを余儀なくさせます。ブレヒトは、彼のスコアは「日常生活の細部、私たちを取り巻く物体のランダムな星座が見過ごされないようにすること」を確実にするためのものであると述べました。

トニー・コンラッド(1940)
トニー・コンラッドが1960年代にニューヨークに到着したとき、彼はアートシーンに懐疑的でしたが、活気に満ちた映画シーンを発見しました。それは芸術機関から独立しているため、より興味深いものでした。コンラッドは、映画と絵画のエキサイティングな新しい展開を組み合わせたいと考えていました。彼の戦略の1つは、超長編映画を作ることでした。アンディウォーホルは24時間続く映画を作りました。コンラッドの作品「イエロームービー」は40年前から続いている映画です!安価な絵の具は時間の経過とともに徐々に色が変わるという考え方です。「映画」で起こっている変化を誰も測定することはできませんが、それはあなた自身の想像力で起こっているので、これは重要ではありません、とコンラッドは言います。

オイヴィント・ファールストローム(1928–1976)
ÖyvindFahlströmは、実験的かついくつかの分野で活躍した多面的なアーティストでした。彼は視覚芸術家、作家、映画製作者、作曲家でした。1960年代初頭のニューヨークでのポップアートや漫画文化との出会いは、彼のアートに根本的な影響を与え、ボードゲームの形でさまざまな絵画を作り始めました。ゲームは、政治的、社会的、経済的な権力の星座を説明する彼の方法でした。鑑賞者は、絵画のマーカーと要素を移動して新しい組み合わせを形成するように意図的に招待されています。

Ceal Floyer(1968)
Ceal Floyerの主な関心事は、光、影、色、そして私たちが感覚で世界をどのように認識し解釈するかです。彼女は現代のテクノロジーを多用し、エレガンスと見た目のシンプルさを組み合わせたアイデアベースの作品を制作しています。ここでは、モニター画面は色の交換で完全に満たされています。これらは実際には、さまざまな顔料のブラシが浸されている水のガラスのクローズアップです。顔料は、ビデオ技術の基本色に対応しています。したがって、Floyerはアナログカラーとデジタルカラーを統合します。

Pinot Gallizio(1902–1964)
1959年、ピノットガリツィオの工業用絵画のマニフェソが出版されました。インダストリアルアートは機械的に生産され、誰もが利用できるようにする必要がありました。芸術は人々の間で作られるべきであったか、あるいはまったく作られなかった。数千キロメートルの帆布が大量生産されて人々に配布され、経済的な憶測につながり、階級の分裂を永続させることに貢献したブルジョア芸術から彼らを解放するという考えでした。量と質は同じものになり、高級品としてのアートワークの地位は終わります。ガリツィオはまた、シチュアシオニストとして知られる急進的な左派芸術運動の創設メンバーでもあり、資本主義のフェティシスト商品としての役割から芸術を解放したいと考えていました。

蔡國強(1957)
蔡國強は火薬と花火を使って空中に絵を描きます。これらの作業が数秒間続くこともあれば、爆発によって紙やキャンバスに痕跡が残ることもあります。1989年以来、Guo-Qiangは、他の惑星から見えるように、「地球外生命体のためのプロジェクト」の記念碑的な爆発物を地上で直接作成しています。1998年、郭強は、ストックホルム近代美術館とヴァーサ号博物館の間の凍った海に関するプロジェクトを実施しました。モーセが聖書の紅海のように、ヒューズと火薬の跡が2つの島の間の水を一時的に分断しました。ユダヤ人を約束の地に導きました。

堀尾貞治(1939)
堀尾貞治は1966年に具体で初めて作品を発表しました。毎年100回以上の展覧会と公演を行い、展覧会は別の状況ではなく寿命の延長であり、日常の活動は基本的に公演であると強調しています。 。それぞれの瞬間は異なり、かけがえのないものです。ホリオは子供の開放感でその瞬間の可能性に専念します。継続的な儀式の中で、彼は毎日自分の周りの日常の物を絵の具で覆っています。色を選ばなくても済むように、彼は箱の中の絵の具の順番に固執し、個人的な痕跡を避けています。この絵画の儀式は誰にでも引き継がれ、永遠に続く可能性があります。

イヴ・クライン(1928–1962)
イヴ・クラインにとって、青は空、空、海、つまり無形を表しています。彼の作品のほぼすべては、彼のシグネチャーカラーであるインターナショナルクラインブルーのモノクロームです。彼は、顔料の光沢と強烈な特性に影響を与えない特別なバインダーを使用しました。クラインの人類学は、パフォーマンスのように、観客と一緒に作られた絵画です。モデルはお互いの体に直接ペイントし、キャンバスに押し付けたり、生きているブラシのようにお互いをドラッグしたりしました。クラインは、広島で原子爆弾によって人間の影が焼き付けられた石を見て、身体の直接の痕跡として絵を描くという考えを持ったと言われています。この光景はまた彼の火の絵に影響を与えたかもしれません。

金山明
金山明は具体グループの秘書でした。彼は冗談めかして、そのポジションには非常に多くの作業が含まれているため、ペイントする時間がなく、代わりにリモコンのおもちゃの車にペイントさせたと言いました。結果として得られた作品(1957)は、ジャクソン・ポロックのドリップペインティングに対する批評と見なすことができます。金山では、絵の具で自分の気持ちを表現する男性の天才が、紙の周りをランダムにズームして絵の具の跡を残すおもちゃの車に取って代わられます。このように金山は、作品の質と創意工夫に対するアーティストの個人的な関連性に異議を唱えました。

ポールマッカーシー
黒と白のテープは、1970年代からの13の初期のパフォーマンスをまとめたものです。このセレクションは、テーマの新進の発展、残忍な肉体性、そして彼の作品を象徴するようになったパフォーマンスのペルソナを示しています。ヘルマンニッチュやウィーンアクショニストのように、ポールマッカーシーはコントロールの喪失を探求しますが、儀式の要素はなく、ハリウッドの表面性と物質的な豊かさに直接関係しています。ニッチとマッカーシーの両方に共通しているのは、液体の形(絵の具)が直接キャンバスに限定されるのではなく、突然そして壊滅的に至る所に現れる体液のようにこぼれることです。

アナメンディエタ
1970年代初頭、アナメンディエタは主に血、土、火、水からシルエットと「土体の彫刻」を作り始めました。彼女は自分の体を道具として使って、自然に人間の痕跡を残しました。彼女のパフォーマンスはフィルムに記録されました。アナ・メンディエタは、ランドアートとボディアートの2つの現代的な動きを組み合わせた最初の人物であり、生、死、場所、帰属をテーマにした作品を生み出しました。メンディエタの血、火薬、土、火の儀式的な使用は、サンテリアのキューバの宗教とも関連しています。13歳のとき、メンディエタはキューバからアメリカに送られ、そこで孤児院で育ちました。彼女のアイデンティティと帰属意識の探求は、メンディエタの全作品に染み込んでいます。

村上三郎
村上三郎は具体グループの共同創設者であり、最も影響力のあるメンバーの1人でした。彼はグループの野外展示のコンセプトを策定し、その境界を移動し、そのジャンルがキャンバス上のペイントを超えることができるかどうかを探求することによって絵画に挑戦するパフォーマンスアクトを作成しました。作品「シックスホールズ」は、絵画に対する文字通りの理論的な打撃です。アーティストは、体のさまざまな部分を使用して、フレームに張られた茶色の紙の複数の層に穴を開けました。彼の実験の結果は、新しい種類の「絵画」であり、パフォーマンスとオブジェクトの関係を再交渉する最初の芸術的な試みでした。

Rivane Neuenschwander
Rivane Neuenschwanderは、彼女の芸術を「エーテル的唯物論」と呼んでいます。彼女は日常の資料を使用して、時間の経過、人生の脆弱性、人間関係を表現し、2人のシェフに、彼女が見つけたショッピングリストに基づいて食事を作成するように依頼したときのように、チャンスと解釈のプロセスで最終結果を決定できるようにします。スーパーマーケットの床。作品SecondaryStories(2006)では、明るい色のティッシュペーパーの円がファンで内側の天井の上に漂っています。時々、それらはランダムに床に落ち、ペンキの滴のような新しいパターンを形成します。

ヘルマン・ニッチュ
ウィーンアクショニストの演劇的で攻撃的な絵画パフォーマンスとボディーアートは、芸術と儀式および宗教を組み合わせたものです。多くの点で、ヘルマン・ニッチュの作品は古典的なドラマのようであり、苦しみによる癒しの浄化の一形態であるカタルシスを目指しています。彼らは、現代の西洋人がその浄化と再生効果でエクスタシーを引き起こした儀式からこれまでのところ離れているという事実への抵抗を提供します。これらの考えによれば、私たちは痛み、悲しみ、恐れも経験することができなければ、大きな喜びを経験することはできません。ウィーンアクショニストの慣習は、カトリック、精神分析、ブルジョアに対する反逆、階層的な社会秩序の要素を備えた、オーストリアの表現主義の伝統の一部と見なすことができます。

ニキ・ド・サンファル
1960年代初頭、ニキ・ド・サンファルは、男性が支配するアートシーンを彼女のShooting Pictures(Tirs)でその基盤に揺さぶった。これらの作品では、彼女は木の板の上に厚い石膏の層でペンキの容器を覆いました。彼女はそれから彼らに遠方からライフルを発射した。弾丸が容器に当たると、石膏のペンキがランダムになくなりました。射撃という行為は、パフォーマンスとしても見ることができる非常に意図的な行為になりました。ニキ・ド・サンファルはその行為を説明し、彼女はすべての男性、彼女の兄弟、社会、教会、そして学校を撃っていたと述べた。

ジャクソン・ポロック
ジャクソンポロックが1947年に画期的な進歩を遂げたとき、彼はまったく新しい革新的な絵画の方法に転向しました。大きなキャンバスを床に直接置き、ブラシとスティックを液体のペンキのポットに浸し、大きなビバップやその他のジャズ音楽を聴きながら、キャンバスの4つの側面すべてを移動しながらキャンバスに滴下させました。この方法は、美しいパターンで散らばった色付きの砂で作られたネイティブアメリカンインディアンの儀式砂絵に関連していると彼は言いました。ポロックにとって、絵を描くという行為自体は完成した作品と同じくらい重要でした。彼の絵画のやり方はアクション・ペインティングと呼ばれ、彼は独創的な抽象表現主義者の一人と見なされています。

ロバートラウシェンバーグ、ニキドサンファル
1961年5月、芸術運動の展覧会がパーティーで始まりました。ニキ・ド・サンファルは、劇場の背景に無数のペンキで満たされたバッグを取り付け、その上にプラスチックのシートとカーペットを置いてダンスフロアを形成していました。ゲストが踊り始めると、バッグが破裂し、抽象的な絵が描かれました。パーティーの後、残りのゲストはロバートラウシェンバーグとビリークルーヴァー(EATのアートアンドテクノロジー実験の創設者)だけでした。絵はまだ舞台に横たわっていた。彼らはそれを外に持ち出し、ラウシェンバーグはそれを道路全体に広げることによって、仕事を改善し、おそらくタクシー運転手の注意を引くことができると提案しました。いくつかの通過する車は、タクシーが最終的に停止する前に、キャンバスにタイヤ跡を残しました。

キャロリー・シュニーマン
キャロリーシュニーマンは、パフォーマンスとフェミニストアートのパイオニアです。 1960年代初頭、彼女は自分の体を芸術的な素材として使用し、「ボディアート」を扱った最初のアメリカ人アーティストでした。アイボディでは、彼女は裸で、ペンキ、グリース、チョークで塗られているように見えます。シュニーマンは、絵画をキャンバスから彼女の体に移し、現代の女性の役割と芸術における一般的な態度に、描かれ、見られる対象としての女性の体に挑戦します。彼女は抜本的であると批判されてきましたが、彼女の壮大な作品には常に目的があります。彼女の絵画の主題と目的の両方として、彼女は女性の身体とセクシュアリティに対する力を取り戻します。パフォーマンスに加えて、シュニーマンはアッサンブラージュ、映画、ビデオ、インスタレーションを制作しています。

Eclipse-暗黒時代のアート
太陽を暗くするEclipseは、啓蒙主義の理想の多くが放棄されているように見える社会の状況と、芸術的なアプローチの両方を表しています。この国際現代美術展のアーティストは、教訓的に啓発的な文化への信頼の欠如を共有しています。したがって、タイトルの比喩。

アーティストは、インスタレーション、彫刻、パフォーマンス、ビデオプロジェクション、ペインティングをメディアとして使用して、暗いまたは不合理な主題を探求し、定式化します。それらの多くは、人生の不条理の特別な感覚を持っており、さわやかなユーモアのセンスをもたらします。人類の状態に関する実存的な問題が出発点です。展覧会は2つの主要なトラックを追求します:1つは陰気で神秘的で簡潔で、もう1つはより無秩序でバーレスクです。

Eclipseは、今日のアートについての声明であり、質問でもあります。90年代のアーティストが現実、たとえばドキュメンタリー戦略や関係美学で表現できるスタンスに夢中になっている場合、今日の多くのアーティストは、理解できないことを反映することで、憶測にもっと興味を持っています。私たちが暗黒時代に生きていると言うのは思い切ったように聞こえるかもしれません。しかし、9月11日以降、政治的混乱の時代に、私たちは不寛容の増加を見ています。この展覧会は、単純な方法で政治的ではないが、間違ったことを言う権利を主張する芸術、フィクションのライセンスを使用して実験する芸術に焦点を当てています。

ミヒャエル・ボレマンス
絵画やドローイングで最もよく知られているベルギーの芸術家ミヒャエルボレマンス(1963年生まれ、ゲント在住)は、彼の特徴的なネオシュルレアリスムスタイルの作品を数多く展示しています。対象は、セピア調の過去に属しているように見え、謎めいた仕事に集中している人々です。作品のタイトルは、拘束衣を着た若い男を映し出すアドバンテージなど、私たちがどのようなシーンを見ているのか不確かなムードを加えています。

アンリサラ
ボレマンの絵画の謎めいた品質は、しばしば半暗闇の中で撮影されたアンリサラ(1974年生まれ、ベルリン在住)のビデオ作品に対応しています。彼の作品の1つであるGhostgamesでは、2人が暗闇の中でビーチになる可能性のあるゲームに参加し、懐中電灯のビームを使用してカニを誘惑したり、カニに圧力をかけて相手の足の間を這い回ったりして、ゴールを決めます。 。画像に情報がないことは、疑問を示唆し、感覚を研ぎ澄まします。

ナタリー・ジュルバーグ
ナタリー・ジュルベルク(1978年生まれ、ベルリン在住)は、彫像粘土で作られたグロテスクな人物像を舞台にしたビデオ作品を制作しています。映画の形式は子供のテレビのようなものですが、キャラクター(しばしば悲惨な肥満の女性)は残忍な暴行に巻き込まれています。Djurbergは現在、ミラノのFondazionePradaでの個展で紹介されています。

ダナ・シュッツ
ダナ・シュッツ(1976年生まれ、ニューヨーク在住)の絵画は、互いに手術を行う「自動キャニバル」や「重力狂信者」など、グロテスクな生存者が住む奇妙な、おそらく終末論的な世界を思い起こさせます。 ‘または単に’イエスにいる人 ‘。正式には、彼女は美術史のさまざまなスタイルの間をしなやかにナビゲートします。彼女の絵画はしばしば挑戦となるアイデアに基づいており、明らかに不可能な絵画の主題です。

エレン・ギャラガー
エレン・ギャラガー(1965年生まれ、ロッテルダムとニューヨークに住む)の作品は、アフリカ系アメリカ人の読者を対象とした古い広告写真で作られた歴史的人物と神話的人物を組み合わせたデラックス作品です。シリーズWaterEcstaticからの彼女の水彩画のいくつかも紹介されています。このシリーズは、大西洋奴隷貿易の通過で溺死した妊娠中の奴隷から開発された特別な種である潜水艦の人間についての神話に基づいています。

トム・マッカーシー
トムマッカーシー(1969年生まれ、ロンドン在住)は、20世紀初頭の前衛芸術家グループのパスティーシュであるINS – International NecronauticalSocietyの事務局長です。INSは、オーストリアで開催されたグループの会議の1つからのレポート「CallingAll Agents」で紹介されており、アートには政治的ダイアマイトである破壊的なメッセージが含まれているという考えを実行しています。マッカーシーによる新しいサイトスペシフィックオーディオ作品は、コレクションを通して訪問者をガイドするために通常使用されるオーディオガイドでスウェーデン語で提示されます。

ルーカス・アジェミアン
Lucas Ajemian(1975年生まれ、ニューヨーク在住)の作品は、コード化されたメッセージの担い手としての芸術をほのめかしています。彼の兄弟であるジャズミュージシャンのジェイソンアジェミアンと一緒に、彼はシェップスホルメンの教会でパフォーマンスを作成し、ビデオ撮影して展示会で上映します。彼らは、これが隠された悪魔的なメッセージを明らかにすると主張する神話を参照して、1971年からのブラックサバスの古典的なイントゥザボイドを10人のオーケストラと一緒に後方に演奏します。

マイク・ネルソン
マイク・ネルソン(1967年生まれ、ロンドン在住)もグループと協力しています。彼の場合、湾岸戦争の退役軍人と健忘症で構成される架空のバイカーギャングTheAmnesiacsです。メンバーはネルソンが記憶を再構築する作品を作成するのを「助け」ます。アムネシアック神社は、50周年記念の贈り物としてストックホルム近代美術館の友からの資金提供を受けてストックホルム近代美術館コレクションのために取得された大規模な空間インスタレーションです。

ポール・マッカーシー
彼のパフォーマンスベースのビデオ作品では、ポールマッカーシー(1945年生まれ、ロサンゼルス在住)は、威嚇的で哀れな父親の姿を描いています。アルフレッド・E・ノイマンや血まみれの卑劣な海賊に似た人形の頭。2006年のストックホルム近代美術館での回顧展に関連したポールマッカーシーとのマグナスアフピーターセンズのコラボレーションは、Eclipseのコンセプトに影響を与えた1つのイベントでした。

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