環境彫刻

環境彫刻は、見る人のために環境を創造したり変えたりする彫刻です。より大きな環境彫刻の特徴は、彫刻を実際に出入りさせることができ、部分的または完全に囲まれているということです。また、同じ精神で、影や反射を生成したり、周囲の領域の光を色づけするように設計されているかもしれません。

環境彫刻、20世紀の芸術の形態は、観客を単に巻き込むのではなく、観客を巻き込むことを意図しています。形態は、人生と芸術の間の歴史的二分法を打ち破ろうとするより大きな芸術的流れの一部として発展した。環境彫刻家は、泥や石から光と音まで、あらゆる媒体を事実上利用することができます。

環境彫刻は幾分異なる強調をしており、特定の環境のために作られた彫刻です。したがって、現代の彫刻家Beth Galstonは次のように書いています。「環境彫刻家は、環境との関係で当初から作品を計画しています。サイトは触媒であり、創造的なプロセスの一部となっています。これは、通常の彫刻のように、その意味と有効性を失うことなく、通常は場所から場所に移動することができるNevelsonの彫刻とはまったく異なります。

環境彫刻は、現場固有の芸術ではなく、従来の模範的な大理石のモニュメントが特定の場所に多く作られているためです。 Galston氏は、環境彫刻は、既存の環境を変えたり浸透させたり、新しい環境を創り出す役割を果たしているということを強調しています。「完成した彫刻と敷地は、統一された気分や雰囲気を作り出す」と彼女は書いている。リチャード・セラの巨大な現場特有のミニマルな彫刻の多くは、ここで述べた両方の感覚で環境彫刻としても認定されています。 「土地芸術」または「土地芸術」と呼ばれるものの多くは、この定義のもとで環境彫刻とも呼ばれます。アンドリュー・ロジャースとアラン・ソンフィストは、現在目立っている土地芸術家です。

歴史:
1950年代以来、抽象的で具象的な彫刻のモダニズムの傾向は、一般市民の想像力を支配し、モダニティ彫刻の人気は伝統的なアプローチを捨ててしまった。公的機関と委託機関は、環境彫刻に関してより快適になった。

1950年代後半と1960年代には、抽象的な彫刻家たちは、さまざまな新しい素材や作品を制作するためのさまざまなアプローチを実験し始めました。シュルレアリスムのイメージ、擬人化された抽象、新しい材料と新しいエネルギー源と様々な表面と物体の組み合わせは、多くの新しいモダニズム彫刻の特徴となった。シュルレアリスムのイメージ、擬人化された抽象、新しい材料と新しいエネルギー源と様々な表面と物体の組み合わせは、多くの新しい環境彫刻の特徴となった。

1960年代には抽象表現主義、幾何学的抽象、ミニマリズム、環境彫刻とインスタレーションが彫刻を最も基本的かつ基本的な特徴にまで縮小しました。

1970年代半ば以来、フランスのアーティストJean-Max Albertは、周囲の建築物の要素を分解し、再配置するトレリス構造に取り組んだ。

1983年以来、ドイツの芸術家Eberhard Bossletは、いわゆる「再形成と副作用」と呼ばれる遺跡に介入する。彼は工業用および住宅用の建物の条件を、白塗りの線または黒色の塗装色の欄で示しています。 1999年、アーティストElena Parouchevaはエネルギーネットワークと彫刻を統合したパイロンのコンセプトを作成しました。

土地美術:
1960年代と1970年代には、アメリカの芸術の “無慈悲な商業化”に土地芸術が抗議しました。この間、土地芸術の指導者は、美術活動の場として博物館やギャラリーを拒否し、伝統的な運搬可能な彫刻や商業美術市場の範囲を超えた壮大な景観プロジェクトを開発しました。

土地芸術は最小限の芸術と概念芸術からインスピレーションを受けていましたが、De Stijl、キュービズム、ミニマリズム、ConstantinBrâncuşiとJoseph Beuysの作品など現代的な動きもありました。土地芸術に関連した多くのアーティストは、最小の芸術と概念アートに関わっていました。現在の土地芸術、景観建築、環境彫刻に対する土地芸術の影響は、今日の多くの作品で明らかです。

トレンドとして、「土地芸術」は、使用される材料と作品の立地によって芸術の境界を広げました。使用された材料は、土壌や岩石、植生や水などを含む地球の物質であることが多く、集落から遠く離れていることが多かった。時にはかなり接近できないこともあるが、写真のドキュメンテーションは一般的に都市アートギャラリーに戻された。

芸術運動の懸念は、芸術の商業化の拒絶と緊急の生態学的運動の熱意に集中していた。芸術の動きは、都会の暮らしとそれに匹敵する拒絶反応の人気と一致し、それは田舎のものに対する熱意であった。これらの傾向には、人類が住む惑星地球に関する精神的な憧れが含まれていました。

大部分の点で、「土地芸術」は公共の芸術の主流となっており、多くの場合、「土地芸術」という用語は、概念的には開拓者によるアバンギャルドな作品とは関係なく土地芸術。

1960年代の地球芸術は、古くからの土地の作品、ストーンヘンジ、ピラミッド、原住民の墳丘、ペルーのナスカ線、カルナックの石、およびアメリカ先住民の墓地を時々思い起こさせ、しばしばそのような遺跡の精神性を呼び起こしました。

環境彫刻:
環境彫刻家は、その周辺との関係で、最初から作品を計画しています。このサイトは触媒であり、創造的なプロセスの一部となっています。完成した彫刻とその敷地は、統合された気分や雰囲気を作り出すために一緒に働く1つの統合されたユニットを形成します。このウェブサイトのほとんどの作品では、私は彫刻をあらかじめ想像している時間を過ごした後、敷地内に建てました。そのスペースはインスタレーションの過程でアーティストのスタジオになりました。

各サイトには、完成した彫刻の質に影響を与える特定の特性があります。例えば、部屋には、デザインの一部となる午後の光が流れ込む窓の壁がある場合があります。または、池にはそこに通じる道があるか、近くにある樫の木の林が葉を落として彫刻のアイデアを浮かべるかもしれません。

環境彫刻は、空間に一緒に存在する一連の相互に関連した物体でもよく、材料、形態、光の質、またはテーマのリンクの繰り返しによって、会話に参加し、空間を充電し、部屋全体の雰囲気。個々の彫刻は小さいかもしれませんが、それらの間に一種の輝きや輝きを作り出します。そして、より大きな空間が統一され、物質だけでなく、物質間の空間も認識しています。

ジュリア・ブッシュ氏は、このような作品の非現実的な側面を強調している。「環境彫刻は決して正確な人間のスケールでは行かないが、見る人の目で人間のイメージと混同しないように、スケールよりも十分に大きいか小さい。ウクライナ生まれのアメリカの彫刻家ルイーズ・ネヴェルソンは、この意味で環境彫刻のパイオニアです。ブッシュ(p.27)は、ジェーン・フランクの彫刻や、トニー・スミスとデビッド・スミスの作品をこのカテゴリに入れています。いくつかの環境彫刻は、それが建築物上に立つオブザーバーを包含する。

SegalとHansonの作品はfiguralであるが、George Segal、Duane Hanson、Edward Kienholz、Robert Smithson、Christo、Michael Heizerはこのジャンルの有名な実務家である。たとえば、George Segalの多くの表意作品は、環境として認定されています。観覧するプレゼンテーションとしてペデスタルに表示されるのではなく、配置された設定を占領し混乱させます。よく知られているのは、ニューヨーク市のシェリダン広場にある公共のベンチの隣に座って立っているシーガル人物の一組です。誰もそれらの中に座ることができます。

あまり知られていないが、より適切な例は、アテネタチャの2エーカー(8100平方メートル)のパークフィラデルフィアのダウンタウン(18世紀と19世紀の間、ヴァイン・セントから北に2ブロック)の風景である。 1980年の競争(シーガルは実際にファイナリストの一人だった)。それは植えられたテラス、岩石クラスターおよび道(1992年に完成)を持つアーティストが「土地を彫刻する」ことによって完全に設計された最初の公園でした。

サイト固有のアート:
「敷地特有の芸術」という用語は、「環境芸術」と互換性をもって使用されることがあります。 Louise Nevelsonは、例えば、環境彫刻としての仕事を分類することに反対している先駆的なアメリカの環境アーティストです。 「環境彫刻」、「現場特有の芸術」、「環境芸術」という用語は、その意味において完全には安定していない。

環境彫刻は周囲と特別な関係を持っています。それは特定のサイトのために計画されており、そのサイトの資質はアートワークの作成に影響します。空間は、部屋、木々の林、池、路地、公共の広場、建物の複合物など、どこにでもあります。大規模に存在することが多い環境彫刻は、宇宙を通って移動しながらアートワークを体験する視聴者を囲んでいます。時間と動きの要素は、視聴者の経験の重要な部分としても関与しています。

曖昧な定義の理由は、サイト固有の環境芸術の多くが、連邦(GSAとNEA)または州と都市のアート競技会の後援を受け、米国全土の公共スペースで1970年から作成されたアーティストは、確立されたアートギャラリーの世界の外で成功しようとする女性でした。若い美術史学者は、この疎外化された「運動」の発展と、オルガ・キッセヴァ、パトリシア・ヨハンソン、アテナ・タチャ、メアリー・ミス、アリス・アダムス、エリン・ジマーマンなどのアーティストの重要性を整理しなければならないでしょう。新しい正式で力学的かつ社会的な基盤を備えた大規模な屋外パブリックアート委員会を受賞し、実行しました。これらの芸術家の多くは生態学的意識を持ち、「環境彫刻」のさらなる定義を提供する作品を生み出しました。環境にやさしく、自然環境に配慮した芸術です。

再生可能エネルギーの彫刻:
再生可能エネルギーの彫刻は、太陽光、風力、地熱、水力発電または潮汐などの再生可能エネルギー源から電力を生産する彫刻です。

再生可能エネルギーの彫刻は環境アートの最近の発展の1つです。地球規模の気候変動に関する懸念が高まっていることに対応して、芸術家は、エステティカルな対応をエネルギーの生成や節約の機能的な特性と融合させて、機能レベルで明示的な介入を設計しています。 Andrea PolliのQueensbridge風力発電プロジェクトは、風力タービンを橋の構造に組み込んだ実験的な建築の一例で、元の設計の側面を再現し、橋とその周辺の照明を再現します。ラルフ・サンダーの公共彫刻であるワールド・セービング・マシン(World Saving Machine)は、韓国の夏の暑い夏にソウル美術館の外で雪と氷を作るために太陽エネルギーを使った。この新興地域の医療従事者は、エコデザイン基準に準拠した環境に配慮した倫理的および実践的な規範に従って作業することが多い。

このような彫刻は、機能的には再生可能エネルギーの発電機であり、功利主義的、審美的、文化的機能を果たす作品です。再生可能エネルギー彫刻のアイデアは、アーティストPatrice Stellest、Sarah Hall、Julian H. Scaff、Patrick Marold、Elena Paroucheva、建築家Laurie Chetwood、Nicholas Grimshaw、イリノイ大学Bil Becket教授などの先見的なビジョナリーと、ランドアートジェネレータイニシアチブ。環境芸術運動の哲学を踏まえて、再生可能エネルギー彫刻を作っているアーティストたちは、作品の美学は生態学的機能と密接に結びついていると信じています。

環境彫刻は、自然の形やプロセスに触発された作品です。多くのアーティストは、自然環境からの素材、形、色、テクスチャを使用します。他の人々は、四季のような自然のサイクルの意味を探る。変態;誕生、成長、老化、死、および崩壊のサイクル。自然のプロセスは、時間の経過を反映し、一瞬の瞬間を捕らえ、失われた感覚を表し、再生の希望を表すためのメタファとして使われます。いくつかの環境芸術家は、その問題として生態学的問題を使用しており、壊れやすい生態系の認識を高めたり、汚染物質を軽減するために植物材料を使用したり、より初期の状態に戻したりするなど、