環境芸術(Environmental art)は、芸術における自然への歴史的アプローチとより最近の生態学的および政治的に動機付けされたタイプの作品の両方を包含する芸術的実践の範囲である。環境芸術は、社会的関心事との関係において、システム、プロセス、現象とのより深い関係に向けて、彫刻素材として地球と一緒に取り組んだ正式な懸念から進化しました。 1990年代には、社会的、生態学的アプローチが統合され、倫理的、修復的スタンスとして発展した。過去10年の間に、環境芸術は、気候変動の社会的および文化的側面が最前線に来るように、世界中の展示会の焦点となっています。

成長する世界では、環境内のシステムと相互作用に焦点を当てて作成するアーティストの数は、生態学的、地理的、政治的、文化的、生物学的なものです。この芸術の作品の多くは、人と人がいかにして社会的、哲学的、経済的、霊的に自然界に繋がっていかなければならないかを示す視覚的、声楽的な効果が統合された2次元と3次元の要素で構成されています。

「環境技術」という用語は、しばしば「生態学的」懸念を包含するが、それらに特有ではない。それは主に、天然素材を使ったアーティストと自然とのつながりを祝うものです。概念は、歴史的な地球/陸芸と生態学的芸術の進化する分野との関係で最もよく理解されています。この分野は、環境芸術家が科学と哲学のアイデアを取り入れているという点で、学際的です。この実践には、伝統的なメディア、新しいメディア、重要な社会的生産形態が含まれます。この作品は、田舎から郊外、都市、都市/農村の産業まで、幅広い風景/環境条件を取り入れています。

ほとんどのアーティストは、人類の環境からの分離を提示し、変化をもたらす4つの主な動機によってそれを是正しようとしています。

自然の脆弱性とその保護の必要性に対する認識を高めます。
さまざまな自然現象を探り、変化を捉えてアートに表現してください。
世界各地の自然から素材を収集して配布する。
損傷した景観を復元し自然状態に復帰するための地上環境の悪化を防止する。

歴史:
環境芸術は、先祖の旧石器時代の洞窟画から始まったと主張することができます。まだ(まだ)発見されていない風景はありませんが、洞窟の絵画は動物や人物などの初期の人間にとって重要な自然の他の側面を表していました。 “彼らは自然の先史時代の観察であり、何らかの形で何世紀もの自然は創造的な芸術の優先テーマでした。”環境アートのより現代的な例は、風景の絵画と表現に由来しています。アーティストがオンサイトで絵を描くと、彼らは周囲の環境や気象との深いつながりを作り出し、これらの綿密な観察を彼らのキャンバスにもたらしました。 John Constableの空の絵は「自然界の空を最もよく表している」。モネのロンドン・シリーズはまた、環境とのアーティストのつながりを示しています。 「私にとって、景色はいつも変わるので景観はそれ自体では存在しませんが、周りの雰囲気はそれを生き物や空気、そして光に変えてくれます。被験者に真の価値を与える。

環境アートの基盤は、ロマンチックなアート運動(1800-1850)から始まりました。産業革命の後、この運動は「新ロマン派」運動と呼ばれた。芸術の主な作品には、不公平や環境不平等を強調するために、破壊や汚染のイメージなど、自然の美を崇拝することが含まれていました。

ロマン派は自然の偉大さと美しさを崇拝し、人類はそれに縛られていて、それから切り離されてはならないと信じていました。芸術家たちは人類を自然に戻すように目覚めさせ、主に絵画、音楽、彫刻に焦点を当てて、自然からの人間の分離の不公平を暴露し、人類をショックと目覚めさせる。

ミニマリスト芸術の誕生とともに、特にアメリカでは、ギャラリーや博物館の展示の境界がもはや彼らの要求を満たしていないと感じていました。ミニマリストの彫刻は、インスタレーションや他の芸術的活動による展示の限界を扱い、機関宇宙の境界から外れて、多くの人々にとって明白な動きでした。 1960年代の終わりに、土地の芸術に関するドキュメンテーションと美的かつ批判的思考の傾向が始まりました。

環境アートの動きの成長は、1900年から「ランドアート」と呼ばれる新しい傾向が主に始まりました。この芸術的な動きは1960年に、彼の有名な作品Whirlpool Pier(1970)のRobert Smithson(1973-1938)のような数々の彫刻と画家が彼が働いていた景観に不可逆的かつ重大な損害を与えたアメリカで発展しました。この作品は、玄武岩と土とスミソンで造られました。ブルドーザーを使って景観を傷つけ、湖を直撃しました。

1912年、ボクシオーニはすでに、未来派の彫刻の技術的な宣言で、周囲を取り巻く雰囲気をモデル化することができる、環境の彫刻を除いて更新が不可能であることを理論化しました。

環境美術の他の先例は歴史的な前衛で追跡可能である:構成主義者エル・リシツキーのプルーンの環境は、1923年にベルリンの大きな展覧会のために作られた展示スペースであり、建築要素、画家、モデルは密接にリンクしている。 DadaistのKurt SchwittersのMerzbauは、ハノーバーのアーティストスタジオで10年間制作された毎日のオブジェクトを徐々に蓄積し、その間にアーティストの人生の有機的証言となります。

現実空間の関与は、50年代後半からのアート作品の重要な側面であり、その後、主要な芸術的流れに影響を与え始めた(ネオダダリズム、プログラムアート、ミニマリズム、プロセスアート、アルテポベラ、概念アート)70年代初めまでの60年代のすべてのもの。当初、環境芸術は、ますます時代遅れになり、自然環境と不調和する可能性があるとされていた伝統的な彫刻や習慣の批判が高まっていることを考慮して、彫刻(特に現場特有のアート、土地芸術、そしてアルテ・ポーヴァ) 。

ダイアン・ブルコ(Diane Burko)のような現代の画家たちは、自然現象とその変化を生態学的な問題に伝え、気候変動に注目しています。 Alexis Rockmanの風景は、気候変動と人類の遺伝子工学的手法による他の種との介入の冷酷な視点を描いている。

Hal Fosterは現代のアメリカの美術評論家であり、環境芸術作品を「新しい形態を創造したり、文脈に対する認識を変えたりするために、環境から取った材料を使用する場所特有の彫刻」と定義しています。同様の目的のための自然なシナリオ、時間要素が決定的な役割を果たしている景観における個々の活動、協調的および社会的に意識した介入」である。この引用は、「環境芸術」という用語が、互いに非常に異なる芸術的プロセスと結果をどのように参照しているのかを示していますが、その背景にある芸術作品の自主性の概念が克服されています。それは置かれています。

「芸術システム」と戦うための環境芸術の最初の欲求にもかかわらず、芸術的対象物そのもの、より一般的には芸術作品の商品化を排除することによって、ギャラリーや美術館での作品の展示が不可欠となった彼らの芸術作品としての地位を確立し、その実現に必要な資金を集めることができるようにする。この必要性は、ドキュメンタリー価値と市場価値の両方を持っているリチャード・ロングとロバート・スミスンの場合のように、多くのアーティストに写真と映画の再生のために作品を想起させる必要がありました。

移動:
「動き」としての環境芸術の成長は、1960年代後半から1970年代初頭に始まりました。初期のフェーズでは、彫刻、特に現場固有の芸術、土地芸術、アルテ・ポヴェラなど、彫刻に最も関連していました。伝統的な彫刻形態や習慣が崩壊し、自然環境と調和しなくなっていると批判されました。

1968年10月、Robert Smithsonは、ニューヨークのDwan Galleryで「Earthworks」という展覧会を開催しました。この展示の作品は、展示や販売に関する従来の概念に明白な挑戦をもたらしました。 ;ほとんどは写真だけで表され、買収に対する抵抗をさらに強調していた。これらのアーティストのために、ギャラリーとモダニストの理論の境界を脱して、都市を離れて砂漠に出ることによって達成されました。

“彼らは風景を描写していませんでしたが、それを魅了しました。彼らの芸術は単なる景観のものではなく、それだけではありませんでした」1960年代後半と1970年代のこの変化は、彫刻の前衛的な概念、景観とそれとの関係を表しています。作品は彫刻を作成する従来の手段に挑戦しただけでなく、前述のDawn Galleryショーなど、アートの普及と展示のよりエリートなモードにも挑戦しました。この変化は新しい空間を開き、そうすることで作業が文書化され、概念化される方法が拡大されました。

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ヨーロッパでは、Nils Udo、Jean-Max Albert、Piotr Kowalskiなどのアーティストが、1960年代から環境アートを作り続けていました。

都市:
「幽霊船が河口近くに現れ始めた時期は正確にはわかりませんが、地元住民は1950年代に浮遊していたときに覚えていることを覚えています。陸軍工兵隊は市の他の地域では放棄された船を特定したが、ここには存在しなかった。難破船を乱すと危険な化学物質の急流を水と空気に放出するだろう」 – エリザベス・アルバート(Elizabeth Albert)、展覧会の壁紙、「サイレント・ビーチズ、未来の物語、ニューヨークの忘れられたウォーターフロント」

1978年、バリー・トーマスと友人たちはニュージーランドのウェリントンで空いているCBDを不法に占領した。彼は表土のトラックの積載量を投棄し、その後キャベツの空き地のために「キャベツ」という言葉の形で180のキャベツの苗を植えました。このサイトは、アーティストの作品を寄贈して氾濫しました。そのイベントは6ヶ月続き、原木や森林を祝う一週間の長い祭りで終わりました。 2012年、ニュージーランドの博物館「テ・パパ・トンガレワ」(国立最大の文化機関)は、キャベツ・パッチ・アーカイブのすべてを「私たちの芸術的および社会的歴史の重要な部分」と呼んで購入しました。

この初期の作業はアメリカの西部の砂漠で行われていましたが、1970年代の終わりと1980年代の初めには、公共の景観に移行する作業がありました。ロバート・モリス(Robert Morris)のような芸術家は、放棄された砂利の穴のような公共の場で作品を制作するために、郡の部署と公共芸術委員会を始めました。 Herbert Bayerは同様のアプローチを使用し、1982年にミルクリークキャニオンアースワークスを創設しました。このプロジェクトは、高い降雨時に貯水池として機能する侵食制御、乾季には2.5エーカーの公園などの機能を果たしました。 Lucy Lippardの画期的な本は、現代の土地芸術と先史時代の並行で、先史時代の文化、形態、イメージが土地や自然のシステムを扱う現代芸術家の作品に「重なり合う」方法を調べました。

環境アートの拡大期間には、都市景観の範囲も含まれています。アグネス・デネーズはマンハッタンのダウンタウン「Wheatfield-A Confrontation」(1982)で、都市の砕屑物と瓦礫で覆われた2エーカーの土地に小麦の畑を植えました。このサイトは現在バッテリーパーク市と世界金融センターであり、生態系の力から経済力に変身しています。

アラン・ソンフィストは、1965年にニューヨーク市に提案され、ニューヨーク市のグリニッジ村のヒューストンとラガーディアの角に現れた最初の歴史的なタイムランド彫刻彫刻で、自然を都市環境に戻すという主要な環境主義的考えを紹介しました。今日、ソンフィストは、公的機関と民間の市民の間で、環境問題と緑問題に関する幅広い熱意を持って協力し、首都圏のネットワークを提案し、21世紀の課題に自然が果たす重要な役割を意識しています。世紀。自然と自然環境の神聖さは、しばしば環境アーティストの作品で明らかです。

西側の砂漠の土工が風景画の概念から生まれたのと同じように、公共芸術の成長はアーティストに別の環境としての都市景観を刺激し、環境に関するアイデアやコンセプトをより多くの観客。多くの環境芸術家は、現在、仕事の聴衆ではなく、芸術の意味と目的に対応できる公衆を望んでいます。 Andrea PolliのインスタレーションParticle Fallsは、通行人が見ることができるように空気中の粒子状物質を可視化しました。 HighWaterLineのためにEve Mosherと他の人たちは、ニューヨーク市やマイアミなどの危険にさらされている都市の近隣を歩き、気候変動の結果として起こる可能性のある洪水の被害をマークし、住民に何をしているかを話しました。

Superstorm Sandyは、ニューヨーク市の忘れられたウォーターフロントと歴史的な水路への多数のアーティストの反応を開始しました。セント・ジョンズ大学のエリザベス・アルパート教授が企画した「Silent Beaches、Untold Stories:ニューヨークの忘れられたウォーターフロント」では、ニューヨーク市の都市環境と複雑な生態系に様々なアーティストのアプローチを紹介しました。

EcoArt:
Ecological art a.k.a. EcoArtは、惑星の生命形態と資源によって持続可能なパラダイムを提案する芸術的な練習または規律です。それは、生態学的芸術の実践に専念する芸術家、科学者、哲学者、活動家から構成されています。歴史的な例としては、アースワークス、ランドアート、風景画/写真などがあります。 EcoArtは、環境内のシステムや相互関係に焦点を当てています:生態学的、地理的、政治的、生物学的、文化的です。 Ecoartは意識を創造し、対話を刺激し、他の種に対する人間の行動を変え、共存する自然のシステムに対する長期的な敬意を奨励します。それは社会的に関与し、行動主義的で、地域社会に根ざした修復的または介入主義的な芸術として現れる。エコロジカルアーティストであるAviva Rahmaniは、「エコロジカルアートは、しばしば科学者、都市計画家、建築家などと協力して、環境劣化に直接介入するアート行為であり、しばしばその実践の主導者です」と考えています。 EcoArtには数多くのアプローチがありますが、これらに限定されません。

代表的な芸術作品 – 対話を刺激する意図をもって、主にイメージ作成とオブジェクト作成を通して情報と条件を明らかにする。
汚染された環境や混乱した環境を再生または回復する修復プロジェクト – これらのアーティストは、環境科学者、景観建築家、都市計画者としばしば協力します
活動家の行動や公的政策の変更に関与し、情報を提供し、活力を与え、活性化させるプロジェクト。
社会彫刻 – 地域社会が景観を監視し、持続可能な慣習やライフスタイルに参加する役割を担う、社会的に関与した時間ベースのアートワーク。
他の種との癒しと共存を促し、自然界との再構想と再エンパワーメントを開始するエコ・ポエティックアプローチ。
ダイレクトエンカウンター – 水、天気、日光、植物などの自然現象を演出する作品
水質や土壌汚染、健康被害などの環境的不公平や生態学的問題に関する情報を共有する教訓的または教育的作業。
持続可能な、グリッド外の、パーマカルチャーの存在を含む生き生きとした関係の美学。

EcoArt地域の女性による寄稿は重要であり、多くはWEAD、1995年にJo Hanson、Susan Leibovitz Steinman、Estelle Akamineによって設立されたWomen Environmental Artists Directoryに登録されています。

エコアートの定義:エコロジーアートや​​エコアートが環境アートとは異なり、アート内の離散的な分野とみなされるべきであれば、エコロジーアーティストの間で議論や議論が行われています。 EcoArtNetworkによってまとめられたEcological Artの現在の定義は、 “Ecological Artは、その内容と形式/材料の両方で社会正義の倫理を取り入れたアートプラクティスです.EcoArtは世話と尊敬を促し、対話を刺激し、私たちが住んでいる社会的および自然環境の長期的な繁栄。社会的に関与し、行動主義的で地域社会に根ざした修復または介在芸術として一般的に現れます。以下の原則:

私たちの環境における相互関係のウェブ、生態系の物理的、生物学的、文化的、政治的、歴史的な側面に焦点を当てる。
自然素材を使用する作品や、風、水、日光などの環境に関わる作品を作成する。
損傷した環境を再利用、復元、修復する。
私たちが直面している生態学的な力学と環境問題について一般に知らせる。
生態学的関係を改訂し、共存、持続可能性、および治癒のための新しい可能性を創造的に提案する。

影響:
環境アートの中では、アートワークの可能性のある環境へのダメージを考慮していない環境アーティストと、自然に害を及ぼすことを意図していないアーティストとの間には、大きな違いがあります。たとえば、美しいメリットがあるにもかかわらず、アメリカのアーティスト、ロバート・スミスンの彫刻「Spiral Jetty」(1969)は、ブルドーザーを使って土地をこすり落とし、螺旋自体が湖に衝突したときの風景に恒久的な被害をもたらしました。同様に、1969年にオーストラリアのシドニーの南にあるリトルベイで一時的に海岸線を覆い隠したとき、ヨーロッパの彫刻家Christoに対して批判がなされました。環境保護団体のコメントは、環境界で国際的な注目を集め、土地芸術と現場特有の芸術。

持続可能な芸術は、その環境(社会的、経済的、生物物理学的、歴史的、文化的)との関係における仕事とその受容のより広い影響を考慮して作り出される。いくつかのアーティストは、潜在的な影響を最小限に抑えることを選択します。

英国の彫刻家、リチャード・ロングは数十年間、岩石、泥や枝などの現場で見つかった自然素材を並べ替えることで一時的な屋外彫刻を作ったため、長引く有害な影響はありません。クリス・ドゥルーリは、1年に一度、1年に一度の瞑想的な散歩の成果であった “Medicine Wheel”というタイトルの作品を制作しました。この作品の成果物は、モザイクの発見された物体の曼荼羅であった。作物家のスタン・ハード(Stan Herd)は、土地と同様のつながりと尊敬を示しています。

オランダの彫刻家Herman de Vries、オーストラリアの彫刻家John Davis、英国の彫刻家Andy Goldsworthyなどの主要な環境アーティストは、同様に無防備で作業した風景を残します。いくつかのケースでは、彼らは彼らの仕事をする過程で適切な土着の植物相で破損した土地を明らかにしました。このようにして、芸術作品は生息地への感受性から生じる。おそらく、20世紀後半の環境芸術の最も有名な例は、1982年にジョセフ・ボイスによってドキュメンタリーで行なわれた生態学的行為である7000オークスでした。そこでは、アーティストとそのアシスタントが7000本のオークの木を植え、カッセル市周辺。

変換:
エコ・フェミニストのアーティストAviva Rahmaniのような他のアーティストは、自然界との人間関係を反映し、変容や再生に焦点を当てた環境に配慮したアートワークを作り出しています。過去20年間に、環境に配慮した重要な作業がRosalie Gascoigneによってなされました。Rosalie Gascoigneは、穏やかな彫刻をゴミや農村で捨てられた捨て場から作り出しました。同様に、Marina DeBrisはビーチからのごみを使って、ビーチや海洋ごみについて人々に教育を行います。 Patrice Stellestは、大型インスタレーションを迷惑メールとともに作成しましたが、世界中で集められた適切なアイテムや太陽エネルギーメカニズムも取り入れました。 John Wolseleyは遠隔地をハイキングし、視覚的および科学的データを収集し、視覚的およびその他の情報を紙の複雑な壁規模の作品に取り込みます。ワシントンDCのガラス彫刻家Erwin TimmersとAlison Sigethyによる環境芸術や緑の芸術は、最もリサイクルされていない建材の一部を取り入れています。構造用ガラス。 EcoArtの作家と理論家Linda Weintraubは、リサイクリングと心理学の間の相関関係を記述するために、用語「サイクル論理」を作り出しました。 21世紀の概念は、古典文明から捨てられた陶器や金属の旧石器樹の隠れた杭に、芸術家が慎重に取り組んでいることを意識しています。 Weintraubは、廃棄物からのデトリタスをリサイクル、再使用、洗練されたエレガントで広々とした設備に仕上げたマッカーサーフェローSarah Szeの作品を挙げています。彼女の自己反映的な仕事は、私たち自身の複雑な生活や消費者文化とのつながりに注意を引く。 Brigitte Hitschlerのエネルギー分野では、隠された物質の文化を明らかにするために、芸術と科学を使用して、埋設された再生石灰スラグから400赤色のダイオードの電力を引き出しました。生態芸術家で活動家であるビバリー・ナイードスは、環境危機や核兵器の問題に取り組み、変容を想定した論文を制作しています。彼女のコミュニティベースのパーマカルチャープロジェクトであるEden Reframedは、植物栽培とキノコを使用して土壌の劣化を修復し、薬草や食用植物を栽培して収穫する公的な場となっています。 Naidusはワシントン大学タコマで10年以上教えてきた教育者で、コミュニティカリキュラムで学際的なスタジオアーツを作り、エコロジーと社会的に関わる慣行でアートを融合させています。 Naidusの本、変化のための芸術:枠外の教育は、教師、活動家、アーティストのためのリソースです。彫刻家でありインスタレーションアーティストのErika Wanenmacherは、創造性、神話、ニューメキシコの核の存在に取り組む作品の開発でTony Priceからインスピレーションを得ました。 Daniele Del Neroを含む様々なアーティストは、芸術的要素として生きている金型を使用して様々な方法で仕事をしてきました。

再生可能:
再生可能エネルギーの彫刻は環境アートの最近の発展の1つです。 地球規模の気候変動に関する懸念が高まっていることに対応して、芸術家は、エステティカルな対応をエネルギーの生成や節約の機能的な特性と融合させて、機能レベルで明示的な介入を設計しています。 Andrea PolliのQueensbridge風力発電プロジェクトは、風力タービンを橋の構造に組み込んだ実験的な建築の一例で、元の設計の側面を再現し、橋とその周辺の照明を再現します。 ラルフ・サンダーの公衆彫刻であるワールド・セービング・マシン(World Saving Machine)は、韓国の夏の暑い夏にソウル美術館の外で雪と氷を作るために太陽エネルギーを使いました。 この新興地域の医療従事者は、エコデザイン基準に準拠した環境に配慮した倫理的および実践的な規範に従って作業することが多い。

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