東方絵画 – HiSoUR 芸術文化美術歴史

東アジアの絵画の歴史には、さまざまな文化や宗教からの広範な影響が含まれています。東洋絵画の発展は、歴史的には西洋絵画のものとほぼ平行していた。アフリカの芸術、ユダヤの芸術、イスラムの芸術、インドの芸術、中国の芸術、韓国の芸術、日本の芸術はそれぞれ西洋の芸術に重大な影響を与えました。

中国の絵画は、世界で最も古い連続芸術の伝統の一つです。最も初期の絵画は表現的ではなく装飾的であった。彼らは絵ではなく模様やデザインで構成されていました。初期の陶器には螺旋、ジグザグ、点、動物が描かれていました。戦争国家時代（紀元前403-221年）にのみ、芸術家が世界を代表し始めました。日本画は、古くから最も洗練された日本の芸術の一つであり、多種多様なジャンルやスタイルを網羅しています。日本の絵画の歴史は、日本の美学と輸入されたアイデアの適応との間の合成と競争の長い歴史です。韓国の絵画は独立した形で、紀元前108年頃に始まり、ゴジョソン崩壊時代には世界で最も古いものの一つになっています。その時代の作品は、韓国の三国時代を特徴とする様々なスタイルに発展しました。特に、高句麗のロイヤリティの墓を飾る絵画やフレスコ画が特徴です。三国時代と高麗時代に韓国の絵画は、韓国の天文学の急速な発展によって促進された韓国風の風景、顔の特徴、仏教中心のテーマ、そして天体観測に重点が置かれていました。

東アジアの絵画
中国、日本、韓国は、書道や版画の技術に強く結びついた絵画の強い伝統を持っています（絵画とも言えるほどです）。遠東の伝統的な絵画は、水に基づいたテクニック、より現実的ではない、「エレガントな」と定型化されたテーマ、描写に対するグラフィカルなアプローチ、空白（または負のスペース）の重要性、主題シルクや紙のスクロールのインクや色のほか、漆塗りの金も、東アジアの作品を描いた一般的な媒体でした。絹は過去に塗装するには多少高価な媒体だったが、漢裁判所のカイ・ルンによる西暦1世紀の紙の発明は、安価で広く普及した筆記媒体だけでなく、安価で広範な塗装媒体（公衆にもっとアクセスしやすくする）。

儒教、道教、仏教のイデオロギーは、東アジアの芸術において重要な役割を果たした。紀元前12世紀中世の宋時代の詩人リン・ティンギと陸軍の洗濯物（スミソニアン・フリーア美術館に収蔵されています）は、古典的な中国のアートワークに融合した仏教のアイデアの優れた例です。後者のシルク絵画（写真とリンクで提供）では、川で衣服を洗濯する実践的な仏教の仏教の羅漢が描かれています。しかし、絵画そのものは目に見えて、ぼんやりした、茶色の、穏やかな森林環境とは対照的に、豊かなディテールと明るい不透明な色を描いた、Luohanです。また、木の上端は渦巻きの霧の中に隠れており、東アジアの芸術では前述の共通の「否定的な空間」を提供しています。

19世紀後半のゴッホやアンリ・ド・トゥールーズ・ロートレックのようなポスト印象派、ジェームス・マクニール・ウィスラーなどの芸術家たちは、北斎（1760-1849）や広重（1797-1989）といった19世紀初頭の日本の浮世絵芸術家に、 1858年）、彼らの影響を受けました。

中国の絵
生存初期の中国の例は、戦国時代（紀元前481〜221年）の芸術作品の日付を描き、岩や煉瓦、石の絹や墓の壁画に絵を描いた。彼らはしばしば、単純化された書式化された形式であり、幾分基本的な幾何学的パターンであった。彼らはしばしば、神話的な生き物、家庭のシーン、労働シーン、または裁判所の職員で満たされた豪華な場面を描いた。この時代とその後の秦朝時代（紀元前221〜207年）と漢時代（紀元前202年〜西暦220年）のアートワークは、それ自体の手段として、むしろ葬儀や神話、祖先などの象徴を象徴して崇拝するためのアートワークが作られました。漢民族の絹の絵や馬の狩りや軍事パレード。テラコッタ軍の兵士や馬の像をカバーする元の塗装色など、立体や立体像のような3次元の芸術作品にも絵が描かれていました。南京南京に拠点を置く古代東ジンバス（316-420 AD）の社会文化的な雰囲気の中で、絵画は儒教的に教わった官僚や貴族の公式の娯楽のひとつとなった（ギター・ジッパー、幻想的な書道を書くこと、そして詩を書くことと朗読すること）。絵画は、芸術的自己表現の一般的な形になり、この間、裁判所やエリート社会回路の画家は、同僚によって審査され、ランク付けされました。

伝統的な中国の風景画の設立は、中国史の最も有名な芸術家の1人である東部晋王朝時代の芸術家であるグ・カイジ（344〜406年）の認定を受けています。カイジの細長いスクロールシーンのように、唐Dynasty（618 – 907 AD）中国の呉Daoziのような芸術家は彼の80人の7人の天国人のような長い水平のhandscroll（唐の間に非常に普及していた）で鮮やかで、唐時代の彩色された作品は、自然の単色性（例：銭陵陵の価格Yideの墓の壁画）だけでなく、オブジェクト、人物、または活動の希薄な理想的な景観環境の影響に関係していました。また、現実主義の描写の時代に先んじて優れた風景画を描いた初期の唐時代の画家Zhan Ziqianのような人物もいた。しかし、景観芸術は、5つの王朝と10の王国の時代（907〜960 AD）まで、一般的により高いレベルの成熟と現実感に達しませんでした。この間、ドン・ユアン（彼の作品の例についてはこの記事を参照）のような例外的な風景画家、そしてグ・ホンホン（Gu Hongzhong）やハン・ザイザイのナイト・レベルズ（Night Revels of Han Xizai）など、より鮮やかで現実的な国内のシーンを描いた人がいました。

中国宋時代（960 – 1279 AD）には、景観芸術だけでなく、肖像画が以前よりも標準化され、洗練されたものとなった（例えば、宋惠天を参照）。明代（1368年 – 1644年AD）。 13世紀後半から14世紀前半にかけて、モンゴル統制下の中国人は、（モンゴル人や中央アジアの他の民族グループのために確保された）より高い政権に入ることを許されず、帝国審査は中止された当分の間。中国の芸術作品の中で最も活気にあふれた豊かな時代のひとつとなった現在、多くの儒教教育を受けた中国人は、職業を欠いていたが、代わりに絵画と演劇の芸術に変わった。そのような例は、宋時代の公務員であったが、国家裁判所の元である元裁判所に奉仕することを拒否し、自分自身を絵画に専念させた銭玄（西暦1235-1305）であろう。この時代からの素晴らしい美術の例としては、ユネスコの世界遺産に登録されている1262年のADの「長春長寿宮殿」や、宮殿内では、絵画は1000平方メートル以上の面積をカバーし、大抵は道教徒主題を保有しています。宋時代には、画家がソーシャルクラブやミーティングに集まり、芸術や他の作品の討論を行い、その賞賛は往々にして貴重な芸術作品を売買する説得につながった。しかし、他の芸術家にも多くの厳しい批評家がいて、さまざまな画家のスタイルと趣味の違いを示しています。西暦1088年に、ポリマースの科学者で政治家のシェン・クオ（Shen Kuo）は、かつて、彼が次のように批判したLi Chengの作品を書いた：

…そして、彼は山と屋根のある建物や塔の中でパビリオンとロッジを描いたとき、常に下から見たように軒を塗るためにいつも使用されていたLi Chengがいました。彼のアイデアは、「地面に立ってパゴダの軒先を見上げる人が、その垂木とそのカンチレバーを見ることができるように、下から上向きに見上げなければならない」という考えでした。これはすべて間違っています。一般的に風景を描く適切な方法は、小さなものを大きなものの視点から見ることです。庭園の人工の山々を見ているように（人が歩いているように）。本当の山の絵に下から上を見上げると（Liの方法）、一度に1つのプロフィールしか見ることができず、数多くの斜面やプロフィールの富を見ることはできません。谷間や渓谷、そして住居や家屋がある車線や中庭などがあります。私たちが山の東側に立っていると、西側の部分は遠く離れた消失境界にあり、その逆もあります。確かにこれは成功した絵画とは言えませんでしたか？李氏は、「大小の視点から見た小さなもの」の原則を理解していなかった。彼は確かに高さと距離を正確に減らすのはすごく素晴らしかったですが、建物の角度やコーナーにそのような重要性を付けるべきでしょうか？

中世の宋時代から、多くの中国の画家がその後、生き生きとした自然の場面を描いていましたが、その上、高度な様相、神秘的な魅力、そして超現実的な優雅さがしばしばリアリズム（シャンスタイルなど）よりも好まれました。後の明代の芸術家は、この宋王朝の後に、特に明るい色の花と茂みのパッチの中に動物（アヒル、白鳥、スズメ、トラなど）の描写に、自然のオブジェクトの複雑なディテールとリアリズムを強調します。（良い例は、ワシントンDCのスミソニアン博物館のフリーアギャラリーに収蔵されている匿名の明朝絵画の鳥と梅の花です）。多くの有名な明代のアーティストがいました。 Qiu Yingは、アートシーンの国内シーン、賑やかな壮大なシーン、川の谷間や霧の多い雲や渦巻きの雲などで覆われた自然の風景を利用して、明日の有名な画家（彼の一日でも有名）の優れた例です。明代の間に、呉学校やザー学校など、絵画に関連した異なる芸術学校もありました。

古典的な中国の絵画は、17世紀初期の明代後期に見られるような非常に現実的な肖像画を用いて、現代初期の清朝に続いた。江西天皇、雍正皇帝、天龍帝の肖像画は、現実的な中国の肖像画の優れた例です。天長時代と19世紀にかけてのヨーロッパのバロック様式の絵画は、中国の肖像画、特に照明や陰影の描かれた視覚効果に顕著な影響を与えました。同様に、東アジアの絵画や他の芸術作品（磁器や漆器など）は、16世紀初めの接触以来、ヨーロッパで高く評価されていました。

日本画
日本画（絵画）は、日本の芸術の中で最も古く、最も洗練されたものであり、多種多様なジャンルやスタイルを網羅しています。日本の芸術と同様に、日本の絵は、古来の日本の美学と輸入されたアイデアの適応の長い歴史を経て発展しました。浮世絵とは、17世紀から20世紀にかけて制作された絵画で、風景、劇場、遊園地をモチーフにしたものです。それは日本の木版印刷の主な芸術的ジャンルです。特に江戸時代からの日本の版画は、19世紀フランスの絵画に多大な影響を与えました。

韓国絵画
韓国の絵画は独立した形で、紀元前108年頃に始まり、ゴジョソン崩壊時代には世界で最も古いものの一つになっています。その時代の作品は、韓国の三国時代を特徴とする様々なスタイルに発展しました。特に、高句麗のロイヤリティの墓を飾る絵画やフレスコ画が特徴です。三国時代と高麗時代に韓国の絵画は、韓国の天文学の急速な発展によって促進された韓国風の風景、顔の特徴、仏教中心のテーマ、そして天体観測に重点が置かれていました。朝鮮時代まで、儒教のテーマが韓国の絵画に根付き始め、先住民的側面と調和して使われていました。

韓国の絵画の歴史は、桑の紙や絹の上に黒い筆の単色の作品を使用することが特徴です。このスタイルは、色彩豊かな民俗芸術、墓の絵画、儀式と祭りの芸術など、「民華」にも見られます。

南アジアの絵画

インドの絵
歴史的にインドの絵画は、宗教的な神々や王様の周りを回っていました。インドの芸術は、インド亜大陸に存在するいくつかの異なる芸術学校の総称です。絵画は、アジャンタの大規模なフレスコ画から複雑なムガールのミニチュア絵画まで、タンゴールの学校の金属工芸作品までさまざまでした。ガンダールタクシラの絵は、西側のペルシャの作品の影響を受けています。東洋風の絵画は、ほとんどがナランダ芸術学校周辺で開発されました。作品は主にインドの神話からの様々なシーンに触発されています。

歴史
最も初期のインドの絵は、先史時代の岩絵、Bhimbetkaのロック・シェルターのような場所に見いだされた紋章であり、そのうちのいくつかは紀元前5500年より古い。このような作品は数千年にわたり続けられ、7世紀にはアジャンタの柱が刻まれ、マハラシュトラ州はインド絵画の素晴らしい例を示し、色は主に赤とオレンジの様々な色合いがミネラルに由来していました。

インドのマハラシュトラ州にあるアジャンタ洞窟は、紀元前2世紀に遡り、仏教宗教芸術と万華鏡芸術の傑作とみなされる絵画や彫刻を含む岩石の洞窟のモニュメントです。

マドゥバニ絵画
Madhubaniの絵画はインドのビハール州Mithila地域で実践されているインド絵画のスタイルです。 Madhubaniの絵画の起源は古代に覆われています。

ラジャットペインティング
インドのRajputanaの王室裁判所で、18世紀にインドの絵画のスタイル、Rajput paintingが進化し、栄えました。各ラウンドプット王国は異なるスタイルを持ちましたが、共通の特徴を持っていました。ラジャプトの絵画には、ラマヤナとマハブラタ、クリシュナの生涯、美しい風景、人間のような叙事詩のテーマが数多く描かれています。ミニチュアはラジエット絵画の好ましい媒体でしたが、いくつかの写本にはラウドプルの絵も含まれていて、宮殿の壁、砦の内部の部屋、ハッブル、特にシェフワイトの飾りにも絵が描かれていました。

特定のミネラル、植物源、貝殻から抽出された色は、宝石、金、銀を加工して得られたものでもありました。所望の色の準備は、時には数週間かかる長いプロセスでした。使用されたブラシは非常に細かいものでした。

ムガールペインティング
ムガール・ペインティングはインド絵画の特定のスタイルであり、一般的には本のイラストに限定され、ミニチュアで行われ、16世紀〜19世紀のムガール帝国期に現れ、発展し、形をなしていた。

タンジェールの絵画
Tanjoreの絵画は、タミル・ナードゥ州のTanjore町に生息する古典的な南インド絵画の重要な形態です。芸術の形態は、芸術と文学を奨励したチョーラ支配者が支配する9世紀初頭の時代にまでさかのぼります。これらの絵画は、優雅さ、豊かな色彩、細部への配慮で知られています。これらの絵画のほとんどのテーマは、ヒンドゥー教の神話とヒンズー教神話のシーンです。現代では、これらの絵画は、南インドでのお祝いの機会の間にお土産になりました。

タンゴール絵画の製作プロセスには多くの段階があります。第1段階は、ベース上の画像の予備的スケッチの作成を含む。ベースは、木製ベースに貼られた布で構成されています。次にチョーク粉末または酸化亜鉛を水溶性接着剤と混合し、ベース上に塗布する。ベースを滑らかにするために、穏やかな研磨剤が使用されることがあります。作図が終わったら、半貴石でイメージ内のジュエリーと衣服の装飾を行います。ジュエリーを飾るために紐や糸が使用されています。さらに、金箔を貼り付けます。最後に、絵の中の人物に色を付けるために染料が使われています。

マドラススクール
インドの英国支配の間、王冠は、マドラスが世界で最も才能のある知的な芸術家の心を持っていたことを発見しました。イギリス人がマドラスの周辺に巨大な居留地を確立していたことから、ジョージタウンはロンドンの王家の芸術的期待に応えられる研究所を設立することになった。これはマドラススクールとして知られるようになりました。最初に、伝統的な芸術家が絶妙な品種の家具、金属工芸品、骨董品を生産するために雇われ、彼らの作品は女王の王宮に送られました。

マーケティングスクールは、「コピー」が教育の規範であるベンガル・スクールとは異なり、新しいスタイル、議論、傾向を「創造する」ことで栄えます。

ベンガル学校
ベンガル美術学校は、20世紀初めに英国ラージ時代にインドで栄えた影響力のある芸術形式でした。それはインドのナショナリズムに関連していたが、多くの英国の芸術管理者によって促進され支持された。

ベンガル・スクールは、以前はインドで奨励された学術芸術スタイルに反して、ラジャ・ラヴィ・ヴェルマのようなインドのアーティストや英国の美術学校の両方に反応する前進的なガーデニングと民族主義運動として生まれました。英国の芸術教師Ernest Binfield Havelは、インドの精神的なアイデアが西洋に広まった後、カルカッタ美術学校の教授法を改革しようと試みました。これは、反逆的行為であると考えた民族主義者を含む、地元のマスコミからの学生や苦情につながる、激しい論争を招いた。ハヴェルは、詩人ラビンドラナット・タゴール（Rabindranath Tagore）の甥、アバニンドラナー・タゴール（Abanindranath Tagore）によって支持されました。タゴールは、西洋の「物質主義」とは対照的に、彼とハーヴェルがインドの明確な霊的資質を表現していると信じていたムガール芸術の影響を受けた数多くの作品を描いた。タゴールの最も有名な絵画、Bharat Mata（マザー・インド）はインドの全国的抱負を象徴する物体を保持しながら、ヒンズー教の神々のように4本の腕を描いた若い女性を描いた。タゴールはその後、汎アジア主義芸術モデルを構築するための熱望の一部として、日本のアーティストとの関係を発展させようと試みた。

インドにおけるベンガル・スクールの影響力は、1920年代の近代主義的思想の普及とともに減少した。独立後の時期に、インドのアーティストは、ヨーロッパのスタイルから自由に借用し、自由にインドのモチーフを新しい芸術形式に融合させたので、より適応性を示しました。 Francis Newton SouzaやTyeb Mehtaのような芸術家は、アプローチの面で西側にありましたが、Ganesh PyneやMaqbool Fida Husainのような人が、土着の作風を徹底的に開発しました。インドの市場自由化の過程の後、現在、インドではこれまで見られていなかったより新しい形式の芸術に出会うために、国際的なアートシーンへの露出が増しています。ジット・カラットは1990年代後半に絵画を手がけ、近代的で一般的な定義の範囲を超えていた。しかし、新しい世紀のインドのアーティストは、新しいスタイル、テーマ、メタファーを試していますが、今までになかったような芸術分野に参入しているビジネス・ハウスの助けを借りなければ、そのような迅速な認識を得ることはできませんでした。

現代インドの絵画
Amrita Sher-Gilはインドの画家、時にはインドのフリーダ・カロ（Frida Kahlo）として知られていました。今日、ベンガル・ルネサンスのマスターと同じレベルの伝統を持つ20世紀のインドの重要な女性画家を考えました。彼女はまたインドで最も高価な女性画家です。

今日、彼女は1976年と1979年にインドの考古学調査によって芸術の宝物として宣言されたナインマスターズの一員であり、100以上の絵画がニューデリー国立現代美術館で展示されています。

植民地時代には、西洋の影響がインドの芸術に影響を与え始めました。一部のアーティストは、インドのテーマを説明するために、構図、視点、リアリズムの西洋のアイデアを使ったスタイルを開発しました。 Jamini Royのように、意識的に民俗芸術のインスピレーションを引き出している人もいます。

1947年の独立以来、インドのいくつかの美術学校は、現代的な技術とアイデアへのアクセスを提供していました。これらのアーティストを紹介するギャラリーが開設されました。現代のインドの芸術は、典型的には西洋スタイルの影響を示しますが、しばしばインドのテーマやイメージに触発されます。主な芸術家は、当初はインドのディアスポラの中でも、非インディアンの観客の間でも、国際的に認められ始めています。

1947年にインドが独立した直後に設立されたプログレッシブ・アーティスト・グループは、ポスト・コロニアル時代にインドを表現する新しい方法を確立しようとしていた。創業者はKH Ara、SK Bakre、HA Gade、MF Husain、SH Raza、FN Souzaの6人の著名なアーティストであったが、1956年に解散されたが、インドの芸術のイディオムに大きな影響を与えた。 1950年代のインドの大手アーティストのほとんどすべてがこのグループと関連していました。今日、よく知られている人の中には、バル・チャブダ、マニシ・デイ、ムクル・デイ、VSガイトンデム、ラム・クーマル、タイブ・メータ、アクバル・パダンゼーなどがあります。 Jahar Dasgupta、Prokash Karmakar、John Wilkins、Narayanan Ramachandran、Bijon Choudhuriのような有名な画家たちは、インドの芸術文化を豊かにしました。彼らは現代インドの芸術のアイコンとなっています。 Rai Anand Krishna教授のような美術史家はまた、インドの精神を反映する現代芸術家の作品を参照しました。 Geeta Vadheraは、Sufi思想、Upanishads、Bhagwad Geetaのような複雑なインド精神的なテーマをキャンバスに翻訳することで評価を得ています。

インドの芸術は、1990年代初め以来、経済の自由化を促進しました。様々な分野のアーティストが様々なスタイルの作品を取り入れ始めました。自由化後のインドでは、多くのアーティストが抽象画家ナトバール・バブサール（Natvar Bhavsar）、象徴的なアーティストDevajyoti Ray、巨匠のAnish Kapoorのような国際的な美術市場で巨大なポストミニマリズムの作品が注目を集めています。インドの芸術作品を紹介するために、多くの芸術家やギャラリーが米国とヨーロッパでもオープンしています。

フィリピンの絵
フィリピンの絵画は、多くの文化的影響が合体していると見なすことができますが、東洋のルーツを持つ現代の形態では西洋風になる傾向があります。

初期のフィリピンの絵画は、評価の高いマングングルジャーのようなフィリピンの儀式陶器に装飾された赤いスリップ（水と混ぜられた粘土）で見つけることができます。紀元前6000年のフィリピンの陶器製作の証拠は、カガヤンのSanga-sanga Cave、Sulu、Laurente Caveで発見されています。紀元前5000年までに、陶器の製造は全国で実践されていたことが証明されています。初期のフィリピン人は、カンボジアの隣人の前に、そして陶器技術の普及氷河期の発展の一環として、タイとほぼ同じ時期に陶器を作り始めました。フィレンツェの初期のフィリピン人の刺青の伝統には、ポルトガルの探検家、ヴィサヤの「塗装された人々」と呼ばれていたフィリピン人の伝統が描かれています。さまざまなデザインの植物や動物を天体で参照することで、さまざまな色の色素沈着で体を飾ります。おそらく、初期のフィリピン人が今日まで生き延びた最も精巧な絵画の一部は、ナガドラゴンズとサリマノクで有名なマラナオの芸術と建築の中で、またはキングズハウス。

フィリピン人は17世紀のスペイン時代にヨーロッパの伝統の絵を描き始めました。これらの絵画の中で最も初期のものは、教会のフレスコ画、聖書のソースからの宗教イメージ、キリスト教のアイコンとヨーロッパの貴族を特徴とする彫刻、彫刻と石版です。 19世紀から20世紀の間の絵画や彫刻のほとんどは、甘さ、暗さ、光の質を備えた宗教的、政治的、風景的な芸術作品が混在していました。 DamiánDomingoのような初期のモダニズムの画家は、宗教的で世俗的な絵画と関連していました。 Juan LunaとFélixHidalgoの芸術は、政治声明の傾向を示しました。フェルナンド・アモソルロのような芸術家は、フィリピンの文化、自然、調和を描いた絵を描くためにポストモダニズムを使用しました。フェルナンド・ゾベル（FernandoZóbel）のような他のアーティストは、彼の作品に現実と抽象を使っていました。

イスラム絵画
人間、動物、またはその他の表象的な主題の描写は、イスラム教徒の信仰を邪魔しないようにイスラム教で禁じられているので、ムスリム文化の中で宗教的に動機付けされた絵画（または彫刻）の伝統はない。絵画的な活動は、抽象的なものを中心とした抽象的なアラベスクに縮小され、幾何学的な構成や花や植物のようなパターンがありました。建築と書道に強く結びついています。それは、コーランのテキストやその他の書籍の周りのモスクやイルミネーションのタイルの絵として広く使われています。実際、抽象芸術は現代美術の発明ではありませんが、数世紀前の古典的、野蛮、非西洋の文化に存在し、本質的に装飾的または応用的な美術です。著名なイラストレーターのMCエッシャーは、この幾何学的パターンベースのアートの影響を受けました。アールヌーボー（Aubrey Beardsleyと建築家AntonioGaudí）は、抽象的な花のパターンを西洋の芸術に再導入しました。

比喩的視覚化のタブーにもかかわらず、ムスリム諸国の中には絵画の豊かな伝統を培ってきたものがありますが、それは独自のものではなく、書かれた言葉の仲間です。ペルシアのミニチュアとして広く知られているイランまたはペルシャの芸術は、叙事詩的またはロマンチックな文学作品のイラストレーションに集中しています。ペルシャのイラストレーターは、現実世界の生きものの錯覚を作らないというルールを守るために、イスラーム以前の歴史の中でそれに精通していたが、意図的に陰影や遠近法の使用を避けた。彼らの目的は、世界をそのまま描くことではなく、永遠の美と完璧な秩序の理想的な世界のイメージを作り出すことでした。

現代では、アラブ系および非アラブ系のイスラム諸国の美術学生またはプロの芸術家による絵画は、西洋文化芸術の同じ傾向に従います。

イラン
オリエンタルの歴史家バジル・グレイは、「イランは、その種の優秀な世界に特にユニークな芸術を提供している」と信じている。イランのロレスタン州の洞窟には、動物や狩猟の場面が描かれています。ファルス州やシアルクの人々のように、少なくとも5,000歳以上の人がいます。イランでの絵画は、カメルデッディン・ベザドのような傑出した巨匠が新しい絵画を生み出したTamerlane時代、クライマックスに達したと考えられています。

カジャール時代の絵画は、ヨーロッパの影響と、レザ・アッバシが導入した絵画や、ミハー・アリの古典作品など、サファヴィの絵画小学校の組み合わせです。 Kamal-ol-molkのような修士号は、さらにイランにおけるヨーロッパの影響力を押し進めた。コーヒーハウス絵画が登場したのはカジャール時代だった。このスタイルの主題は、しばしばShia epicsなどの場面を描く性質上宗教的でした。