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初期のバロック音楽

Originally posted 2018-05-14 05:34:41.

ヨーロッパの音楽の歴史的重要性におけるバロックは、約1600年から約1750年の期間であった。初期から、ルネサンス音楽からバロックの音楽は変わった。 テキストを支配するホモフォニー(主なボーカル)の歌で複数のメロディーを同時に置き換えることで、オペラ、吹き出し、カンタット、モノディを作成することで、ボーカルの音楽が急激に発展しました。 初期のバロックでは、モーダルスケールは主に音色の音楽と交換された教会音楽に関連していました。 これは、サウンドとより高度な作品を構成する能力の両方において大きな違いをもたらしました。

非聖職者の道具の部分は、バロックの革新でした。 toccata、joints、preludier、ricercars、capriccio、canzonaer、suites、sonatas、concertosのような大きな変化がありました。 オーケストラはバロックで大きく発展し、楽器がますます良くなるにつれ、ますます多くのものが含まれました。 バロックを打つ楽器には、バイオリン、チェロ、クロスピー、クラリネット、バスーン、オーボ、イングリッシュ・ホーン、ホーン、トランペット、トロンボーンの初期バージョンがあります。 ボーカルとインストゥルメンタルの新しいボートは、リズムホールディングを楽器に渡す最初の例の1つである一般的なベースの開発でした。 ボーカル・ミュージックがゲイだった場所では、インストルメンタル・ミュージックはポリフォニックなままであり、しばしば対位法が使われていました。

当初、バロック音楽はイタリアの作曲家によって支配されていました。 クラウディオ・モンテヴェルディは、その中で最も有名な人のひとりでした。 結局、オランダ語、ドイツ語、フランス語、英語の作曲家がさらに多くを思いついた。 各国の音楽文化は、イタリアの音楽だけでなく、それに触発されたり、自分の音楽を創り出したり世話したりすることによって、時々変化しました。 例えば、オペラはイタリアのオペラが引き継ぐ前に歌を歌い、ドイツで最初に試みられました。 英語のオペラはイタリアのオペラとマスクの演奏が混在していましたが、フランスのオペラは多くのバレエや独自のテクニックを特徴としていましたが、ジャン=バプティスト・リュリが長い間支配していました。 しかし、イタリアのオペラは、ヴェネツィアとナポリでの開発を通して、より一般的で公共性に富んでいました。

インストゥルメンタルの音楽もまた違って発展した。 イタリアでは、ヴァイオリンが非常に人気が高くなり、ソナタはインストゥルメントの特徴を示すために発明されました。 Arcangelo Corelliはソナタの成功に不可欠でした。 フランスでは、Marc-Antoine Charpentierのような作曲家がフランスの見本市や催し物を制作し、驚異の子供ÉlisabethJacquet de La Guerreは挑戦的なカンバロストを書いた。 ドイツでは、HeinrichSchützとJohann Hermann Scheinが数多くの新しい音楽スタイルを導入しました。 Samuel Scheidt、そして後にJohann PachelbelとDietrich Buxtehudeは、オルガン音楽、地質学的な見本市と世俗的なtoccataと幻想の両方で大きな成功を収めました。

後半のバーは、特別な楽器の巨大な発展をもたらしました。 ヨハン・セバスチャン・バッハのもとでは、トッカータ、ジョイント、そして部分的に想像力は、大きな発展と人気をもたらしました。 ゲオルグ・フリードリッヒ・ヘンデルは特にオペラとオラトリオを開発し、ゲオルグ・フィリップ・テレマンはコンサートやコミックオペラなどのテーマを開発し、アントニオ・ヴィヴァルディとトマソ・アルビノニはソネーテとソロコンサートのさらなる発展に不可欠でした。ジャン=フィリップ・ラモーはフランスとイタリアのオペラ、ドメニコ・スカルラッティとフランソワ・クペリンは、テレマンとともに、バロックに続くガラント様式の基礎を築きました。 ガラントのスタイルと古典主義はバロック様式の複雑なスタイルに反し、シンプルなベースウォークとより世俗的なフォーカスでゲイ音楽を求めていました。

初期のバロック音楽(1600-1630)
初期のバロックは、数々の音楽的変化を経験しました。 ルネッサンスからの移行は、あなたが簡単に歌詞を聞くことができるホモフォニックな歌スタイルに焦点を当ててすぐに起こった。 オペラが創設されたときでもあったので、歌と演劇が最初に結ばれました。 この期間中、オペラは主に貴族のためであったが、次のバロック時代にはほとんどの人にとってより頻繁に行われた。 オペラがオラトリオになった直後。 それはオペラのように見えましたが、はるかに少ない劇場の特徴がありました。 3番目の曲のスタイルはカンタータで、主にバロックの生き物です。 もともとは演劇を含んでいなかったが、ソリストの合唱団であり、その作品の間にいくつかの説明があった。

初期の兵舎とルネサンスのもう一つの重要な違いは、バロックが楽器音楽の出現とミュージカルアンサンブルのミュージシャン数の増加を開始したことでもあります。 これは再び、一般的な低音の作成、特別な場所での特定のコードによる即興のベースホール、モーダルからトーンの音楽への移行を含む、音楽の大きな変化を引き起こした。 オランダとドイツのオルガン音楽は、ルネッサンスからはっきりと進化しました。 バロック音楽は楽器、ミュージシャン、オーケストラに大きな需要をもたらしました。 それはまた、クネリック、ハーモニクス、対位法、そしてルネサンス音楽以外の様々なテクニックに関して、以前の音楽よりも進んでいました。

楽器は本質的にルネッサンス時代のものでしたが、ヴァイオリンのようなものがいくつか重要になりました。 この楽器の特徴的なサウンドも考慮され、その楽器がどのように発音されたかに基づいてメロディーを書いて、その楽器の特有のサウンドを使用して気分や出来事を表現しました。 さらに、音楽は、戦術と行のリズムで徐々に書かれていたため、予測がより容易になりました。

初期の楽器音源
ヴァイオリンは長い間周りにいたが、1600年代初めにはオペラやバレエのような “深刻な”音楽に使われていた。 これはこれまでに好まれていたゲームと競合する方法でした。 このゲームは、ベース・ヴァイオリンとダブル・ベース・ヴァイオリンを含むファミリーに属していました。 後者の2つは今日のダブルベースの前身であったかもしれない。 厳格な家族の他の楽器には、フランスのポシェットが含まれていました。形式のない「ポケットフィクション」の一種であり、初めに使用されました。

ハープ、リュート、マンドリン、シスターのようないくつかの弦楽器があります。 吹奏楽器では、トロンボーンの前身であるサックバックが広く使われていました。 Lutteは主にフランスの音楽のために予約されていたが、理論はイタリアでより多く行われた。

700年代にヨーロッパに来て以来開発されていたSkalmeienは、次の900年にわたって全テナーとベースバージョンを手に入れました。 Skalmeienは、ダブルブレードの楽器であり、クラリネットよりもオーボに関連しています。 それは1600年代半ばに来たバロックのボブの出発点でした。 さらに、クラムホーン、亜鉛、クロスフローおよびブロックフルートの両方が使用された。 パウケやタブーなどの打楽器も使用されていました。 最も一般的に使用されているインストラクションの1つ、特にベースの声では、中規模の部屋のための小さな部屋とcembaloの手がかりでした。 大きな部屋は主にパイプラインを使った教会でした。

ミュージカル開発
ルネッサンスからバロック音楽への移行は、西洋音楽の大きな違反の1つでした。 伝統的なスタイルのプリマ・プリカティアは、インターレース・メロディー・ラインによるルネサンスのボーカル・ポリフォニー(同時に多くのメロディー)でした。 新しいスタイルseconda praticaは、ソロリズム、クリアテキスト、メロディーとベースラインを区別し、表現力豊かなハーモニーを強調しました。 しかし、ポリフォニーからホモフォニーへの移行は、歌では有意に多かったが、バロック全体で多声が重要だった器楽ではなかった。

モンテヴェルディの「不必要な」協議と不協和音の違反に対する1600年のジョヴァンニ・マリア・アルトゥスーの批判に応えて、1605年から1607年の間にクラウディオ・モンテヴェルディと兄弟ジュリオ・チェーザレが第一と第二の慣行を区別した。 モンテヴェルディの答えは、最初のスタイルではテキストを支配する音楽であり、それ以外の場合はそれが逆でした。 モンテヴェルディは、第2のプラクティスが最初のプラクティスに取って代わるものではなく、代わりのものであることを認識しました。

初期のバロックにおける最も重要な紹介の1つは、一般的な低音でした。 一般的な低音は、しばしばcembaloやチェロのような2つの楽器で演奏される低音であった。 一般的な低音のリスティングは時折演奏できるコードに限られていたが、和音の間には無料の旋律即興があった。 一般的なベースをそのまま残しておくことで、メロディ楽器の即興性がさらに向上しました。

調性も重要でした。 ルネッサンスは、中世の教会音楽に基づいて、大部分がモーダルスケールで使用されていました。 しかし、バロックの音楽の発展は非常に厳しいものとなり、それ自体がモーダルスケールでは十分ではなかった。 1600年のちょっと後に、音調が変わり、不協和音を含むメロディーの自由度が増しました。

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初期のバロックで起こった音楽の発展のもう一つは感情理論であり、音楽は感情を再現できるという考えであった。 ここでは、愛情の一部は様式化されているので、大胆でハイピッチでハイペースは喜びを表し、悲しみは深く投げ込まれました。 遅いペースと鈍さは、しばしば不協和音やその他の感情を伴い、メロディー、ペース、インストゥルメンテーション、トーンの組み合わせによって象徴されました。 特に彼のオペラやマドリードでこれを開発したのはMonteverdiでした。

すでに16世紀半ばには、ロマンスはヴェネツィアではうまく活用されましたが、特にバロック時代の初めには、ジョヴァンニ・ガブリエリと一緒に進化し始めました。 Gabrieliは特別なsonatesを書いた、歌なしの音楽の作品についての言葉を一貫して使用する最初の人だった。 唯一のソナタは古典主義のように発展したものではなく、作曲家が楽器の強さの程度を判断するために開かれたものです。 Gabrieliは特に、お互いに対話しながら楽器を演奏し、両方の楽器グループを真鍮送風機の弦や内部の送風機のグループや弦のように互いに演奏して実験しました。

オペラの開発
オペラはバロック初期に発見されましたが、ドラマと音楽が混在した牧歌的劇、マドリガル、仲介によるインスピレーションを受けている可能性があります。 さらに、ギリシャの演劇が全体として歌われていることを理解していたGirolamo Meiのようなヒューマニストは、オペラの背後にある考え方にとって重要でした。 メアイスの考えは、カルデラ・フィオレンティーナというBardi伯爵の周りの学問的に興味のある人々のサークルで議論されました。

ディスカッションでは、詩、演劇、メロディーをどのように演奏するかについて話し合いました。 ルネサンスでは、以前はマドリガルズが言及されていましたが、これらの曲はポリフォニックであり、リスナーがその行動に従うことは困難でした。 Camerata Fiorentinaでは、シングル、伴奏付きの歌声のために、モノ、歌、舞台、ギター、チェンバロ、オルガンなどが作曲されました。 一つの曲だけで、その行動に従うことがより容易になりました。 さらに、フレーズはテキストの内容に従い、短い音符や高音は啓示と長い音色、低い音声ガイダンスはより穏やかな気分を特徴とするべきである。 第一に、それは特にモノンを書いたVincenzo GalileiとGiulio Cacciniであり、後者はそれらを大きく発展させた。 モナドはバロック初期の終わりに消えましたが、他の多くのヨーロッパ諸国に広がり、そこに似たような歌をインスパイアしました。

しかし、モノはシングルの歌手であり、音楽に興味のあるフロレンティンは一連の連続したモノを完成させる可能性について話し合った。 バルディがローマに移住した後でさえ、議論は続いた。 Jacopo Periは、1598年にダフネ(保存されていない)と1600年にL’Euridiceでオペラへの最初の試みを書いた。Periはまた、物語を語り、モノを結びつける言葉を詠唱した(最終的には “arians”)。 古代ギリシャ人が詩を途中で歌っていたという広く受け入れられている理論の中で、

オペラは実験的に始まりましたが、オペラがその場所を見つけたのはクラウディオ・モンテヴェルディでした。 彼のオペラL’Orfeoでは、モンテヴェルディは2つの練習でテキストと音楽のバランスを理解し、オペラに登場しました。 彼はステージの後ろ側と前側の両方にミュージシャンを置きました。 このような大規模なオーケストラを持つことに加えて、最大40名のミュージシャンとの間で、音楽は不協和音、驚くべきコードと意識的な音色の使用によって特徴付けられました。 モンテヴェルディはその時世界の音楽では珍しいトロンボーンを使って地下の雰囲気を作り出し、フルートはより牧歌的なテーマを作りました。 オーケストラはまた、感情を高めるためにオーケストラ全体を伴って、しばしば劇的に伴って、尊敬の念の間に、より積極的な役割を演じた。

モンテヴェルディはいくつかのオペラを書いた。 既に翌年、L’Ariannaが来ましたが、これはほとんど保存されていません。 その後、1640年にIl ritorno d’Ulisseの前に彼から知られているオペラはありません。フィレンツェでは、初期のバロックではオペラもなく、演奏中の作品もありました。 Francesca Caccinis 1625年からのRoggiero dall’isola d’Alcinaの解放は、アリア、賛美歌、合唱団、オープニング・インフォニアを含むモンテヴェルディとその同時代のオペラの数々の音楽的特徴を持っていたが、バレエと呼ばれた。 その後、ローマはオペラの首都として引き継がれ、リサイタルはメロディックにはならず、牡羊座はメロディックスタイルを保ちました。 また、ローマにはキャストレーターが女性の歌を歌っていた。 ローマでは、他の中でも、ステファノ・ランディは活発なオペラ作曲家でした。 彼は通常、Il Sant ‘AlessioやLa Morte d’Orfeoのような牧歌的でギリシア的な神話的テーマのように、宗教的、漫画的なテーマの両方のオペラを書いていました。

期間の終わりに向かって、ドイツへのオペラの形もありました。 イタリアのように、最初のオペラはダフネ(1627年)と呼ばれましたが、世俗のカンタータであったかもしれません。 それはHeinrichSchützによって書かれたと信じられているが、大辞版だけが世話をしている。

オラトリとカンタン
オペラが広がり始めた直後に、オリエンテアも広がりました。 オラトリオは、毎日の言葉で宗教的なマドリガルとlaudiの宗教的なテキストに触発されました。 オラトリオム(=祈りの家)とは、キリスト教のテキストやメッセージであり、最も頻繁には礼拝や十字架や踊りがあるという点でオペラに似ていましたが、それに基づいて聖書のテキストを読むナレーション者もいました。 しかし、オラトリオは世界的な音楽の影響を受けていたし、オペラも宗教的テーマを持っていたので、時にはオラトリオに風景がないという相違があった。 エミリオ・デ・カヴァリエリは、オペラの出現にも積極的で、最初のオラトリオ・ラ・プレゼンテーション・オブ・エンパイア・ディ・コーポ(「魂と身体の準備」)と考えられているものを書いています。 オペラと同じように、ドイツではオラトリオの変種が登場しました。 ドイツでは、「歴史」が音楽の形式について用いられ、1640年までは「オラトリオム」という言葉は見つからなかった。

カンタットも早く到着した。 彼らは主に犯罪であり、世俗的または宗教的なテキストに基づいていました。 世俗的なcantatsは宗教から離れて進化した。 宗教には、楽器の紹介、独立したアリアと宗教的な、サンゴのセクションと、会衆が歌に参加する部分が含まれていました。 このカンタートは、後にヨハン・セバスチャン・バッハのようなドイツの作曲家の間で打たれたものとなった。

その他の教会音楽
カンタン、マドリガル、オラトリオに加えて、他の宗教的なメロディックのジャンルもありました。 そのうちの1人はフランス人でした。 モテットはプリマ・プラティカを共有することができ、ルネッサンスからインスピレーションを得ました。主にジョヴァンニ・ピュルージージ・ダ・パレストリーナ、ホスキン・デ・プレッツ、オーランド・ディ・ラッソです。 したがって、彼らはテキストを支配する音楽を持っていました。 アレッサンドロ・グランディは、モノディに触発された反対を利用していたため、メロディーがあまり支配的にならず、声が前面に出てきたので、モテットはセカンド・プラティコに近づいた。 このミックスは、特に彼がソロの暴動、宗教的、抒情的なアリアに触発されたときにグランディを示しました。

Girolamo Frescobaldiはインストゥルメンタル・ミュージックで支配的でした。 彼は25歳の聖ペテロ教会のオルガン奏者になり、ピアノ楽器、特にオルガンのために多くの作品を制作しました。 彼は、教会の文脈で最も頻繁にカンバロとオルガンのために、カタルーニャとリケルカロスに手紙を書いた。 Frescobaldiは、モダリティとメジャー/モールトーンの間の緊張感が特徴であった彼のトーンの言語で最も有名だった。 これは、とりわけ、彼が色彩豊かに演奏したことを意味しましたが、調和のとれた楽器にも関わっていました。

また、ドイツでは音楽的な発展があり、特にマイケル・プエルトリウスは彼のサンゴ、特に彼の音楽理論的シンタグマ・ミュージックマウムによる音楽の変遷を定義していました。 彼の子孫のうち、特にドイツでバロック音楽を紹介したHeinrichSchütze、Johann Hermann Schein、Samuel Scheidtの3人がいました。 お互いにそしてPraetoriusに知られている3人は、しばしば「3人のS-er」と呼ばれます。

これらのうち、オルガン音楽を書いたのは特にサミュエル・シャヒットでした。 Scheidtは確立されたオルガンチャンピオンのJan Pieterszoon Sweelinckの下でオルガン技術を学んだ。 1624年のScheidts Tabulatura novaは、ドイツの最初の重要な臓器コレクションであると考えられています。 Scheidtは、一般的な低音と健全な発達を利用し、さらに彼はメロディーに対比して書きました。 Scheidtは特にfantasiaの作品で活発だったし、彼のオルガン音楽は、当時の北ドイツのオルガン音楽の発展にとって非常に重要だった。

ヨハン・ヘルマン・シャインは現代とイタリアをドイツのサンゴの伝統と混合しました。 とりわけ、彼は歌声に装飾的な歌を加え、異なる声にフレーズを分割して、ルター派の教会音楽を発展させました。 彼はまた、後のソロ楽器での作業で追加し、ソロのパートとパートの間をすべてiで対照しました。 Opella novaという名前のこれらの作品は、長い間、プロテスタントの作曲家の間で教会音楽の標準を確立しました。

HeinrichSchützはおそらく3人のうち最も影響力があったでしょう。 Giovanni Gabrieliの学生でMonteverdiを訪れたとき、彼は最高のメッセージを得るために音声と声の使用について多くのことを学んでいました。 彼はガブリエルの主要なオーケストレーションを借りていました。例えば、デービッド・シオンとカントーヌの賛美歌、ドイツ語とラテン語の両方の宗教歌です。 Schützはオペラやオラトリオも書いたが、純粋な楽器音楽から離れた。 Schützはこの期間をはるかに超えて教会音楽を発展させ続けました。 Schützは、Gabrielliのように数匹の牛を使用し、合唱団に対して牛やソリストを育てる能力で特に有名になった。 これは彼がテキストを強調するために劇的な経験を生み出したことを意味しました。 したがって、Schützは安全に第2の実践に置くことができます。

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