描画は、人が様々な描画装置を使用して紙や他の2次元媒体に印を付ける視覚的芸術の一形態である。ペンキとインク、インク付きブラシ、ワックスカラーペン、クレヨン、チョーク、パステル、様々な種類の消しゴム、マーカー、スタイラス、様々な金属（シルバーポイントなど）、電子図面などがあります。
描画装置は、表面に少量の材料を解放し、目に見えるマークを残します。作図の最も一般的なサポートは紙ですが、ボール紙、プラスチック、革、キャンバス、ボードなどの他の材料を使用することもできます。一時的な図面は、黒板やホワイトボード上に作成することができます。この媒体は、人類の歴史を通じて広く一般に知られている公式の表現手段でした。これは、視覚的なアイデアを伝達する最も簡単で効率的な方法の1つです。描画装置の幅広い利用可能性は、最も一般的な芸術活動の1つを描画します。
そのより芸術的な形態に加えて、図面は、商業的なイラストレーション、アニメーション、建築、エンジニアリングおよび技術図面に頻繁に使用されている。一般的には完成したものとして意図されていない、素早くフリーハンドの図面は、スケッチと呼ばれることがあります。テクニカル・ドローイングで練習したり働いたりするアーティストは、起案者、起案者、起案者と呼ばれることがあります。
描くことは、視覚芸術における表現の主要な形態の1つです。これは、一般的に、ビジュアルワールドの正確な表現が平面上に表現されている紙/その他の素材への線や領域のマーキングに関係しています。現代の色鉛筆の絵は、絵画と絵画の境界に近づいたり、交差したりすることがありますが、伝統的な絵はモノクロで、少なくとも色はほとんどありませんでした。西洋の用語では、類似のメディアがしばしば両方のタスクに採用されているにもかかわらず、描画は絵とは異なる。チョークのような通常描画に関連する乾燥媒体は、パステル画で使用することができる。描画は、ブラシまたはペンが塗布された液体媒体を用いて行うことができる。同様のサポートは同様に、両方に役立つことができます：塗装は一般的に、準備されたキャンバスまたはパネル上に液体塗料を塗布することを伴うが、時には同じサポートで下引きが行われることもある。描画は、しばしば探索的であり、観察、問題解決および構成に重点を置いている。図面はまた、絵画の作成に定期的に使用され、その区別をさらに難読化する。これらの目的のために作成された図面は、調査と呼ばれます。
図形描画、漫画化、落書き、フリーハンド、シェーディングなど、いくつかの描画のカテゴリがあります。線画、点描、陰影、現実的なエントロピ的なグラフ漫画の方法（空白の紙の中の不純物の場所に点が作られ、点の間に線が作られる）など、多くの描画方法があります。 （紙の上に現れる既存の形状の輪郭の周りの、紙をトレースするような半透明の紙上に描く）とを含む。
素早く洗練されていない図面をスケッチと呼んでもよい。
芸術以外の分野、技術図面、建物の計画では、印刷によって別の媒体に移されたとしても、機械、回路などはしばしば「図面」と呼ばれます。
コミュニケーションの形態としての描写ドローイングは、書かれたコミュニケーションの前に存在する証拠をもって、人間の表現の最も古い形態の1つです。ドローイングは、約3万年前にホモ・サピエンス・サピエンスによって作られた洞窟や岩絵画の制作によって示された、書かれた言語の発明以前のコミュニケーションの特殊な形態として用いられたと考えられています。ピクトグラムとして知られているこれらの図は、オブジェクトと抽象的な概念を示しています。先史時代に制作されたスケッチや絵画は、最終的には様式化され、簡略化され、今日私たちが知っているように、書かれた言葉の発展に導かれました。
Drawing in the Arts絵画は創造性を表現するために使用されているため、芸術の世界では目立っています。多くの歴史を通じて、絵画は芸術的実践の基礎とみなされました。当初、芸術家は木製のタブレットを使用して再使用して製図を製作しました。 14世紀に紙が普及して以来、芸術における絵画の使用が増えました。この時点で、作図は思考と調査のツールとして一般的に使用され、アーティストは最終作業を準備していましたが、調査媒体として機能しました。芸術的な盛んな時代にルネッサンスは、幾何学や哲学に大きな影響を与えていた現実的な表現力を誇る絵を描きました。
最初に広く利用されてきた写真の発明は、芸術における絵画の使用の転換につながった。写真は、ビジュアル現象を正確に表現するためのより優れた方法として描画から引き継がれ、アーティストは従来の描画手法を放棄し始めました。芸術におけるモダニズムは “想像力のある独創性”を奨励し、芸術家の抽象へのアプローチはより抽象的になった。
芸術の外に描く芸術では図面の使用は広範囲に及ぶが、その習慣は純粋にこの分野に限定されるものではない。紙が普及する前に、ヨーロッパの修道院の12世紀の修道士は、模様と羊皮紙に描かれた照明された原稿を準備するために複雑な絵を使用しました。描画はまた、発見、理解、説明の方法として、科学の分野で広く使われてきました。天文学者のガリレオ・ガリレイは1616年に、観測望遠鏡の図面を使って月の変化する段階を説明しました。さらに、1924年に地球物理学者のアルフレッド・ウェゲナーは、大陸の起源を視覚的に示すイラストを使用しました。
媒体は、インク、顔料または色が描画面上に供給される手段である。ほとんどの描画媒体は乾燥している（グラファイト、木炭、パステル、Conté、シルバーポイントなど）か、液体溶媒やキャリア（マーカー、ペン、インク）を使用しています。水彩鉛筆は普通の鉛筆のように乾いた状態で使用し、湿った筆で湿らせて様々な絵画的効果を得ることができます。非常にまれに、アーティストは不可視インクで描いています（通常はデコードされています）。 Metalpoint drawingは、通常、銀または鉛の2つの金属のいずれかを使用します。金、プラチナ、銅、真ちゅう、青銅、およびスズポイントがあまり使用されません。
紙は、新聞紙グレードから高品質で比較的高価な紙まで、さまざまなサイズと品質のものがあります。論文は、濡れたときの質感、色相、酸性度、強さが異なる場合があります。滑らかな用紙はきれいな細部を表現するのには適していますが、より「くすんだ」用紙は、より良い描画素材を保持します。したがって、より粗い材料は、より深いコントラストを生成するのに有用である。
新聞とタイピングペーパーは、練習やラフスケッチに役立つかもしれません。トレーシングペーパーは、半完成の図面を試してみたり、あるシートから別のシートにデザインを移すのに使用されます。カートリッジ用紙は、パッドで販売される紙の基本的な種類です。ブリストルボードや、より滑らかな仕上げの重い酸フリーボードでさえ、細かいディテールに使用され、湿った媒体（インク、洗浄剤）が塗布されたときに歪まない。ベラムは非常に滑らかで非常に細かいディテールに適しています。冷たい水彩画紙は、その質感のためにインク描画に好まれる可能性がある。
酸を含まないアーカイブ品質の紙は、黄色に変わり、はるかに早く脆くなる新聞紙のような木材パルプをベースにした紙よりもはるかに長い色と質感を保ちます。
基本的な道具は、抽斗板またはテーブル、鉛筆削り機および消しゴム、およびインクの吸図、吸取紙である。使用される他のツールは、円の方位、定規、および正方形です。固定剤は、鉛筆やクレヨンマークの汚れを防ぐために使用されます。製図用テープは、紙面を紙面に固定するため、また、スプレーやスパッタリングされた材料や洗浄などの偶発的な痕跡が残らないようにマスクするために使用されます。イーゼルまたは斜めのテーブルは、描画面を適切な位置に保持するために使用され、一般的には、描画に使用される位置よりも水平である。
ほとんどすべての製図者は、口や足で描く身体障害者を除いて、手と指を使ってメディアを適用します。
イメージを扱う前に、アーティストは通常、さまざまなメディアの仕組みを探っています。彼らは、価値とテクスチャを決定するために練習シート上のさまざまな描画ツールを試みることができ、さまざまな効果を生み出すためにそのツールをどのように適用するのか。
アーティストの描画ストロークの選択は、イメージの外観に影響します。ペンとインクの描画では、しばしば平行線のハッチンググループが使用されます。クロスハッチングは、2つ以上の異なる方向のハッチングを使用して、より暗いトーンを作成します。壊れたハッチング、または断続的な折れ線があるラインは、より明るいトーンを形成し、折れ線の密度を制御することによって、トーンのグラデーションが得られます。点描は、ドットを使用して色調、質感、色合いを作成します。トーンを作る方法に応じて異なるテクスチャを実現することができます。
乾燥した媒体の描画では、鉛筆や描画スティックが連続的な音色変化を得ることができますが、同様のテクニックを使用することがよくあります。典型的には、絵画は、アーティストが好む手に基づいて記入される。右手系のアーティストは、左から右に描くことで、画像の汚れを避けることができます。消しゴムは、不要な線を取り除き、トーンを明るくし、迷い跡を取り除くことができます。スケッチまたは輪郭線描画では、しばしば描かれた線が被写体の輪郭に沿って描かれ、アーティストの位置にある光から陰影をつけて奥行きを作り出します。
場合によっては、残りの部分を塗りつぶしている間、アーティストは画像の部分をそのまま残します。保存する領域の形状は、マスキング流体で塗るか、またはフリースケットから切り取って描画面に適用して、マスクが除去されるまで迷いマークから表面を保護します。
画像の一部分を保存する別の方法は、スプレーオン固定剤を表面に塗布することである。これは、緩くなった材料をシートにしっかりと保持し、シートが汚れないようにします。しかし、固定スプレーは通常、呼吸器系に害を及ぼす可能性のある化学物質を使用するため、屋外などの換気の良い場所で使用する必要があります。
もう一つの手法は、描画面をグラファイトや木炭で覆い、消去して画像を作るサブトラクティブな描画です。
シェーディングは、紙の色調値を変化させて、材料の陰影および陰影の配置を表す技法である。反射光、陰影、ハイライトに注意を払うと、画像が非常に現実的に表現されます。
ブレンディングは、元の描画ストロークを柔らかくしたり広げたりするために、ツールを使用します。グラファイト、チョーク、または木炭のように、直ちに固まることのない媒体では最も簡単にブレンドできますが、新鮮なインクは汚れ、湿ったり乾燥したりすることがあります。シェーディングとブレンディングのために、アーティストはブレンド切り株、ティッシュ、混練した消しゴム、指先、またはそれらの任意の組み合わせを使用することができます。シャモアの部分は、滑らかなテクスチャを作成し、音色を明るくするために素材を削除するのに便利です。ブレンドすることなく滑らかな表面上にグラファイトを用いて連続的なトーンを達成することは可能ですが、技術は面倒で、多少鈍い点で小さな円形または楕円形のストロークを伴います。
図面にテクスチャを導入するシェーディングテクニックには、ハッチングやスティプルも含まれます。他の多くの方法でテクスチャが生成されます。紙の選択に加えて、ドローイングの素材とテクニックがテクスチャに影響します。テクスチャは、対照的なテクスチャの隣に描画されたときに現実的に見えるようにすることができます。滑らかにブレンドされた領域の隣に配置すると、粗いテクスチャがより明白になります。異なる音色を近くに描くことによって同様の効果を達成することができる。暗い背景の隣の明るいエッジは目に目立ち、表面の上に浮かぶように見えます。
図面内でブロックしながら対象の寸法を測定することは、対象を現実的に表現する上で重要なステップです。コンパスなどのツールを使用して、異なる辺の角度を測定することができます。これらの角度は、図面面で再現され、再確認されて正確であることが確認されます。測定の別の形態は、被験者の異なる部分の相対的なサイズを互いに比較することである。描画具に沿ったある点に置かれた指を使用して、その寸法を画像の他の部分と比較することができる。ルーラーは、ストレートエッジと、比率を計算するためのデバイスの両方として使用できます。
人間の姿のような複雑な形を描こうとすると、初めに一組のプリミティブボリュームでフォームを表現すると便利です。ほぼすべての形式は、立方体、球体、円柱、および円錐のいくつかの組み合わせによって表すことができます。これらの基本的なボリュームが一度類似して組み立てられると、図面をより正確で洗練された形に洗練することができます。プリミティブボリュームの行は削除され、最終的な類似のものに置き換えられます。基礎となる構成を描くことは、表現的芸術の基本的な技能であり、多くの本や学校で教えられています。その正確なアプリケーションは、小さな細部についてのほとんどの不確実性を解決し、最終的な画像を一貫して見せます。
図画のより洗練された芸術は、解剖学と人間の割合の深い理解を持っているアーティストに依存しています。訓練を受けた芸術家は、骨格構造、関節の位置、筋肉の配置、腱の動き、および運動中に異なる部分がどのように一緒に働くかに精通しています。これにより、人工的に硬く見えないより自然なポーズをレンダリングすることができます。また、肖像画を描くときには、年齢によってその比率がどのように変化するかにも精通しています。
線形パースペクティブは、距離が短くなるように平面上にオブジェクトを描画する方法です。ビルディングでもテーブルでも、オブジェクトの平行な直線エッジの各セットは、最終的に消失点に収束するラインに従います。典型的には、このコンバージェンスポイントは水平面のどこかにあります。複数の構造体が、道路沿いの建物のように互いに整列している場合、構造体の水平な頂点および底面は、典型的には消失点に収束する。
建物の正面と側面の両方を描くと、側面を形成する平行線は地平線に沿った第2の点に収束します（これは図面用紙から外れることがあります）。これは2点の視点です。水平線を地平線の上または下の3番目の点に収束させると、3点の視点が得られます。
深さは、上記の遠近法に加えて、いくつかの手法によっても描くことができます。類似したサイズのオブジェクトは、ビューアから離れているほど小さく表示されます。したがって、カートの後輪は前輪よりわずかに小さく見える。テクスチャを使用することで、奥行きを表現することができます。オブジェクトのテクスチャが遠くになると、圧縮されて忙しくなり、近くにある場合とはまったく異なる性質を持ちます。奥行きは、遠く離れたオブジェクトのコントラストを減らし、色の飽和を少なくすることによっても表現できます。これは大気のかすみの効果を再現し、主に前景に描かれたオブジェクトに目を集中させます。
画像の構図は、芸術的価値の面白い作品を制作する上で重要な要素です。芸術家は、アイデアや感情を視聴者に伝えるために、要素配置を計画しています。組成物は、芸術の焦点を決定することができ、審美的に魅力的で刺激的な調和のとれた全体をもたらす。
被写体の照明も芸術作品を作る上での重要な要素であり、光と影の相互作用は、アーティストのツールボックスの貴重な方法です。光源の配置は、提示されているメッセージのタイプにかなりの違いを生じさせる可能性がある。複数の光源は、例えば、人の顔のあらゆるしわを洗い流し、より若々しい外観を与えることができる。対照的に、厳しい昼光のような単一の光源は、任意のテクスチャまたは興味深い特徴を強調表示することができる。
オブジェクトや図形を描くとき、熟練したアーティストは、シルエット内の領域と外側の領域の両方に注意を払う。外装は負の空間と呼ばれ、図と同じように表現することができます。図の背景に配置されたオブジェクトは、表示できる場所に正しく配置されている必要があります。
調査とは、予定されている最終的なイメージを準備するために作成された草案です。スタディを使用して、完成した画像の特定の部分の外観を判断したり、最終目標を達成するための最善の方法を試すことができます。しかし、巧みに作られた研究は、それ自体が芸術作品になることがあります。何世紀もの慎重な作業で研究を完了することができます。
個人は、視覚的に正確な図面を作成する能力の違いを表示します。視覚的に正確な図面は、「特定の時間および特定の空間で特定のオブジェクトとして認識され、表現されたオブジェクトでは見えない視覚的詳細をほとんど加えずにレンダリングされるか、視覚的詳細をほとんど削除しない」として記述される。
調査研究は、一部の人が他の人よりも良くなる理由を説明することを目的としています。 1つの研究では、描画プロセスにおける4つの重要な能力、すなわち描画されるオブジェクトの認識、良好な表象決定を行う能力、マーク作成に必要な運動技能、およびドロワ自身の描画に対する認識が示されました。この仮説に従って、いくつかの研究が、これらのプロセスのどれが図面の精度に影響を与えるかが最も重要であると結論づけようとしている。
モータ制御は、ドローイングプロセスの「生産段階」において重要な物理的要素です。その効果は重要ではないが、モーターコントロールが描画能力に役割を果たすことが示唆されている。
個人が描く物体を知覚する能力は、描画プロセスにおいて最も重要な段階であることが示唆されている。この提案は、知覚能力と描画能力との間に堅固な関係があるという発見によって支持される。
この証拠は、ベティ・エドワーズの画期的な図書「脳の右側に描く」の基礎として機能しました。エドワーズは、読者の知覚能力の発達に基づいて、読者に描く方法を教えることを目指していました。
さらに、影響力のある芸術家・芸術評論家、ジョン・ラスキンは、彼の著書である「The Elements of Drawing」の描写過程における知覚の重要性を強調した。彼は、「私がほとんど確信していると、一度十分に見えると、私たちが見るものを描くのがほとんど難しい」と述べました。
これは視覚的に正確な図面を作成する能力にも影響することが示されています。短期記憶は、描いているオブジェクトと描画そのものとの間の視線シフトとして、描画において重要な役割を果たす。
芸術家と非芸術家を比較したいくつかの研究では、アーティストが作図中に戦略的に考える時間が多くかかります。特に、アーティストは、彼らが絵でどのように進歩するかについての異なる仮説的計画を検討するなど、「メタ認知的」活動に多くの時間を費やす。