現代美術（Contemporary art）は、20世紀後半または21世紀に制作された今日の芸術です。現代のアーティストは、世界的に影響を受け、文化的に多様で、技術的に進歩している世界で働いています。彼らのアートは、材料、方法、コンセプト、主題のダイナミックな組み合わせであり、20世紀にすでに順調に進んでいた境界の挑戦を続けています。多様で折衷的な現代美術は、全体として、統一された組織化の原則、イデオロギー、または「-ism」の欠如によって際立っています。現代美術は、個人的および文化的アイデンティティ、家族、コミュニティ、国籍などのより大きな文脈的枠組みに関係する文化的対話の一部です。
母国語の英語では、モダンとコンテンポラリーは同義語であり、専門家以外の人によるモダンアートとコンテンポラリーアートという用語の混乱と混乱が生じています。
他の分野では、この形容詞は独特です。現代文学と現代文学は異なる意味を表します。より明確に言えば、現代音楽の概念は通常、現代のポピュラー音楽（大量消費音楽業界からのもの）に限定されています。一方、現代音楽のそれは20世紀の学術音楽のそれのために作られています-両方の宗派を同化し、「現代芸術と現代芸術」について話す出版物や制度を見つけることも一般的です。
芸術の実践自体に加えて、現代美術には、美術批評と理論、教育機関と美術学校による美術教育、学芸員、現代美術出版物、メディアとメディア、公的および私的な収集、ギャラリー、フェアなどの分野が含まれます現代美術市場、現代美術生産産業、現代美術作品の展示、保存、文書化を行う場所です。
期間
現代美術という用語は、現代美術または前衛という用語を避けるために使用されます。日常の言葉では、モダンは「コンテンポラリー、コンテンポラリーテイストによるモダン」の意味であり、コンテンポラリーの同義語と見なすことができます。技術的に言えば、芸術と文化史の文脈において、現代性の概念は、まだ閉鎖されていないがすでに歴史的である芸術史の時代に多かれ少なかれしっかりと関連付けられています。特にポストモダニズムという用語の出現に関連して、ポストモダン建築も参照してください。ここの現代はもはや現代的または現代的とは見なされていません。
現代アートという用語は、概念、芸術スタイル、技法、形式、または芸術の流れ、運動、またはグループに属しているわけではありません。現代美術は絵画である可能性がありますが、ビデオアート、パフォーマンス、コンセプチュアルアート、抽象的な金属彫刻など、近年数十年で確立された形式にすることもできます。
現代美術という用語は、個々の芸術作品だけでなく、境界を定めるのが難しい文化的および経済的な芸術生産のシステムも対象とすることができます。これは、一部はアートビジネスと重なり、一部はアートマーケットに向いています。多くの美術館や定期的な美術展では、今日の自分たちを関連する現代美術の場所とみなしています。現代美術の最も重要な展覧会は、5年ごとに行われるカッセルでのドクメンタ展です。 2007年のドキュメンタの展覧会主催者は、コンテンポラリーアートと現在のアートという用語に関連して、「現在」とは、作品が昨日作成されたことを意味しないことを強調しました。それらは今日私たちにとって重要なものでなければなりません。 」
範囲
現代美術を「私たちの生涯」の中で生み出された芸術と定義し、生涯と寿命が変化することを認める人もいます。ただし、この一般的な定義には特別な制限があるという認識があります。
一般的な形容詞のフレーズではなく、特別なタイプのアートとしての「現代アート」の分類は、英語圏のモダニズムの始まりにさかのぼります。ロンドンでは、現代美術協会が批評家のロジャーフライなどによって1910年に設立され、公共の美術館に収蔵する芸術作品を購入するための民間団体として活動しています。 1938年にオーストラリアのアデレード現代美術協会など、1930年代にこの用語を使用した他の多くの機関が設立され、1945年以降は増え続けています。ボストン現代美術協会のような多くの機関が、この時代の「近代美術」は、モダニズムが歴史的芸術運動として定義されるようになり、多くの「近代」美術が「現代」ではなくなった。現代とは何かという定義は当然のことながら常に変化しており、現在に始まり、開始日が前に移動します。1910年に現代美術協会が購入した作品は、もはや現代とは言えません。
アートスタイルの変化を示すものと見なされてきた特定の点には、第二次世界大戦の終わりと1960年代が含まれます。おそらく1960年代以降、自然なブレークポイントの欠如があり、2010年代の「コンテンポラリーアート」を構成するものの定義はさまざまで、ほとんど不正確です。過去20年間のアートが含まれる可能性が非常に高く、定義には1970年頃まで遡るアートが含まれることがよくあります。 「20世紀後半から21世紀初頭の芸術」; 「20世紀後半から21世紀初頭の芸術であり、近代芸術の派生物であり、拒絶反応である」; 「厳密に言えば、「コンテンポラリーアート」という用語は、現在のアーティストが制作、制作したアートを指します。」 「1960年代または70年代から今までの芸術」そして、時にはさらに、特に美術館の文脈では、現代美術の永久的なコレクションを形成する美術館として、必然的にこの老化が見られます。多くの人がこの問題を回避するために「現代美術」という公式を使用しています。小さな商業ギャラリー、雑誌、その他の情報源はより厳密な定義を使用している可能性があり、おそらく「コンテンポラリー」を2000年以降に機能するように制限しています。長いキャリアと現在進行中の芸術運動の後でまだ生産的であるアーティストは、特定の問題を提示するかもしれません。ギャラリーや批評家は、作品を現代的なものと非現代的なものに分けることに消極的です。
社会学者のナタリー・ハイニッヒは、現代美術と現代美術を区別し、歴史的に部分的に重複する2つの異なるパラダイムとして説明します。彼女は、「現代美術」が表現の慣習に挑戦する一方で、「現代美術」は芸術作品の概念そのものに挑戦することを発見しました。デュシャンの噴水（1910年代に近代芸術の勝利の真っ最中に作られました）は、第二次世界大戦後にグタイのパフォーマンス、イヴクラインのモノクローム、ラウシェンベルクの消去されたクーニングデッサンによって勢いを増した現代美術の出発点と見なしています。
定義
「同時性」の概念は、まず第一に歴史的な概念です。このアプローチによると、現代の期間は第二次世界大戦の終結を伴う1945年から始まり、便宜上、ほとんどの研究は1945年に始まり今日まで続く期間を扱っています。
「同時性」は「同時性」も意味します。現代は同じ時期にあるものです。したがって、「コンテンポラリー」は、今日行われている方法です。芸術に適用すると、この概念には審美的な特異性があり、問題になる可能性があります。これは、俳優が作品を効果的に鑑賞するのに必要な距離がないためです。 「コンテンポラリーアート」という呼称は、したがって、年代順にとらえる必要はありません。すべてのコンテンポラリープロダクションは、コンテンポラリーアプローチに属しておらず、またそうであるとも主張していません。
新しい参照により、現代的な方法を定義することが可能になります。最初の1つは、前の時代に対する違反です。したがって、「コンテンポラリーアート」の概念は、いわゆる「クラシック」アートの概念、「ファインアート」、およびそのカテゴリ（絵画、彫刻など）の概念だけでなく、その独立性を主張したいと思います。しかし、「モダン」な方法でのコンセプトとの関連でも。したがって、現代的な方法には、それ自体に除外があります。それは「モダンアート」の継続の一部であり、それに終止符を打ちたいと思います。
さらに、「現代的なマナー」という表現は、現在も活動的であり続けることができるアーティストのために今日使用されています。この場合、ポップアート、コンセプチュアルアート、フルクサス、ハプニングなど、1960年代の現代的な方法の原点となります。またはビデオアート。現代美術の時代と、それを技術の特異性の探求として定義したクレメント・グリーンバーグの理論が終わるのは、これらの芸術的潮流である。
同時性の定義に対するこの絶え間ない探求において、芸術批評と制度は重要な役割を果たします。したがって、一般的に、現代の「ラベル付き」アプローチのアートフォームから除外されます。このアートフォームの問題は、「現代的な」批評によって促進された傾向を反映していません。
地理的な観点から、主要なメディアの場所、主に西部（パリ、ロンドン、ニューヨーク）から始まり、1989年のベルリンの壁の崩壊に伴い、中国はこれと同じ時期に台頭しました。現代美術の世界はグローバルになり、アフリカとラテンアメリカはこの進歩を免れませんでした。
テーマ
多くの人々が現代のアートワークに取り組む上での難しさの1つは、その多様性、つまり材料、形式、主題、さらには期間の多様性です。 「統一された組織原理、イデオロギー、またはイズミズムの欠如によって際立って」、私たちは他の、そしてしばしばより身近な、芸術の時代や運動でしばしば見られます。大まかに言えば、モダニズムはモダニズムの原則を見ていると見なしています。作品の焦点は自己参照であり、独自の資料（線、形、色、形の調査）を調査しています。同様に、印象派は、厳格なリアリズムの試みとは対照的に、光と色を通して一瞬の私たちの知覚を調べます（リアリズムも芸術運動です）。
一方、現代美術には、単一の目的や視点がありません。その代わり、その見方は不明確で、おそらく今日の世界を反映しています。したがって、それは矛盾し、混乱を招き、オープンエンドになる可能性があります。しかし、現代の作品に登場する共通のテーマはいくつかあります。これらは網羅的ではありませんが、注目すべきテーマには、アイデンティティの政治、身体、グローバリゼーションと移住、テクノロジー、現代社会と文化、時間と記憶、制度的および政治的批評などがあります。ポストモダン、ポスト構造主義、フェミニスト、マルクス主義の理論は、現代の芸術理論の発展に重要な役割を果たしてきました。
歴史
起源
写真の登場は、ドガなどの19世紀の多くの芸術家に影響を与え、現代美術の誕生に貢献しました。アートはもはや現実を忠実に表現するという重要な機能を備えているだけでなく、写真はより優れた能力を発揮し、アートは他の形を試し、美の基準を打ち破り、新しい実験や概念的なアイデアを提供できるようになりました。
現代アートには、現代アートの実験（xx世紀初頭）の基礎があり、特に伝統的で制度的な場所からアートを取り出したいという欲求があります。この意味で、アートはその代表的な機能を徐々に失っています。現代の創造物は、紛争に包まれた現実と、これらの合理性への攻撃が引き起こす権力の奪取の鏡となっています。アートは社会の危機を反映し、価値の表現の場であり続けます。芸術と歴史の関係は定性的でも定量的にも評価されませんが、コレクター、本社、ギャラリー、美術館など、より制度化されたアートの概念につながり、より幅広い聴衆に開かれます。しかし、公共の問題に取り組むための制度的枠組みの外で彼らの芸術的意見を表明したいという願望の中で、現代美術の俳優は、依然として制度に関連している。彼らのアプローチは、イデオロギー（ナチズムへのハートフィールド）に反対すること、または逆に政治思想の普及に参加することでした。
現代美術に課せられたイデオロギーの終わりにもかかわらず、現在の芸術家は、制度への深いコミットメントを表現することにより、この遺産を独力で引き受けています。特に、それらの感度が妨げられている場合。
今日、現代アートは現代のイデオロギーの衰退を経験しています（1960年代、その後1990年から共産主義の崩壊とともに）。それは新しい振る舞いに基づいています：文体の刷新、芸術的な混合、多様な起源、技術芸術（コンピューターの数学的能力とソフトウェアの人間工学へのアクセス）、現実へのアプローチのモード。テクノロジーは常にアートにツールをもたらしてきました。今日、アーティストはそれをメディアツールとして使用し、新しいツールを発明しています。リストされているのは歴史文化に基づいています。読んで、訪問し、理解し、検索し、専門化し、主題に焦点を当て、行われたことを超えます。彼は時々立ち止まり、デモンストレーションや衝撃的なことを望みます。いずれにせよ、彼はメディアの取材を求めています。
「美術」から造形へ
現代美術は現代美術の実験に基づいており、マルセルデュシャンによって開かれた違反、および表現の古典的な制約から芸術の実践を解放した他の人が定期的に主張しています。
ポストモダニスト思想は、イデオロギーの流れ（共産主義と資本主義）から解放された現代美術に固有の問題のほとんどを定式化しましたが、献身的なアーティストが政治的またはイデオロギー的虐待を批判することを防ぎました。
フランスでは、造形芸術の学部の創設は、美術の学問的教育に異議を唱えるための基礎を構成しています。芸術教育、社会学、民族学、美学などの分野で以前は外国であった主題が、最近の進展に合わせて芸術研究を導きます。
美の正式な検索に続いて、新しい美的研究の道が続きます。その中で最も過激なものは、コンセプチュアルアート、ミニマリズム、パフォーマンス、ボディアートであり、アートの意味と認識を永続的に変更します。
しかし、新しい現実主義者、自由な造形、トランスアヴァンギャルド、特定の狙撃兵などの特定の流れは、彼らの創造的なアプローチを根本的に変えながら、伝統的な媒体を離れませんでした。
メディアの種類の内訳（インスタレーションやパフォーマンスなどのために、多くの場合、絵画は放棄されます）と作品の内容によって、アートメディエーションのネットワークが大幅に変更されます。新しいギャラリーに加えて、新しい展示のコンテキストと新しい普及メディアの登場があります。
パリでは、パリ市の近代美術館にあるサロン比較は、1954年に、これらのトレンドのすべての出展者の出会いの場であり、同じ空間で、比喩的な抽象画家とイーゼル。
グローバル化時代の現代美術
1980年代以降、ビデオアート、通信美学、コンピュータアート、そしてその後、デジタルアート、バイオアートなど、「技術的」要素の強い芸術が登場しました。リストは完全ではなく、進歩に非常に近いものです。産業研究の。
1990年代に、西洋の現代美術は、いわゆる「発展途上国」からの多くのアーティストにその「ラベル」を与えました。グローバリゼーションのパラダイムと古典的な時空参照の喪失は、個人的なアプローチを重視しており、伝記的、社会学的、さらには宗教的な要素さえも、作業プロセス内で評価されています。
インターネットにリンクされたコミュニケーションは、展覧会自体の上流にある現代美術の受容と調停においてますます重要な役割を果たしており、州の調停構造をますます統合しています。それは、将来の価値について無料でアドバイスする「現代美術コンサルタント」に道を譲ります。最も先進国で起こった変化（特に第3セクターのシェアの増加）は、芸術に対するますます一般化されたニーズを生み出しましたが、芸術家の仕事、危機の義務を容易にしません。
現代美術は、一般の人々の目にはしばしば曖昧で挑発的であり、公式芸術の発散と見なされることがよくあります。しかし、それは今日以前よりもはるかに受け入れられ、広く普及しています。品質の異なる作品が急増すると混乱を招き、多くの場合、一般市民の個人的な投資が必要になります（近代芸術理論を参照）。
インターネットに掲載されている現代美術の作品も、潜在的な金銭的損失であり、真に独創的な作品を犠牲にしてファッション効果を排除するものではありません。
メディアとメディエーションの間
古典的な媒体（油絵、パステル、サンギン、ブロンズ、大理石など）に加えて、現代美術は特に「非媒体」でさえ新しい媒体が好きです。特に、多くの作品の短命または「進行中」の召命は、メディアの概念そのものに疑問を投げかけます。これは、安定したサポートではなく、単純なメディエーションのベクトルになることがよくあります。これは、1980年代に始まった情報メディアの変容に沿ったものであり、「関係性」の論理を支持して徐々に電子化されています。
「有形」媒体
鏡（アート＆言語ミラーピース）
廃棄物（Daniel Spoerriによる朝食）、さまざまな材料（コンクリート、土、砂など）
糞便（ピエロ・マンゾーニのクラップアーティスト）、尿、血液
ポリスチレン、ポリウレタン、シリコーン、プラスチックなど（シーザーの拡張）
その他のオブジェクトは多かれ少なかれ変形または劣化しました（ArmanおよびGérardDeschampsの累積）
「無形」の媒体
環境（特にランドアートの場合、James Turrell light）
シチュエーションhic et nunc（社会学芸術集）
現在のプロジェクト（RomanOpałkaが進行中の作業）
プレス体験（Space Media Fred Forest）
「技術」媒体
マイクロフィルム（芸術＆言語）
ファックス（ハンスハアケ）
コンピューターソフトウェア（Art＆Language The Cybernetic Art Work that who’n break）
Net.art
機械システム（Stelarc）
生きている遺伝子（バイオアート）
写真などの特定のメディア-「ビジュアルアーティスト」（Joel-Peter Witkin）-映画-「実験的」（Matthew BarneyによるCremasterシリーズ）-独自の方法で芸術の地位を獲得絵画、彫刻、音楽よりも）、そして今日では自律的なカテゴリーを構成しています。
マルチメディアアートの概念は、今日広く質問されていますが、1950年代に登場したインスタレーション、しばしば混合パフォーマンスの作品のステータスに疑問を投げかけています。
機関
芸術の世界の機能は、主要な美術館からプライベートギャラリー、非営利スペース、美術学校、出版社に至るまでの芸術施設、および個々のアーティスト、キュレーター、作家、コレクター、慈善家の活動に依存しています。近年、営利団体と非営利団体の境界はますます曖昧になっていますが、芸術の世界では主要な部門が営利部門と非営利部門に分かれています。最も有名な現代美術は、民間のコレクター、アートオークション、企業、公的資金による芸術組織、現代美術館、またはアーティストが運営するスペースのアーティスト自身によって、商業現代アートギャラリーでプロのアーティストによって展示されています。現代のアーティストは、助成金、賞、賞品、および彼らの作品の直接販売によって支えられています。キャリアアーティストは、アートスクールでトレーニングしたり、他の分野から生まれたりします。
公的資金による現代美術団体と商業部門の間には密接な関係があります。たとえば、2005年に「Understanding International Art Markets and Management」という本は、英国では一流のディーラーが公的資金による現代美術館を代表するアーティストを代表していると報告しています。商業組織には、ギャラリーやアートフェアが含まれます。
企業はまた、彼ら自身を現代美術の世界に統合し、構内で現代美術を展示し、現代美術賞を組織および後援し、広範な企業コレクションを構築しています。企業の広告主は、コンテンポラリーアートとクールハンティングに関連する威信を頻繁に使用して、消費者の関心を高級品に引き付けます。
芸術機関は、現代美術と呼ばれるものを規制することで批判されてきました。たとえば、アウトサイダーアートは、現代で制作されているという点で、文字通り現代アートです。しかし、アーティストは独学であり、芸術の歴史的文脈の外で働いていると想定されているため、それはそうではないと見なされているとある批評家が主張しました。テキスタイルデザインなどの工芸活動も、展覧会の観客が多いにもかかわらず、現代美術の領域から除外されています。美術評論家のピーターティムスは、工芸品が現代美術の領域に入るために特定の値に同意しなければならない方法に注意が向けられていると述べています。 「美しさの本質についての破壊的なコメントとして意図された陶器のオブジェクトは、単に美しいものよりも現代美術の定義に合う可能性が高いです。」
いつでも、特定の場所またはアーティストのグループは、その後の現代美術に強い影響を与えることができます。たとえば、ファーラスギャラリーはロサンゼルスのコマーシャルギャラリーであり、50年代後半から60年代にかけてカリフォルニアのコンテンポラリーアートシーンを再び活性化しました。
世論
現代アートは、アートとその機関がその価値を共有していると感じていない一般の人々と対立することがあります。イギリスでは、1990年代に現代美術が大衆文化の一部となり、芸術家がスターになったが、これは期待される「文化的ユートピア」につながらなかった。 Julian SpaldingやDonald Kuspitのような一部の批評家は、懐疑論は拒絶さえ、多くの現代美術に対する正当で合理的な対応であると示唆しています。 「Art Bollocks」と呼ばれるエッセイのブライアンアシュビーは、「多くのインスタレーションアート、写真、コンセプチュアルアート、ビデオ、および一般にポストモダンと呼ばれるその他の慣行」を、理論的言説の形での言葉による説明に依存しすぎていると批判します。しかし、美術品を構成するものに対する見方が変化したため、美術館での非伝統的芸術の受け入れは増加しています。
懸念
20世紀初頭以来の共通の関心事は、芸術を構成するものの問題でした。現代（1950年から現在まで）では、ギャラリー、美術館、コレクターが注目するアートを決定する際に、前衛の概念が影響を与える可能性があります。
現代美術への懸念は、批判にも入ります。アンドレア・ローゼンは、一部の現代の画家は「現代のアーティストであることの意味をまったく理解していない」、「彼らはすべての間違った理由でその中にいる」と語っています。
コンセプトへの批判
ただし、グローバリゼーションのプロセスでは、コンテンポラリーユニフォームの概念に疑問が生じます。 「コンテンポラリーアート」はポストモダニズムの集合的な写真です。言語論理によると、この単語の組み合わせは、多かれ少なかれグローバルな現代のコミュニティを包含すると主張しています。実際には、それは入場機能を備えた価値の概念として機能します。それは芸術とは何か、そうでないものを決定します。この違いのために、確立された「現代美術」の概念に適合しない現代美術の芸術的質は否定されます。
以下の5つの抜粋は、いわゆる「コンテンポラリー」アートに関して策定された批判の本質を要約したものです。
納税者のお金を浪費している無責任な公務員によって支えられた本質的に国家芸術であると見るジャン・モネレットのパンフレットのビジョン。
美の概念の否定を示すことによって現代美術の支持者の弁証法の終わりに行くフィリップ・ルジューンの分析。
行政裁判所の前で州を攻撃することにより、Jean Monneretに近い有罪判決を擁護するために行動を起こしたFred Forest。
造形芸術家のダニエル・ビューレンは、空の芸術の現代美術における思考の破産に気づきます。
フランクルパージュは、彼の身振りで書かれた講義の1つ中に、誰がダンスをリードしているのかという本を引用しています。 CIAと文化冷戦（誰がパイパーを支払ったのか？：CIAと文化冷戦）は、冷戦の文脈でCIAが文化の自由のための議会などの組織に現代美術を促進するために資金を提供した方法を説明するフランシスストーナーサンダースによる西ヨーロッパでは、それをアメリカの芸術として表現し、社会的および政治的意味を奪うために。
ジャン・モネレット
サロンデインデパンダント1999年のカタログレゾネで、サロンの社長、ジャンモネレは、現代美術の合意された定義に反対する暴力的なパンフレットを発表しました。州および地方自治体が購入した作品：
“現代美術？すべての生きている芸術家は現代美術の一部です。芸術を作るのは芸術家です。すべての芸術家です。自由に！
しかし、国家は、興味があるに値する芸術、いわゆる「コンテンポラリー」芸術、つまり国家芸術が1つだけあると国民に信じてもらいたいと考えています。あたかもインスタレーション、パフォーマンス、または未開拓の芸術-それが付随する伝説が下痢である限り-は、それ自体、歴史的で直線的で議論の余地のない芸術的伝統の継続です。いわゆる「コンテンポラリー」アートでは、見るものが少なくなればなるほど、言うべきことが増えます。現代美術の展覧会では、換気ダクト、緊急用設備、または衛生設備のタイルが、しばしば提示された作品と融合しています。では、問題はどこにあるのでしょうか。コンテナとコンテンツの調和は完璧です。
実際には、歴史的なサロンの芸術。民主主義は、納税者のお金を懸念している国家に、排除せずにその多様性すべてにおける現代の現実を説明することを要求するだろう…」
フィリップ・ルジューン
2006年7月のテイラーの道徳的報告では、副大統領、画家、ジャーナリストのフィリップルジューンであるテイラー男爵の創設を振り返ることで、美術と現代美術の概念を区別しています。
「私たちは「絵画」と呼ばれる芸術を実践しています。この活動はかつて美術の一部と見なされていました。現代性に関心があり、とりわけ、美しさほど耐えがたい命令を取り除くことを望んでいることから、私たちが生きている古いものと現代的なものとの争いは、美しさへの言及を取り除くことで構成されています。前世紀の半分の経験の後、もはや芸術の伝統的な価値をさらに変えることができなくなって、彼らは常に同じ見かけのラベルで、全く異なる商品を供給することに決めました。彼らは正直だった、彼らの名前を変えるためにそれに直面しましょう。現代的なサロンはもはや絵画サロンではなく、現代的なアートサロンです。
現代美術は「絵画」が展示された場所に展示され、自然に混乱を引き起こします。しかし、新しい芸術の形式を定義するのではなく、プレイヤー、橋にうんざりしている、ベロテの規則を適応させるなど、別の分野の規則を適用します。現代美術は、「除外」を除くすべての規則を拒否します。有名なスローガンはすべての禁止を禁止することでした。現代美術はウカセにのみ生息しています。表現以外のもの。
現代アートは、それ自体をコンセプチュアルと呼んでいます。つまり、コンセプトから始まり、私たちはなんとかセンセーションを提供します。
美術は完全に異なる目標を持っており、非常に異なるプログラムを持っています。証明されたものから始めて、彼らはそれを集合的な記憶に直面させて、アイデア、つまり比較できる要素に正確に到達します。 」
フレッドフォレスト
MNAM（中央ジョルジュポンピドゥ）に対する裁判の後、フレッドフォレストは彼の本の裏表紙に「現代美術の機能と機能不全（L’Harmattan、Paris、2000）」と書いています。
「この本は、現在のエリートの形態でもはや続けることができないシステムの限界と矛盾を明らかにする傾向があり、何百人もの特権のある人々の利益のために常に満足しています。鉄の鍋に対する鍋、それは中央ジョルジュポンピドゥーに対する国務院までの私の訴訟のメニューによる説明であり、彼を通して、彼らの買収に関する透明性の拒否と彼らの失敗に対する現代美術の公的機関に対するものです芸術を超えて、ここで行われるアプローチは、何よりも、公的資金の使用と民主主義における文化の問題について真の質問をする市民的アプローチです。」
ダニエル・ビューレン
2011年9月、レビューのL’ŒilのDaniel Burenは、長いインタビューの中で、「現代美術」という表現の無能力、混乱、破産について次のように述べています。
「一般的に、彼に起因する圧倒的な健康-世界中の2年間のビエンナーレ、すべての分岐点での見本市、および混雑したオークションルーム-は、考えて、危機に瀕している領域のやや逆説的な側面であると思いますそれは歴史の瞬間ではなく、日々のファッションです。「現代的」は完全に無意味な用語ですが、それを芽で全滅させるために発見された最も強力な発見の1つです。アーティストは、ほんの少し新しくて気になるものを提示することができました。」