漫画

コミックは、テキストやその他の視覚情報と組み合わせて、イメージでアイデアを表現するために使用される媒体です。コミックは、しばしば並置された一連の画像の集合をとる。スピーチバルーン、キャプション、オノマトペなどのテキストデバイスは、対話、ナレーション、効果音、またはその他の情報を示すことがあります。パネルの大きさと配置は物語ペーシングに寄与する。漫画と同様の形のイラストレーションは、コミックの最も一般的なイメージ作成手段である。 fumettiは、写真画像を使用する形式です。一般的な形の漫画には、漫画版、編集およびギャグの漫画、漫画が含まれます。 20世紀後半以降、グラフィック小説、コミック・アルバム、タンクーボンなどの冊子がますます普及し、21世紀にはオンライン・ウェブ・コミックが普及しました。

英語の言葉漫画は、単数名詞として使用され、媒体を指す場合は複数形、個々の小冊子や漫画などの特定のインスタンスを指す場合は複数形となります。この言葉は、初期のアメリカの新聞のコミック版で支配的だったユーモラスな(またはコミック)作品に由来するものですが、それは非ユーモラスな作品にも標準となっています。日本の漫画の漫画やフランス語の漫画のデッサンなど、元の言語で使われていた言葉で、異なる文化の漫画を参照するのは英語で一般的です。理論家と歴史家の間では、漫画の定義についてはコンセンサスがない。画像とテキストの組み合わせ、連続性や他の画像関係、大量複製や繰り返し文字の使用などの歴史的側面を重視するものもあります。異なるコミックの文化や時代からの概念の相互受粉の増加は、さらに定義を困難にしている。

漫画の歴史は、さまざまな文化の異なる道をたどってきました。奨学生は、Lascauxの洞窟の絵と同じくらい前の歴史を残しています。 20世紀半ばまでには、特にアメリカ、西ヨーロッパ(特にフランスとベルギー)、日本で漫画が栄えました。ヨーロッパの漫画の歴史は、しばしば1830年代のロドルフ・テペファーの漫画の痕跡にたどり着き、1930年代にはティンティンの冒険などの書籍や書籍の成功に続いて人気が高まった。アメリカの漫画は20世紀初めに新聞の漫画の出現とともに大衆メディアとして浮上した。 1930年代には雑誌スタイルの漫画が続き、1938年にスーパーマンが登場した後にスーパーヒーローのジャンルが顕著になった。日本の漫画と漫画の歴史は、12世紀の早い時期に起源を提示する。手塚治虫のような漫画家の人気を得て、20世紀初頭に日本で現代の漫画が登場し、第二次世界大戦後の漫画雑誌や書籍の出力が急速に拡大しました。コミックは歴史の大部分で低俗な評判を持っていましたが、20世紀の終わりには公衆と学界でより大きな支持を得るようになりました。

コミック・ストリップは、一般的に、新聞に伝統的に出現している短い、マルチパネル・コミックです。米国では、毎日のストリップは通常1つの層を占め、日曜日のストリップは複数の層を与えられています。 20世紀初頭には、日刊紙は通常白黒で、日曜日は通常色が濃く、しばしば全ページを占めていました。

特殊な漫画の定期刊行物のフォーマットは、文化によって大きく異なります。主にアメリカの書物であるコミックは、通常カラーで出版される薄い定期刊行物です。ヨーロッパと日本の漫画は、雑誌で頻繁に連載されています(ヨーロッパでは毎月または毎週、通常は日本では白黒と週に1回)。日本の漫画雑誌は、通常数百ページに及ぶ。

ブック・レングス・コミックは、異なる文化の中で異なる形をとっています。ヨーロッパの漫画のアルバムはA4サイズのカラーで最も一般的に印刷されます。英語圏の国では、収集された漫画を元にした貿易のペーパーバック形式もオリジナルの素材として選ばれています。そうでなければ、漫画の束縛されたボリュームはグラフィック小説と呼ばれ、様々なフォーマットで利用可能である。 「小説」という言葉(通常は小説に関連する用語)を取り入れているにもかかわらず、「グラフィック小説」はノンフィクションと短い作品の集まりを指す。日本の漫画は、雑誌の連載に続いて、tankōbonという巻に集められます。

ギャグと編集用の漫画は、通常、1つのパネルで構成され、多くの場合、キャプションや吹き出しのバルーンが組み込まれています。シーケンスを強調する漫画の定義は、通常ギャグ、編集、および他の単一パネルの漫画を除外する。彼らは単語と画像の組み合わせを強調する定義に含めることができます。ギャグの漫画は、18世紀と19世紀のヨーロッパで出版されたブロードシートで最初に増殖し始め、1843年に英国のユーモア雑誌パンチでそれらを表現するために “漫画”という言葉が使われました。

Webcomicsはインターネット上で利用可能な漫画です。彼らは多くの視聴者にアクセスすることができ、新しい読者は通常、アーカイブされた分割払いにアクセスすることができます。 Webcomicsは無限のキャンバスを使用できます。つまり、ページのサイズや大きさに制約されません。

いくつかは、ストーリーボードと無言の小説を漫画とみなしています。フィルムスタジオ、特にアニメーションでは、フィルムシーケンスのガイドとして一連の画像を使用することがよくあります。これらのストーリーボードは最終製品として意図されておらず、一般にはほとんど見られません。無言の小説は、物語を伝えるために一連の字幕のない画像を使用する本です。

漫画という用語は、無数の名詞として使用されたときの漫画媒体を指し、したがって、「漫画は媒体」ではなく「漫画は媒体」であるという単数を取ります。コミックが数えられる名詞として現れるとき、それは個々の漫画や漫画のようなメディアのインスタンスを指します。「トムのコミックは地下にあります。

パネルはアクションのセグメントを含む個々の画像であり、しばしば境界で囲まれています。物語の主な瞬間は、カプセル化と呼ばれるプロセスを経てパネルに分解されます。読者は、バックグラウンドの知識とパネル関係の理解を使用して、パネルを精神的にイベントに結合することによって、閉鎖のプロセスを介して作品をまとめる。パネルのサイズ、形状、配置はそれぞれ、物語のタイミングとペーシングに影響します。パネルの内容は非同期であり、同じ画像内に描かれた事象は必ずしも同時に発生するとは限らない。

テキストは、吹き出しの風船、キャプション、および効果音を介して、コミックに頻繁に取り込まれます。スピーチバルーンは対話(または思考バルーンの場合は思考)を示し、テールはそれぞれのスピーカーを指します。キャプションは、ナレーターに声を出したり、文字の会話や思考を伝えたり、場所や時間を示すことができます。スピーチバルーン自体は、漫画に強く関連付けられているため、画像に漫画を追加するだけで画像を漫画に変えることができます。サウンドエフェクトは、オノマトペサウンドの単語を使用してテキスト以外のボーカルサウンドを模倣します。

漫画は、伝統的にディップペンやインクブラシでインク(特にインドのインク)を使用して漫画を作る際に最も頻繁に使用されます。ミックスメディアとデジタル技術が一般的になってきています。モーションラインや抽象的なシンボルなどの漫画技術が採用されることがよくあります。

漫画はしばしば単一の作成者の仕事ですが、それらを作る労力は多くの専門家の間で分けられます。独立した作家やアーティストがいるかもしれません。日本では一般的なように、アーティストは文字や背景などのアートワークの一部を専門としています。特にアメリカのスーパーヒーロー漫画では、アートは鉛筆の中にアートワークを置く鉛筆と、インクで芸術作品を完成させるインカー。カラーリスト。キャプションと吹き出しの吹き出しを追加する文字を入力します。

ヨーロッパ、アメリカ、日本の漫画の伝統は、さまざまな道を歩んできました。ヨーロッパ人は1827年にスイスのRodolpheTöpfferから始まり、Richard F. Outcaultの1890年代の新聞社The Yellow Kidでアメリカ人が起源を見てきた伝統を見てきましたが、多くのアメリカ人がTöpfferの優先権を認めています。日本は、第二次世界大戦までの風刺漫画や漫画の先史史が長い。浮世絵芸術家北斎は、19世紀初め、マンガ漫画のための日本語を普及させた。戦後は、手塚治虫が多くの作品を制作した現代日本の漫画が盛り上がり始めました。 20世紀の終わりに向けて、これらの3つの伝統は、ヨーロッパのコミック・アルバム、日本のタンクーボン、英語圏のグラフィック小説のような本の漫画の傾向に収束しました。