中国の絵画は、世界で最も古い連続芸術の伝統の一つです。 伝統的なスタイルの絵画は、今日、中国では20世紀に中国で人気を博した西洋スタイルの芸術とは対照的に、「国家」または「ネイティブ絵画」を意味するguóhuà（中国語：國絵）として中国語で知られています。 伝統的な絵画は本質的には書道と同じテクニックを含み、黒いインクや着色された顔料に浸したブラシで行われます。 油は使用されない。 書道と同様に、絵画が作られる最も一般的な資料は紙とシルクです。 完成した作品は、吊り下げスクロールやハンドスクロールなどのスクロールに取り付けることができます。 伝統的な絵画は、アルバムシート、壁、漆器、折り畳み式スクリーン、および他のメディアでも行うことができます。
中国絵画の2つの主要な技術は次のとおりです。
Gongbi（工筆）は細部を細かく区切った非常に詳細なブラシストロークを使用しています。 それはしばしば非常に色づけされており、通常は、図的または物語的な主題を描いています。 それは王室のために働いているアーティストや独立したワークショップで頻繁に実践されています。
水墨画や筆画とも呼ばれる中国の水墨（水墨、水とインキ）のインクやウォッシュペインティングは、中国学者の「四つの芸術」の1つである「文芸絵画」としても知られています公式クラス。 理論的には、これは紳士が練習した芸術であり、宋時代の芸術の文章で始まる区別であるが、実際に指導者指導者のキャリアはかなり利益を得ることができる。 このスタイルは、「xieyi」（寫意）またはフリーハンドスタイルとも呼ばれます。
景観絵画は中国絵画の中で最も高い形態とされていましたが、一般的にはまだそうです。 5つの王朝時代から北宋時代（907-1127）までの時間は、「中国の景観の偉大な時代」として知られています。 北では、Jing Hao、Li Cheng、Fan Kuan、Guo Xiなどのアーティストは、強い黒い線、インクウォッシュ、鋭い点線のブラシストロークを使用して荒れた山を描く、聳え立つ山の写真を描きました。 南では、ドンユアン、ジュラン、そして他の芸術家たちが、より柔らかく擦った筆を使って平和な場面で自国の田舎の圧倒的な丘や川を描きました。 これらの2種類のシーンと技法は、中国の風景画の古典的なスタイルになりました。
特色と研究
中国の絵画と書道は、動きとダイナミックな生活の変化に重点を置いて他の文化の芸術とは区別されます。 この練習は、伝統的には、マスターがアイテムを描く「正しい方法」を示す、ロットによって伝統的に最初に学習されます。 見習いは、動きが本能的になるまでこれらのアイテムを厳密かつ連続的にコピーする必要があります。 現代では、イノベーションが原則である現代美術シーンの中で、この写本主義の伝統の限界についての議論が浮上した。 ライフスタイル、ツール、色を変えることは、新しいマスターの波にも影響を与えます。
早期
最も初期の絵画は表現的ではなく装飾的であった。 彼らは絵ではなく模様やデザインで構成されていました。 初期の陶器には螺旋、ジグザグ、点、動物が描かれていました。 戦争期（紀元前475-221年）の間にのみ、アーティストが周りの世界を代表し始めました。 皇帝時代（東ジン王朝時代）には、中国の絵画と書道が裁判所で最も高く評価された芸術の1つであり、彼らを完璧にするのに必要な余暇があったアマチュア貴族や学者の職員によって頻繁に練習されましたテクニックと感性を大切にしています。 書道や絵画は最も純粋な芸術の一つと考えられていました。 その道具は、動物の髪の毛でできたブラシペンと、松の煤と動物の糊でできた黒いインクでした。 古くから、筆記や絵画はシルクで行われていました。 しかし、西暦1世紀の紙の発明の後、シルクは徐々に新しい安い材料に置き換えられました。 有名な書家のオリジナルの著書は、中国の歴史を通じて大きく評価され、絵画と同じようにスクロールに取り付けられ、壁に掛けられています。
漢（206 BC-220 AD）から唐（618-906）までの芸術家は主に人間の姿を描きました。 私たちが初期の中国の絵画を知っていることの多くは、シルクバナー、漆塗りの物、墓壁に絵が保存されていた埋葬地から来ています。 多くの初期の墓の絵画は、死者を守るため、または魂が楽園に行くのを助けるためのものでした。 中国の哲学者である孔子の教えや、日常生活の様子を描いた作品もある。
6つの王朝期間（220-589）の間に、人々はそれ自身の美しさと美術について書こうと思っていました。 この時から、Gu Kaizhiのような個々のアーティストについて学び始めます。 これらの芸術家が夫の妻や親の子供の適切な行動など、儒教の道徳的なテーマを描いたとしても、その人物を優雅にしようとしました。
6つの原則
「中国絵画の6つの原則」は、5世紀中国の作家、芸術史家、批評家、Xie Heが、「絵を鑑賞する際に考慮すべき6点」（繪畫六法）古い絵画の分類の記録 “（古絵品錄）。 これは紀元前550年頃に書かれたもので、「古い」および「古代の」慣行を指していることに注意してください。 絵画を定義する6つの要素は次のとおりです。
テーマ、仕事、アーティストを取り巻くエネルギーの流れを指す「スピリット・レゾナンス」、すなわち活力。 彼はスピリット・レゾナンスなしでは、さらに見る必要はない、と彼は言った。
「Bone Method」は、ブラシの使用方法やテクスチャや筆のストロークだけでなく、手書きとパーソナリティの密接な関連性を指します。 当時、書道の芸術は絵画とは切り離せませんでした。
“対象との対応”、または形や線を含む形の描写。
「タイプへの適合性」、またはレイヤー、バリュー、トーンを含むカラーの適用。
構成、空間、深度に対応する「分割と計画」、または配置と配置。
“コピーによる伝達”、またはモデルのコピーではなく、人生からだけでなく、古代の作品から。
隋と唐の王朝（581-907）
唐時代には、王立裁判所でフィギュアの絵画が栄えた。 周such（Zhou Fang）などの芸術家は、皇帝、宮殿婦人、皇室の馬の絵画で宮廷生活の素晴らしさを描いた。 フィギュア・ペインティングは、南唐（937-975）裁判所の芸術においてエレガントな現実主義の高さに達しました。
唐の芸術家の大部分は細かい黒線で図を描き、鮮やかな色と精巧な細部を使いました。 しかし、1人の唐の芸術家、呉Daoziマスターは、黒いインクだけを使用し、人を集めて彼の仕事を見て非常にエキサイティングなインク塗装を作成するために自由に塗装しました。 彼の時代から、墨絵は、もはや色で塗りつぶされる予備のスケッチまたは輪郭ではないと考えられていた。 代わりに、彼らは完成した芸術作品として評価されました。
唐時代からは、多くの絵画が山水（山水、山水）の絵画であることが多い。 単色や疎（これらを総称して「シュウモア」と呼ぶ）の風景では、自然の様子を正確に再現するのではなく、自然の「リズム」を捉えるかのように感情や雰囲気を捉えることが目的でした。
遼、宋、晋、元朝（907-1368）
宋時代の絵画（960-1279）は風景絵画の発展を遂げました。 計り知れない距離は、ぼやけた輪郭、山の輪郭が霧の中に消えていくこと、自然現象の印象派的な扱いを使って伝えられました。 中国の風景画では、山陰を意味する「山」と川を意味する「水」が顕著になりました。 風景に重点を置いたのは中国の哲学に根ざしたものでした。 道教は、広大な宇宙の中で人間は小さな斑点であると主張し、新儒教の作家は、社会や自然現象を引き起こしたと思われるパターンや原則の発見をしばしば追求した。 肖像画と枝の上の鳥のように密接に観察されるオブジェクトの絵画は高く評価されましたが、風景画が最優先でした。 宋代の初めには独特の景色が現れました。 アーティストは、前景に配置された複雑で現実的なシーンの数式をマスターしましたが、背景は広大で無限の空間の品質を保持していました。 遠くの山岳地帯は高い雲や霧の中から上昇し、流出する川は遠くから前景に流れています。
北宋時代（960-1127）と南宋時代（1127-1279）の絵画の傾向には大きな違いがあった。 北宋政権の絵は、世界に秩序をもたらし、社会全体に影響を及ぼす最大の問題に取り組むという政治的理想の影響を受けた。 彼らの絵は巨大で沢山の風景を描くことがよくありました。 一方、南部宋の当局者は、社会を底から上げ、より小さな規模で改革することにもっと関心がありました。 彼らの絵はしばしば小さく、視覚的に近い、より親密なシーンに焦点を当てていましたが、背景はしばしばアーティストや視聴者を意識することなく細部の領域として描かれていました。 ある時代から次の時代へのこの態度の変化は、主として新儒教の哲学の上昇する影響に起因しています。 新儒教への支持者は、北宋時代に見られる大規模な国家管理されたアカデミーの代わりに南部の歌の中で小さな民間アカデミーを促進しようと努力していることから見ると、下から上に向かって社会を改革することに焦点を当てた。
南部と北部の王朝（420-589）以来、絵画は、洗練された芸術になっていた。 宋時代には、グループで頻繁に出会って、自分の絵を討論するだけでなく、同僚や友人の絵を討論する熱心なアートコレクターがいました。 詩人・蘇州（1037-1101）と共犯者ミフ（1051-1107）は、しばしばこれらの仕事に携わり、勉強したりコピーしたりするアート作品を借りている。 彼らは、絵画を作るために書道（美しい文章の芸術）で彼らの技能を使った3つの完璧に基づいて、新しい種類の芸術を創造しました。 彼らの時代から多くの画家たちは、自分の気持ちを自由に表現し、外見を記述するのではなく、主題の内面の精神を捉えるように努めました。 サザンソングで人気のある小さな円形の絵は、詩人が絵のテーマと気分に合わせて詩を書いてアルバムとして収集されることがよくありました。
彼らは熱心な芸術家であったが、ソングの学者の中には、店や一般市場に出ている画家が依頼した作品を気に入らなかったり、学者の中には有名な学校やアカデミーのアーティストを批判する者もいた。 カリフォルニア大学サンタバーバラ校の初期中国史教授アンソニー・J・バルビエリ=ロー氏は、ソング学者たちが作った芸術に対する賞賛は、単にプロのアーティストとして生計を立てた人には及ばないと指摘する。
北部の歌（960-1126 CE）の間、アカデミーの画家の技術を持たず、一般的な市場画家の熟練さえ持っていない新しいクラスの学者が登場しました。 識字家の絵画は簡単で、時には全く教育を受けていないものの、他の2つのグループを単なる専門家として批判している。なぜなら彼らは生活のための手数料を頼りにして楽しむことや自己表現のためだけにペイントしなかったからだ。 学者は、現実的な描写に集中した画家、カラフルなパレットを使った画家、あるいは最悪の場合、仕事のための金銭支払いを受け入れた画家は、市場の肉屋や刻み人に劣らないと考えました。 彼らは本物のアーティストとはみなされませんでした。
しかし、ソング時代には多くの有名な宮廷画家がいて、皇帝と王族によって高く評価されました。 宋裁判所の後援を受けた最高の景観画家の1人は、中国の視覚芸術の最も有名な傑作の一つである清明祭のスクロールの間に、川沿いのオリジナルを描いた張善堂（1085-1145）でした。 宋（1127-1162）は、かつて、漢元の女性詩人カイ・ウェンジ（177-250 AD）をもとに、ノマド・フルートの18曲のための多数の絵画の芸術プロジェクトを依頼しました。 李源氏は、動物、特にサルとテナガザルを描く現実感の高いレベルを達成しました。 南宋時代（1127-1279）には、馬元（Ma Yuan）や夏GUI（Xia Gui）のような宮廷画家たちは、木々や岩石を描くために黒い筆を使っていました。
モンゴル元朝（1271-1368）の間、画家は絵画に詩を刻んで絵画、詩、書道の芸術に加わった。 これらの3つの芸術は、ひとりの芸術が単独で行うことよりも、アーティストの気持ちをより完全に表現するために協力しました。 元皇帝Tugh Temur（r。1328,1329-1332）は中国絵画が好きで、信用できる画家になった。
後期帝国中国（1368-1895）
13世紀から、果物のある枝、少数の花、または1頭または2頭の馬が開発されました。 Ming時代（1368-1644）には、より広い色の範囲と宋絵よりはるかに混雑した物語絵画が非常に人気がありました。
この時期に色のついた木版画で描かれた最初の本が登場しました。 カラー印刷技術が完成したので、絵画のイラストレーションのマニュアルが出版され始めました。 1679年に最初に出版された5巻の作品であるJieziyuan Huazhuan（マスタードシードガーデンのマニュアル）は、それ以来、アーティストと学生のテクニカルテキストとして使用されています。
明代（1368-1644）のある画家たちは、元の学者画家の伝統を続けました。 呉学校として知られているこの画家のグループは、孫周（Shen Zhou）によって率いられました。 Zhe Schoolとして知られている別のグループの画家は、Songの裁判所のスタイルを復活させ、変えました。
初期の清朝（1644-1911）には、個人主義者として知られている画家は伝統的な絵画のルールの多くに反抗し、自由な筆を使ってより直接的に表現する方法を見つけました。 18世紀と19世紀には、揚州や上海などの商業都市が盛んで、裕福な商人が芸術家に大胆な新作を生み出すよう奨励するアートセンターとなった。
19世紀後半と20世紀には、中国の画家は徐々に西洋美術にさらされていました。 ヨーロッパで勉強したアーティストの中には、 他の人たちは両方の伝統の最高のものを組み合わせようとしました。 最も愛された近代画家の中には、貧しい農民としての生活を始め、偉大なマスターになったQi Baishiがいました。 彼の最も有名な作品は、花や小さな動物を描いています。
現代絵画
ニューカルチャームーブメントを始めとして、中国の芸術家たちは西洋の技法を採用し始めました。 西絵を学んだ有名な中国のアーティストには、Li Tiefu、Yan Wenliang、Xu Beihong、Lin Fengmian、Fang Ganmin、Liu Haisuなどがあります。
中華人民共和国の初期には、芸術家は社会主義リアリズムを採用するよう奨励されました。 いくつかのソビエト連邦社会主義リアリズムは改造されずに輸入され、画家は主題を割り当てられ、絵画を大量生産することが予想されていた。 この養生法は1953年にかなり緩和され、1956〜57年の百花期キャンペーンの後、伝統的な中国の絵は大きな復活を経験しました。 このようなプロフェッショナルなアート界の発展に伴い、農村部の壁画や野外展での日常生活を描いた農民の芸術が広がっています。
1978年以来
文化革命の後、美術学校や専門機関が復活しました。 交流は外国のアーティストのグループとセットアップされ、中国の芸術家は新しい主題と技術を試し始めました。 フリーハンドスタイル（xieyi hua）の1つの特別なケースは、3歳で絵画を始めて以来、子供の天才王ヤニ（1975年生まれ）の作品に注目され、現代美術のスタイルの演技にかなり貢献しています。
中国の経済改革の後、ますます多くのアーティストが大胆に中国絵画の革新を行った。 主なアーティスト、Tiancheng Xieによる垂直方向のスプラッシュウォーターやインクなどの新しいブラッシングスキルの開発、Heaven Style PaintingやShaoqiang Chenなどの伝統的な中国と西洋のペインティング技術の統合による新しいスタイルの制作、代表的なアーティストGesheng Huangと共に、麗江絵画スタイルなどの特定の地域の現代的なテーマと典型的な自然の風景を表現するスタイル。 サイ・デイリー・カラーの使用で最も有名であるカイ・ジンの2008年の絵画は、絵画は有機的な抽象であったが、西洋と伝統的な中国のソースの両方の影響を示した。