漫画家（また漫画家）は、漫画を描くことを専門とするビジュアルアーティストです。この作品は、娯楽、政治的解説、広告のために作られることが多いです。アニメ、小冊子、漫画、コミック、雑誌、グラフィック小説、マニュアル、ギャグ・マンガ、グラフィックデザイン、イラスト、ストーリーボード、ポスター、シャツ、書籍、広告、グリーティングカード、雑誌、新聞、ビデオゲームのパッケージングが含まれます。

漫画家やグラフィックユーモストは、新聞や雑誌などの出版物に漫画、ユーモラスな絵やコミックを描くことを主な職業とする人です。ユーモア主義者は、面白くて面白い読者の意図を持って、そして/またはユーモラスなやり方で、特定の出版物に現れる現在の出来事を示すために、彼の漫画を描く。彼の作品は一般に短いプレゼンテーションと互換性があり、時には定期刊行物に挿入するのに適した単一のフレーム（単一のビネットへ）に縮小されます。

グラフィックユーモリストの職業の中には、彼に絵を描くよう促すために最新のニュースを知らされています。定期的かつ締め切り期限内に、あなたの仕事をニュースルームに送り、承認を受けてください。彼の作品が追随すべきイデオロギー的で審美的な線を編集者と話し合い、それに基づいて図面を修正または修正してください。

ユーモスト派は優れた扇情主義者であり、漫画の人々の中で政治的、社会的または文化的な現在の国の、贅沢で興味深い状況で、読者の笑顔を喚起しようとしている。一般的に、アーティストは、読者が容易に認識できる特定の人格を持つ自分のキャラクターを開発する。

グラフィックユーモリストは、いくつかのビネットで短編小説を表す個々のビネットまたはコミックストリップの作成を専門にすることができます。いくつかのユーモア主義者は出版のために独占的に作品を出版しているが、他のユーモアニストは代理店を通してそれらを配布し、異なるメディアや異なる地域や国に所属することさえある。

多くの場合グラフィックユーモアが単純なエンターテイメントやユーモアを超えています。実際には、例えば、適切なグラフィック画像を伴うと、パブリックパーソナリティの不適切な振る舞いを強調するニュースアイテムは、問題の記事を補強し、多くの場合、送信されるコンテンツの本質がメモリ内でより長く浸透する読者の

18世紀に現れた英国の風刺作家で編集上の漫画家ウィリアム・ホガースは、西洋の先駆的な芸術の先駆けと信じられています。彼の作品は、現実的な肖像画から、「現代の道徳的主題」と呼ばれる漫画のような一連の写真に及んでいました。彼の作品の多くは、現代の政治と習慣で楽しいものでした。このようなスタイルのイラストは、しばしば「ホガチェン」と呼ばれます。ホガースの活動に続いて、18世紀後半にロンドンの大物指導者、ジェームズ・ギレイ（James Gillray）とトーマス・ローランドソン（Thomas Rowlandson）の指導の下で、政治漫画がイギリスで発展し始めました。 Gillrayは、彫刻と似顔絵のための媒体の使用を検討し、王（George III）、総理大臣と将軍の説明を呼び、政治漫画の父と呼ばれています。

プロの漫画家ではありませんが、Benjamin Franklinはアメリカの新聞に掲載された最初の漫画を持っていると評価されています。 19世紀には、Thomas Nastのようなプロの漫画家が、共和党のゾウのような他の身近なアメリカの政治シンボルを紹介しました。

20世紀には、Charles Adams、Irwin Caplan、Chon Day、Clyde Lamb、John Normentなどのフリーランスの漫画家によって、多数の雑誌がシングルパネルのギャグ・マンガを運んでいました。コリアーはしばしば漫画を色付けしていたが、これらはほとんど常に黒と白で出版されていた。プレイボーイのデビューで、Jack Cole、Eldon Dedini、Roy Raymondeなどのフルカラーのカラー・マンガが紹介されました。 Dave Breger、Hank Ketcham、George Lichty、Fred Neher、Irving Phillips、J. R. Williamsを含む新聞にシンジケートされたシングルパネルの漫画家。

コミック・ストリップは、ユニバーサル・プレス・シンジケート（Universal Press Syndicate）、ユナイテッド・メディア（United Media）、またはキング・フィーチャー（King Features）などのシンジケートによって、主流の新聞に広範囲に配布された。日曜日の紙片はAmerican Colorのような着色会社に送られ、出版されます。

いくつかの漫画制作者は、代替プレスやインターネットで公開しています。コミック・ストリップのアーティストは時にはブック・レングスの形式で作業し、グラフィック・ノベルを作成することもあります。ビンテージと現行の両方のストリップは、本のコレクションで再版を受け取ります。

主要な漫画本の出版社（MarvelやDCなど）は、アートを制作するために漫画家のチームを活用しています（通常、鉛筆の仕事、インキング、レタリングを分離しています。一貫した芸術的スタイルが異なる漫画家（Archie Comicsなど）の間で必要とされる場合、キャラクターモデルシートを参考として使用することができる。

Calum MacKenzieは、展覧会カタログの序文で、スコットランドのCartoonists（Glasgow Print Studio Gallery、1979）が選択基準を定義しました：

漫画家とイラストレーターの違いは、コメディアンとコメディーの俳優の違いと同じだった。前者は自分の行を出して責任を全う。後者はいつも彼の全体ではない創造。

短編映画、広告、長編映画、テレビ用のアニメーション漫画が制作されています。また、夢のシーケンスやオープニングタイトルのライブアクション映画で使用されることもあります。アニメーション作家は、一般的にアニメーターと呼ばれ、漫画家ではありません。彼らも映画を作成します。ドリームワークスアニメーション、ピクサー、ウォルトディズニーアニメーションスタジオ、ブルースカイスタジオなどのアニメーションスタジオは、より立体的なCGIまたはコンピュータアニメーション映画を制作しています。

ペーパーバックとハードカバーの両方には、The New Yorkerの漫画のコレクションなど、多くの漫画の本があります。 1960年以前は、漫画は美術館やアートギャラリーではほとんど無視されていました。 1968年に、漫画家とコメディアンのロジャー・プライスは、主に雑誌ギャグの漫画家が主宰する漫画専用のニューヨークシティギャラリーをオープンしました。現在、オハイオ州立大学でキュレーターJenny E. Robbが運営している、漫画、特にBilly Ireland Cartoon Library＆Museumに特化した博物館がいくつかあります。

漫画家の芸術家は通常、鉛筆で図面をスケッチしてから、ディップペンやブラシのいずれかを使って、インドのインクの図を上に移動します。アーティストはライトボックスを使用して、最終的なイメージをインクで作成することもできます。例えば、ブライアン・ボランは、アートワークの最初の物理的な外観として出版された作品を使って、コンピュータグラフィックスを使用するアーティストもいます。多くの定義（上記のMcCloudを含む）によって、漫画の定義はウェブコミックやモバイルコミックなどのデジタルメディアにまで広がっています。

作成されている漫画作品の性質は、制作に携​​わる人々の数を決定し、漫画や漫画の制作はスタジオシステムを通じて行われ、芸術家は作業を助けるためのアシスタントチームを編成します。しかし、独立した企業、自己出版社、またはより個人的なものからの作品は、1人のクリエイターによって制作することができます。

北米のコミックブック業界では、スタジオシステムが主要な制作方法となっています。業界での使用を通じて、役割は大きく体系化され、スタジオの管理は編集者が管理業務を遂行する会社の責任となっています。エディタは多数のクリエイターを集め、出版のための作品を監督します。

何人もの人が、プロッタ、ブレークダウンアーティスト、鉛筆画家、墨絵作家、スクリプタ、脚本家、カラーリストから、同じ人物によって実行されるいくつかの役割を持つこのような漫画の作成を手助けすることができます。

対照的に、コミックストリップは、通常は漫画家と呼ばれる単独のクリエイターの作品になりがちです。しかし、漫画主義者がスタジオの方法を採用するのは珍しいことではありません。特にストリップが成功する場合は特にそうです。 Mort Walkerはスタジオを雇い、Bill WattersonとCharles Schulzはそうしなかった。 Gag、政治、編集の漫画家は、漫画家がアシスタントを利用することもありますが、単独で仕事をする傾向があります。

アートスタイル：
ほぼすべての漫画芸術はある意味で省略されていますが、漫画作品を制作したすべてのアーティストが独自の個別アプローチを持ちながら、より広範な芸術スタイルが特定されています。コミック・ストリップのアーティストCliff Sterrett、Frank King、Gus Arriolaは、しばしば珍しい、カラフルな背景を使用していました。

基本的なスタイルは現実的で漫画的であると特定されており、フィオーレが自由主義という言葉を作った巨大な中間地点を持つ。フィオーレはまた、リテラルとフリースタイルという言葉をそれぞれ好む、現実的で漫画的な言葉に嫌悪感を表明している。

Scott McCloudは、漫画のアートを考えるためのツールとして「The Big Triangle」を作成しました。彼は、三角形の頂点において、左下隅に現実主義的表現を置く。右下には象徴的な表現、または漫画的な芸術、三角形の頂点には第三の識別子、画像の抽象がある。これにより、三角測量によるアーティストの配置とグループ化が可能になります。

漫画的なスタイルは、漫画の効果と表現のための線幅のバリエーションを使用します。文字は丸められ、解剖学的構造が単純になる傾向があります。このスタイルの指摘された指数は、Carl BarksとJeff Smithです。
アドベンチャースタイルとも呼ばれる現実的なスタイルは、1930年代のアドベンチャーストリップで使用するために開発されたスタイルです。彼らは現実的な解剖学と形にもっと焦点を当て、より漫画的な外観を必要とし、基礎としてパルプ雑誌に見られるイラストを使用しました。 Joe ShusterとJerry Siegelはもともとスーパーマンをアドベンチャー・ストリップとして出版して以来、このスタイルはスーパーヒーロー・コミック・ブック・スタイルの基礎となっていました。
McCloud氏によれば、いくつかの伝統では、背景や環境は現実的に描写されているが、主人公をむしろ単純化して漫画的に描く傾向がある。したがって、読者は文字で簡単に識別できます（自分のアイデアに似ているので）、世界に浸ると、それは立体的でテクスチャであると主張します。この現象の例としては、Hergéの「Tintinの冒険」（彼の “個人的な商標” Ligne claire style）、Will EisnerのSpirit、Tezuka Osamuの仏などがあります。

ツール：
アーティストは、様々な鉛筆、ペイントブラシ、または紙、典型的にはブリストルボード、および防水インクを使用する。インキング時、多くのアーティストは、他のブラシ、ディップペン、万年筆、および/または様々な技術ペンやマーカーと組み合わせて使用​​できるWinsor＆Newton Series 7、＃3ブラシをメインツールとして使用することを好みました。グレートーンを画像に付加するには、機械的な色合いを使用することができます。アーティストは、アクリル、グアッシュ、ポスター塗料、または水彩画でペイントすることができます。色は、クレヨン、パステル、または色鉛筆でも達成できます。

消しゴム、ルーラー、テンプレート、セットの四角形、線と形の作成に役立つT四角形。図面テーブルは、角度を付けられた作業面を提供し、ランプが時々テーブルに取り付けられています。ライトボックスは、アーティストがインキ着け時に鉛筆の仕事を追跡することを可能にし、より緩やかな仕上がりを可能にする。ナイフやメスは、カッティングボードや間違いの撲滅など、さまざまなニーズを満たしています。カッティングマットは用紙のトリミングを助けます。プロセスホワイトは、間違いをカバーするための厚い不透明な白い材料です。接着剤とテープは、さまざまなソースの画像を合成するのに役立ちます。