日本の仏教美術 – HiSoUR 芸術文化美術歴史

仏教は、6世紀から16世紀の間に日本の芸術の発展に重要な役割を果たしました。中国からは仏教美術と仏教宗教思想が韓国を経て日本に訪れ、仏教美術は6世紀の蘇州時代の徳徳皇と8世紀の奈良時代の武将奨励によって奨励されました。平安初期の仏教の芸術と建築は伝統的な神道の芸術に大きく影響し、仏教の絵は裕福な日本人の間で流行しました。鎌倉時代には、平安時代の彫刻家であるōōchōの作品に由来する日本の仏教彫刻の開花が見られました。阿弥陀仏教は、多くの人気作品の基礎を提供しています。仏教美術は、スクロール絵画、礼拝や仏像の絵画、聖人の生活、地獄やその他の宗教的なテーマで大衆に人気を博しました。仏教の禅宗の下では、菩薩菩薩のような司祭の肖像画が人気を博し、スクロール書道やスミイブラシ絵画も普及しました。

飛鳥、奈良時代
仏教芸術は、伝承によれば、百済の宋が金明天皇に仏像を送った六世紀半ばに、仏教宗教と共に日本に導入された。アスカ期間（552-645）は、中国文化と韓国文化の芸術的、宗教的な影響が徐々に大きくなっていきました。奈良時代（645-784）には中国の影響が大きくなり、日本の裁判所は中国の形でモデル化し始め、日本の仏教は日本全土に広がり続け、神道の日本の宗教を統合した。

この時期の彫刻は、大部分のすべての彫刻と同様に、大陸芸術の影響を示しています。中国人移民の子孫であるトーリ・ブッシー氏は、北部魏の彫刻のスタイルに従い、彫刻の鳥居として知られるようになったものを確立しました。トーリ作品の注目すべき例は、ホウリュージ寺院のゴールデンホールと同じ寺院のユメドーノホールの観音菩提寺の主なアイコンである釈迦牟尼トライアド（またはシャカトライアド）（Guze Kannon）です。 7世紀初頭に昭和皇太子の私有寺院として建てられたホウリュウジは、41の独立した建物で構成されています。屋根裏の回廊に囲まれた広場の中心には、主要な礼拝堂、近藤（ゴールデンホール）、五十塔（五重塔）があります。近藤の中には、大きな長方形の台の上に、釈迦牟尼三つ組を含む最も重要な彫刻の一部があります。

Sakyamuni Triadでは、中心の仏陀であるSakyamuniには、右にBhaisajyaguru、左にAmitābhaの2人の人物が出席する。像は623年になっています。像のスタイルは、フィギュアの2次元性と、トライアドが座っている布の繰り返し模様のような描写によって特徴付けられます。

初期の奈良時代は、中国からのより自然主義的なスタイルへの動きを見せた。薬師寺の三つ組は、東の純粋な土地を支配する癒しの仏を、日光と学園の2つの菩薩が出席しています。薬師寺（奈良7世紀）に収容されているトライアドは、解剖学的定義、自然主義、現実主義的な衣服に中国と中央アジアの影響を示しています。

この彫刻はまた、中国と韓国の芸術的な特性が重なったドレスパターンと現実的なレンダリングを特徴とする、ガンダーラの第1〜3世紀のグレコ – 仏教芸術における日本の芸術のルーツを示しています。中国北部魏仏教の芸術が朝鮮半島に浸透した後、韓国の移民によって仏教のアイコンが日本にもたらされた。特に、弥勒型の弥勒型は、高度に発達した古代ギリシアの芸術スタイルに適合させられ、それは、古典寺の三郎菩薩像と朱旗寺のシッダータ像によって証明された。韓国の三国志、特に百済は538年か552年に日本で仏教伝統の導入と形成に積極的な代理人としての役割を果たしていました。彼らは私たちの最初の数世紀の間にシルクロードの伝承の終点を示しています時代。他の例は、日本の笛神風の神の象徴、新守護者の象徴、そして寺院の飾り物に近い古典的な花の模様の開発に見出すことができます。

8世紀の寺院建築は、奈良の東大寺を中心に行われました。各省の寺院ネットワークの本部として建設された東大寺は、日本の仏教崇拝の初期の世紀に建てられた最も野心的な宗教施設です。適切には、主仏殿（Daibutsuden）に祀られている16.2m（53フィート）の仏（完成752）は、仏陀の本質を表すルシャナ仏であり、東大寺は皇帝の仏教の中心であり、日本全体への普及。元の像のほんの一部が生き残っており、現在の館と中央の仏は江戸時代の建造物である。

奈良時代の律政制度の下では、仏教は曽我（僧綱、司祭事務所）を通して国家によって大きく規制されていた。この間、東大寺は、当時の日本の6つの仏教学校の州の寺院の中央行政寺院として使われました。

例：
シャキアムニ大仏ブロンズ（4.8メートル）は、609年にトリー・ブッシーが唱えた日本最古の仏像彫刻である。
観音（Avalokitesvara）またはグーズ・カノン（Guze Kannon）、金メッキの木材、王冠：ブロンズ・オープンワーク金箔。 CE 7世紀初頭、奈良県法隆寺。
菩薩、アスカ期間、7世紀。東京国立博物館。
座った仏のタイル
グレコ – 仏教の影響を示す7世紀奈良寺院の屋根瓦。
奈良薬師寺の薬師寺三つ組。元々680年に藤原京に建設され、718年に奈良に運ばれました。
ホウリュウジのゴールデンホール
法隆寺の五重塔
奈良の東大寺のゴールデンホール
奈良の東大寺講堂
薬師寺の東塔、奈良。
奈良の東大寺の大仏堂
奈良の東大寺の大仏

平安時代（794-1185）
784年には、奈良の仏教施設の勢力が増していることを脅かす天皇は、首都を平安京に移した。平安時代とは、元平戦争終結時に鎌倉幕府が設立された794年から1185年を指す。平安時代は平安時代から平安時代後期にかけて、紀元前894年の藤原時代に分けられ、中国帝国大使館は正式に廃止されました。

仏教は、平安時代には、主に2つの主要な難民派、天台と真言を通じ、日本全土に広がり始めました。天台は中国に由来し、大乗仏教の最も重要な経典の一つであるLotus Sutraに基づいています。斉藤は日本への伝達の鍵を握った。真言宗（真実の言葉学校）は、中国に旅立ち、インドと中国の仏教と中国語を学んだ、Kūkaiによって設立された中国の影響を受けた仏教思想と緊密な提携をしている先住民族である（Kusaka Daishi、774-835）書道と詩。 Kanmu天皇自身はその後の何世紀にも大きな力を発揮した天台宗の著名な守護神でした。古くから皇帝カヌムを継承した皇帝、そして日本の世代も、浄土真宗だけでなく、詩、書道、絵画、彫刻にも非常に感銘を受けました。真言仏教の練習は、マントラの詠唱、プジャ、手のジェスチャー（mudras）、マンダラの視覚化による瞑想など、さまざまな儀式に基づいています。日本の難解な仏教における儀式の中心的役割は、平安時代の宗教芸術の繁栄をもたらした。これらの宗教画、マンダラと像は、仏教の神格と概念を熟慮する方法を実務者に提供しました。真言曼荼羅の有名な例は、太子会（臥位世界）の曼荼羅です。 2つの領域の曼荼羅の一部である子宮の世界は、仏の性質の異なる次元を表す12のゾーンで構成されています。中央には、仏教と菩薩に囲まれた同情の蓮の中にあるヴァイロナナ仏が座っています。真言宗は、すべての生き物が本来の仏性を持っていると信じていました。

新門宗派のために建てられた寺院は、小屋は、裁判所や首都の平等家から離れた紀伊山地に建設された。これらの場所の不規則な地形は、日本の建築家に寺院建設の問題を再考させ、そのようにして多くの土着のデザイン要素を選択することを余儀なくさせた。サイプレス樹皮屋根はセラミックタイルの屋根に取って代わられ、土壇場の代わりに木製の厚板が使用され、平和のための別の礼拝区域が主要聖域の前に追加された。平安時代初期の寺院の精神を最もよく反映した寺院は、奈良の南東の山の檜の木立の深いところにあるムロジ（Murō-ji、9世紀初頭）です。

藤原時代には、阿弥陀如来を信じて救いの易い浄土仏教が人気を博しました。この時代は、藤原氏の名前を冠したもので、その後、国の中で最も強力で、天皇の摂政として支配され、実質的には市民独裁者となった。それと並行して、京都貴族はエレガントで美しい追求を目的とした社会を発展させました。京都の南東に位置する宇治の寺院である五大院の鳳凰堂（1053番完成）は、藤原アミダホールの模範です。それは、大きな人工池の端に設置された2つのL字型翼回廊とテール廊下に挟まれた主要な長方形の構造で構成されています。内部に、Amida（c。1053）の単一の黄金のイメージが高いプラットフォームにインストールされています。阿弥陀彫刻は、いくつかの小片の彫刻された木材（yosegi）から作品を制作する中国の技術を普及させたJōchōによって実行されました。それは彫刻家がこれらの限界内で彼の意図したメッセージを伝えることを強制しました。これにより、より洗練された見栄えのよい作品が生まれました。さらに重要なことは、いくつかのアシスタントが彫刻を一度に作業することができ、プロセスを大幅に高速化することでした。 Jōchōは、マスターとして、仕上げ作業をしました。この技術はまた、体の部分と単純な表面の詳細の体系化された割合につながりました。これらは、構成部分の作成と完成した部分の形成を促進しました。

美術家の歴史家は、ジョーゾーの天才の証拠として、新しいカノンの割合をしばしば挙げています。彼は彫刻された図の顎とヘアラインの間の距離に等しい単位で測定値に基づいた。各膝の間の距離は、脚の底から髪までの距離に等しい。ゆえに、広く配置されたレベルの膝は、三角形のデザインの基盤を形成し、安定感と平和感を伝えます。その効果は、デザインの他の要素、特に数字のハローのコントラストによってさらに強調されます。これらは繊細なテニン、雲、炎を特徴とする複雑なディテールです。 Jōchōの彫刻の表現は、思いやりと優雅さを伝え、顔の特徴の細かく正確な彫刻は、ある種の優しさを発揮します。

Jōchōのスタイルと同様に、ワークショップをいくつかの職人の間で分割する方法。彼の学校は、鎌倉時代に改革される前に、日本の彫刻が正式な正統性に磨かれて以来、150年以上にわたって日本の彫刻家に模倣されました。

10世紀に日本の仏教の純粋宗派の重要性が高まっていることから、これらの宗派の信心深いニーズを満たすために新しいイメージタイプが開発されました。阿弥陀如来を象徴する阿弥陀如来観音と誠実の魂を迎え入れるために到着した阿弥陀仏を描いた「来月迎도면」があります。京都宇治の寺院の鳳凰堂の内部には、1053年の初期の例が描かれています。景観の様子を映し出すような柔らかい転がり丘のような風景要素が含まれている限り、いわゆる大和絵（「和和絵」）の初期の例でもあります西日本のしかし、芸術的には、このタイプの絵は、唐朝の中国の「青と緑のスタイル」の風景画の伝統によって引き続き報道されています。「ヤマトェ」は、日本の美術史家の間で議論され続けている不正確な言葉です。

例：
京都の大子寺の大田。それは951年に建てられました。
Kongokai（vajra）曼荼羅 – 真言宗仏教徒学校
Fugen enmei、12世紀、人生を延長するユニバーサル徳の菩薩。シルクのインク、カラー、ゴールド、シルバー。
葛城の大名寺のマンダラド。それは1161年に建てられました。
一路寺の塔。それは1171年に建てられました。
仏の涅槃。ハンギングスクロール、267.6センチメートル271.2センチメートル。絹の色。 Kongōbu-ji、Mt.に位置しています。小屋。
Murō-jiの五階建ての塔。それは800年に建てられました。
金棺から立ち上がるシャカ。平安末、ぶら下がったスクロール。
東横インの東門の壁画
戸東の南の扉の壁画
Achala Vidyaraja（Wisdom King）、1100-1185。
Bodhisattva Samantabhadra。
阿弥陀仏。後期平安時代、絹の湯葉ちゃんんこ朱ハチカン寺院。 3つの吊り下げ柱の中央。

鎌倉時代（1185-1333）
日本は12世紀末に一連の内戦を経験し、いくつかのライバルの間で争いを起こし、最終的に封建主義的な鎌倉幕府の誕生につながりました。鎌倉の勝利家族ミナモト氏が政治基盤を確立したためです。天皇は象徴として京都に残っていたが、実際の政治力は将軍と一緒だった。鎌倉時代には、中国との文化的関係の再構築、日本の仏教の2大支店としての禅仏教と純粋仏教の成長が見られました。

これらの新しい鎌倉客船は、慶應義塾の彫刻に代表されるより現実的で自然主義的な芸術を好んだ。慶応義塾大学は、仏教の彫刻家である城子、後継者であるカクジョ、カクジョの息子であるライジャオ（Rajjō）によって導かれました。これらのアーティストは、時には慶應義塾を設立したと言われています。しかし、1200年頃には、RaijōがKōkeiとUnkeiに引き継がれるまで、学校は独自のものにはならず、「Kei」という名前と関連づけられることになった。

慶應義塾の彫刻家の中でも最も有名であり、最も熟達した彫刻家であると考えられています。彼の作品の中で、東大寺にある大きなニオ（または金剛喜喜）のペアは、劇的な反撃姿勢で筋肉保護者を描いている。統一師のムジャクと朱真の彫刻は、肖像のような現実主義を示しています。両方の彫像は、身体を現実的に仕立て上げる聖職者の裁縫をしています。彼らは実物大と一人で立っており、どんな角度からでも見られるように、ラウンドで完全に彫刻されています。ムジャクは、何らかの聖なる布で覆われた物を操作する薄い男として描かれています。彼は予約されており、反射的です。対照的に、Seshinは、中世の会話、身振りと話し、荘厳なMujakuへの外向的な釣り合い錘に描かれています。男性は単にストックタイプのメンバーではなく、特定の人物として表示されます。

組合員には6人の彫刻家がいて、彼らの作品には新しいヒューマニズムが染み込んでいます。長女の息子で華麗な彫刻家タンケイがスタジオの頭になった。第4代の息子は、10世紀の日本の仏教の教師クヤ（903-972）の著名な彫刻を制作しました。啓会は、恩平の協力者であり、1203年にニオの彫像の上で彼と一緒に仕事をしました。彼は曹長（1121-1206）：東大寺の復興プロジェクトのディレクターです。彼の人物の多くは、啓典と息子よりも理想化されており、美しく仕上げられた表面に特徴的で、顔料と金で豊かに飾られています。彼の作品は40歳以上で生き残っており、その多くは自身によって署名されています。

奈良と京都の都市の多くは、1180年から1185年の原平戦争で破壊された。慶応義塾大学は、奈良の最も大きな寺院である東大寺と古墳寺を復元し、仏教の彫刻を取り替える機会を与えられました。この取り組みの主役は、彫刻を学ぶために中国を3回訪れたことが知られていた俊祖師元（1121-1206）でした。東大寺復興計画は、約1180年から1212年にかけて数世代にわたって続いており、唐や宋の中国の様式を広範に取り入れ、伝統に忠実な新しい文体要素を導入しました。

鎌倉時代に最も人気のある絵画の一部は、上昇する阿弥陀仏を描いています。浄土仏教の主な教義は、阿弥陀如来の名前を唱えることは純粋な土地に生まれ変わることができるということです。このように、阿弥陀如来を唱えることによって救われる死の部屋に、阿弥陀の紋章がぶら下がってしまう。

鎌倉時代には、華厳や日蓮などの新しい宗派が登場し、人気が高まった。これらの宗派は、Suijakoの絵画をはじめ、いくつかの異なるジャンルの絵画を制作しました。これは、日本の2つの主要な信仰を、仏の初期の徴候として神の神々を描写して和解しようとしました。複雑な漢字を理解できるように図解された図書であるKegon Engi Emakiのような作品は、一般の人々に人気がありました。 Emakimono、または長いイラストのスクロールも、仏陀の生活と重要な仏教徒の指導者の歴史を説明するのに役立った。

例：
Jōdo-dōのJōdo-jiのOnoで。それは1194年に建てられました。
ダンジョガラン不動産小屋。それは1197年に建てられました。
啓基のニオ保護者
統一が告げる師範のムジャク（アシアンガ）
僧侶の肖像（CE 930-972）、高さ約cm、木、色、CE第13世紀
多色、金色、水晶の像。この彫像は、南の守護神（shitenno）を描いています。
三重荘園の雷神像、京都、日本。高さ約1m、13世紀のもの
13世紀の京都国立博物館から山を渡ってきた阿弥陀如来。 120.6センチメートル×80.3センチメートルの吊り下げ式スクロール。絹の色。
Kōtoku-inで鎌倉大仏（阿弥陀仏）。
海を横切っているもんじゅ。ハンギングスクロール、143.0cm×106.4cm。絹の色。京都の醍醐寺にあります。
司祭ホネンの描かれた伝記。有名な司祭の伝記を描いたハンドスクロール（Emakimono）の一部。
司祭Ippen、第7巻、ハンドスロールの細部の説明。絹の色。フルスクロールのサイズ：37.8 cm x 802.0 cm

室町時代（1333-1573）
室町時代は、足利とも呼ばれ、日本の文化に大きな変化が生じました。足利一族は幕府を支配し、本部を京都市に移し、市内の室町地区に戻した。首都に政府が帰国したことで、鎌倉時代の流行は終わりを告げ、文化的表現はより貴族的でエリート的な性格を呈した。室町時代、禅宗は、個人的な規律、集中力、自己啓発の禅の価値を受け入れた、卓越した武士階級の間で特に顕著になりました。

鎌倉と京都の禅宗の偉大な修道院の発展は、視覚芸術に大きな影響を与えました。中国の禅寺が主催する中国への世俗的なベンチャーや取引の任務のために、多くの中国の絵や芸術品が日本に輸入され、禅寺や幕府で働く日本人アーティストに大きな影響を与えました。これらの輸入は絵画の主題を変えるだけでなく、色の使用も変更しました。ヤマトの鮮やかな色彩は、水墨画や墨絵の中国的な様式で絵のモノクロームに結びつきました。このスタイルは主に東インク書道で使われていたものと同じ黒色インクのみを使用していました。

新しいスミエ様式の一番の画家は、1468-69年に中国を旅し、現代明絵を学んだリンザイ司祭であったセッサー・トヨー（1420-1506）でした。彼の最も劇的な作品のいくつかは、中国語のはしけインキ（Haboku）スタイルである。日本に帰国したセショフは、スタジオを建てて、現在、ウンコクリン・スクールや「スクール・オブ・セシュフ」と呼ばれる大規模な次の画家を設立しました。書道や高度に書式設定されたぼくの絵を描くために、画家はイメージを視覚化してから紙にすばやく広げて、瞑想的な集中を行って、はっきりとした抽象的な構成にしました。この絵画の印象主義的なスタイルは、主題の真の性質を捉えることになっていました。スミエ様式は、禅の哲学と同じ道具と様式を用いた書道の影響を強く受けました。このスタイルでペイントするためには、開業医は、日本人の哲学者西田喜多郎によって無心（無心、無心）と言われたあまり考えずに、自分の心を払拭し、ブラシストロークを適用しなければならなかった。ムシンのコンセプトは、剣術、アーチェリー、茶道など、多くの日本の芸術の中心です。

14世紀末には、単色の風景画（足利賀）が足利家の後援を得て、禅の画家の間で好まれたジャンルであり、中国のルーツから徐々に日本のスタイルに進化しました。この時期のもうひとつの重要な画家は、中国を訪れ、中国の画家のもとで学んだ少年時代の京都寺院の僧侶天翔師範です。彼は1404年に日本に戻り、首都である京都に定住しました。彼は影響力のある芸術家であった足利将軍によって設立された裁判所画局長に就任した。 Shūbunの最も有名な風景画は、現在、東京国立博物館に保管されているBamboo Groveでの読書です。

室町時代に発達したもう一つのスタイルは、「シガジク」です。これは通常、詩を伴った絵であり、絵画と詩が本質的につながっていると見なされる中国に根を持っています。このスタイルは文学界から成長し、アーティストには通常ペイントの対象が与えられ、詩人は作品の上に書かれた詩を書きます。有名な例としては、京都の明神寺泰三院にある「ひょうたんとうさぎを捕まえる」という紀行があります。司祭画家法師（1386〜1428）が制作した画集の上に刻まれた多くの禅僧31詩があります。絵画の前景には、小さなひょうたんを保持し、大きな薄いメスを見る川のほとりに男が描かれています。ミストは中間地面を満たし、背景は遠くに見える。室町時代の第4代将軍、足利義知知（1386-1428）が委託した絵は、無意識の謎「いかにあなたはナマズでいかにナマズを捕まえますか？コーンズの一例は、絵の上に刻まれた詩のスタイルを示しています。

ポーズ！ひょうたんと
彼はその滑りやすい魚をピン止めしようとします。
ひょうたんの油
追いかけに喜びを与えるでしょう。
（Shusu、Trans。Matsushita、1974）

絵画とそれに付随する詩は、禅師の瞑想を助けるとされていた禅仏教徒の遊び心と複雑な性質の両方を捉えており、林子学校の中心的な実践であった。

室町時代になると、墨染は禅宗の修道院から芸術界に移っていった。狩野校や阿弥学園の芸術家がスタイルやテーマを取り入れたが、現代。

例：
福岡の明王院の塔。 1348年に建設されました。
加古川のカークリンジのメインホール。 1397年に建設されました。
京都の金閣寺の銀閣寺。 1489年に建てられました（アートオブワビサビ、東山文化）。
京都の金閣寺の庭園（宮城美術、北山文化）。
京都の揚子寺。
京都の彩華寺の庭。
京都の天竜寺の庭。
和歌山県岩手にある根来寺の塔。それは1547年に建設されました。
Sesshūによる秋と冬の風景。
HuikeはSesshūによってBodhidharma（1496）に彼の腕を提供します
Shubunでの風景、吊り下げ式のスクロール、108 cm x 32.7 cm。紙の上のインクと明るい色、1445.奈良国立博物館にあります。
シュブンの十八世紀の写真の一つである牛の手に入れ、15世紀の失われた12世紀オリジナルのコピー。
Kano Motonobu、White-robed Kannon、c。 16世紀前半。掛軸。シルクのインク、カラー、ゴールド。 157.2×76.4cm。

安土桃山時代（1573-1603）
この時期には、日本画の最も有名な学校の一つである狩野派かのはかの学校が登場しました。明治時代までは、かのこ絵画学校が絵画の主流となっていました。それはSesshūとShūbunの学生がShogunの裁判所の公式画家となった現代の現代であるKanan Masanobu（1434-1530）によって設立されました。彼の息子を含めて彼に従った芸術家たちは、彼のスタイルと方法を改善しました。息子の元本かのこ（1476-1559）は、室町時代の日本の絵画学校として、かの様式を確立しました。

前室町時代とは対照的に、安土桃山時代は、金色や銀色の箔を多用した壮大な多彩な色彩と、非常に大規模な作品が特徴でした。高野学校の画家は、小田信長、豊臣秀吉、徳川家康、そして彼らの信者によって支持されました。 Kanoy Eitokuは、部屋を囲むスライドドアに記念碑的な景観を創造するための式を開発しました。これらの巨大なスクリーンと壁画は、軍の貴族の城や宮殿を飾るために委託されました。江戸時代に続いて、徳川幕府は長年にわたり、高苑、大名、皇室の正式認可芸術として、加納校の作品を引き続き推進していた。 Kanano学校の台頭は、狩野の学校の後援者が宮殿を飾るために、より世俗的な絵画を依頼したことから、仏教のテーマから離れる動きの始まりを見た。

しかし、この時期のいくつかの画家たちは、狩野の学校に最初に影響を与えていた仏教僧侶画家たちを振り返り続けました。これらの画家の一人は、室町画家セッサウの白黒絵画の影響を受け、前身のミニマリズムを振り返って独自のスタイルの「スミエ」を開発した長谷川法学です。トゥハクは事実、セシュフ東洋の技法に魅了されていたが、彼はUnkokuk Toganとの裁判で戦ったが、五代目の後継者として権利を主張しようとした。それでも、日本の国宝であると宣言された有名な松林図屏風の松林図屏風のような、東伯の中期から後期の作品の多くには、象徴の影響が明白です。松の木だけを主題として表現するための規模。

ハセガワ・トハクによって設立された学校は、今日、長谷川学校として知られています。この学校は小規模で、主に東学とその子どもたちで構成されていました。しかし、小規模で、そのメンバーは、豊和の静かで予約された美学を保存しています。その多くは、Sesshūの影響と、現代的で友好的なSen noRikyūの影響を受けています。これらのシンプルな美学は、かな学校での脅迫と富の蔓延に抗議すると疑われている。

例：
大阪のシャーマンの塔。それは1597年に再建されました。
京都の大神寺のゴールデンホール。それは1600年に再建されました。
京都の醍醐寺の海岸堂と釣魚堂。 1606年に再建されました。
阿波の木原寺の塔。それは1607年に建てられました。

禅アート
14世紀から15世紀にかけて日本で人気が高くなった禅宗の下で、禅師の肖像画がしばしば制作されました。禅はシンプルさを促進し、崇拝に関与しない仏教の宗派だったので、宗教的な絵画はこのような理由から必要なかった。代わりに、禅師はしばしば教師と禅師のイメージを描きました。平安時代の「平安時代には人の似顔絵をコピーするのは失礼だ」（Stanley-Baker 2000、115）とは異なり、禅の肖像画は顔の特徴や細部を示すクローズアップの肖像画だった。生徒の武藤秀が描いた禅師の生き甲斐國の肖像画には、顔の詳細な肖像画が描かれ、全体の写真は頭と肩の肖像だけである。これは、人々をはるかに小さな図形として描写していた初期の日本画とは違っています。禅師はまた、水墨画や禅の教義に触発された水と黒の墨絵などの風景を描いていました。

建築
仏教は様々な形で日本の歴史の多くの期間を通して日本の芸術に多大な影響を及ぼしました。日本全国には堂々とした仏教寺院と5階建ての塔が建てられ、これらの寺院には巨大な仏像が作られました。