バロック絵画は、バロック文化運動に関連する絵画です。この運動は、絶対主義、対抗宗教改革、カトリック復活としばしば同一視されますが、西ヨーロッパ全体の非絶対主義とプロテスタントの国家における重要なバロック芸術と建築の存在は、その広範な人気を強調しています。バロックアートは、浅いリアリズム、豊かで強烈な色、強い光と影が特徴です。
バロック絵画は、1600年頃から17世紀まで続く最も重要で主要な絵画として、幅広いスタイルを網羅しており、18世紀初頭までは今日、バロック絵画と見なされています。その最も典型的な表現では、バロック芸術は素晴らしいドラマ、豊かで深い色、強い光と暗い影を特徴としますが、プッサンのようなフランスのバロックの画家やフェルメールのようなオランダのジャンルの画家の古典主義も、少なくとも英語で。イベントが行われる直前の瞬間を示すルネッサンスアートとは対照的に、バロックのアーティストは最も劇的なポイント、アクションが発生した瞬間を選択しました。ミケランジェロは、高ルネッサンスで働いており、彼のダビデが構成され、まだ戦う前に示していますゴリアテ;ベルニーニのバロックデイビッドは巨人に石を投げつける行為に巻き込まれています。バロック芸術は、ルネサンス期に珍重されてきた穏やかな合理性ではなく、感情と情熱を呼び起こすことを意図していた。
バロック時代の最も偉大な画家には、ベラスケス、カラヴァッジョ、レンブラント、ルーベンス、プッサン、フェルメールなどがあります。カラヴァッジョは、高ルネサンスの人文主義絵画の相続人です。人間の姿への彼の現実的なアプローチは、人生から直接描かれ、暗い背景に劇的にスポットライトを当て、同時代の人々に衝撃を与え、絵画の歴史に新しい章を開きました。バロック絵画はしばしばキアロスクーロライト効果を使用してシーンを演出します。これは、レンブラント、フェルメール、ルナン、ラトゥールの作品で見ることができます。フランダースの画家アンソニー・ファン・ダイクは、特にイギリスで非常に影響力のある優雅で印象的な肖像画のスタイルを開発しました。
17世紀のオランダの繁栄は、大部分が高度に専門化され、ジャンルのシーン、風景、静物画、肖像画、または歴史の絵画のみを描いた多数の画家によって、膨大な数の芸術作品を生み出しました。技術基準は非常に高く、オランダの黄金時代の絵画は、モダニズムの到来まで非常に影響力のある主題の新しいレパートリーを確立しました。
概観
彼らの作品のおかげで、建築家、彫刻家、画家は、忠実な人の魂に効果的に触れるために必要な手段になります。したがって芸術は、異端者、疑い深い人々を説得し、フランスとイタリアの国境へのプロテスタントの圧力を食い止めるための勝利のカトリック教会の手段になります。この野心的な目標を達成するために、芸術には、ルネサンスの調和ではなく、強い感情の表現を通じて、味を誘惑、移動、征服する能力が必要です。
バロック様式の内臓の魅力は、感覚の直接的な関与に由来します。バロック絵画では、マネリズムのように知性と洗練された繊細さを要求することはありませんでした。新しい言語は、腸を直接指し、観客の感情を指し示していました。直接、単純、明白であるが、まだ演劇的で魅力的な図像が使用されました。かつてないほど、鑑賞者、彼の視点、装飾が彼に与える影響はそれほど重要ではありませんでした。
ポリフォニーの代わりにカウンターポイントが有効になり、オーケストラの音色とアマルガムがその外観をますますしつこくする音楽の領域で、一種の並行処理が可能です。
アーバンVIIIバルベリーニの象徴は、ある種の絶対主義を見越して法王の家と彼の孫を祝うことを目的としたバロック様式の発展の豊かな基盤でした。
「バロック」という用語は、18世紀後半に初めて、奇妙なことに、落ち着いた古典的規範から遠ざかっていたアーティストを否定的に補うものとして使用されました。新古典派の理論家にとって、バロックは豊かさと過剰な装飾を意味しました。フランチェスコミリツィアの定義は依然として有名であり、1781年にこの時代の生産を「味の災い」と呼びました。バロックの再発見は非常に遅いものであり、この味の非常に多くの重要な兆候が回復不能に破壊または危うくされた20世紀後半にのみ完全に行われました（多くの新中世と新ルネサンスの復元を考えると崇拝の建物は、その後の層別化を排除することによって実行され、戦後の2番目の期間まで実行されました）。それはまさに「古典主義に反する」性格と紛れもない独創性であり、バロックの再発見とその強化を、最初は専門家の研究で、次に展示会や人気の出版物を通じて、一般の人々の間でももたらしました。
特徴
通常、重要なイベントの前の瞬間を示すルネサンスの絵画とは対照的に、バロックのアーティストは、最も劇的なポイント、つまりアクションが発生する瞬間を選びます。バロックアートは感情と情熱を呼び起こすことで有名であり、ルネサンスの絵画から生まれる合理性と穏やかさではありません
絵画的構成のレベルでは、バロック絵画はまずピンクから白、そして青に至る多くの暖かく明るい色の使用によって特徴付けられます。一方、コントラストは非常に存在し、特に男性の筋肉の固まりを強調するために使用できる明暗の演劇があります。均一なキャンバス照明がある典型的なルネサンスのアプローチとは対照的に、バロックキャンバスの照明はスポットで行われます。この技法は、特定の領域に注意を引き、他の領域を暗闇に置きます（キアロスクーロの使用）。
常にルネサンスと矛盾する精神で、バロックキャンバスは、キャンバスに存在するキャラクターに表情を与え、感情を伝えます。また、主に非対称性を表します（主なアクションは必ずしも中央にあるわけではありません）。キャンバスの力線は水平や垂直だけでなく、斜めや曲線にもなり、キャラクターに不安定な位置や動きの印象を与える効果があります。この動きの効果は、風によって持ち上げられたり、かき回されたりする衣服の豊富さによって表されます。衣装の選択はしばしば古代を指します。布地もカーテンのように配置され、シーンを演出します。
したがって、バロックはルネサンスにさまざまな方法で反対します。変化を表現したいのは、破壊の期間です。バロックの作品は、変化、動き、物事の不安定さへの関心によって区別されます。
「レンズを通過し、フィルムに乳剤を印象付ける光は、動きの1つの側面のみを再現するために管理されます。しかし、動きは途切れることのない一連の態度です。スローモーション映画がそれを明らかにしました。バロック芸術家の精神は、これらの相次ぐ側面を捉え、それらを単一のイメージに凝縮します。」
-1967年、P。Charprentrat、ラルバロック、ヴァンドーム、インプリメリーデプレス、フランス大学。
バロック様式の画家は、聖書や神話の伝説や物語から引き出された芸術的なテーマにアプローチします。しかし、宗教画、歴史画、寓話や肖像画は最も高貴な主題と見なされていますが、風景やジャンルのシーンも広まっています。
歴史
トレント公会議（1545–63）では、ローマカトリック教会がプロテスタントとカトリック教会の内部に留まった人々の両方によって提起された内部改革の多くの質問に答え、その表現芸術をその短い斜めの通路で取り上げました法令。これはその後、モラヌスのような多くの聖職者によって解釈され、教会の文脈における絵画や彫刻は、マニエリスムの文体的な雰囲気なしに、主題を明確かつ強力に描写することを要求した。教会芸術の機能のポピュリスト概念へのこの回帰は、カラッキとは異なり、すべてが1600年頃にローマで働いていた（そして委員会のために競争していた）カラヴァッジョとカラッチ兄弟の革新を推進していると多くの美術史家によって見られています。カラヴァッジョは彼の作品に礼儀正しさが欠如していると非難され続けた。ただし、宗教画、歴史画、寓話、肖像画は依然として最も高貴な主題と見なされていましたが、カトリック諸国では風景、静物、ジャンルのシーンも一般的になり、プロテスタントの主要なジャンルでした。
用語
「バロック」という用語は、過度の強調を強調するために、最初は中傷的な意味で使用されました。他の人は、論理学のスコラスティカで、三段論法のおそらく労働された形を意味する「バロコ」というニーモニック用語からそれを派生させます。特に、この用語は、その奇抜な冗長性と詳細のノイズの多い豊富さを説明するために使用されました。これは、ルネサンスの明確で冷静な合理性とは対照的でした。スイス生まれの美術史家、ハインリッヒヴェルフリン（1864〜1945）がルネサンスとバロック（1888）で最初に修復した。ヴェルフリンは、バロックを「ルネサンスの芸術とは正反対の芸術」である「大量に移入された運動」として特定しました。彼は現代の作家がするマニエリスムとバロックの区別をしなかった、そして彼は後の段階、18世紀に続いた学術的なバロックを無視した。フランス語と英語の作家たちは、ウェルフリンの影響でドイツの奨学金が卓越するまで、バロックを立派な研究として扱い始めませんでした。
前駆体
16世紀の終わりに、マニエリスムがますます慣習的で反復的なレプリカで消えていった一方で、反対に改革された味は、地味でシンプルであり、多くのイタリアの中心部に広がり、すべてのクラスに理解されました。ミラノとフィレンツェでは、酒気帯びが特定の厳しい剛性に変換され、構成が幾何学的に単純化された場合、他のセンターは異なる、より豊富なソリューションを開発しました。特にヴェネツィアは大胆な構図と比類のない色彩感覚でヴェロネーゼとティントレットの例を提供しましたが、パルマアフターでは数十年の忘却の中で、コレッジョとパルミジャーニーノの不誠実な解決策が再発見されました。
これは、反宗教改革によって強化された教会が、新しい芸術委員会に再投資するために多額の資金を持ち、ますます野心的で、徐々に世俗的なテーマの汚染に寛容になったときに起こりました。このプロセスの中心はローマでした。そこでは、イタリア人とイタリア人以外のすべてのアーティストが新しい刺激とより大きな幸運を求めて集中しています。
最初に違うものを開発したのは、1598年から1606-1607年の間にファルネーゼ美術館の装飾で勝利を収めたカラッチ兄弟で、その後、ドメニキーノ、グイドレニー、ゲルチーノなどの一連のエミリア人が続きました。アンニバレカラッチ（1609）とカラヴァッジョ（1610）の初期の死後、芸術の世界は2つに分かれているように見えました。極端な光学的および社会的真実を備えたカラヴァッゲスキと、その反対側に「古典主義者」がいて、新しく折衷的な読書を提供する歴史的なスタイル。
バロックに到達する目標に必要な絵画技法の完全な習得は、ローマでのルーベンスの活動によって予期されました。これは、ヴァリチェッラ（1608）のサンタマリア教会の後陣の装飾における彼のスキルを示し、マドンナデッラヴァリチェッラと外側の聖人の3つの大きな祭壇画は、建築空間と現在の自然光に密接に接続された単一のスキームとして構成されています。中央のボックスでは、天使や天使の色によって強調された回転合唱運動の感覚で、個々の人物に対して全体のアイデアが優勢です。ヴェネツィアの芸術家が学んだように、色は暖かく活気に満ちており、悲しみの感覚は強く、エネルギーがあります。ルーベンスには、ミケランジェロブオナローティの人物の肉体的な力、ラファエロサンツィオの優雅さ、ベネチアン、ティツィアーノの色、そして新しくて圧倒的なエネルギッシュなチャージがあります。
1621年、新しく選出されたグレミリーXVに続き、両方ともエミリア出身であるゲルチーノがローマに到着しました。わずか1年間の滞在で、彼はカジノルードヴィジのオーロラなどのローマの記憶に残る作品を残しました。そこでは、数字が建築空間と重なり合い、建築家ギドのほぼ同時代のオーロラパラビチーニとは異なり、視聴者の視点から自分自身を最適化しています。その代わりに、表現は天井からぶら下がっているキャンバスと同等であり、明確に区切られ、「下から」のビジョンがありません。すでにゲルチーノでは、見る人の目が容赦なくシーン全体を旅するように誘われ、動きと不安定性の望ましい効果の名の下に、要素の連結に魅了され、柔らかな光と色がスポットで広がります。これらの効果は、グロリアのサンクリソゴノ（今日はロンドン、ランカスターハウス）で、特にサンピエトロの大聖堂と今日はカピトリーノ博物館で開催された、サンペトロニーラの埋葬と栄光の大きな祭壇画（1623）で再現されました。これらのアイデアは、新しい「バロック」スタイルの誕生に不可欠でした。
スタイルの進化
したがって、グエルチーノとルーベンスは、ジャンロレンツォベルニーニの作品において、30年間で決定的な奉献を受ける新しい季節の先駆者でした。
しかし、絵画では、この「第3のスタイル」のすべての特性が見られる（カラバギズムと古典主義の間にある）最初の完全な「バロック」作品は、ジョヴァンニランフランコ（1625-）によるサンタンドレアデッラヴァッレのドームの装飾です。 27）驚くことではないが、パルマは彼の街のコレッジョのドームのレッスンを取り入れ、最も革新的な貢献をした。この巨大なフレスコ画では、キャラクターは自由に動き、光のおかげで中心にクライマックスを持ち、直接開口部をシミュレートする上昇する回転の感覚を生み出す、流動的で不安定な同心円の作成によって、実空間が拡張されます。天国の楽園へ。
ローマのパラッツォバルベリーニ（1633-39）のサロンの金庫室など、ピエトロダコルトーナの装飾的な偉業により、バロック絵画の完成度が高まりました。彼の驚異的で無謀な技術にすぐに相当数の熟練者が続き、こうしてコルトン主義は記念碑的な絵画の言語となり、照明効果と遠近法によって壮大な神格を互いに押し付ける世俗的および宗教的委員会のための宣伝の完璧な手段となりました。求積法の使用に感謝します（アーキテクチャを作成するために、実際には「求積者」と呼ばれる専門家がいました）。
ピエトロダコルトーナの作品の斬新さは、特に多くの感動的な人物のこのスタイルを、より穏やかで静的なアンドレアサッキ（同じくパラッツォバルベリーニでアレゴリーオブディバインウィズダム）と対比することにより、同時代の人々から明らかでした。議論はアカデミア・ディ・サン・ルカであり、その中のピエトロ・ダ・コルトーナは1634年から1638年まで王子でした。絵画と文学を比較すると、ピエトロ・ダ・コルトーナのために、人物はエピソードでいっぱいの「叙事詩」を構成します。一種の「悲劇」であり、単一性とシンプルさが基本的な要件です。
拡大
ピエトロダコルトーナが働いていたセンターの中で、フィレンツェは際立っており、ピッティ宮殿の装飾や他の宗教事業でメディチのために長い間働いていました。彼のスタイルが地元の学校に与える影響は、彼の最も忠実な生徒シロフェリの長い存在によって増加しましたが、すぐにはわかりませんが、破壊的でした。完全に関与するようになった最初の地元のアーティストはVolterranoでした。
ジョバンニランフランコは長い間ナポリで働いており、ルカジョルダーノとフランチェスコソリメーナで最も重要な地位を占めていたイタリア南部のバロックの味に根を下ろす条件を作り出しました。 2人のうちの最初の人はイタリア中を旅し、ニュースの並外れた普及者でした。ピエトロダコルトーナがローマ郊外で最も多く運営されていたフィレンツェのパラッツォメディチリッカルディのギャラリーで、ピエトロダコルトーナとは異なり、建築のレイアウトがなくなった巨大なフレスコ画を作成しました。 18世紀の空中。
しかし、ピエトロダコルトーナの成功により、多くのアーティストが彼のスタイルにアプローチするようになりました。最初の1時間の直接の生徒は、ジョバンフランチェスコロマネッリ（1637年にすでに彼とライバル関係にあり、ジャンロレンツォベルニーニに保護されたため教師から削除されました）、ジョバンニマリアボッタラ、およびチロフェリでした。 2時間目（1655年後）、ラザロバルディ、グリエルモ、ジャコモコルテス、ポールショール、フィリッポラウリ。ロマネリはフランチェスコバルベリーニ枢機卿によってパリに呼ばれ、太陽王の宮廷で基本的な芸術家でした。
ルーベンスがジェノヴァに移り、その後ファンダイクが通過したことも、リグーリア州の新しいスタイルへの初期の関心を呼び起こしていました。グレゴリオデフェラーリは、リグリアの首都で大規模な風景画と豪華な装飾を行いました。ジェノバ人であるバチチョは、ローマでのバロックの旅のもう1つの重要な作品、ベルニーニ自身によって呼ばれるジェズ教会の金庫室を作成します。それでもベルニーニのサークルには、田舎の教皇クレメント9世ロスピリオシのもとで彼の運命を築いたピストイア出身のアーティスト、ルドビコジェミニャーニがいて、その父のジャシントは、ピエトロダコルトーナのもう1人の弟子でした。
バロック様式の普及におけるイエズス会の役割は、最初にローマで、次にウィーンを含む他のセンターで空に開けられた金庫室の並外れた錯覚の作者であるアンドレア・ポッツォ会員に委任された重要な委員会によって証明されています。
17世紀の最後の四半期には、教会や宮殿での芸術委員会への要求が倍増し、バロック様式は今や多様な芸術的背景を持つ芸術家によって広まった折衷的な解釈の暴動となりました。この最後のフェーズの名前の中で、アントニオとフィリッポゲラルディ、ドメニコマリアカヌーティ、エンリコハフナー、ジョバンニコリ、ジャシントブランディが目立ちます。今世紀の終わりには、前述のナポリのルカジョルダーノの姿が何よりも際立っており、ロココの絵画を見越して、よりオープンで広大な解決策を予告しています。
全国的なバリエーション
イタリア、地中海諸国が主導し、ドイツと中央ヨーロッパのほとんどの神聖ローマ帝国がそれに続いて、一般に完全なバロック様式のアプローチが採用されました。
17世紀のオランダの黄金時代の絵画では、北部の現実主義の伝統から生まれた、やや異なる芸術がありました。宗教芸術や歴史の絵画はほとんどなく、代わりに静物画や日常のシーンのジャンル絵画など、世俗的なジャンルの開発に重要な役割を果たしていました。そして風景画。レンブラントの芸術のバロック様式の性質は明らかですが、レーベルはフェルメールや他の多くのオランダ人アーティストにはあまり使われていません。ほとんどのオランダの芸術は、多くのバロックの典型的な素晴らしさの理想化と愛情に欠けており、オランダのトレンドの一部を共有する隣接するフランダースのバロック絵画を含みながら、伝統的なカテゴリーをより明確なバロック様式で作り続けています。
フランスでは、堂々とした優雅な古典主義がバロック絵画に独特の風味を与えており、17世紀後半も絵画の黄金時代と見なされています。最も重要なアーティストの2人、ニコラプッサンとクロードロレーヌは、ローマに拠点を置いていました。彼らの作品は、ほとんどすべてイーゼルの絵画で、イタリア人だけでなくフランスの常連客からも高く評価されました。
イタリアのバロック絵画
当時のイタリアの絵画は、すでに眉をひそめられたマニエリスムの形で破ろうとしています。マネージャーは2つの明確に区別された派閥でした。一方で画家カラヴァッジョ、そして他方でカラッチ兄弟（ルドビコ、アゴスティーノ、アニバーレ）。
最高の代表であるカラヴァッジョの自然主義は、光の効果を使用した厳しい画像で、日常生活の問題を扱っています。キアロスクロスは力強さと活気を与えようとします。彼らは美しさの理想から遠ざかり、巧みに現実を見せます。当時のカラヴァギズムを育んだ画家の大部分
一方、カラッチはいわゆる古典主義を形成しています。キャプチャするテーマは、神話上の存在とともに、グレコラテン文化に触発されています。 16世紀の作家は、ラファエルやミゲルアンヘルなどの強い影響力を持っています。色は柔らかく、光も柔らかく、フレスコ画は天井に描かれています。
どちらのトレンドも続編を残し、絵画の設定を一新するのに役立ちました。ジェノヴァでのバロックのもう一つの天才であるルーベンスの存在は、その場所の作品に反映されています。
フランスのバロック絵画
フランスでは、マニエリスムはバロックの影響を受けています。絵画は古典主義であり、落ち着いたバランスの取れたスタイルで宮殿を飾るために使用されます。肖像画が描かれ、神話の主題が扱われます。
最も著名な作家はニコラ・プッサンで、ローマを訪れた後、イタリアのトレンドに明らかに影響を受けました。彼はグレコローマン文化のインスピレーションを探しました。カラバジスタ側では、アーティストのジョルジュドラトゥール、フィリップドシャンペーン、ルナンブラザーズが際立っていました。
しかし、フランスのバロックは影響力だけではなく、後にロココになりました。
フランダースとオランダのバロック絵画
フランダースでは、ルーベンスの人物像がシーンを支配し、貴族的で宗教的な絵を描いています。一方、オランダでは、絵画はブルジョワ的で、風景、肖像画、日常生活のテーマを支配し、レンブラントの人物がその最も優れた指数です。
スペインのバロック絵画
スペインでは、バロックは絵画活動の頂点に立つ瞬間であり、画家の壮大なグループでディエゴベラスケス、リベラ、バルトロメエステバンムリーリョ、またはフランシスコデスルバランの天才と習熟を強調しています。この時代は、ゴールデンエイジと呼ばれ、経済危機があったにもかかわらず、働いていた多数の重要人物のサンプルとして知られていました。
スペインの画家は、カラヴァッジョなどのイタリア人アーティストと彼のテネブリズムをインスピレーションとして使用しています。フランダースのバロック絵画は、スペインでその影響力を行使し、ルーベンスが法廷画家として国に到着したことにより、スペインに大きな影響を与えました。
バロック芸術の主な学校は、マドリード、セビリア、バレンシアの学校になります。
スペインのテーマはカトリックで君主的であり、明らかに宗教的です。ほとんどの作品は教会から直接依頼されました。一方、ベラスケスが1635年にマドリードのブエンレティーロ宮殿のために描いた有名な絵画「ラスランサス」のように、多くの絵画は王、貴族、および彼らの戦争を扱っています。神話と古典的なテーマも一定です。しかし、最も繰り返されるのはキリスト教の宗教であり、その一例として、ホセ・デ・リベーラの偉大な作品である聖フィリップの殉教があります。作品のリアリズムは、信仰の信念を信者に伝えるために使用されるため、バロックは教会の武器でした。
色は鮮やかで、影の領域と同じ数の領域を作成する複数の光源の効果があります。イタリアのテネブリズムは、すべてのスペインの画家に感じられます。フィギュアは通常ポーズをとらず、シーンに力を与えるために誇張された動きでキャプチャされます。油彩画は大きく、通常は複雑で、さまざまな人物像や表情豊かなジェスチャーが含まれています。
その他の経験
自然主義
17世紀の芸術の基本的な構成要素には、いわゆる「ロンバード17世紀」に支点を置く自然主義の構成要素があります。カラヴァッジョの性質の観察から生まれ、カルロとフェデリコボロメオの徴候とともに育ったこの作品は、ミラノでの原動力であり、常にコンクリートの混合である絵画において、強烈な物語の場面で厳格で劇的な言語を使用しました、日常の現実、そして人類と信仰の神秘的で超越的なビジョン。この傾向のサンプルは、いわゆるミラノのドキドキ画家のグループを構成する、Giovan Battista Crespi、Giulio Cesare Procaccini、Daniele Crespiand、Morazzoneとして知られるPier Francesco Mazzucchelliです。
カウンター改革の画家とは異なり、自然主義者は、美と装飾の理想と比較して二次的な詳細を省くことなく、敏感な世界のすべての要素を同じレベルに置きます。これらは、特定の哲学的および宗教的意味にも関連する原則であり、それに従って、それぞれの出現は、神の反映として、その多くのすべての側面で表現される価値があります。
この潮流はカラヴァッジョの信者に広がり、特にスペインの支配国であるロンバルディアからナポリ王国、フランダース（ユトレヒトのカラバギスト）からイベリア半島（ベラスケス、ズルバラン、リベラ）に広がりました。
リアリズム
それはごく最近の用語ですが、黄金時代のオランダの絵画を参照すると、自然主義のいくつかの亜種として理解されている「リアリズム」について話すことができます。
ユナイテッドプロヴィンスの独立は、神聖なイメージを拒否したカルヴァン派教会を前面に押し出し、当初は芸術的生産の中断をもたらしました。しかし、芸術家たちはすぐに、繁栄するブルジョア階級の家の装飾に捧げられた新しいジャンルに専念することができました。ヨーロッパで初めて「ブルジョワ」絵画が誕生しました。風景、静物画、道徳的なテーマ、肖像画、自画像などのニッチは、最高の絵画作品の品格を獲得しました。オランダ人は、彼らの芸術的伝統の足跡をたどって、客観的なデータがアーティストの感性によってフィルターされて表示される環境、キャラクター、習慣の「本当の」側面に特に熱心に目を向けました。
古典主義
すでに16世紀の終わりから、マニエリスムと自然主義への反応は「美」の理論を広めました。それによれば、アーティストは可能性を否定することなく、完璧な秩序と美を選択する能力に投資しました。不完全さ、カオス、変形。そのため、画家は、ルネサンスにおけるラファエルの経験とグレコローマンアートの世界をたどって、実際のデータをフィルタリングすることで、最高の完成度に到達できました。
Nicolas PoussinやClaude Lorrainとしてフランス人に影響を与えたエミリア人の画家（特にドメニキーノ、アルバーニ、サソフェラート）がこのトレンドに加わりました。
バンボシアンティ
オランダ人のピーターファンレールは、彼の肉体的奇形のためにローマで「バンボッチョ」と呼ばれていました。 「バンボッカンテ」という用語は結局、典型的なオランダの人気ジャンルに照らしてカラバゲスクの自然主義を再解釈したあざける人の意図なしではなく、彼のエミュレーターとフォロワーのグループを示していました。しかしながら、すでにベッロリによって強調されたカラヴァッジョと比較して、彼らは世界で最も謙虚な主題を釣り、いくつかのコレクターの好意を楽しんでいる間、彼らは当時の理論家によって非難されました。