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バロック音楽

バロック音楽は、約1600年から1750年にかけて作られた西洋音楽のスタイルです。この時代はルネサンス時代の音楽の時代に続き、古典時代に続いています。 バロック音楽は “クラシック音楽”の大部分を占め、現在は広く研究され、演奏され、聴かれています。 バロック時代の重要な作曲家は、ヨハン・セバスチャン・バッハ、アントニオ・ヴィヴァルディ、ゲオルク・フリードリヒ・ヘンデル、クラウディオ・モンテヴェルディ、ドメニコ・スカラッティ、アレッサンドロ・スカラッティ、ヘンリー・パーセル、ゲオルグ・フィリップ・テレマン、ジャン・バティスト・ルリー、ジャン・フィリップ・ラモー、マーク・アントワーヌ・シャルパンティエ、コレリ、トーマソ・アルビノーニ、フランソワ・クペラン、ジュゼッペ・タルティニ、ハインリッヒ・シュッツ、ジョバンニ・バッティスタ・ペルゴレジ、ディオテリック・バクステフデ、ヨハン・パッヘルベル。

バロック時代は、歌や小片が特定の鍵で書かれた音楽を書くアプローチである、調性の創造を見ました。 この種のアレンジメントは、ほぼすべての西洋の人気音楽で引き続き使用されています。 バロック時代にはプロのミュージシャンがソロ・メロディーラインと伴奏パートの両方の即興演奏家として迎えられることが期待されていました。 バロック・コンサートは、典型的にはコンチェルト・コンチェルト(コンチェルト・コンチェルト・バンド)を伴い、ベース・インストゥルメント・グループ(ヴァイオリン、チェロ、ダブル・ベースはベースラインを演奏した。 特徴的なバロック様式がダンススイートでした。 ダンス・スイートの作品は実際のダンス・ミュージックに触発されていましたが、ダンス・スイートは純粋にリスニングのために設計されたものであり、ダンサーを伴うものではありません。

この間、作曲家や演奏家は、音楽の装飾(典型的には演奏家によって即興演奏された)をより精巧に使用し、楽譜の表記を変更しました(曲や曲のコード進行を素早く知らせるためのフィギュアベースの開発)。新しい演奏技法を開発しました。 バロック音楽は、楽器演奏の大きさ、範囲、複雑さを広げ、オペラ、カンタータ、オラトリオのボーカル/インストゥルメンタル形式とソロ・コンチェルトとソナタの楽器形式を音楽ジャンルとして確立しました。 toccata、fugue、concerto grossoなど、この時代の多くの音楽用語やコンセプトは、2010年代にはまだ使用されています。 複数の独立したメロディーラインが同時に演奏される高密度で複雑なポリフォニック・ミュージック(これの人気のある例はフーガーズ)は、多くのバロックの合唱や楽器の重要な部分でした。

「バロック」という言葉はポルトガル語の「barroco」の意味で、「奇妙な真珠」という意味です。 この言葉の否定的な意味は、1734年にJean-Philippe Rameauのオペラを批判し、後にCharles de BrossesがローマのPamphili宮殿の華やかで重厚な装飾建築の記述で生じた(1750)。 この用語は19世紀を通して建築と芸術の批判に適用され続けたが、20世紀までは、ハインリッヒ・ヴェルフリンの芸術史の語彙から「バロック」という言葉が採用されていた。

語源
「バロック」という用語は、音楽史学者が、主にヨーロッパで約150年間にわたって構成された幅広い地域からの幅広いスタイルを記述するために一般的に使用されています。 長い間、重要な言葉としての言葉が建築に最初に適用されたと考えられていましたが、実際にはメルモーで印刷されたRameauのHippolyte et Aricieの1733年10月のプレミア上の匿名の、風刺的なレビューこのオペラの斬新さは、デュ・バロクキーであり、音楽にはコヒーレントなメロディーがなく、不器用な不協和音があり、常に鍵とメーターが変わり、すべての作曲装置が素早く動いたと批判した。

この時期の音楽に対する「バロック」という用語の歴史家による体系的な適用は比較的最近の発展である。 1919年に、Curt SachsはHeinrichWölfflinのバロックの理論の5つの特徴を体系的に音楽に適用しました。 批評家はWölfflinのカテゴリーを音楽に移す試みに疑問を抱いていたが、20世紀第2四半期にはManfred Bukofzer(ドイツ、移民の後、アメリカ)とSuzanne Clercx-Lejeune (ベルギーでは)プラスチック芸術と文学に基づいた理論の音楽への適応を避けるために、比較抽象ではなく自律的、技術的分析を使用する。 これらの努力のすべては、期間の時間的境界、特に開始時期に関する相当な意見の相違をもたらした。 英語では、用語は、BukofzerとPaul Henry Langの著書で、1940年代にのみ獲得された通貨である。

1960年代後半には、Jacopo Peri、Domenico Scarlatti、Johann Sebastian Bachの音楽を一括してまとめることが有意義であったかどうかは、特にフランスとイギリスの学界でかなりの紛争が残っていました。 それにもかかわらず、この用語は、この広い範囲の音楽に広く使用され、受け入れられている。 バロックを音楽歴史の先行(ルネサンス時代)と後続(古典時代)の両方から区別することは有益かもしれません。

歴史
バロック時代は、初期、中期、後期の3つの主要な段階に分かれています。 彼らは時間が重複していますが、それらは通常1580年から1630年、1630年から1680年、1680年から1730年の間にあります。

初期のバロック様式の音楽(1580-1630)
フィレンツェのカメラマンは、フィレンツェのルネッサンス時代の人類学者、ミュージシャン、詩人、知識人のグループであり、芸術における動向、特に音楽やドラマを議論し、指導するためにジョバンニ・デ・バルディ氏の後援のもとで集まりました。 音楽に関連して、彼らは談話や寓話を大切にする古典的(特に古代ギリシア語)の音楽劇の知覚に基づいて理想を立てています。 このように、同時代の同時多彩な歌唱(複数の独立したメロディーライン)と楽器の使用を拒否し、古代ギリシャの音楽装置、すなわちキタラ(古代の弦楽器)を伴奏した独唱を論じた。 Jacopo PeriのDafneやL’Euridiceをはじめとするこれらのアイデアの早期実現は、バロック音楽の触媒となったオペラの始まりを飾った。

音楽理論に関して、フィギュアド・バス(徹底的なベースとしても知られている)のより広範な使用は、多声の線形基盤としてのハーモニーの重要性がますます発展していることを表しています。 ハーモニーは対位法の最終結果であり、フィギュアド・ベースは一般的に演奏に使用されるハーモニーを視覚的に表現したものです。 ギターベースの演奏では、ハープシコード演奏者やパイプオルガン奏者(またはリテンティスト)などの鍵盤楽器演奏者が読み込んだベースラインの上に、数字、偶然または記号が置かれていました。 数字、偶然または記号は、キーボード・プレーヤーに、各バス・ノートの上でどのような間隔で演奏すべきかを示しています。 キーボード・プレイヤーは各ベース・ノートのコード・ボイシングを即座に行うでしょう。 作曲家はハーモニック・プログレッションで自分自身について始め、不安定な間隔であると認識されているトリトンを使用していました(これは主な第7の和音と和音の和音に使われていました)。ルネサンスの特定の作曲家特にCarlo Gesualdo;ただし、モダリティではなく、調性(調子の「ホームノート」となる音楽キーに焦点を当てる)に向けられたハーモニーの使用は、ルネッサンスからバロック時代への移行を示しています。音符ではなくコードの特定のシーケンスが、音節として知られていた基本的なアイデアの1つの終わりに閉鎖感を提供することができるという考えに至りました。

クラウディオ・モンテヴェルディ(Claudio Monteverdi)は、ルネッサンス様式の音楽からバロック時代の音楽への移行を促進しました。 彼は、ルネッサンスの多音(prima pratica)の遺産とバロックの新たなバッソコンティニュアテクニック(seconda pratica)の2つの個別のスタイルを開発しました。 バッソのコンティニュで、少数のミュージシャンがベースラインとコードを演奏し、メロディの伴奏を形成しました。 バッソコンティニュアグループは、通常、1つ以上のキーボードプレイヤーと、ベースラインを演奏し、コードを即興演奏するリュートプレーヤーと、ベースラインを演奏するいくつかのベース楽器(例えば、ベースの違反、チェロ、ダブルベース)を使用する。 オペラ「L’Orfeo」と「L’incoronazione di Poppea」の執筆により、Monteverdiはこの新しいジャンルに注目しました。

中世のバロック音楽(1630-1680)
中央裁判所の台頭は、フランスのルイ14世によって擬人化された「絶対主義の時代」と呼ばれることの多い経済的および政治的特徴の1つです。 宮殿のスタイル、彼が育んだマナーや芸術の裁判制度は、ヨーロッパの残りのモデルとなりました。 教会や州の後援の現実は、楽器の利用可能性の高まりが室内楽の需要を創造したように、組織化された公衆音楽の需要を創出した。

イタリアの真ん中のバロック時代は、1630年代のカンタータ、オラトリオ、オペラの声楽的なスタイルの出現と、音楽の状態を単語の平等のものに昇格させる新しいコンセプトのメロディとハーモニーによって定義されています。以前は著名であるとみなされていました。 初期のバロック様式の色とりどりの色調は、よりシンプルで洗練されたメロディックスタイルになりました。 これらのメロディーは、サラバンデやクーランドから引き出されたスタイリッシュなダンスパターンに基づいて、しばしば簡潔で間違った区切りのアイデアから構築されました。 ハーモニーも、初期のバロックのモノよりもシンプルであり、付属のベースラインはメロディとより一体化していて、後に初期の低音の期待の装置につながった部分の対抗的な等価性を生み出したアリアのメロディー。 この高調波の簡素化はまた、叙述的(オペラのより話された部分)とアリア(歌のメロディーを使用したオペラの一部)の差別化の新しい正式な装置にもつながった。 このスタイルの最も重要なイノベーターは、主にカンタータとオラトリオの作曲家であったRomans Luigi RossiとGiacomo Carissimiと、主にオペラ作曲家であったVenetian Francesco Cavalliでした。 このスタイルの後期重要な実践者には、Antonio Cesti、Giovanni Legrenzi、Alessandro Stradellaなどがあります。

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真ん中のバロック様式は、彼のグラデュース広告Parnassum(1725年)の以前の年代の特徴的な対立点を体系化したJohann Fuxの理論的研究に全く関係していなかった。

裁判所の作曲家の有名な一例はJean-Baptiste Lullyです。 彼は君主制から特許を購入して、フランスの王のためのオペラの唯一の作曲家であり、他の人がオペラを演奏することを防ぐことになった。 彼は15の歌詞の悲劇を完成させ、未完成のAchille etPolyxèneを残した。 リリーは指揮者の初期の例だった。 彼はアンサンブルを一緒に保つために大きなスタッフと時間を叩きました。

音楽的には、彼はイタリアのオペラから継承されたオーケストラのための弦主義の規範を確立しておらず、特徴的なフランスの5つのパートの処分(バイオリン、ヴァイオリン、オート・コンツェ、テール・クインテット・サイズ、ベース・バイオリン)ルイ13世の時からバレエで使われていた。 しかし、彼はこのアンサンブルを歌劇劇場に紹介しました。その上の部分は、レコーダー、フルート、オーボエ、そしてベースーンによってベースが倍増することがよくありました。 ヒーローシーンには、トランペットやケトルドラムが頻繁に追加されました。

Arcangelo Corelliは、ヴァイオリニストのテクニックと教育を体系化したヴァイオリニスト、そして純粋にインストゥルメンタルの音楽テクニック、特にコンチェルト・グロッソのアドボカシーと開発のような、音楽テクニックのもう一つの面での彼の業績に影響を与えたとして記憶されています。 Lullyが裁判所に居留していたのに対して、Corelliは広範囲に出版しヨーロッパで演奏した最初の作曲家の一人でした。 Lullyのオペラのデザインと構成と同様に、コンチェルト・グロッソは、完全なオーケストラが演奏するものと小さいものを演奏するものとの間で、強いコントラストセクションを交互に繰り返すように作られています。 ダイナミクスは “テラス”であり、それは大きな音から柔らかい音へと急激に変化し、再び戻ってきました。 高速セクションと低速セクションは、互いに並置されていた。 彼の生徒の中には、アントニオ・ヴィヴァルディ(Antonio Vivaldi)がいます。アントニオ・ヴィヴァルディは、後にCorelliのトリオソナタとコンサートの原則に基づいて数百点の作品を編曲しました。

これらの作曲家とは対照的に、Dieterich Buxtehudeは法廷の生き物ではなく、教会のミュージシャンであり、オルベリストとWerkmeisterのポストをLübeckのMarienkircheで保持していました。 Werkmeisterとしての彼の任務は、教会の秘書、財務、ビジネスマネージャーとしての役割を担っていましたが、オルガン奏者としての地位は、時には教会によって払われた他の楽器主義者やヴォーカリストと協力しながら、 彼は正式な教会職以外の場所で、同時代のオペラと同等の神聖な劇的な作品の演奏を含むアブンドゥムシケン(Abendmusiken)と呼ばれるコンサートシリーズを企画し、監督しました。

後期バロック音楽(1680-1730)
ドメニコ・スカルラッティ、アントニオ・ヴィヴァルディ、ジーン・フィリップ・ラモー、ゲオルグ・フィリップ・テレマンなど、ゲオルク・フリードリヒ・ヘンデル、ヨハン・セバスチャン・バッハ、そしてその時代の人々の作品は、バロック時代の幕開けとなりました。 ヨハン・フュックスの作品を通して、ルネッサンス様式のポリフォニーは、将来の音楽時代のための構成の研究の基礎となった。 後期バロックの作曲家たちは、ヨハン・フックスの作品のずっと前から構成の功績を確立していた。

他の作曲家から借りて、しばしば彼自身の資料を「リサイクル」した、継続的な労働者。 彼はまた、1742年に初演された有名な救世主のような作品を再利用することで知られていました。

スタイルとフォーム

ダンススイート
特徴的なバロック様式がダンススイートでした。 バッハのダンススイートの中にはパルティータと呼ばれるものもありますが、この言葉は他の作品集にも使われています。 ダンス・スイートの作品は実際のダンス・ミュージックに触発されていましたが、ダンス・スイートはダンスを伴わないためにリスニング用に設計されていました。 作曲家はダンス・スイートでさまざまなダンス・ムーブメントを使用しました。 ダンススイートは、しばしば次のような動きから成っています:

Overture – バロック様式のスイートは、しばしばフランスの序曲(フランス語の「Ouverture」)から始まり、ゆっくりとした動きが続き、さまざまな種類の踊りが続き、主に以下の4つがあります。
Allemande – インストゥルメンタルスイートの最初のダンスであるアレマンデは、ドイツルネッサンス時代の起源を持つ非常に人気のあるダンスでした。 アレマンデは適度なテンポで演奏され、バーのどのビートでも始めることができました。
Courante – 第2のダンスは、クアランテで、活発なフランスの踊りです。 イタリア語版はコレンテと呼ばれています。
Sarabande – スペインのダンスであるサラバンデは、4つの基本的なダンスの3分の1であり、バロックダンスの中で最も遅いものの1つです。 それは三重メーターでもあり、バーのどのビートでも始めることができますが、サラバンデの特徴的な「停止」やリズムを作り出す第2ビートに重点があります。
ギグ(Gigue) – このギグは、典型的なインストルメンタル・スイートの動きとその基本的なダンス・タイプの4分の1である、複合メーターの明るく活発なバロック・ダンスです。 ギグはバーのどのビートからでも始めることができ、リズミカルな感じで容易に認識されます。 ギグは英国の島々で生まれました。 民俗音楽のそれはジグです。
これらの4つのダンスタイプ(アレマンデ、クーランテ、サラバンデ、およびギグ)は、17世紀のスイートの大部分を占めています。 後のスイートは、サラバンデとギグの間で1つ以上の追加のダンスを補間します。

Gavotte – ガボットは、さまざまな機能によって識別できます。 それは4である
4拍子は常にバーの3拍目から始まりますが、1回目と3回目のビートは4倍の強いビートですので、最初のビートのように聞こえるかもしれません。 ギャボットは中程度のテンポで演奏されますが、場合によってはより早く演奏されることもあります。
Bourrée – bourréeはgavotteに似ています2
2回目ですが、バーの最後のビートの後半に始まり、ダンスとは違った感覚を作り出します。 bourréeは一般的に緩やかなテンポで演奏されますが、Handelなどの一部の作曲家にとっては、はるかに速いテンポで演奏することができます。
ミヌエット – おそらく、ミネアはバプテスマのバロックの踊りの中で最もよく知られています。 それは、バーの任意のビートで開始することができます。 いくつかのスイートでは、ミヌエトIとIIが連続して演奏され、ミヌエトは繰り返されます。
Passepied – Passepiedは、ブルターニュの宮廷舞踊として生まれたバイナリ形式とトリプルメートルの高速ダンスです。 例は、BachやHandelなどの後のスイートで見つけることができます。
Rigaudon – リュウードンは、bourréeに似ていますが、リズム的にシンプルなdupleメーターの活発なフランスのダンスです。 それは伝統的にVavarais、ラングドック、Dauphiné、およびプロヴァンスの州に関連付けられて密接に関連した南フランスの民族舞踊の家族として、起源。

その他の機能
プレリュード(Prelude) – プレリュード、すなわち即興のスタイルで書かれた遅い作品によってスイートが始まる可能性があります。 一部のバロックプレリュードは完全には書き出されていませんでした。 代わりに、演奏家が指示されたハーモニック・フレームワークを使用してメロディック・パートを即興演奏することができることを期待して、一連のコードが示された。 序曲は一種のダンスに基づいていませんでした。
Entrée – 時にはエンターテイはスイートの一部として構成されます。 しかしそこには純粋に器楽があり、ダンスは行われません。 それは、ダンスグループの入り口で演奏されたり、バレエの前に演奏された、マーチのような作品です。 通常4
4時間。 それはイタリアのイントラダに関係しています。
バッソ・コンティニュー(Basso continuo) – 通常、1つ以上のサスティン・ベースの楽器(例えばチェロ)と1つ以上のコード演奏楽器(例えば、ハープシコード、パイプなどの鍵盤楽器)オルガンまたはリュート)
コンチェルト(オーケストラ伴奏付きのソロ作品)とコンチェルト・グロッソ
モノディー – 歌の成果
ホモフォニー(Homophony) – 1つのメロディーな声とリズム的に似ている(そして従属する)弦伴奏を持つ音楽(これはモノラルは典型的なルネッサンステクスチャー、ポリフォニーとは対照的です)
オペラのような劇的な音楽の形態、音楽のドラマ
オラトリオやカンタータなど、歌手やオーケストラを使用した複合的なボーカル形式
トレモロ、ピチカートなどの新しいインストゥルメンタルテクニック
ダ・カポ・アリアは「喜び」を楽しんだ。
リトリネロ・アリア(ritornello aria) – ボーカル・パッセージの短いインストルメンタル・インターラクションを繰り返した。
コンサート音のスタイル – 楽器のグループ間の音のコントラスト。
典型的には歌手や楽器主義者によって即興演奏された広範囲の装飾(例えば、トリル、曲名など)

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