バロックは、17世紀初頭から1740年代までヨーロッパで栄えた建築、音楽、ダンス、絵画、彫刻などの芸術のスタイルです。イベリア半島を含むスペイン帝国とポルトガル帝国の領土では、1800年代の最初の10年まで、新しいスタイルとともにそれが続きました。それはルネサンスの芸術とマニエリスムに続き、ロココ(以前は「後期バロック」と呼ばれることが多かった)と新古典主義のスタイルに先行しました。それはカトリック教会によって、プロテスタントの建築、芸術、音楽のシンプルさと緊縮性に対抗する手段として奨励されましたが、ルーテルのバロック芸術はヨーロッパの一部でも発達しました。

バロック様式は、コントラスト、動き、あふれんばかりのディテール、深い色、壮大さ、驚きを使って畏怖の念を実現しました。このスタイルは17世紀初頭にローマで始まり、その後急速にフランス、イタリア北部、スペイン、ポルトガルに広がり、その後オーストリア、ドイツ南部、ロシアに広がりました。 1730年代までに、ロカイユまたはロココと呼ばれるさらに派手なスタイルに進化し、18世紀半ばから後半までフランスと中央ヨーロッパで登場しました。

概観

バロック:多義的な概念
「バロック」という用語は、ポルトガル語(バローコ)に由来する言葉に由来します。そのフェミニンな言葉は、不規則な形の真珠(スペイン語では「barruecas」のように)と呼ばれていました。過度に過負荷になっている風変わりで大げさな芸術の一種を表すのは、もともと軽蔑的な言葉でした。これは、ディクショネールドゥトレヴー(1771)で初めて登場した方法であり、「絵画、絵画、またはバロックの趣味の図で、ルールと比率が尊重されておらず、すべてが気まぐれで表現されています。アーティスト”。

別の理論は、バロック名詞、中世の学問哲学からのアリストテレス起源の三段論法からそれを導き出します。これは、弱い論理的内容に基づいて、真と偽を混同する曖昧さを示しています。したがって、この図は、一般的に皮肉な口調で論争のないわけではない、ある種の独断的および人工的な推論を示しています。この意味で、フランチェスコ・ミリツィアは彼のディツィオナリオ・デッレ・ベル・デッレ・アルティ・デル・ディセーニョ(1797)にそれを適用し、「バロックは奇妙な、嘲笑の過剰の最上級である」と表現している。

「バロック」という用語は、啓蒙主義の最も明確で冷静な合理性とは異なり、装飾の過剰な強調と豊富さを強調するために、18世紀から軽蔑的な意味で使用されました。当時、バロックは「不条理」や「グロテスク」などの他の形容詞と同義でした。賢明な思想家は、前世紀の芸術的業績で古典主義の教えの操作を見て、彼らの現実の合理主義的概念に非常に近かったので、16世紀の芸術に対する彼らの批判は「バロック」という言葉を軽蔑的な概念に変えました。 Dictionnaire d’Architecture(1792)、Antoine ChrysostomeQuatremèrede Quincyheは、バロックを«贅沢なニュアンスと定義しています。それは、あなたが好きなら、その洗練であり、あなたが言うことができるなら、それは虐待です。味の知恵の厳しさ、バロックは奇妙なもの、つまり最上級のものです。バロックの概念には、あざけりが過剰につながるという概念が含まれます»。

しかし、芸術の歴史学は後にバロックの概念を再評価し、その固有の性質を評価する傾向があり、同時にバロックを西洋文化の歴史における特定の期間として扱い始めました。バロックの否定的な意味を最初に否定したのは、ジェイコブブルクハルト(チチェローネ、1855年)で、「バロック建築はルネサンスと同じ言語を話しますが、方言は退化しています」と述べています。

賞賛の声明ではないが、それはより客観的な研究への道を開いた。たとえば、Cornelius Gurlitt(ItalienのGeschichte des Barockstils、1887)、August Schmarsow(Barock und Rokoko、1897)、Alois Riegl(Die Entstehung der Barockkunst in Rom) 、1908)とWilhelm Pinder(Deutscher Barock、1912)は、ハインリヒヴェルフリン(Renaissance und Barock、1888; Kunstgeschichtliche Grundbegriffe、1915)の仕事で最高潮に達し、最初にバロック独自のスタイルの自律性を与え、区別しました。再評価された方法でそのプロパティとスタイルの機能。後に、ベネデットクローチェ(Saggi sulla letteratura italiana del Seicento、1911)は、バロックの歴史学者研究を実施し、その社会史的および文化的背景にそれをフレーミングし、いかなる種類の価値判断も行わないようにしました。しかし、イタリア(1929年)のStoriadell’etàbaroccaでは、時代の芸術的価値を主張する数多くの論文が発表されたときに、彼は再び「退廃的」と呼んだバロックに否定的な性格を与えました。 Der Barock als Kunst der Gegenreformation(1921)、Werner Weisbach 、, sterreichische Barockarchitektur(1930)、Hans SedlmayrまたはArt religieuxaprèsle Concile de Trente(1932)、ÉmileMâle

その後の研究により、バロックの現在の概念が確定的に確立されました。たとえば、一部の歴史家による「バロック」と「バロック」の区別など、いくつかの注意点があります。前者は17世紀の芸術の古典的で純粋な原始的な段階であり、第二に、再充電されて誇張されたマナー付きのフェーズです。これは、マニエリスムがルネサンスのマナー付きのフェーズと同じように、ロココと収束します。この意味で、Wilhelm Pinder(Das Problem der Generation in der Kunstgeschichte、1926)は、これらの「世代」スタイルは、特定の文化的理想の定式化とその後の変形に基づいて互いに成功していると主張しています。人文主義と古典主義のルネサンスであるバロックは、主に絶対主義と反改革に基づいて、バロック思想的基盤の形式主義的鍵の再定式化を表した。

一方、文化の歴史におけるある時期としてのバロックに対して、20世紀初頭には、すべての芸術的スタイルの進化に存在する段階としての「バロック」という第二の意味が浮上した。ニーチェはすでに「素晴らしい芸術が死ぬたびにバロック様式が生まれる」と主張した。バロックにトランスヒストリカルな美的感覚を最初に与えたのはハインリッヒヴェルフリン(Kunstgeschichtliche Grundbegriffe、1915)で、古典主義とバロックの交互の一般原則を確立し、芸術スタイルの進化を支配しました。

目撃者はエウジェニオドルス(The Baroque、1936)によって収集されました。彼らはそれを「歴史的」な芸術の形態(「バロック」対「バロック」の時代)として定義しました。古典とは対照的に芸術の歴史。古典主義が合理的で男性的なアポロニアの芸術である場合、バロックは非合理的、女性的、ディオニソスです。ドールの場合、「両方の願望[古典主義とバロック様式]は互いに補完し合っています。経済と理性のスタイルが発生し、別の音楽的で豊富な。 1つは安定した重い形状に魅了され、もう1つは丸みを帯びた上昇する形状に惹かれます。あるものから別のものへと、崩壊も退化もありません。これらは、感性の2つの永遠の形です»。

歴史的および文化的背景
17世紀は一般に経済不況の時期であり、主にアメリカの発見によって引き起こされた前世紀の長期にわたる拡大の結果でした。貧しい収穫は小麦と他の基本的な製品の価格の上昇をもたらし、その後飢饉が続きました。貿易は、特に地中海地域で停滞し、イギリスとオランダでは、東洋との貿易と大企業の創設によってのみ繁栄し、資本主義とブルジョア階級の台頭をもたらしました。 17世紀半ばにヨーロッパを襲ったペストの疫病、特に地中海地域に影響を及ぼした疫病により、経済状況は悪化しました。 30年戦争(1618-1648)の場合と同様に、悲惨さと貧困を生み出したもう1つの要因は戦争であり、主にカトリック教徒とプロテスタントの間の対立によって引き起こされました。これらすべての要因は、人口の深刻な貧困を引き起こしました。多くの国で、貧困層と乞食の数は人口の4分の1に達しました。

一方、ヨーロッパの覇権勢力は帝国スペインから絶対主義者のフランスへと移り、西ファリアの平和(1648)とピレネーの平和(1659)の後に大陸で最も強力な国家として結ばれ、事実上議論の余地はありませんでした。 18世紀のイギリスの台頭。したがって、ルイーズのフランスとローマ教皇ローマは、それぞれ政治権力と宗教権力の中心地として、そして絶対主義と反改革の拡散の中心地として、バロック文化の主な核でした。スペインは、政治的および経済的衰退にもかかわらず、それにもかかわらず、見事な反改革派改宗者の宗教的側面を特徴とするものの、人気の高い要素を持ち、文学とプラスチックの両方をもたらした、黄金時代と呼ばれる素晴らしい文化期間を過ごしました高品質の芸術。バロック文化が到着した残りの国(イングランド、ドイツ、オランダ)では、その植え込みは不規則であり、その独特の国家的特徴に特有の異なる切手がありました。

バロックはイタリアで、主にローマの教皇庁で造られました。そこでは、芸術が反改革派の教義の普及のための宣伝媒体として使用されました。プロテスタント宗教改革は、16世紀前半の間にカトリック教会を深刻な危機に陥れました。それは、多くの教会階層の腐敗とカトリックのメッセージと働きの更新の必要性、そして忠実な人々へのより大きなアプローチの両方を証明しました。 。トレント公会議(1545-1563)は、プロテスタント主義の進歩に対抗し、カトリック教がまだ普及している国でカトリック教団を統合し、カトリック教義(秘跡の神権、独身、聖母の崇拝、聖人の崇拝)の基礎を築くために開催されました。ラテン語の典礼使用)、カトリック信仰の新しい伝達手段と拡張の作成、教育、説教、カトリックメッセージの普及に特に重点を置き、信仰の伝播のための会が作成された強力な宣伝スタンプを取得。この考えは、新しく設立されたイエスの会で具体化されました。それは説教と教育を通じて世界中に驚くべき急速な普及をもたらし、プロテスタント主義の進歩を遅らせ、カトリック信仰の多くの領域を回復しました(オーストリア、バイエルン、スイス、フランダース、ポーランド)。

反宗教改革のもう1つの影響は、権力が強化されたローマ教皇の人物像が統合されたことで、特にサンピエトロ大聖堂に重点を置いて、ローマの都市の拡張と改修という野心的なプログラムが生まれました。とその周辺。教会は当時最大の芸術コミッショナーであり、芸術を宗教的宣伝の主力として使用し、簡単にアクセスでき、理解しやすい人気の媒体でした。アートはmaiorem Dei et Ecclesiae gloriamの表現手段として使用され、Sixtus V、Clement VIII、Paul V、Gregory XV、Urban VIII、Innocent X、Alexander VIIなどの教皇は偉大な後援者となり、大きな改善と建設に至りました。永遠の都で、すでにローマの凱旋門、ムンプ王(「世界の凱旋門」)として分類されています。

文化的に、バロックは偉大な科学的進歩の時代でした。ウィリアムハーヴェイは血液の循環を検証しました。ガリレオガリレイは望遠鏡を完成させ、前世紀にコペルニクスとケプラーによって確立された太陽中心理論を統合しました。アイザック・ニュートンは、万有引力の理論を定式化しました。エヴァンジェリスタトリチェッリが気圧計を発明しました。フランシスベーコンは、彼のNovum Organumasを科学的研究の基礎として実験的手法を確立し、経験主義の基礎を築きました。彼の側では、ルネデカルトは哲学を合理主義へと導き、彼の有名な「私はそう思います、それゆえ私はそうです」。

新しいヘリオセントリック理論とその結果としてのルネサンスの典型的な人間中心的な感情の喪失により、バロック人は秩序と理性において調和と比例で信仰を失いました。規制されていない秩序はあるが、自由で気まぐれで、神秘的で不可解な性質は、インスピレーションの便利なバロック精神の直接的な源となりました。真実への信仰を失うと、すべてが明らかになり、幻想的になります(カルデロン:人生は夢です)。もはや何も明らかにされていないので、すべてを調査し、経験する必要があります。デカルトは彼の哲学的システムの出発点に疑問を投げかけました:「起きている間に私たちに来るすべての考えは、睡眠中に私たちにも起こり得ることを考慮して、それが真実でなくても、私はこれまでにあったすべてのものが私の中に入ると偽ることを決心しました精神、彼らは私の夢の幻想よりも真実ではなかった」(方法に関するディスコース、1637)。したがって、科学は真実の探求に限定されていたが、芸術は想像力の表現に向けられていたしたがって、光学的効果と幻想的なゲームの好み、一時的な構造と一時的なものの価値、または詩の示唆的で魅惑的な味わい、素晴らしい、官能的で刺激的な、言語的および統語的効果、イメージの力とレトリックの力。アリストテレスやシセロなどの著者の主張によって活性化されました。

ホセアントニオマラヴァルの定義では、バロック文化は「監督された」—コミュニケーションに焦点を当てた—「大規模な」—人気のある—そして「保守的な」—確立された秩序を維持することでした。芸術的表現の手段は主に教訓的で魅惑的である必要があり、簡単に一般に届き、興奮させ、送信したメッセージ、権力のインスタンスのサービスに配置されたメッセージに同意させる必要があります-政治的または宗教的-それを払ったのは教会と貴族-最初はブルジョア階級-が芸術家と作家の主な顧客だったので、芸術作品の制作費。教会が反改革派のメッセージを伝えたいのであれば、絶対君主国は芸術において彼らのイメージを拡大し、彼らの力を示す方法を見ました、

このため、そして経済危機にもかかわらず、芸術はとりわけ教会や貴族のご愛顧のおかげで栄えました。君主国の裁判所、特に絶対主義者たちは、王国の素晴らしさを捉える手段として芸術を支持しました。これは、君主の偉大さを証明する宣伝の手段です(パラダイムの例は、ルイ14世によるヴェルサイユの建設です)。収集が盛んになり、ヨーロッパ大陸全体に芸術家や芸術作品が流通するようになり、芸術市場が台頭しました。当時の主な美術収集家の一部は、ルドルフ2世皇帝、イギリスのカルロス1世、スペインのフェリペ4世、スウェーデンのクイーンクリスティーナなどの君主でした。芸術市場は、主にオランダ(アントワープとアムステルダム)とドイツ(ニュルンベルクとアウクスブルク)に焦点を当てて、著しく成長しました。アートアカデミーもまた、16世紀にイタリアで出現した大学に続いて、芸術を文化的現象として保存し、その研究と保存を規制し、展示会やコンテストを通じて宣伝する機関として急増しました。 17世紀に登場した主なアカデミーは、1648年にパリジャンに設立されたアカデミーロワイヤルダル、およびベルリンにアカデミーデアクンステ(1696年)でした。

バロック様式
バロックはマニエリスム懐疑論の受け継がれたスタイルであり、それは当時の作家の間の致死感とドラマ感に反映されていました。アートはより人工的で、より華やかで、装飾的で、華やかになった。彼は錯覚主義者による光学効果の使用を強調した。美は新しい表現方法を模索し、驚くべき驚くべき効果が関連するようになりました。 「ウィット」、「洞察力」、「シャープネス」などの新しい美的概念が登場しました。個人的な行動では、外面が特に強調され、プレシオシテの名をとった、傲慢でエレガント、洗練され、誇張された態度が反映されました。

ヴェルフリンによれば、バロックは主にルネッサンスへの反対によって定義されます。線形のルネッサンスのビジョンと比較して、バロックのビジョンは絵画的です。平面での構成と比較すると、深度に基づく構成。閉じた形の前に、開いた形。調和に基づく構成単位の前で、主な動機に従属する。オブジェクトの絶対的な明快さと比較して、効果の相対的な明快さ。したがって、バロックは、遠近感と深さを備えた絵画的視点のスタイルであり、要素の多様性を中心的なアイデアにさらし、同時に、無限のビジョンと、鋭い細部やプロファイルを回避する相対的な暗闇を伴いますその芸術を明らかにする代わりに、それを隠すスタイルであること»。

バロック芸術は2つの方法で文体的に表現されました。一方では、現実、生活の平凡な側面、日常生活、生活のはかない性質に重点が置かれ、カトリックの宗教現象の特定の「俗化」で具体化されました。国、そしてプロテスタントにおける周囲の世界の賢明な特質に対するより大きな好み。一方、国家的および宗教的概念の壮大で高貴なビジョンは、権力の表現として表されます。これは、王室と教会に与えられる壮大な、豪華で華やかな、壮大な性格の味に変換されます。強力な宣伝切手。

バロックはイメージの文化であり、すべての芸術が集まって総合的な芸術作品を生み出し、演劇的、景観的な美学、支配的な権力(教会または国家)の素晴らしさを明らかにする前提となるシーンがあり、自然主義的なタッチですが、ダイナミズムとバイタリティーを表現するセットです。すべての芸術の相互作用は、マスコミュニケーションの手段としての視覚言語の使用を表現し、自然と周囲の空間のダイナミックな概念で具体化されます。

バロックアートの主な特徴の1つは、その幻想的で人工的な性質です。「創意工夫とデザインは、驚くべき目を欺くことができる魔法のアートです(Gian Lorenzo Bernini)。視覚とはかないものは特に高く評価され、劇場や舞台芸術やショーのさまざまなジャンルが人気を博しました:ダンス、パントマイム、ミュージカルドラマ(オラトリオとメロドラマ)、人形劇、曲芸師、サーカスなど。世界は劇場(theatrum mundi)であり、人生は演劇の機能です:「誰もが舞台であり、すべての男性と女性は単なる俳優です」(ウィリアムシェイクスピア、1599年)。

同様に、他の芸術、特に建築を演劇化する傾向がありました。それは、現実の逆転に基づいた芸術です。«シミュレーション»、偽を真に変えること、«偽装»、偽を真に渡すこと。現状は示されていませんが、ヨーロッパの半分がプロテスタント主義に向いて以来、対宗教改革がほとんど成功しなかったカトリック世界では、彼らが望んでいるとおりです。文学において、彼は、比喩、パラドックス、双曲線、アンチテーゼ、ハイパーバトンなどの修辞的な形に頼り、言語の豪華さが現実を甘く反映しようとするプロパガンダ表現の手段として、修辞的な芸術に自由な手綱を与えることによって現れました。 、省略など。歪められ、拡大され、その比率が変更され、フィクションの主観的基準に従う現実のこの転置も、絵画の分野に移行しました。そこでは、縮小と幻想の視点がより大きな目的のために乱用されています。印象的な効果。そして驚くべき。

バロック芸術は、フィクションと幻想を通して別の現実を創造しようとしました。この傾向はパーティーや遊び心のある祝賀会で最大の表現がありました。教会や宮殿などの建物、あるいは近所や街全体が、生命の劇場となり、現実と幻想が混在するシナリオとなり、感覚が欺瞞と巧妙さを帯びるようになりました。この側面では、反改革派教会は、荘厳な大衆、規範、聖職者、行列、法王の寄付などの行為を伴う、プロテスタント教会に対するその優位性を示すために華やかさを追求する特別な役割を果たしました。しかし、王位と貴族のお祝いが豪華であるのと同じように、戴冠式、結婚式と王室の出産、葬式、大使の訪問、または君主が人々を賞賛する力を発揮することを可能にするあらゆるイベントなどのイベントがありました。バロックフェスティバルは、建築や造形芸術から、詩、音楽、ダンス、演劇、花火、フラワーアレンジメント、ウォーターゲームなど、すべての芸術が融合したものでした。ベルニーニやピエトロダコルトーナなどの建築家、またはアロンソカノやセバスチャンエレーラなどの建築家スペインのバルヌエボはそのようなイベントに才能を与え、構造、振付、照明などの要素を設計しました。これらはしばしば将来のより深刻な成果の実験場として機能しました。したがって、ポルトガルの聖エリザベスの正教会化のための天蓋はベルニーニに彼の役を務めましたセントピーターの天蓋の将来の設計、およびカルロライナルディによる隔離(イエズス会の神聖な劇場)は、カンピテッリのサンタマリア教会のモデルでした。

バロック時代、この時代の芸術の華やかで人工的で華やかな性格は、死の必然性に直面した富の一時的な価値である記念品の森に関連する一時的な生命感覚を明らかにしました。ヴァニタス。この感情は、その瞬間のはかないことを活気づき、生命が与えるわずかなレクリエーションの瞬間を楽しんだり、厳粛なお祝いや行為をしたりしました。このように、誕生、結婚式、死、宗教的行為、または王室の戴冠式およびその他の遊び心のある儀式の行為は、壮大な風景の芸術と工芸品で覆われ、雄大な壮大さを提供するために建築と装飾を組み合わせた大きな集会が作り出されました幻想的な要素、現実と空想の境界の減衰が特別な関連性を帯びた、ほとんどカタルシスな光景となったあらゆるお祝いに。

バロックは、地理的にも年代順にも様式的な統一性を示さなかった異質な概念であり、主に絵画の分野におけるさまざまな様式的な傾向があることに注意してください。主なものは次のとおりです。自然主義、自然の観察に基づくスタイルですが、道徳的および美的基準に基づいて、または単に、アーティストの作品を考案する際のアーティストの自由な解釈に基づいて、アーティストによって確立された特定のガイドラインに従います。リアリズム、自然の厳格な模倣から生じる傾向。解釈も甘くもされませんが、細部まで細部まで表されます。古典主義、現在は自然の理想化と完全性に焦点を当て、高い感情と深い反射を呼び起こし、すべての美しさをすべてに反映させることを熱望しています。

最後に、バロックでは新しい絵のジャンルが生まれたか発展したことに注意すべきです。それまでに、歴史、神話、または宗教のテーマの表現が芸術で支配されていた場合、17世紀に経験した深刻な社会の変化が、特にプロテスタント諸国の新しいテーマへの関心を育み、その深刻な道徳が宗教的イメージの表現を偶像崇拝と見なして妨げた。

一方、ブルジョワジーの台頭は、その地位を芸術に決定的に投資したことを強調するために、貴族が好む壮大なシーンから遠く離れた新しいテーマの表現をもたらしました。バロックで多用されたジャンルの中で、次のものが際立っています。そのモデルを周囲の現実から、日常生活から、農村や都市のテーマから、貧困層や乞食、商人や職人から、または祭りや民俗から取り入れています。設定;自然の表現を独立したカテゴリーに引き上げる風景。これまでは歴史的または宗教的な人物のいるシーンの背景としてのみ機能していました。人物像を中心とした肖像画。一般的には現実的な要素を持ちますが、理想化から除外されないこともあります。無生物の表現からなる静物または静物、それらは家庭用トルソーの小片、花、果物またはその他の食品、家具、楽器などである。ヴァニタスは、人間の存在のはかない性質を暗示する一種の静物であり、一般に頭蓋骨や骨格、ろうそくや砂時計の存在によって象徴されます。

アーキテクチャ:起源と特徴
バロック様式の建築は、プロテスタントの改革に対応して、1545年から63年にトレント評議会のカトリック教会によって採用された教義の結果でした。反宗教改革の第1フェーズでは、宗教建築に厳格で学術的なスタイルを課しました。これは知識人には訴えましたが、教会の大衆には訴えませんでした。その代わりトレント評議会は、より人気のある聴衆に訴えることを決定し、芸術は宗教的テーマを直接的かつ感情的な関与で伝えるべきであると宣言しました。ルーサンのバロック美術は、カルバン派の偉大なイコノクラスムに応えて、アイデンティティの告白のマーカーとして発展しました。

バロック様式の教会は、崇拝者が祭壇の近くにあり、ドームまたはキューポラの高い頭上を持ち、光が教会の下を照らすことを可能にする大きな中央空間で設計されました。ドームは、天と地の結合を表すバロック建築の中心的な象徴的な特徴の1つでした。キューポラの内部は、天使と聖人の絵、天使の漆喰の小像で豪華に装飾され、下の人たちに印象を与えました天を見上げることの。バロック様式の教会のもう1つの特徴は四角形です。漆喰のフレームの天井に描かれたトロンプ・リルの絵画は、本物でも塗装されていても、聖人や天使の絵画でいっぱいで、建築の細部と欄干やコンソールでつながっています。コーニスの下のアトランテのクアドラトゥーラの絵は、教会の天井を支えているように見えます。システィーナ礼拝堂のミケランジェロの塗られた天井は、それぞれ独自の視点でさまざまなシーンを組み合わせ、一度に1つずつ見るのとは異なり、バロック様式の天井画は注意深く作成されたため、教会の床にいる観察者はまるで数字が本物であるかのように、天井全体を正しい視点で。

バロック様式の教会の内部は、ハイバロック様式でますます華やかになり、通常はドームの下に置かれた祭壇の周りに焦点を当てていました。ハイバロックの最も有名なバロック装飾作品は、ローマのサンピエトロ大聖堂にあるジャンロレンツォベルニーニによるセントピーターの椅子(1647–53)とサンピエトロのバルダーチーノ(1623–34)です。サンピエトロのバルデカンは、バロック芸術における正反対のバランスの例です。天蓋の見かけの軽さを備えた、作品の巨大なプロポーション。そして、作品のしっかりしたねじれた柱、ブロンズ、ゴールド、大理石と、天蓋の上の天使の流れるカーテンとのコントラスト。ドレスデンの聖母教会は、ドレスデンのルター派の市議会の委託を受けて1743年に完成し、「18世紀の観測者によってローマのサンピエトロ大聖堂と比較された」ルーテル派バロックアートの顕著な例として機能します。

教会内部のねじれた柱は、バロックの特徴の1つです。それは動きの感覚と光を反射する劇的な新しい方法の両方を提供します。カルトゥーシュは、バロック様式の装飾のもう1つの特徴です。これらは、大理石または石で彫られた大きなプラークで、通常は楕円形で丸みを帯びた表面に金色の文字で画像またはテキストが描かれており、室内装飾として、または建物の出入り口の上に配置され、下にそれらにメッセージを届けました。彼らは多種多様な発明を示し、大聖堂や宮殿から小さな礼拝堂まで、あらゆるタイプの建物で発見されました。

バロック様式の建築家は、幻想を作成するために強制遠近法を使用することがありました。ローマのパラッツォスパーダの場合、ボロミーニは、縮小する柱、狭い床、庭園のミニチュア像を使用して、通路が実際には7メートルしかない30メートルであるかのような錯覚を作り出しました。通路の終わりにある彫像は実物大のように見えますが、高さはわずか60センチです。ボロミニは、数学者の助けを借りて錯覚をデザインしました。

イタリアのバロック建築
ローマで最初にバロック様式のファサードを持つ建物は、1584年にジェズ教会でした。それは後のバロックの基準では明白でしたが、それに先行する伝統的なルネサンスのファサードとは一線を画しています。この教会の内部は、豪華な装飾が施された高バロック時代まで非常に厳格でした。

1605年のローマでは、ポールVは一連の教皇の最初の人物となり、形式の拡散、色彩と劇的な効果の豊かさを通じて感情と畏怖を喚起するように設計された聖堂と教会の建物を委託しました。初期バロックの最も影響力のあるモニュメントの中には、サンピエトロ大聖堂のファサード(1606–1619)と、ファサードを初期の教会のミケランジェロのドームに接続する新しい身廊とロッジアがあります。新しいデザインは、高騰するドームと非常に広いファサードとの間の劇的なコントラスト、およびドリス式柱と柱廊の大きなマスとの間のファサード自体のコントラストを生み出しました。

17世紀半ばから後半にかけて、スタイルはピークに達し、後にハイバロックと呼ばれました。多くの記念碑的な作品が教皇アーバンVIIIとアレクサンドルVIIから委託されました。彫刻家で建築家のジャンロレンツォベルニーニは、サンピエトロ広場(1656〜1667)の周りに新しい4重柱廊を設計しました。巨大な楕円形の3つの柱のギャラリーが特大のドームのバランスを取り、教会と広場に一体感と巨大な劇場の雰囲気を与えています。

イタリアのハイバロックのもう1つの主要な革新者は、フランチェスコボロミーニでした。その主な仕事は、サンカルロアレクワトロフォンターネ教会または4つの噴水の聖チャールズ(1634–46)でした。動きの感覚は、装飾ではなく、波打つ壁自体と、楕円形の塔や凹型トラバースに挿入されたバルコニーなどの凹凸要素によって与えられます。インテリアも同様に革命的でした。教会の主な空間は、楕円形のドームの下にある楕円形でした。

天使や聖人で賑わう塗られた天井、そしてトロンペ=リルの建築的効果は、イタリアのハイバロックの重要な特徴でした。主要な作品には、ローマの聖イグナチオ教会のアンドレア・ポッツォ(1685–1695)による「聖イグナスの楽園への参入」、ローマのジェソ教会(1669–)におけるジョヴァンニ・バッティスタ・ガウリによるイエスの名の勝利1683)、額縁からこぼれ出る数字、劇的な斜め照明と明暗のコントラストが特徴です。このスタイルはローマからイタリアの他の地域に急速に広まりました。バルダザーレロンヘナによってサンタマリアデッラサルー​​テ教会(1631〜1687)のヴェネツィアで登場しました。非常に独創的な八角形で巨大なキューポラが戴冠しました。これはトリノにも、特にグアリーノグアリニによって聖シュラウドの礼拝堂(1668〜1694)に登場しました。スタイルはまた、宮殿で使用され始めました。グアリーニはトリノのパラッツォカリニャーノを設計し、ロンヘナは大運河のカレッゾニコを設計しました(1657年)。ジョルジョマッサリが仕上げ、ジョヴァンニバティスタティエポロの絵画が飾られています。シチリア島での一連の大地震は、それらのほとんどの再建を必要とし、いくつかは、活気に満ちた後期バロックまたはロココ様式で建設されました。

スペインのバロック建築
スペインのカトリック教会、特にイエズス会は、スペインのバロック建築の原動力でした。このスタイルの最初の主要な作品は、マドリードのサンイシドロチャペルで、1643年にペドロデラトーレによって始められました。それは、複数の空間に分割され、光の効果を使用して謎の感覚を作り出す、内部のシンプルさを備えた外部の装飾の極端な豊かさと対照的でした。サンティアゴデコンポステーラの大聖堂は、17世紀の終わりに始まり、非常に華やかな鐘楼(1680)から始まり、その後、さらに2つの背の高い、より華やかな塔(オブラドリオと呼ばれる)が隣接し、一連のバロック様式が追加されて近代化されました。フェルナンドデカサスノボアによる1738年から1750年の間に。スペインのバロックのもう1つのランドマークは、レオナルドデフィゲロアによってセビリアにあるサンテルモ宮殿の礼拝堂の塔です。

グラナダは15世紀にムーア人から解放されただけで、独自のバロック様式がありました。画家、彫刻家、建築家のアロンソカノは、1652年から1657年に没するまでのグラナダ大聖堂のバロック様式のインテリアを設計しました。巨大な白い柱と金色の装飾の劇的なコントラストが特徴です。

スペインのバロック様式の最も装飾的で豪華な装飾が施された建築は、主にサラマンカとマドリードで働いていたシュリゲラ兄弟にちなんで名付けられたシュリゲレスク様式と呼ばれています。彼らの作品には、街のメイン広場であるサラマンカのマヨール広場(1729年)の建物が含まれます。この非常に装飾的なバロック様式は、アメリカ大陸のスペイン人によって建てられた多くの教会や大聖堂に非常に影響を与えました。

バロック後期のその他の著名なスペインのバロック建築家には、マドリッドのサンフェルナンドの王立ホスピスを設計したシュリゲラの弟子であるペドロデリベラ、トレド大聖堂で有名なエルトランスペアレントの祭壇画(1729–32)を設計したナルシソトメなどがあります。特定の光の中で、上に浮かんでいるような錯覚を与えます。

スペインのバロック建築家は、スペインをはるかに超えた影響を与えました。彼らの仕事はラテンアメリカとフィリピンのスペインの植民地に建てられた教会で非常に影響力がありました。イエズス会によってテポツォトランの大学のために建てられた教会は、その華やかなバロック様式のファサードと塔を備えており、良い例です。

中央ヨーロッパとロココ(1740〜1770年代)
1680年から1750年にかけて、非常に華やかな大聖堂、修道院、巡礼教会が中央ヨーロッパ、バイエルン、オーストリア、ボヘミア、ポーランド南西部に建てられました。いくつかはロココ様式であり、バロック様式から浮き彫りになり、より派手で非対称の様式になり、18世紀前半に中央ヨーロッパでそれを置き換え、次に古典主義に置き換えられました。

その地域の多数の国々の王子も、宮殿と住居にバロックまたはロココを選び、しばしばイタリアの訓練を受けた建築家を使ってそれらを建設しました。著名な建築家には、バイエルンのヨハンフィッシャーフォンエルラッハ、ルーカスフォンヒルデブラント、ドミニクスツィンマーマン、ブリュールのバルタザールノイマン、ドレスデンのマシュースダニエルポッペルマンなどがあります。プロイセンでは、プロイセンのフレデリックIIはベルサイユ宮殿のグランドトリアノンにインスピレーションを得て、ポツダムにある彼の夏の別荘、サンスーシのモデルとして使用しました。彼は、ゲオルクウェンツェラウスフォンノベルスドルフ(1745–1747)によって設計されました。バロック様式の宮殿建築のもう1つの作品は、ドレスデンのツヴィンガー宮殿です。これは、18世紀にザクセン公爵の宮殿のかつてのオランジェリーでした。

ロココ様式の教会の最も良い例の1つは、ドイツ南部のバイエルン州、バンベルク近くのバートスタッフェルシュタインの町の近くにある巡礼教会であるバシリカヴィエルツェンハイリゲン、または14人の聖ヘルパー教会です。バシリカはバルタザールノイマンによって設計され、1743年から1772年の間に建設されました。その計画は、教会の正確な中心に祭壇が配置された中央の楕円形の周りに一連の連動する円です。この教会の内部は、ロココ様式の装飾の頂点を示しています。

スタイルの別の注目すべき例は、ヴィースの巡礼教会(ドイツ語:ヴィース教会)です。 J. B.兄弟とDominikus Zimmermann兄弟によって設計されました。それはアルプスの麓、ドイツのバイエルン州ヴァイルハイムシェーンガウ地区のシュタインガデンの自治体にあります。 1745年から1754年の間に建設が行われ、内部はフレスコ画と漆喰細工で装飾され、ウェッソブランナースクールの伝統を受け継いでいます。現在はユネスコの世界遺産に登録されています。

もう1つの注目すべき例は、プラハの聖ニコラス教会(マラーストラナ)(1704〜55)で、クリストフディエンツェンホーファーとその息子のキリアンイグナズディエンツェンホーファーによって建てられました。装飾は教会の内部のすべての壁を覆っています。祭壇は中央のドームの下の身廊に置かれ、礼拝堂に囲まれています。光はドームの上と周囲の礼拝堂から降りてきます。祭壇はアーチ、柱、湾曲した手すり、色石のピラスターに完全に囲まれており、彫像で豊かに装飾されているため、実際の建築と装飾の間には意図的な混乱が生じています。建築は、光、色、動きの劇場に変わります。

ポーランドでは、イタリア風のポーランドのバロック様式が17世紀初頭から18世紀半ばまで続き、細部と色の豊かさが強調されていました。現在のポーランドで最初のバロック様式の建物で、おそらく最も有名なものの1つは、ジョバンニバティスタトレバノによって設計されたクラクフの聖ペテロとパウロ教会です。 1644年に建てられたワルシャワのジギスムントの柱は、柱の形で建てられた世界で最初の世俗的なバロック様式の記念碑でした。宮殿の邸宅様式は、1677年から1696年の間に建設されたウィラノー宮殿で例示されました。ポーランドで活動する最も有名なバロック建築家はオランダ人のティルマンファンガメレンで、彼の著名な作品にはワルシャワの聖カジミエシュ教会、クラクフの聖アン、ビャウィストクのブラニッキ宮殿。しかし、ポーランドのバロックで最も有名な作品は、ポズナンのファラ教会で、詳細はポンペオフェラーリによるものです。

フランスのバロックまたは古典主義
フランスは、イタリア、スペイン、ウィーン、その他のヨーロッパの華やかなバロック様式に大きく抵抗しました。フランスのバロック様式(グランドクラシック主義または単にフランスではクラシック主義と呼ばれることが多い)は、ルイ14世およびルイ15世のために建てられた作品と密接に関連しています。それはバロックよりも幾何学的な秩序と測定を特徴とし、ファサードとインテリアの精巧な装飾が少なくなっています。ルイ14世はバロックの巨匠ベルニーニにルーヴルの新しい翼のデザインを提出するように勧めたが、クロード・ペローとルイ・ル・ヴォーによるより古典的なデザインを支持して拒否した。

このスタイルの主な建築家には、フランソワマンサール(シャトードバルロワ、1626年-1636年)、ピエールルムエ(ヴァルドグレース教会、1645年-1665年)、ルイルヴォー(ヴォールヴィコント、1657年-1661年)が含まれます。特にジュール・アルドゥアン・マンサールとロバート・ド・コットには、ギャルリー・デ・グレースとヴェルサイユの大トリアノン(1687–1688)が含まれていました。マンサールはまた、ヴァンドーム広場(1686〜1699)のバロック古典主義の責任者でもありました。

当時の主要な王室のプロジェクトは、ヴェルサイユ宮殿の拡張であり、画家シャルルルブランの装飾でルヴォーによって1661年に始まりました。庭園は、アンドレルノートルが建築を補完し拡大するために特別に設計しました。ルブランの絵画が飾られた城の中心となるギャラリーミラーズ(鏡のホール)は、1678年から1686年の間に建設されました。マンサールは、1687年にグランドトリアノンを完成させました。ドコットが設計した礼拝堂は、1710年に完成しました。ルイ14世の死後、ルイ15世はより親密なプチトリアノンと非常に華やかな劇場を追加しました。庭園の噴水は、内部から見えるように設計され、劇的な効果を加えています。この宮殿は、ヨーロッパの他の君主、特にルイ15世の治世の初めにヴェルサイユを訪れたピーター大王に称賛され、模倣され、1705年から1725年の間にサンクトペテルブルク近くのペテルゴフ宮殿で独自の版を建てました。

ポルトガルバロック
ポルトガルのバロック建築は約2世紀(17世紀後半と18世紀)続きました。ジョン5世とジョセフ1世の治世は、王立絶対主義と呼ばれる期間に金とダイヤモンドの輸入を増やし、それによってポルトガルのバロックが繁栄しました。

ポルトガルのバロック建築は、他のヨーロッパとは異なる特別な状況と異なるタイムラインを楽しんでいます。

Related Post

それは、いくつかのフェーズを開始するいくつかの政治的、芸術的、経済的要因、およびさまざまな種類の外部の影響によって条件付けられ、その結果、独特のブレンドをもたらし、イタリアの芸術を求める人々によって誤解されることが多く、代わりに、独特の形や特徴を見つけますポルトガルの品種。もう1つの重要な要素は、「プレーンスタイル」(EstiloChãoまたはEstilo Plano)とも呼ばれるイエズスチカルアーキテクチャの存在です。これは、名前のように、わかりやすく、やや厳格に見えます。

建物は、シングルルームバシリカ、深いメインチャペル、側面のチャペル(コミュニケーション用の小さなドア付き)で、内装と外装の装飾はなく、非常にシンプルなポータルと窓があります。それは非常に実用的な建物であり、わずかな調整で帝国全体に建てることができ、後でまたは経済的資源が利用可能になったときに装飾する準備ができています。

実際、最初のポルトガル語のバロックは、装飾(ペイント、タイリングなど)によって “プレーンスタイル”を簡単に変換でき、空の領域を豪華で精巧なバロックシナリオに変えるため、建物が不足していません。同じことが外部にも適用できます。その後、時間と場所の好みに合わせて建物を調整し、新しい機能や詳細を追加するのは簡単です。実用的で経済的です。

より多くの住民とより良い経済的資源で、北、特にポルトとブラガの地域は、貴族によって建てられた教会、修道院、宮殿の多数のリストに見られる建築の更新を目撃しました。

ポルトはポルトガルのバロックの街です。その歴史的中心部はユネスコ世界遺産リストの一部です。

バロック様式の作品の多くは、街の歴史的な地域やその先にあり、ポルトガルに住むイタリアの建築家ニコラウナソーニに所属し、教会やクレリゴスの塔、ポルト大聖堂のロジア、教会などの風景画の定置を備えたオリジナルの建物を描いています。ミセリコルディア、サンジョアンノボ宮殿、フレイショ宮殿、聖公会宮殿(ポルトガル語:PaçoEpiscopal do Porto)、その他多数。

ロシアのバロック
ロシアのバロック、またはペトリンバロックのデビューは、1697〜98年にピーター大王が西ヨーロッパを長い間訪れた後、フォンテーヌブロー城とヴェルサイユ宮殿、その他の建築記念碑を訪れました。彼はロシアに戻ったとき、サンクトペテルブルクで同様の記念碑を建設することを決定しました。それは1712年にロシアの新しい首都になりました。ペトリンバロックの初期の主要な記念碑には、ピーターアンドポール大聖堂とメンシコフ宮殿があります。

アンナ皇后とエリザヴェタペトロヴナの治世中に、ロシアの建築は、エリザベス朝バロックに発展したイタリア生まれのバルトロメオラストレッリの豪華なバロック様式に支配されていました。ラストレッリの代表的な建物には、冬の宮殿、エカテリーナ宮殿、スモルニー大聖堂があります。エリザベス朝バロックの他の特徴的なモニュメントは、トロイツェセルジエワ大修道院の鐘楼と赤い門です。

モスクワでは、特に17世紀後半の東方正教会の建築で、ナリシキンバロックが普及しました。それは西ヨーロッパのバロックと伝統的なロシアの民俗様式の組み合わせでした。

スペインとポルトガルの植民地アメリカ大陸のバロック
ヨーロッパ諸国による南北アメリカの植民地化により、バロックは自然に新世界に移り、スペインとポルトガルが支配する地域で特に有利な立場を見出しました。最も典型的なバロックのカウンター改革派。ヨーロッパの芸術家はアメリカに移住して学校を作り、その多くは熟練した芸術家であったカトリックの宣教師の普及とともに、人気の味に影響を受けた多形のバロックを作りました。 CriolloとIndidenousの職人は、このバロックにユニークな特徴を与えるために多くのことをしました。アメリカのバロック様式の栽培の中心は、現在も続いていますが、メキシコ、ブラジル、ペルー、エクアドル、キューバ、コロンビア、ボリビア、グアテマラ、プエルトリコです。

特に注目に値するのは、メキシコと現在のアメリカ合衆国の南西部からアルゼンチンとチリまで南に広がる地域のスペインの削減の枠組みの中で開発された、いわゆる「宣教師バロック」であり、スペインのカトリックによって組織された先住民の集落彼らをクリスチャンの信仰に改宗させ、西洋の生活に溶け込ませるために、ネイティブカルチャーに影響されたハイブリッドバロックを形成し、クリオロスや多くのインドの職人やミュージシャンでさえ、文芸的であり、彼ら自身の優れた能力と才能のいくつかを繁栄させました。宣教師の説明では、西洋の芸術、特に音楽が森林管理者に催眠術の影響を与え、聖人の画像が大きな力を持っていると見なされたことがしばしば繰り返されます。多くのインディアンが回心し、神秘主義、迷信、演劇に満ちた情熱的で新しい形式の献身が生み出され、それはお祭りの大衆、神聖なコンサート、そして謎に喜びました。

スペインアメリカの植民地時代のバロック建築は、豊富な装飾が特徴です(メキシコシティのラプロフェサ教会のポータル、サンアンドレスチョルラのサンフランシスコ教会とカテドラルオブサンフランシスコのように、プエブラスタイルのアズレージョで覆われたファサードいわゆるシュリゲレスク様式(メキシコシティ大聖堂の幕屋のファサード、ロレンツォロドリゲス、サンフランシスコハビエル教会、テポツォトラン、タスコのサンタプリスカ教会)で悪化します。ペルーでは、1650年以降リマ、クスコ、アレキパ、トルヒーリョの各都市で主に開発された建造物が、クッション付きの壁やソロモンの柱の使用(ラコンパニアデヘスス教会、クスコ、バシリカ、サンフランシスコの修道院、リマ)。その他の国には次のものがあります。ボリビアのスクレのメトロポリタン大聖堂。グアテマラのエスキプラ大聖堂。ホンジュラスのテグシガルパ大聖堂。ニカラグアのレオン大聖堂。エクアドルのキトにあるラコンパニアデヘスス教会。コロンビアのボゴタにあるサンイグナシオ教会。ベネズエラのカラカス大聖堂。アルゼンチンのブエノスアイレスのカビド。チリのサンティアゴにあるサントドミンゴ教会。キューバのハバナ大聖堂。ボリビアのスペインのイエズス会の宣教、パラグアイのスペインのイエズス会の宣教、メキシコのスペインの宣教、カリフォルニアのスペインのフランシスコ会の宣教の教会の質も覚えておく価値があります。

ブラジルでは、ポルトガルの大都市と同様に、建築は通常、ボロミネスク様式のイタリアの影響を受けています。レシフェの共同大聖堂(1784)やリオデノッサセニョーラダグロリアドオウテイロ教会で見ることができます。ジャネイロ(1739)。ミナスジェライス州では、湾曲した面積測定、凹凸の動的効果を備えたファサード、すべての建築要素の塑性処理で際立った教会群の作者であるアレイハジーニョの作家を強調しました(Church ofSãoFrancisco de Assis in Ouro Preto、1765–1788)。

スペインとポルトガルの植民地アジアのバロック
インドのポルトガル植民地(ゴア、ダマン、ディウ)では、ゴア大聖堂や聖フランシスコザビエルの墓があるゴアのボンジーザス教会など、ヒンドゥー教の要素を取り入れたバロック様式の建築様式が栄えています。ゴアの教会と修道院のセットは、1986年に世界遺産に登録されました。

長い間スペイン帝国の一部であったフィリピンでは、フィリピンのバロック様式の教会を含む多数のバロック建築が保存されており、そのうちの4つ、およびバロック様式の新古典主義都市であるビガンは、どちらもユネスコ世界です。遺産。また、マニラの城壁都市(イントラムロス)も非常に注目に値しました。スペイン時代のバロックが保存されている注目すべき都市はタヤバスです。

ペインティング
バロックの画家たちは故意にルネサンスとその後のマニエリスム時代の画家とは一線を画すように努力しました。彼らのパレットでは、彼らは強烈で温かみのある色を使用し、特に赤、青、黄色の原色を使用して、3つすべてを頻繁に近接させました。彼らはルネサンス絵画の均一な照明を避け、写真の特定の部分に明暗の強いコントラストを使用して、中心のアクションまたは図に注意を向けました。

彼らの作曲では、ルネサンスの絵画の静かなシーンを避け、最大の動きとドラマの瞬間を選びました。ルネサンス絵画の静かな顔とは異なり、バロック絵画の顔は彼らの感情をはっきりと表しています。彼らはしばしば非対称を使用し、アクションは画像の中心から離れて発生し、垂直でも水平でもないが、左または右に傾いた軸を作成し、不安定さと動きの感覚を与えました。彼らは、風に吹かれた人物の衣装を着せたり、自分の身振りで動かしたりすることで、この動きの印象を高めました。全体的な印象は、動き、感情、ドラマでした。バロック絵画のもう一つの本質的な要素は寓話でした。すべての絵には物語があり、メッセージがあり、シンボルや寓話的な文字で暗号化されていることがよくありました。

絵画におけるイタリアのバロック様式のアイデアの初期の証拠は、ボローニャで発生しました。そこでは、アニバーレカラッチ、アゴスティーノカラッチ、ルドヴィコカラッチが、視覚芸術を秩序あるルネサンスの古典主義に戻そうとしました。しかし、彼らの芸術には、対抗宗教改革の中心となるアイデアも組み込まれていました。これらには、知性よりも心に訴える激しい感情と宗教的イメージが含まれていました。

バロック時代のもう1つの影響力のある画家は、ミケランジェロメリシダカラヴァッジョでした。人間の姿への彼の現実的なアプローチは、人生から直接描かれ、暗い背景に劇的にスポットライトを当て、同時代の人々に衝撃を与え、絵画の歴史に新しい章を開きました。バロック様式に密接に関連する他の主要な画家には、Artemisia Gentileschi、Guido Reni、Domenichino、Andrea Pozzo、Paolo de Matteis(イタリア)などがあります。フランシスコデスルバランとスペインのディエゴベラスケス。ドイツのアダム・エルスハイマー。ニコラ・プッサンとジョルジュ・ド・ラ・トゥール(フランスではプッサンが仕事のほとんどをイタリアで過ごしたが)。プッサンとラトゥールは「クラシック」バロックスタイルを採用しました。感情よりも、絵の人物の線に色よりも重点を置いています。

ピーターポールルーベンスは、フランドルバロック様式の最も重要な画家でした。ルーベンスの高額な楽曲は、古典およびキリスト教の歴史のエルディテの側面を参照しています。彼のユニークで非常に人気のあるバロック様式は、動き、色、官能性を強調し、その後、対抗宗教改革で促進された劇的な芸術的様式に倣った。ルーベンスは、神話や寓話的な主題の祭壇画、肖像画、風景、歴史の絵画を専門に扱っていました。

バロック絵画の1つの重要な領域は、クアドラトゥーラ、または文字通り「目をだました」トロンペルイユの絵画でした。これらは通常、天井や上壁、手すりの漆喰に描かれ、地上を見上げている人々に、天使、聖人、その他の天空の人物が群がっている空が、描かれた空に向かい合っているのを見ているという印象を与えました架空の建築。

イタリアでは、芸術家はしばしば室内装飾について建築家と協力しました。ピエトロダコルトーナは17世紀の画家の1人であり、この奇術師の絵を採用しました。彼の最も重要な委員会の中には、教皇都市8世の治世を称えるために彼がバルベリーニ家の宮殿(1633–39)のために描いたフレスコ画があります。ピエトロダコルトーナの作品は、システィーナ礼拝堂でのミケランジェロの作品以来、ローマで行われた最大の装飾フレスコ画でした。

フランソワブーシェは、バロック時代後期に登場した、より繊細なフランスのロココ様式の重要人物でした。彼はタペストリー、カーペット、劇場の装飾、絵画をデザインしました。彼の作品は、ルイ15世の愛人であるポンパドゥール夫人に非常に人気がありました。彼の絵画は神話のロマンティックで、穏やかにエロティックなテーマを特徴としていました。

植民地アメリカ
スペインアメリカでは、最初の影響はセビリアテネブリズム、主にスルバラン(メキシコとペルーで現在も保存されている作品の一部)によるものでした。メキシコのホセフアレスとセバスチャンロペスデアルテアガ、ボリビアの作品で見ることができます。 MelchorPérezdeHolguín。クスコ絵画学校は、アメリカ人のマニエリスムを紹介したイタリアの画家ベルナルドビッティが1583年に到着した後に生まれました。アンダワイラのサンペドロ教会の壁画の作者であるイタリアのアンジェリーノメドーロの弟子であるルイスデリアーニョの作品に焦点を当てました。また、インド(ケチュア)の画家、ディエゴクイスペティトとバジリオサンタクルスプマカラオ、クスコ大聖堂の高いアーチを覆う50枚の大きなキャンバスの作者であるマルコスサパタも強調しました。エクアドルでは、主にメスティーゾミゲルデサンティアゴとクリオロニコラスハビエルデゴリバルが代表するキトスクールが設立されました。

18世紀には、彫刻の祭壇画は絵画に取って代わられ、特にアメリカ大陸ではバロック絵画が発達しました。同様に、土木工事、主に貴族階級の肖像画や教会階層の需要が高まりました。主な影響はムリレスクであり、いくつかのケースでは-クリオロクリストバルデビジャルパンドのように-バルデスリアルの影響があった。この時代の絵は、甘くて柔らかい形で、より感傷的なトーンを持っています。コロンビアのグレゴリオバスケスデアルセ、メキシコのフアンロドリゲスフアレスとミゲルカブレラを強調しています。

彫刻
バロック彫刻の支配的な人物は、ジャンロレンツォベルニーニでした。教皇アーバンVIIIの後援の下で、彼は、顔とジェスチャーが彼らの感情を鮮やかに表現した聖人と人物の記念碑的な一連の驚くべき像、並外れたリアリズムの肖像画の胸像、印象的な椅子を含むバチカンの非常に装飾的な作品を作りましたサンピエトロ大聖堂のドームの下のサンピエトロ大聖堂。さらに、ローマの主要な広場を飾るために、記念碑的な彫刻のグループを備えた噴水を設計しました。

バロック様式の彫刻は、古代ローマの彫像、特にバチカンのギャラリーに展示されていた西暦1世紀の有名なラオコンの像に触発されました。 1665年に彼がパリを訪れたとき、ベルニーニは絵画と彫刻のアカデミーの生徒たちに話しかけました。彼は学生に自然からではなく古典的なモデルから作業するようにアドバイスしました。彼は生徒たちに、「最初の彫像に問題があったとき、私はアンティヌスに神託のように相談しました」と語った。

著名な後期フランスのバロック彫刻家には、エティエンヌモーリスファルコネやジャンバプティストピガールなどがあります。ピガールは、フレデリック大王から委託を受けて、ドイツのポツダムのサンスーシでフレデリック独自のバージョンのヴェルサイユの彫像を製作しました。ファルコネはまた、重要な外国の委員会を受け、サンクトペテルブルクで見つかった馬に乗って有名なピーター大王の像を作成しました。

スペインでは、彫刻家のフランシスコサルツィッロが、ポリクローム仕上げの木材を使用して、宗教的なテーマだけに取り組みました。最高のバロック彫刻の職人技の一部は、地元の職人によって作られた、新世界のスペイン植民地の教会の金色の漆喰の祭壇で発見されました。例としては、メキシコのオアハカにあるサントドミンゴ教会のロザリオ礼拝堂があります(1724–31)。

音楽とバレエ
バロックという用語は、バロック芸術と重複する期間に作曲された音楽のスタイルを示すためにも使用されます。音楽に対する「バロック」という用語の最初の使用は、批判でした。 1734年5月にメルキュールドフランスで印刷されたラモーのイポリットエアリシーの1733年10月の初演の匿名で風刺的なレビューで、批評家はこのオペラの目新しさは「デュバロック」であることをほのめかし、音楽には一貫したメロディーがなかったと訴えました、絶え間ない不協和音に満ちていて、常にキーとメーターを変更し、すべての作曲装置をすばやく実行しました。ミュージシャンで著名な作曲家であり哲学者でもあったジャンジャックルソーは、1768年にデニスディドロの有名なエンシロペディで非常によく似た観察をしました。「バロック音楽は、調和が混同され、変調と不協和音が混ざっている音楽です。 。歌は厳しく不自然で、イントネーションが難しく、動きが制限されています。この用語は、論理学者が使用する「バロコ」という言葉に由来するようです。」

当時の音楽の用語の一般的な使用は、1919年にのみ、Curt Sachsによって始まりました。ManfredBukofzerが発表した記事で最初に英語で使用されたのは1940年です。

バロックは音楽の実験と革新の時代でした。コンチェルトやシンフォニアなど、新しい形が考案されました。オペラは16世紀の終わりにイタリアで生まれ(ジャコポペリのほとんどがダフネで失われ、1598年にフィレンツェで生産されました)、すぐにヨーロッパの残りの国々に広がりました。ルイ14世は最初の王立音楽アカデミーを創設しました。1669年、詩人ピエールペランは、パリでオペラのアカデミーをオープンし、フランスで最初のオペラ劇場を公開しました。フランスで最初のグランドオペラであるポモネを初演しました。ロバートカンベールの音楽、5つの幕、精巧な舞台装置、バレエを披露しました。ドイツのハインリッヒシュッツ、フランスのジャンバティストルリー、イギリスのヘンリーパーセルは、17世紀に彼らの伝統を確立するのに貢献しました。

クラシックバレエもバロック時代に始まりました。宮廷舞踊の様式はマリードメディチによってフランスにもたらされ、最初は法廷のメンバー自身がダンサーでした。ルイ14世自身がいくつかのバレエで公演を行った。 1662年3月、王によってアカデミーロワイヤルドダンセが設立されました。それは最初のプロのダンススクールと会社であり、期間中ヨーロッパ中のバレエの基準と語彙を設定しました。

この期間に、ピアノを含むいくつかの新しい楽器が導入されました。ピアノの発明は、イタリアのパドヴァにあるバルトロメオクリストフォリ(1655–1731)が、トスカーナのグランドプリンスフェルディナンドデメディチに楽器の番人として雇われたとされています。クリストフォリは、楽器をun cimbalo di cipressoと名付けました。 di piano e forte(「ヒノキの柔らかくて大きな鍵盤」)は、時間の経過とともに、pianoforte、fortepiano、後には単にピアノと略されます。

劇場
バロック時代はフランスとスペインの演劇の黄金時代でした。劇作家には、フランスのコルネイユ、ラシーン、モリエールが含まれます。ロペデベガとペドロカルデロンデラバルカスペイン。

バロック時代、オペラやバレエの発達とともに、劇場の芸術とスタイルは急速に発展しました。新しいより大きな劇場の設計、発明はより精巧な機械の使用、舞台を囲んで観客から機械を隠すプロセニアムアーチのより広い使用は、より風光明媚な効果とスペクタクルを促しました。

バロックは、ルネサンス期のイタリアの文学モデルに従い、スペインではカトリック的で保守的な性格を持っていました。ヒスパニック系バロック劇場は、カトリックの信仰、君主主義、騎士道の騎士の世界から生まれた国家の誇りと名誉という基本的な3つの感情を表現した理想的な現実を備えた公共コンテンツを目指しました。

スペインのバロック劇場では2つの時代が知られており、分割は1630年に行われます。最初の時代は主にロペデベガによって代表されますが、ティルソデモリナ、ガスパールアギラル、ギレンデカストロ、アントニオミラデアメスカ、ルイスベレスデゲバラ、フアンルイスデアラルコン、ディエゴヒメネスデエンシソ、ルイスベルモンテベルムデス、フェリペゴディネス、ルイスキニョネスデベナベンテ、またはファンペレスデモンタルバン。第2期は、ペドロカルデロンデラバルカと他の劇作家、アントニオフルタドデメンドーサ、アルバロクビロデアラゴン、ジェロニモデカンサー、フランシスコデロハスゾリラ、フアンデマトスフラゴソ、アントニオコエロイオチョア、アグスティンモレット、フランシスコバンスカンダモ。これらの分類は緩やかです。なぜなら、各著者には独自の方法があり、時々、Lopeによって確立された式に身を固めることができるからです。ロペの「マナー」は、カルデロンの「マナー」よりもリベラルで構造化されていたのかもしれません。

Lope de Vegaは、Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo(1609)を通じて新しいコメディを紹介しました。彼は、イタリアの詩の学校の3つのアリストテレスの統一(行動、時間と場所)と、スタイル、さまざまな種類の詩やスタンザを示す悲劇的およびコミックの要素の混合に関するアリストテレスの4番目の統一を破る新しい劇的な式を確立しました何が表されているか。ロペは造形芸術についてはかなりの知識を持っていますが、彼のキャリアの大部分の間、また演劇や風景画でそれを使用しませんでした。ロープのコメディーは、演劇表現の視覚的側面に2番目の役割を与えました。

ティルソデモリーナ、ロペデベガ、カルデロンは、黄金時代のスペインで最も重要な劇作家でした。彼らの作品は、その微妙な知性と人の人類の深い理解で知られ、ロープの原始的な喜劇とカルデロンのより精巧な喜劇の間の架け橋と考えることができます。ティルソデモリーナは、有罪判決の疑惑とセビリアのトリックスターの2つの作品で最もよく知られています。これは、ドンファン神話の最初のバージョンの1つです。

彼がマドリードに到着すると、コジモロッティはスペインの裁判所にヨーロッパで最も進んだ演劇技術をもたらしました。彼の技術と機械知識は、「フィエスタ」と呼ばれる宮殿の展示や、「ナウマキアス」と呼ばれる川や人工噴水の豪華な展示に応用されました。彼は、Buen Retiro、Zarzuela、Aranjuezの庭園のスタイリングと、Coliseo del Buen Retiroの劇場用建物の建設を担当しました。

ロペの公式は、それが宮殿の劇場の基盤にふさわしくないという詩と、カルデロンデラバルカなどの劇作家のキャリアを始めた新しいコンセプトの誕生から始まります。カルデロンのスタイルは、ニューロペシアンコメディの主要な革新を特徴づけ、多くの違いを際立たせ、建設的な注意と彼の内部構造への注意を払っていました。カルデロンの作品は形式的に完璧で、非常に叙情的で象徴的な言語です。ロペの自由、活力、開放性は、カルデロンの知的反映と形式的精度に一歩を踏み出しました。彼の喜劇では、それは彼のイデオロギーと教義の意図を情熱と行動の上に反映しており、オートサクラメンターレの仕事は高いランクを達成しました。コメディアのジャンルは、政治的、マルチアート的であり、ある意味でハイブリッドです。メディアやメディア、建築、音楽、絵画に由来するリソースを織り交ぜた詩的なテキストは、ルーペスのコメディにある欺瞞を解放するものであり、風景の欠如と行動の対話から成り立っていました。

最も有名なドイツの劇作家は、オランダのヨーストヴァンデンフォンデルとピエールコルネイユのイエズス会モデルを使用したアンドレアスグリフィウスでした。英国のコメディアンの伝統とコメディアデラルテをコルネイユとモリエールの古典的な劇場と組み合わせたヨハネスフェルテンもいました。彼のツアー会社はおそらく17世紀で最も重要かつ重要なものでした。

スペイン植民地アメリカ
16世紀の終わりにスペインから始まった進化に続いて、本質的にトランスヒューマンであるコメディアンの企業が専門化し始めました。専門化に伴い、規制と検閲が行われました。ヨーロッパと同様に、劇場は寛容と政府による保護と拒否(例外を除く)または教会による迫害との間で揺れ動いていました。この劇場は、望ましい行動やモデルを広め、社会秩序や君主制、宗教的教義の学校を広めるための手段として当局にとって有用でした。

コラールは、代表の利点を共有する病院の利益のために管理されました。地元の人々が固定されていない地域で即興の野外ステージで劇場を運んだ巡回会社(または「リーグ」の)は、副業免許を必要とし、その価格またはピンチは施しと勤勉に運命づけられていました。首都や主要都市で安定して活動していた企業にとって、主な収入源の1つはコーパスクリスティの祭典への参加でした。これにより、経済的利益だけでなく、認知や社会的名声も得られました。副王宮や貴族の邸宅での表現は、レパートリーのコメディと優れた照明効果、風景、舞台を備えた特別な作品の両方を表しており、給与が高く権威のある作品の重要な情報源でもありました。

フアンルイスデアラルコンは、ニュースペインの総督に生まれ、後にスペインに定住しました。ニュースペインのバロック劇場で最も著名な人物です。ロペ・デ・ベガの新しいコメディへの彼の適応にもかかわらず、彼の「著しい世俗主義」、彼の裁量と拘束、そして彼のスペインの同時代人に対するアラルコンの独特の特徴としての「心理的浸透」に対する鋭い能力が注目されました。彼の作品の中で注目に値するのは、彼の絶え間ない道徳的目的を反映した登場人物の喜劇であるラベルダードソスペソサ。ソルフアナイネスデラクルスのドラマチックな演出により、彼女はスペイン系アメリカ人バロック劇場の2人目の人物になりました。彼女の作品の中で、オートサクラメンタルのエルディヴィーノナルシソとコメディのロスエンペニョスデウナカサについて言及することは価値があります。

庭園
ジャルダンアラフランセーズまたはフランスの正式な庭園としても知られるバロック様式の庭園は、16世紀にローマで最初に登場し、17世紀にフランスでヴォールヴィコントの庭園とヴェルサイユ宮殿で最も有名になりました。バロック様式の庭園は、18世紀半ばまでイギリス、オランダ、オーストリア、スペイン、ポーランド、イタリア、ロシアの王や王子によって建てられ、より自然なイギリスの風景庭園に改造され始めました。

バロック庭園の目的は、自然に対する人間の力を説明することであり、建築家の栄光であるバロック庭園は、家の部屋のように幾何学的なパターンでレイアウトされていました。彼らは通常、外から見下ろし、シャトーまたはテラスから見下ろすのが一番でした。バロック様式の庭園の要素には、華やかなバロック様式に切り取られた花壇や低い生垣の分枝、庭園を分割して交差した直線の砂利や砂利の小道が含まれます。テラス、スロープ、階段、カスケードは、標高の差がある場所に配置され、視点を提供しました。円形または長方形の池または水盤が噴水と彫像の設定でした。ボスケや丁寧に切り抜かれた木立や同一の樹木が、緑の壁のように見え、彫像の背景になりました。庭園の端には、通常、パビリオン、オレンジなどの構造物があり、訪問者は太陽や雨から避難できます。

バロック様式の庭園では、膨大な数の庭師、継続的なトリミング、豊富な水が必要でした。バロック時代の後半、形式的な要素は、曲がりくねった道、切り取られずに育ったままにされたさまざまな木の果樹など、より自然な特徴に置き換えられ始めました。ローマの寺院や中国の塔などの素朴な建築物や絵のような建造物、メインガーデンの端にある「秘密の庭園」には、訪問者が読書をしたり静かに会話したりできる、緑に満ちています。 18世紀半ばまでに、ほとんどのバロック様式の庭園は、部分的または全体的にイギリスの風景庭園に変化しました。

ヴェルサイユとヴォールヴィコントの他に、元の外観の多くを維持している有名なバロック様式の庭園には、ナポリ近くのカゼルタ宮殿があります。ドイツのブリュールのニンフェンブルク宮殿、アウグストゥスブルク宮殿とファルケンルスト宮殿。オランダのヘットロー宮殿。ウィーンのベルヴェデーレ宮殿。スペインのラグランハデサンイルデフォンソの王宮。ロシア、サンクトペテルブルクのペテルゴフ宮殿。

ロココとバロックの違い
以下は、ロココにはあり、バロックにはない特徴です。[説明が必要]

アールヌーボーのものと同様に、すべてが優雅な線と曲線で構成されている対称性の部分的な放棄
膨大な量の非対称曲線とC型ボリュート
装飾における花の非常に幅広い用途、たとえば花で作られた花綱
中国と日本のモチーフ
暖かいパステルカラー(白がかった黄色、クリーム色、パールグレー、非常に明るい青)

スタイルの終わり、非難、そして学問の再発見
ルイ15世の愛人であるポンパドゥール夫人は、バロック様式とロココ様式の衰退の一因となりました。 1750年、彼女は甥のアベルフランソワポワソンドゥヴァンディエールを、イタリアの芸術的および考古学的な発展を研究する2年間の任務に派遣しました。彼は、彫刻家ニコラスコーチンや建築家スフロを含む数人の芸術家を伴っていました。彼らはクラシックアートへの情熱を持ってパリに戻りました。ヴァンディエールはマリニーの侯爵になり、1754年に建物のロイヤルディレクターに任命されました。彼は公式のフランス建築を新古典主義に向けました。コーチンは重要な芸術評論家になった。彼はブーシェのプチ・スタイルを非難し、建築絵画のアカデミーにおいて古代と貴族に新たな重点を置いたグランド・スタイルを求めました。

ドイツの美術史の先駆者であり考古学者であるヨハンヨアヒムヴィンケルマンもバロック様式を非難し、古典芸術と建築の優れた価値を称賛しました。 19世紀までに、バロックは嘲笑と批判の対象になりました。新古典派評論家のフランチェスコミリツィアは、次のように書いています。 19世紀、批判はさらに進んだ。イギリスの批評家ジョンラスキンは、バロック彫刻は悪いだけでなく、道徳的にも腐敗していると宣言しました。

スイス生まれの美術史家ハインリヒヴェルフリン(1864〜1945)は、彼のルネサンスとバロック(1888)でバロックという言葉のリハビリを始めました。ヴェルフリンは、バロックを「ルネサンスの芸術とは正反対の芸術」である「大量に移入された運動」として特定しました。彼は現代の作家がするマニエリスムとバロックの区別をしなかった、そして彼は後の段階、18世紀に続いた学術的なバロックを無視した。バロック様式の芸術と建築は2つの第二次世界大戦の間で流行になり、主に批判的に支持されてきました。 「バロック」という用語は、通常、憤慨して、過度の装飾または線の複雑さを持っていると考えられる芸術品、工芸品、またはデザインの作品を説明するために引き続き使用されます。

Share