集合アート(Assemblage art)は、通常、基材から突出した、または基材から突出した三次元要素からなる規定された基材上に作成された芸術的形態または媒体である。それはコラージュ、二次元媒体に似ています。それは視覚芸術の一部であり、そしてそれは典型的には見つけられた物体を使用するが、これらの材料に限定されない。

技術
集合体は、特に芸術的な立体的な素材ではない芸術作品、および「発見されたオブジェクト」、すなわち、芸術の最先端まで昇格して芸術家が伝統的な芸術そのものに挑戦することを可能にする日常のオブジェクトに組み込むことによって得られる。最初はコラージュからインスピレーションを得ています。

「集合体において、空間はいかなる「構文」も発揮せず、いかなる順序の原則も課さない」:「視点はない」は「特権的」である。なぜなら「すべての形質」は「等しく印象的である」ことを望んでいるからである。さらに、その実現のための規則はありません:「異種材料のクラスターは自由に増殖することができます」。

特徴
集合は、20世紀で最も使用されている表現技法の1つで、形式的および意味的な一貫性を実現するために使用されるコレクションのメカニズムと、多数の類似性を示します。事実、時代や国の異なる自然の素材を自由にそして同じ場所にまとめる能力は、長い間コレクターの唯一の特権でした。コレクション自体は「最大の可能性のある集合」と見なすことができます。

オブジェクトは、一度組み立てられると大きな力を得ることができるという認識は、収集と組み立てのアイデアから生じています。コレクションでは、オブジェクトは新しいルーツ、それを取り囲むすべてのものと接触する新しい意味的な深さが与えられています。

歴史
芸術の起源はPablo Picasso cのキュービスト建築にさかのぼります。 1912年から1914年。その芸術的な意味での言葉の由来は、Jean Dubuffetが蝶の羽の一連のコラージュを作成した1950年代初頭にさかのぼることができます。しかし、Marcel Duchamp、Pablo Picasso、その他は、Dubuffetが登場する前から何年もの間、見つかったオブジェクトを扱っていました。ロシアの芸術家ウラジミール・タットリンは1910年代半ばに彼の「対抗救済策」を作成しました。 Tatlinと並んで、集団で彼女の手を試すための最も初期の女性アーティストは、Elsa von Freytag-Loringhoven、Dada男爵夫人でした。 1920年代のパリで、アレクサンダー・カルダー、ホセ・デ・クリーフト、ピカソなどが金属片や金属細工品から金属製のスクラップから完全に3次元作品を作り始めました。アメリカでは、最も初期のそして最も多産な集団芸術家の一人がLouise Nevelsonでした。そして、それは1930年代後半に発見された木片から彼女の彫刻を作り始めました。

画家のArmandoReverónは、竹、ワイヤー、クラフト紙などの使い捨ての素材を使用するときにこの技術を最初に使用した人の1人です。 30代の間に彼は粘液の翼でスケルトンを作りました。そして、他の芸術家の前にこのスタイルを採用しました。その後、Reverónは楽器を作り、電話、ソファ、ミシン、ピアノ、さらには音楽本などの楽譜をセットにしました。

後にその集合体はDuchampによって、既製のものと共に、そして彼らの作品を物体と画像の異常な組み合わせに基づいて作成したDadaists and Surrealistsによって使用された。

Kurt Schwittersは、新しい都市景観から列車や路面電車のチケット、クランク、車輪、ボルトなどの破片や破片を集めています。芸術家がダダイズムに反対するメルツの絵画では、破壊から節約された廃棄物は、コラージュまたは集合または彫刻を通して作品内部のオブジェクトを統合する変換プロセスを受けます。材料に対する極端な感度は、バウハウスに影響を与えたシュヴィッターズの美的経験の基礎です。

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シュルレアリスム誌ミノタウレのページは、シュルレアリスム作品における集団の使用と類似した方法論を見つけるように批評家を誘導するという点まで、16世紀と17世紀の絵画や図面を複製することが多い。例えば、1548年に芸術作品にキメラの存在を含めることを肯定的と評価したFrancisco de Hollandaによる理論化は、それを支持する批評家のためのこの仮説を支持する。互いに非常に異なる一組の部品の構築、集合体の存在意義は感覚の混乱を生じさせそして短絡効果を生み出し、それは新規性および超現実主義的対象物のかけがえのない部分を構成する。

50年代になるとこの技術は特に普及し、食品を含む最も異種の素材を使用するようになります。この集会は、20世紀初頭の前衛と60年代の比喩的な芸術の間の共通の糸です。

60年代と70年代の概念芸術の代表は、窓、棚、分類ツールを再配置して、博物館の隠喩を取り上げます。道具としての芸術への反映のメカニズムが働き始める。買いだめと保存の必要性は見せる必要性を超えています。物とその物理的形態、その材料とその色は単なる容器に還元されます。

1950年代以来、芸術家はまた、集合体を使用する代替方法として環境をますます使用するようになりました。作品は、計画外の蓄積、通常の限界を超えた問題の拡大、超現実主義的な経験であるDuchampの設置、芸術家のスタジオ – 混沌とチャンスの場 – と同様に特徴付けられます。この訴訟は、感動的な要素と実用的な手法として体系的に提起されています。例としては、ジャクソン・ポロック、フランシス・ベーコン、アレクサンダー・カルダー、50代半ばの日本のアーティスト、そして60代のアメリカ人のハプニングなどがあります。

1961年、展覧会「Art of Assemblage」がニューヨーク近代美術館で紹介されました。この展覧会では、アメリカ人のマン・レイ、ジョセフ・コーネル、ロバート・マリー、ロバート・ラウシェンバーグと並んで、20世紀初頭のヨーロッパの芸術家、ブレイク、ダブフェット、マルセル・デュシャン、ピカソ、クルト・シュウィッターなどの作品を紹介しました。 George Herms、Bruce Conner、Edward Kienholzなどのアーティスト。展覧会の学芸員であるWilliam C Seitzは、集合体は、事前に形成された天然または製造された材料、オブジェクト、またはアート材料として意図されていない断片で構成されていると説明しました。

蓄積と集合の概念から発せられたこれらの経験の合計は、何人かの芸術家にスペースのより新しい概念とより洗練されたアプローチを捜すことを導きました。最初の兆候は、イタリア、特にアルベルト・ブリの作品に現れています。アルベルト・ブリは、ピエロ・マンゾーニよりも少ない程度ではあるが、現代のオブジェを再利用したことによるものです。ダダイスト、シュールレアリスト、ネオリアリストの例。新しい集会所はアートギャラリーの空間に置かれています。

60年代半ば以来、何人かのイタリア人アーティストがインスタレーションやオブジェを捨てながら、インスタレーションやオブジェのルーヴルの本質を捨て去ってきました。集合体はすべての建設的な特徴が取り除かれています:空のスペースは基本的な参照のままですが、その中の仕事はすべての材料、身振り、考えの最初に強調しています。これらは孤立した例です、イタリアの外では、表現はまだJoseph Beuysの場合のようにまだダダイストの精神に、そして収集の概念に、蓄積の考えに結びついているからです。

イタリアには、デキリコとサヴィーニオの遺産を集めた芸術家もいます。それは知的な提案を通して絵画の中で物を集める方法で、物の間に新しいリンクを作り出します。後者は象徴的な観点から相互に関連している。例はClaudio Parmiggianiであり、その作品ではダダイストとシュルレアリスムの伝統に存在する変化と同じ傾向を感じている。

主に群集で知られるアーティスト
アルマン(1928年 – 2007年)、フランスの芸術家、彫刻家、そして画家。
1930年代に制作された等身大の女性人形で知られるドイツ人アーティスト、ハンス・ベルマー(1902–1975)。
アメリカの芸術家、Wallace Berman(1926年 – 1976年)は、ベリファックスのコラージュで知られています。
フランス人アーティスト、アンドレ・ブルトン(1896年 – 1966年)はシュールレアリスムの主たる創設者と見なされています。
ジョン・チェンバレン(1927年 – 2011年)、難破した自動車の溶接部分の彼の彫刻で知られるシカゴの芸術家。
グレッグコルソン(1956年生まれ)、スティックマップの彼の壁の彫刻で知られているアメリカの芸術家は、絵画、太陽系、方向性、および交差点を構成しました。
ニューヨークに住んでいたジョセフ・コーネル(1903-1972)、コーネルは、通常ガラス張りの彼の繊細な箱で知られていて、そこで彼は驚くべき物のコレクション、ルネサンス絵画のイメージと古い写真を並べました。そのような有名なメディチスロットマシンの箱など、彼の箱の多くは、対話型であり、処理されることを意図しています。
ニュージーランド生まれのオーストラリア人彫刻家、Rosalie Gascoigne(1917-1999)。
彼の最も有名な作品は、オーストリアの芸術家兼作家で、ベルリン・ダダの代表作であるRaoul Hausmann(1886-1971)で、 『Der Geist Unserer Zeit – Mechanischer Kopf』(Mechanical Head [The Spirit of Our Age])の作品です。 1920年
ベナン共和国出身の現代美術家、RomualdHazoumé(1962年生まれ)。ヨーロッパやイギリスで広く展示されています。
George Herms(1935年生まれ)は、彼の作品集で知られるアメリカの芸術家で、紙と演劇作品を扱っています。
ルイ・ヒルシュマン(1905年 – 1986年)は、有名な人の似顔絵、日常生活のコラージュや集まり、原型やシュールなシーンのためにフラット素材に3D素材を使用したことで知られるフィラデルフィアの芸術家です。
アメリカ人アーティスト、ロバート・H・ハドソン(1938年生まれ)。
Jasper Johns(1930年生まれ)、アメリカンポップアーティスト、画家、版画家、彫刻家。
エドワード・キエンホルツ(1927 – 1994)、彼の妻、ナンシー・レディン・キエンホルツと共同で、自立した、大規模な「タブロー」、またはBeaneryのような現代生活のシーンを、人のモデルで完成させた、破棄されたオブジェクト
骨、罠、海から投げ出された材料、廃棄物、携帯電話などの重要な集合体で知られているチェコのアーティスト、Lubo Kristek(1943年生まれ)。
1994年にJean-Jacques Lebel(1936年生まれ)は、ポンピドー・センターのフォーラムにMonumentàFélixGuattariという大規模な集会を設置しました。
Janice Lowry(1946年 – 2009年)、集団、アーティストの本、雑誌などの伝記芸術で知られているアメリカの芸術家。
一連の作品 – 彼の「カチーナ」の人物で最もよく知られているチェコ – オーストラリアの芸術家であり彫刻家であるOndrej Mares(1949-2008)。
Markus Meurer(1959年生まれ)、発見された作品からの彼の彫刻で知られるドイツ人アーティスト
アメリカの芸術家、Louise Nevelson(1899-1988)は、抽象表現主義の「箱」で知られ、新しい創造を形作りました。彼女は発見された物を使うか、彼女の「集まったもの」あるいは集まりの中で日常的に物を捨てた。そのうちの1つは3階建てだった。
日本生まれのアーティスト、大平稔(1950年生まれ)。
スイス生まれのドイツ人アーティスト、Meret Oppenheim(1913-1985)は、シュールレアリスム運動を認めています。
ヴォルフガング・パーレン(1905年 – 1959年)、オーストリア – ドイツ – メキシコのシュールなアーティストで理論家、雑誌DYNの創設者で、いくつかの組み立てられた物で知られています。ニュアージュアーティキュレ
ミクストメディアで知られる画家兼コラジスト、ロバート・ラウシェンバーグ(1925-2008)は、60年の間に働いています。
アメリカの彫刻家、Fred H. Roster(1944年生まれ)。
Betye Saar(1926年生まれ)、家族の記念品、民俗文化や広告からのステレオタイプのアフリカ系アメリカ人の人物像、神秘的なお守りや魅力、そして儀式や部族の品物で有名なアメリカ人のビジュアルアーティスト。
アレクシススミス(1949年生まれ)は、集会やインスタレーションでよく知られているアメリカの芸術家です。
彼の「スネア写真」で知られるダニエル・スポリ(1930年生まれ)は、プレート、銀器、眼鏡など、個人が食べた食事の残骸などのオブジェクトのグループを捉えています。壁に表示されているテーブルまたはボードに。
ロシアの芸術家、ウラジミール・タットリン(1885-1953)は、1910年代に壁の隅にぶら下がった木と鉄でできた構造物で知られています。
彼の作品にコンクリートを使用したことで知られるWolf Vostell(1932-1998)。彼の環境では、ビデオのインスタレーションや絵画で、テレビやコンクリート、そして実際の自動車や自動車の一部に電話をかけました。
ゴードンワーグナー(1915年 – 1987年)は、彼のバザール芸術、絵画、詩と執筆のために知られていたアメリカの集団芸術の先駆者でした。
Jeff Wassmann(1958年生まれ)、先駆的なドイツのモダニスト、Johann Dieter Wassmann(1841年 – 1898年)の名のもと、オーストラリアで活動するアメリカ生まれの現代アーティスト。
アメリカのポップアーティスト、画家、彫刻家、版画家のトムウェッセルマン(1931-2004)。
アメリカの彫刻家兼版画家であるH. C. Westermann(1922-1981)。

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