アートスタイル – HiSoUR 芸術文化美術歴史

視覚芸術では、スタイルは「作品を関連するカテゴリに分類することを可能にする独特の方法」または「行為が行われるか、または実行され、作成される。それは、それを、同じアーティスト、または同じ期間、訓練、場所、「学校」、芸術運動、または考古学的文化からの他の作品に関連付ける芸術作品の視覚的外観を指す：「スタイルの概念は、美術史家の芸術作品の分類の主要な様式。スタイルによって、彼は芸術の歴史を選択し、形作る。

スタイルは、しばしば、期間、国または文化グループの一般的なスタイル、アーティストまたはアートの動きのグループ、およびそのグループスタイル内のアーティストの個々のスタイルに分かれています。「早い」「中期の」「遅い」のように、両方のスタイルのスタイル内の分割がしばしば行われます。例えばピカソのような一部のアーティストでは、これらの部門はマーキングされ、見やすくなり、他のアーティストはより微妙です。スタイルは通常、ダイナミックに見えますが、ほとんどの場合、漸進的なプロセスで変化しますが、先史時代の典型的なスタイルや古代エジプトの芸術の現代美術スタイルの急速な変化の間に、この速度は大きく異なります。スタイルはしばしば一連のジャンプで発展し、比較的急激な変化に続き、遅い開発期間が続きます。

19世紀と20世紀の美術史における学術的議論を支配した後、いわゆる「スタイル・アート・ヒストリー」が近年数多くの攻撃を受けており、多くの美術史家は、できる限り文体分類を避けることを好むようになっています。

語源
言葉のスタイルは、ローマ人が書いた穿孔であるラテン語のスティルスから来ています。しかし、ギリシア語のstiloはコラムを意味し、コラムは建築の最も特異的でパーソナライズされた要素だったので、スタイルという言葉はもともと文学や建築が作られた方法であったと言うことができます。

概要
アートのあらゆる部分は、理論的にはスタイルの観点から分析できる。完全な無能を除いてスタイルやスタイルを持つことを避けることはできませんし、逆に自然なものや光景はスタイルを持っているとは言えません。アーティストが意識的にスタイルを選択しているのか、自分のスタイルを特定できるのかはほとんど関係ありません。最近開発された社会の芸術家は、おそらく過度の意識をもって、自分のスタイルを意識している傾向があります。

ほとんどの文体の期間は、後でアートヒストリアンによって特定され定義されますが、アーティストは独自のスタイルを定義して名前を付けることができます。ほとんどの古いスタイルの名前は美術史家の発明であり、そのスタイルの実践者は理解できませんでした。ゴシック、バロック、ロココなど、嘲笑の言葉から始まったものもある。一方、キュービズムはいくつかの芸術家によって作られた意識的な身元証明でした。言葉自体は画家ではなく批評家に由来しているように見えるが、アーティストによって急速に受け入れられた。

西洋の芸術は、他のいくつかの文化、とりわけ中国の芸術のようなものであり、過去の古典的なスタイルで復活する顕著な傾向があります。視覚芸術の批判的な分析では、芸術作品のスタイルは、典型的には作品の主題と内容をカバーする図像とは異なるものとして扱われますが、Jas Elsnerの場合、この区別は「もちろんではありません実際の例はありますが、修辞的に非常に有用であることが証明されています。

コンセプトの歴史
古典芸術の批評や美学に関する中世の著述は比較的少なく、芸術におけるスタイルの概念やその分析を大きく発展させたわけではなく、アートに関するルネサンスとバロックの作家は、我々がスタイルと呼ぶものに大きく関わっている。それのコヒーレントな理論、少なくとも外部のアーキテクチャ。ジョルジョ・ヴァザーリは、イタリアの絵画（主に）のスタイルの発展を、ジオットから彼自身のマナーの時代に大きく影響しているが、多大な疑問を抱いている。彼は、ヴェネツィアの色ではなく、ディゼノまたはラインベースの描画に基づいたフィレンツェスタイルの開発を強調しました。 Leon Battista Albertiのような他のルネッサンス理論家たちは、現実的な自然描写と理想化の間のアートにおける最高のバランスについて古典的な議論を続けました。この議論は、19世紀まで、モダニズムの出現まで続けられた。

新古典主義の理論家であるヨハン・ヨアヒム・ウィンケルマンは、1764年にギリシア古典芸術の文体の変化を分析し、ルネッサンス芸術の変化と密接に比較した。そして、「ゲオルグ・ヘーゲルは各歴史的時代が典型的なスタイルを持つという考えを成文化した。スタイルの研究を通して非常に長い影。ヘーゲルは、しばしばドイツ語の「ザイチュゲスト」という言葉の発明に起因するが、歴史の哲学の講義では、「彼の時代の精神」という言葉を使用し、彼の時代の精神も彼自身の精神であるため、彼自身の時間を超えることができます。

歴史的な芸術と建築の時代的スタイルのスキームを構築することは、19世紀の学者の主な関心事であり、ドイツ語を話す新しい美術史の分野で重要な関心事であり、Carl Friedrich von Rumohr、Gottfried Sempre、Alois Riegl、1893年のStilfragenで、HeinrichWölfflinとPaul Franklは20世紀の議論を続けました。 Paul JacobsthalとJosef Strzygowskiは、時間と空間の広い範囲に渡ってスタイル要素の伝達を追跡する壮大なスキームを提案する際にRieglに従った美術史家の一人です。このタイプの美術史は、形式主義、または芸術における形や形の研究としても知られています。

Semper、Wölfflin、Frankl、そしてその後のAckermanは建築史上の背景を持ち、期間スタイルの他の多くの用語と同様に、 “Romanesque”と “Gothic”は、スタイル間の大きな変化が可能なアーキテクチャスタイルを記述するために、より明確で、より簡単に定義することができます。なぜなら、アーキテクチャのスタイルは、絵画のような比喩的なスタイルのスタイルよりも、一連のルールに従って簡単に複製できるからです。建築期間を記述するために作成された用語は、しばしば視覚芸術の他の領域に適用され、その後音楽、文学、一般文化に広く適用されました。

建築様式の変化はしばしば続くものであり、ゴシックリブボルトから現代の金属および補強コンクリート構造まで、新しい技術または材料の発見によって可能となる。美術史や考古学における議論の主な領域は、絵画や陶器のような他の分野の文体の変化が新しい技術的可能性への反応であるか、それともRieglのkunstwollenを発達させる独自の刺激があるか、現代の思考が強調されるように、マルクス主義の美術史のより厳格でないバージョンを用いて、後援と芸術家の条件に影響を及ぼす社会的および経済的要因に応じて変化する。

スタイルは美術史の分析の中心的要素として確立されていましたが、それをアート史上の過度の要素として見なしていたのは、第二次世界大戦でファッションから脱していました。スタイルに重点を置いた反作用。スヴェトラーナ・アルパーズにとっては、「美術史におけるスタイルの正常な呼びかけは、本当にうつ病である」。 James Elkinsによると、「20世紀後半には、スタイルの批判は、より容易に制御できる形でそれを保持しながら、コンセプトのヘーゲル要素をさらに減らすことを目的としていました。マイヤー・シャピロ、ジェームス・アッカーマン、エルンスト・ゴンブリッヒ、ジョージ・クブラー（1962年の「時の形：物の歴史に関する解説」）は批判的理論の広範な展開を引きつけた議論に著しい貢献をした。 2010年、Jas Elsnerは「20世紀のほぼすべてにわたって、スタイル芸術の歴史は規律の明白な王であったが、70年代と80年代の革命は死んでいたので、彼の記事「スタイル・アート・ヒストリー」が生きている方法を探究し、彼のコメントは考古学にはほとんど当てはまりません。

Counter-Manieraのような用語の使用は、美術史家の間でそのような「スタイル・ラベル」の不満が高まるにつれて、低下しているように見えます。 2000年には、シーザー・ジョセフ・フレッドベルグ（1914-1997）の16世紀イタリアの絵画と教師の指導的な美術史家Marcia B. Hallが、ラファエル後の査読者によって批判されました。本書の冒頭にある謝罪的な「ノートのスタイルノート」とその使用を最小限に抑える約束にもかかわらず、この用語やその他の用語を使用し続けるという彼女の「基本的な欠陥」のための16世紀。

最近では、ダーウィンの原則に基づく進化論を提唱している行動心理学者、コリン・マーティンデール（Colin Martindale）が、芸術的スタイルの変化を推進する過程を説明するための理論を作成することはまれな試みである。しかし、これは美術史家の間で多くの支持を得ているとは言えません。

インファインアーツ
スタイルとは、伝統的にエポックの共通の特徴やアーティストの作品を指定する一般的な用語です。それは、芸術の多様性を分類して体系化し、芸術作品間で一貫している特有の特徴を記述するために、個々の芸術作品に由来する抽象化および理想化ツールです。このような特定のスタイルへの割り当てや、スタイル内でのさらなる差別化として、スタイルの対応する作品は他のものと区別されるため、適切な科学的基準によって区別されることができます。

エポック（エポックスタイル）内には、国や地域によって違いがあります。単一のアーティストの作品でさえ、彼の個人的なスタイル（個々のスタイル）を構成する彼の時間のスタイルと彼の国の特色とのすべての類似点にもかかわらず、示しています。開発の段階の後、歴史的には、エポックでも個々のスタイルでも、早い段階、高い段階、遅い段階で区別され、それによってさらにある傾向が生じます。例えば、過充電は、エポックの後期段階の典型である。

美術史の学問分野では、いわゆるスタイリスティックスによってアートスタイルが探究されています。現代芸術史では、芸術家の時代や作品の中の様式の多元性がますます調べられ、歴史的、社会的、コミュニケーション的状況に関連して配置されている。スタイルは、一連の芸術作品の形式の正式な抽象的な基準として分析されるだけでなく、意識的に選ばれた意味の担い手としても分析されます。例えば、ゴシック様式の代表的な建物もロマネスク建築業者の歴史的重要性に下線を引く（またはさらに偽装する）。したがって、統一されたエポックスタイルの伝統的な概念はますます疑問視されています。

個性的なスタイル
伝統的な美術史は、アーティストの個々のスタイルにも重点を置いています。「個人的スタイルの概念 – 個性はアーティストが描く方法だけでなく、作者の文章の癖の中でも独特に表現できます。インスタンス） – おそらく西洋のアイデンティティーの正体の公理です。 ” 個々のスタイルの特定は、ルネッサンス以来の西洋の伝統的な作品の中で、とりわけ美術市場への評価において支配的な要因である、アーティストに対する作品の帰属において特に重要である。作品における個々のスタイルの特定は、「美術館の貿易と美術館を中心としたグループの専門家のグループに本質的に割り当てられている」としばしば彼らと学術史家のコミュニティとの間に緊張がある。

conoisseurshipの行使は主に分析が難しい主観的な印象の問題であるだけでなく、テクニックの詳細や異なるアーティストの「手」を知ることの問題です。ジョヴァンニ・モレッリ（1816-1891）は、西洋の古い絵画の中で、芸術家がほとんど意識していない簡略表現や耳や手を描くための慣習を明らかにした診断的な細部の精査の体系的研究を先駆けて行った。彼の技術はバーナード・ベレンソン（Bernard Berenson）と他の人によって採用され、彫刻や他の多くのタイプの芸術に応用されてきました。個人的なテクニックは、個々のスタイルを分析する上で重要です。芸術家のトレーニングはモダニズムの本質的に擬似的なものではありましたが、ワークショップで見習いとして学んだり、後でアカデミーで学生として学んだら、教えられた技術的方法に頼っていましたが、常に個人的な変化の余地がありました。それらを開発したマスターが厳重に守っている技術的な「秘密」のアイデアは、ヴァザーリのジャン・ヴァン・アイクの神秘的な記述から、ジョルジュ・スュラットの秘密の習慣までの美術史上、長年にわたる叙述です。

しかし、個人的なスタイルのアイデアは確かに西洋の伝統に限定されていません。中国美術では、それはまるで深く保持されていますが、伝統的に、いくつかのタイプの芸術、とりわけ書道や文芸絵画の鑑賞の要因とみなされますが、中国磁器のようなものはありません。西側のいわゆる装飾芸術でよく見られる区別です。中国の絵画は、西側で通常検出されているよりも早く、アーティストによる政治的、社会的見解の表現を可能にした。イスラム世界と東アジアの美術品とも言われる書道は、個人的なスタイルの枠内に新しい領域をもたらします。西洋書道の理想は個々の様式を抑圧する傾向がありますが、それに依存しているグラフ図は自分自身を科学と見なします。

マナー
「マナー」は関連用語で、実際にはスタイルのサブディビジョン、おそらくスタイルやテクニックの特定のポイントに焦点を当てています。時代的スタイルの多くの要素は、特徴的な形や形に還元することができますが、単純な線図で適切に表現することができますが、「仕方」は、作品の全体的なスタイルや雰囲気、正確な分析の対象にはならない絵画である。それは不正確であるため避けられた、学術史上のやや古い用語です。使用されると、それはしばしばアーティストの個々のスタイルの模倣の文脈の中にあり、それは販売する作品とよく知られている作品との関係のために芸術貿易で使用される秘密または外交用語の階層の1つであるアーティストの「Manner of Rembrandt」は、作品のスタイルとRembrandt自身のスタイルとの距離のある関係を示唆しています。競売人のクリスティーズの “目録作成実践の説明”は、オークションカタログの “マナーのマナー”は、 “私たちの意見では、アーティストのスタイルで実行され、後の日付の作品”を意味すると説明しています。イタリア語のmaniera（ “マナー”）から派生したマニアニズムは、一般的なルネサンス様式の特定段階ですが、 “マナー”は非常に広く使用できます。

考古学におけるスタイル
考古学では、放射性炭素年代測定のような現代の技術にもかかわらず、時代や文化的スタイルは、芸術作品だけでなく、純粋に機能的なものを含むすべての種類の考古学的人工物を特定し、日付を付ける上で重要なツールである（純粋に機能的な人工物が存在する）。芸術家や職人の個性的なスタイルの特定は、ヨーロッパの上部旧石器時代の氷河期の芸術のような離れた時期にも、場合によっては提案されている。

美術史のように、個々の人工物の形態（形）の正式な分析が出発点です。これは様々な種類の人工物の類型を構築するために使用され、科学的な絶対年代測定技術が使用できない場合、特に石、陶器、または衣類のみが使用される場合には、サイトまたはサイト群のスタイルに基づく相対的な出会い金属のアーチファクトまたは遺跡が利用可能であり、これはしばしばそうである。シェールズの陶器は、多くの文化や時代の場所で非常に多くの場合、しばしば小さな作品は自信を持ってそのスタイルで日付を記入することがあります。近年の学術史における最近の傾向とは対照的に、文化史的考古学からプロセス考古学まで、そして最後に過去数十年の考古学の後期にかけての考古学論の継承は、考古学におけるスタイルの研究は、さらなる解釈の前に物体を分類するための基礎として。

スタイル
オックスフォード以外の英国英語でのスタイライゼーションとスタイライズド（またはスタイライズ）とスタイライズ（またはスタイライズ）は、より具体的な意味を持ち、オブジェクトやシーンを完全に正確に表現しない単純な方法を使用したビジュアル表現です魅力的で表現力豊かな全体的な描写を好む、視覚的な外観（mimesisまたは “現実的”）の正確な表現。より技術的には、「線と形と空間と色の関係の簡素化を含む様々な従来の技法による図形とオブジェクトの装飾的な一般化」と定義されており、「タイル化された芸術は、表面の緻密化と平らな空間のパターン “と呼ばれています。

古代、伝統、現代の芸術だけでなく、漫画やアニメーションなどの一般的な形式は、非常に頻繁に様式化された表現を使用するので、シンプソンズは伝統的なアフリカの芸術がそうであるように、このページの上部に描かれている2つのピカソの絵は、画家のスタイルの中で人間の姿をより様式化した表現への動きを示しています。アフィントン・ホワイト・ホースは、高度に様式化された馬の先史時代の描写の一例です。パルメットやアラベスクのような装飾芸術のモチーフは、しばしば植物の部分の高度に定型化されたバージョンです。

一般的に擬態や「現実主義」を試みている芸術においてさえ、ある程度の細かいもの、特に人や木などの小規模な図やその他の特徴が、大仕事。しかし、これは、精密検査を除いて、視聴者が気付くことを意図した設計ではない。完成品として意図されていない図面、モデリ、およびその他のスケッチも、非常に頻繁に様式化されます。

「Stylized」とは、どんな文脈でもスタイルを採用することを意味し、「AT＆TはAT＆Tでスタイルづけされている」のように、アメリカの英語は文字のスタイルに使用されることがよくあります。エスケープされた辞書、それは単語の既存の他の感覚の小さな拡張ですが。

文学のエポックスタイル
文学学者ウォルター・バーシンは、文学奨学金のために実り多い画期的な概念の概念を作り、中世の伝記がどのように文学のジャンル（文献）の伝記のそれぞれの時代が待っているのかを探求した。

コンピュータ識別
ミシガンのLawrence Technological Universityでの2012年の実験では、コンピュータが、34人の有名なアーティストから特別に開発されたアルゴリズムを使用して約1,000点の絵を分析し、それらを類似のスタイルカテゴリに入れて人間の美術史家に配置しました。分析には、1作品あたり4000以上の視覚的特徴のサンプリングが含まれていました。