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アール・ヌーボー

アールヌーボーは、1890年から1910年にかけて最も人気があった国際的なスタイルの芸術、建築、応用芸術、特に装飾芸術です。19世紀の学術芸術への反応は、自然の形や構造、特に植物や花の曲線。

主にヨーロッパとアメリカで栄えた19世紀後半と20世紀初頭の装飾様式絵画と彫刻に影響を及ぼしたが、その主な表現は建築と装飾とグラフィックの芸術であった。有機体に基づく不規則で非対称な線; より広い意味では、19世紀の歴史主義への一般的な反応の一部として進化した幾何学的でより抽象的なパターンとリズムを包含する。出現場所と使用された材料に応じて、

アールヌーヴォーは、建築、グラフィックアート、インテリアデザイン、ジュエリー、家具、テキスタイル、家庭用銀器やその他の器具、照明、美術などの装飾美術を取り入れた「トータル」アートスタイルとみなされています。スタイルの哲学、芸術は生き方でなければならない多くの裕福なヨーロッパ人にとって、アールヌーボー様式の家具、銀器、織物、食器、宝飾品、タバコケースなどの陶磁器で暮らすことができました。美術家と芸術を結合することを望んでいた芸術家、功利主義的な対象物でさえも。

フォームと文字
アールヌーヴォーは、地理的な普及が拡大するにつれて、明確に局在化した傾向を獲得したが、いくつかの一般的な特性がその形態を示している。 ヘルマン・オブリストの壁掛けサイクラメン(1894)のパン・マガジンに掲載された説明は、それを「鞭の亀裂によって発生する突然の暴力的なカーブ」と表現し、アール・ヌーボーの初期普及時によく知られていました。 その後、作品自体がThe Whiplashとして知られるようになっただけでなく、Art Nouveauのアーティストが使用している特性曲線に「ホイッスラッシュ」という用語が頻繁に適用されました。 このような装飾的な「鞭打ち」のモチーフは、ダイナミックでうねりのある流れるような線がシンコペーションされたリズムとアシンメトリーな形で形成されており、建築、絵画、彫刻、その他のアールヌーボーのデザインに見られます。

アールヌーヴォーの起源は、芸術家や工芸品の動きを助けた19世紀の復興の傾向と混乱した作品に対するウィリアム・モリスの抵抗に見られる。 しかし、Arthur Mackmurdoのレーニング・フローラル・パターンを持つWren’s City Churches(1883)の本は、多くの場合、アールヌーボーの最初の実現と考えられています。 同じ時期に、日本の木版画の平らな視点と強い色、特に葛飾北斎の色彩がアールヌーボーの形成に強い影響を与えました。 1880年代と1890年代にヨーロッパで人気があったジャポニズムは、有機的な形態と自然界への参照を持つ多くのアーティストに特に影響を与えました。 EmileGalléやJames Abbott McNeill Whistlerのようなアーティストに採用されたほか、日本のインスピレーションを受けたアートとデザインは、それぞれパリとロンドンの店舗でSiegfried BingとArthur Lasenby Libertyによって擁護されました。

建築では、窓、アーチ、ドアの双曲線やパラボラが一般的であり、装飾的な成形品は植物由来の形態に成長します。 ほとんどのデザインスタイルと同様に、アールヌーヴォーはそのフォームを調和させようとしました。 パリの地下鉄の入り口の上にあるテキストは、鉄構造の残りの部分の品質を使用しています。

19世紀の折衷的なリバイバルスタイルは、建築とインテリアデザインのアールヌーボーでは避けられました。 アールヌーボーは、デザイナーがロココ様式のより抽象的な要素(炎や殻のテクスチャなど)を選んで「近代化」したが、インスピレーションの源泉として非常にスタイリッシュなオーガニック形式の使用を主張し、自然のレパートリーを海草、草、および昆虫を使用する。 オランダのシルバーウェアで最もよく例示されている、17世紀の耳介様式の柔らかく融合した形が別の影響力でした。

現代のスタイルと動きとの関係
Art NouveauはPre-RaphaelitesスタイルやSymbolistスタイルとの親和性があり、Aubrey Beardsley、Alphonse Mucha、Edward Burne-Jones、Gustav Klimt、Jan Tooropなどのアーティストは、これらのスタイルの1つ以上に分類できます。 しかし、シンボル絵画とは異なり、アールヌーボーは独特の外観を持っています。 アーティスティックな芸術と工芸品の動きとは異なり、アールヌーボーのアーティストは純粋なデザインのサービスで新しい素材、加工されたサーフェス、抽象を簡単に使用しました。

Art Nouveauは、芸術工作運動のように機械の使用を避けませんでした。 彫刻の場合、使用される主な材料はガラスと鍛鉄であり、その結果、建築においてさえも彫刻の質がもたらされた。 陶芸はAuguste Rodinのような芸術家による彫刻の版の作成にも採用されました。

アールヌーヴォーの建築は、19世紀後半の多くの技術革新、特に建築のための露出した鉄と大きな、不規則な形のガラスの使用を利用しました。 しかし、第一次世界大戦の始まりによって、アールヌーボーデザインの様式化された性質は、より合理化された直線的なモダニズムに賛成して廃止され始めた。これは、アールデコになったより明白な産業審美に忠実であると考えられた。

アールヌーボーの傾向も地元のスタイルに吸収されました。 たとえば、デンマークでは、Skønvirke(「美的作業」)の1つの側面であり、それ自体が芸術と工芸のスタイルに密接に関連しています。 同様に、芸術家はポーランドのMłodaPolska( “若いポーランド”)様式にアールヌーボーの花と有機のモチーフの多くを採用しました。 しかし、MłodaPolskaは、他の芸術的スタイルも含み、芸術、文学、そして生活様式への幅広いアプローチを含んでいた。

グラフィックアートはアールヌーヴォー時代に、印刷の新しい技術、特にカラーポスターの量産を可能にするカラーリソグラフィのおかげで栄えました。 アートはもはやギャラリー、博物館、サロンに限定されていませんでした。 それはパリの壁やイラスト誌に掲載されており、ヨーロッパや米国に流通しています。 アールヌーボーポスターの最も人気のあるテーマは女性でした。 花で囲まれた、魅力的で近代的な美しさを象徴する女性。

英国では、アールヌーヴォー様式の主要なグラフィックアーティストはAubrey Beardsley(1872-1898)でした。 彼はLe Morte d’Arthurのための彫刻された本のイラスト、そしてOscar Wilde(1893)のSalomeのための白黒のイラストレーションから始まり、名声を得ました。 同年、英国のフェルナンド・クノプフ(Fernand Khnopff)などのヨーロッパのアーティストを紹介するアート・スタジオThe Studioのイラストやポスターの彫刻を始めました。 カーブした線と複雑な花の模様は、テキストほどの注目を集めました。

スイス・フランスのアーティストEugèneGrasset(1845-1917)は、フランスのアールヌーボーポスターの最初のクリエイターの一人でした。 彼は1885年に有名なキャバレーLe Chat noirを飾るのを手伝い、Fêtesde Parisのための彼の最初のポスターを作った。 彼は1890年にSarah Bernhardtの著名なポスターとさまざまな本のイラストレーションを作った。 アーティスト – デザイナージュール・チェレ、ジョルジュ・デ・フェーレ、画家アンリ・ド・トゥールーズ – ロートレックはすべて、パリの劇場、カフェ、ダンスホールのキャバレーのポスターを制作しました。 チェコのアーティストAlphonse Mucha(1860-1939)は1888年にパリに到着し、1895年にVictorien SardouのGismondaで女優のSarah Bernhardtのポスターを作った。このポスターの成功は6つの演劇のポスターを制作する契約を結んだBernhardt。 その後4年間、彼はまた、女優のためのセット、衣装、さらにはジュエリーをデザインしました。 彼の劇場ポスターの成功に基づいて、Muchaは、たばこと石鹸からビールビスケットまで、砂時計型の理想的な女性フィギュアを取り揃えた様々な製品のポスターを製作しました。 彼は独特のスタイルでジュエリーからビスケットの箱まで、製品をデザインし続けました。

ウィーンでは、グラフィックスやポスターの最も多かったデザイナーは、Gustav KlimtとJosef Hoffmannと共にSecession運動に積極的に参加したKoloman Moser(1868-1918)であり、動きの雑誌Ver Sacrumのイラストやカバーを絵画、家具、装飾などがあります。

ペインティング
ほとんどのアールヌーボーの画家は、他の芸術の動き、特にフランスのナビスとフランスとオーストリアのシンボル派にも関連していましたが、絵画はアールヌーボーのもう一つの重要な領域でした。 Siegfried Bingは、1892年にPierre Bonnard、ÉdouardVuillard、FélixVallotton、Maurice Denisなど7人の画家を対象にパリでの展覧会を開催しました。 彼のMaison de l’Art NouveauはGeorges Seurat、Paul Signac、Henri de Toulouse-Lautrecの絵を展示しました。 ユージーン・グラッセ、コロマン・モーザー、グスタフ・クリムトは、アヴァンギャルドとアールヌーボーで楽しく動きました。 ベルギーのFernand Khnopffは、絵画とグラフィックデザインの両方に携わりました。 Gustav Klimtによる絵画は、Palais StocletのためのJosef Hoffmannの装飾体系の不可欠な部分でした。 この時期の象徴主義者とアールヌーボー画家の共通のテーマは、女性の様式化された描写でした。 1つの人気のあるテーマは、フランス人とオーストリアの画家とポスターのアーティストによって描かれたアメリカのダンサー、ロイ・フラーでした。

ガラスアート
ガラス工芸は、アールヌーヴォーが新しく多様な表現方法を見つけた媒体でした。 彫刻では、カメオ、二重層、酸彫刻などの作品を連続して制作する技術を駆使して、透明性と不透明性の新たな効果を見出すために、特にフランスでの実験が盛んに行われました。 ナンシーの都市はフランスのガラス産業の重要な中心地となり、オーギュストとアントニンダウムが率いるEmileGalléとDaumスタジオのワークショップが開催されました。 彼らはErnestBussière、HenriBergé、Amalric Walterを含む多くの著名なデザイナーと仕事をしていました。 彼らは未完成の部分に異なる色のガラスの破片を押しつけることによってガラスをはめ込む新しい方法を開発しました。 彼らはしばしば家具やデザイナーのLouis Majorelleと協力していました。家とワークショップはNancyにありました。 アールヌーヴォーのもう一つの特徴は、特にナンシーのアールヌーボー様式の家屋で、住宅サロンでこのような花のテーマのステンドグラスの窓を使用することでした。 多くはジャック・グルーバーの仕事で、ヴィラ・マジョレルと他の家の窓を作った。

ベルギーでは、大手企業がヴァル・サン・ランバートのガラス工場であったが、これは有機物や花の形の花瓶を作ったもので、その多くはフィリップ・ウォルファーズによってデザインされたものである。 Wolfersは特に象徴ガラスの作品を制作したことで注目されました。 ボヘミアでは、その後、オーストリア – ハンガリー帝国の地域で結晶製造が認められ、LobmeyrとLoetz-Witweは新たな色付け技術を試し、より鮮やかで豊かな色を作り出しました。 ドイツでは、吹きガラスを使って花の形で非常に繊細なガラスを作るKarlKöppingによって実験が行われました。 とても繊細で今日は生き残ることはほとんどありません。

ウィーンでは、セセッションのガラスのデザインは、フランスやベルギーよりもはるかに幾何学的なものでした。 Otto Prutscherはこの動きの最も厳しいガラスデザイナーでした。

英国では、マーガレット・マクドナルド・マッキントッシュ(Margaret Mackonald Mackintosh)が「アート・ラヴァーの家」と呼ばれる建築展示用に、花のステンドグラスのデザインをいくつか制作しました。

アメリカでは、ルイスコンフォートティファニーとそのデザイナーは、ランプで特に有名になりました。そのガラスの色合いは、一般的な花のテーマを複雑に組み合わせて使用​​していました。 ティファニーのランプは、1893年にシカゴで開催された世界のコロンビア博覧会の後に人気を博し、ティファニーはビザンチン様の礼拝堂でランプを展示しました。 ティファニーは、1894年に溶融ガラスの内部を着色するために金属酸化物を使用して、虹色の効果を与えるプロセスFavrileガラスを特許取得し、ガラスを着色するプロセスを広範に実験しました。 彼のワークショップでは、ステンドグラスの窓、スクリーン、花瓶、さまざまな装飾品とともに、さまざまな花のデザインのティファニーランプをいくつか製作しました。 彼の作品は、最初にドイツに輸入され、その後ジークフリート・ビンによってフランスに輸入され、その後1900年の展覧会の装飾的な感覚の一つとなった。 1903年、ニューヨークのコーニングにフレデリック・カーダー(Frederick Carder)がティファニーのようにアメリカのライバル、スティーブン・グラス(Steuben Glass)を設立しました。 もう一つ注目すべきアメリカのガラスの芸術家は、宗教的で純粋に装飾的なテーマの上に複雑でカラフルなステンドグラスの窓を作ったジョン・ラファージでした。

金属芸術
19世紀の建築理論家Viollet-le-Ducは、現代建築の鉄の枠組みを隠すのではなく、展示を提唱していましたが、アールヌーボーの建築家Victor HortaとHector Guimardはさらに一歩を踏み出しました。花や植物に触発された曲線建物の内部と外部の両方に形成されています。 彼らはインテリアの階段の手すり、照明器具、その他インテリアの細部、バルコニーやその他の装飾品を外装に取り入れました。 これらは、アールヌーヴォー建築の最も独特の特徴の一部になりました。 植物の形での金属装飾の使用は、銀製品、ランプ、および他の装飾品にも近々登場した。

米国では、デザイナーGeorge Grant Elmslieが、シカゴの建築家Louis Sullivanの建物の欄干やその他の内装に非常に複雑な鋳鉄製のデザインを施しました。

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フランス人とアメリカ人のデザイナーが花と植物のフォームを使用していたのに対し、Joseph Maria Olbrichと他のセセッションのアーティストはティーポットやその他の金属のオブジェクトを幾何学的で控えめなスタイルでデザインしました。

宝石
アールヌーヴォーは、柔らかく湾曲した形や線によって特徴づけられ、通常は花や鳥などの自然なデザインが特徴です。 女性の体は人気のテーマであり、様々な宝飾品、特にカメオに登場しています。 それはしばしば、真珠やスターリングシルバーのチェーンで作られた長いネックレスに、ガラスビーズで刻まれたものや、銀や金のペンダントで終わっているものがありました。

アールヌーヴォー時代は、パリの大手企業が主導していた、宝石業界に著名な文体革命をもたらしました。 これまでの2世紀の間、ファインジュエリーは、ダイヤモンドの劇的な環境を作り出していました。 アールヌーヴォーの治世の間に、ダイヤモンドは通常サポートの役割を果たしました。 宝石商は、瑪瑙、ガーネットオパール、ムーンストーン、アクアマリンなどの半貴石をはじめ、様々な新技術、エナメルリング、ホーン、モールドガラスなどの新素材など、さまざまな石を試しました。象牙。

アルルヌーボースタイルの初期の著名なパリの宝飾品には、1821年に建てられたルイ・アコックがあります。アールヌーボーの最も有名なデザイナー、ルネ・ラリックは、1874年から1876年まで、Aucocスタジオでの修行を受けました。彼のモデルとして、蝶から草まで、自然を使ったアールヌーボージュエリーとガラスの姿。 家具デザイナーとして最も知られているPaul Follotのような伝統的なジュエリーの世界以外のアーティストたちは、ジュエリーデザインを試していました。 他の有名なフランスのアールヌーボーのジュエリーデザイナーには、ジュール・バトラウとジョルジュ・ヘンリーが含まれています。 米国では、最も有名なデザイナーはSiegfried Bingのショップで、また1900年パリの展覧会でも作品を発表したLouis Comfort Tiffanyでした。

英国では、Liberty&Co.のデザイナーであるArchibald Knoxが最も顕著な人物で、シルバーベルトのバックルを含む様々なアールヌーボーの作品を作った。 CR Ashbeeはピーコックの形のペンダントを設計しました。 多彩なグラスゴーのデザイナーCharles Rennie Mackintoshも伝統的なケルトのシンボルを使ってジュエリーを作った。 ドイツでは、ジュゲンチュイルジュエリーの中心はプフォルツハイム市で、テオドールファーナーを含むほとんどのドイツ企業が所在していました。 彼らはすぐに新しいスタイルへの要求を満たすために作品を制作しました。

建築
アールヌーヴォー建築は、19世紀後半にヨーロッパの建築を支配した折衷的スタイルに反するものでした。 それは装飾を通じて表現されました。 建物は、花、植物または動物に基づいて、蝶、白雪姫、白鳥、虹彩、シクラメン、ラン、水スイレンをベースにした曲線の形の装飾で覆われていました。 Façadeは非対称であり、しばしば多色セラミックタイルで装飾されていた。 装飾は通常、動きを示唆した。 構造と装飾の区別はありませんでした。

スタイルは、ブリュッセルのHôtelTassel(1894年)とVictor HortaのHôtelSolvay(1900年)に初めて登場しました。 HôtelTasselは、最初の主要作家であるCastelBéranger(1897-98)と同じスタイルを使用したHector Guimardによって訪問されました。 これらのすべての家屋では、家具や内装をドアノブやカーペットまで設計しました。 1899年、カステル・ベレンジャーの名声に基づいて、ギマールは1900年にオープンした新しいパリ・メトロの駅の入り口をデザインする委員会を受けました。オリジナルのものはほとんど残っていませんでしたが、これはアール・ヌーボーの動きパリで。

パリでは、建築様式は、ナポレオン3世の下でパリの知事であったジョルジュ・ユージーン・オスマン(Jorges-EugèneHaussmann)によるファサードの建造に課された厳しい規制に対する反動でもあった。 最終的に1903年に弓窓が許され、アールヌーヴォーの建築家は反対側の極端に、特に彫刻の本質的に大規模な作品であったJules Lavirotteの家屋に完全に装飾されました。 フランスのナンシーには、家具デザイナーのルイ・マジョレール(Louis Majorelle)が住んでいたヴィラ・マジョレール(Villa Majorelle、1901〜02年)の周辺に、アールヌーボー様式の建物があります。 Henri SauvageによってMajorelleの家具デザインのショーケースとしてデザインされました。

ベルギーとフランスからドイツ、スイス、イタリア、スペイン、そしてヨーロッパの各地に建築スタイルが広がり、それぞれの国で異なる名前と性格を取ります。 それは1910年にピークに達し、第一次世界大戦の初めに事実上完成しました。 新しいスタイルのアールデコは、その場所を取った。

家具
アールヌーボー時代の家具デザインは、家具、カーペット、照明器具、ドアノブ、その他の装飾の詳細をデザインした建築物の建築物と密接に関連していました。 家具はしばしば複雑で高価でした。 細かい仕上げは、通常研磨または塗装されたものが不可欠とみなされ、大陸のデザインは通常、非常に複雑で、コストがかさむ形状を曲がっていました。 それはまた、家の所有者が家具を変更したり、部屋の効果全体を乱すことなく異なるスタイルで作品を追加することができなかったという欠点を持っていました。 このため、アールヌーボー建築が外れたとき、家具のスタイルも大きく消えてしまった。

フランスでは、家具のデザインと製造の中心地はナンシーにあり、2人の主要デザイナー、エミール・ガレとルイ・マジョレールがスタジオとワークショップを開催し、アライアンス・デシジョン・アート(後にナンシー・スクールと呼ばれる)が設立されましたどちらのデザイナーもアールヌーボーデザインのモチーフであるトンボのような花や昆虫を含む自然から採取された形の構造と装飾に基づいています。 Galléは、景観や詩的なテーマの形で、救済のための飾りの使用で特に知られていました。 Majorelleはエキゾチックで高価な森を使用し、植物のテーマに彫られた青銅を家具に取り付けることで知られていました。 どちらのデザイナーも製造の最初の段階でマシンを使用しましたが、すべての作品は手作業で仕上げました。 ナンシースクールの他の有名な家具デザイナーには、EugèneVallinとÉmileAndréが含まれていました。 両方とも訓練によって建築家であった。そして、装飾が少なく、曲線を描いている植物や花にもっと密接に従った、ベルギーのデザイナー、HortaやVan de Veldeの家具に似た家具を設計した。 他の有名なフランスのデザイナーには、Henri Bellery-Desfontainesが含まれていました。彼は、新ゴシック様式のViollet-le-Ducからインスピレーションを受けました。 ジョージ・デ・フェーレ、ユージーン・ガイヤール、ÉdouardColonnaはアートディーラーであるSiegfried Bingと一緒に新しいテーマでフランスの家具産業を活性化させました。 彼らの作品は「抽象的自然主義」、まっすぐな曲線と曲線の結合、そしてロココの影響で知られていました。 Bingパビリオンのde Feureの家具は、1900年パリ展覧会で金メダルを獲得しました。 最も珍しい絵のようなフランス人デザイナーは、彫刻家のフランソワ・ルパート・カラビン(François-Rupert Carabin)で、裸の女性の形や象徴的な動物、特にアール・ヌーヴォーの要素を記号と組み合わせた象徴的な動物を特徴としています。 他の影響力のあるパリの家具デザイナーはCharles PlumetとAlexandre Charpentierでした。 多くの点で古典的なフランス語の18世紀のロココ家具の古い語彙や技法は新しいスタイルで再解釈されました。

ベルギーでは、アールヌーボー運動の先駆け建築家であるVictor HortaとHenry van de Veldeが、家の家具を設計し、鋭い曲線と最小限の装飾を使用しています。 ベルギーのデザイナーGustave Serrurier-Bovyは、装飾を追加し、カーブした形で真鍮のストリップを付けました。 Nieuwe KunstやNew Artと呼ばれるオランダでは、HP Berlag、Lion Cachet、Theodor Nieuwenhuisは、英国の芸術と工芸の動きとは幾何学的に合理的な形で異なるコースを続けました。

英国では、チャールズ・レニー・マッキントッシュの家具は純粋に芸術と工芸品であり、長い直線と直角で装飾は最小限であり、厳格で幾何学的であった。 コンチネンタルのデザインははるかに精巧で、しばしばピースの基本的な形状と適用された装飾的なモチーフの両方で湾曲した形状を使用していました。 ドイツでは、Peter BehrensとJugendstilの家具は、幾何学的な直線といくつかの装飾が表面に付いている、主に合理主義者であった。 彼らの目標はまさにフランスのアールヌーボーの反対でした。 安価で大量生産が容易な家具のための構造の簡素化および材料の簡素化を可能にする。 オットー・ワグナー、ヨーゼフ・ホフマン、ヨーゼフ・マリア・オルブリッチ、コローマン・モーザーが率いるウィーンのウィーナー・ヴェルクシュテットのデザイナーの家具にも同じことが当てはまりました。 家具は幾何学的であり、装飾は最小限であったが、スタイリッシュではしばしば国家の歴史的前例、特にビーダーマイヤースタイルに従った。

イタリアとスペインの家具のデザインは、それぞれ独自の方向に進みました。 イタリアのカルロ・ブガッティは、1902年のトリノ国際博覧会のために、羊皮紙と銅を塗装した木製の特別なカタツムリの椅子を設計しました。スペインでは、アントニ・ガウディとモダニズム運動の指導に基づき、家具デザイナーGaspar Homarは、カタルーニャの歴史的スタイルに触れて自然な形で。

米国では、家具のデザインは、アート・アンド・クラフツの動き、または歴史的なアメリカのモデルによって、アールヌーボーよりも多くの場合インスピレーションを受けました。 アールヌーヴォーのテーマを紹介したデザイナーの一人は、ニューヨークのバッファローにあるチャールズ・ロフス(Charles Rohlfs)です。アメリカのホワイトオークの家具のデザインは、ケルトのアートとゴシックアートのモチーフの影響を受けています。

セラミックス
19世紀の最後の部分では、セラミックスの製造における多くの技術革新、特に結晶化したマットグレーズを有する高温(グランドファウ)磁器の開発が見られました。 同時に、オックスブラッドグレーズなどのいくつかの失われた技術が再発見されました。 アールヌーボーの陶器は伝統的で近代的な日本と中国の陶器にも影響され、植物や花のモチーフがアールヌーボー様式によく合いました。 フランスでは、芸術家は伝統的な焼き網の方法を再発見し、新しいモチーフでそれらを改革しました。 陶器はまた、建築における重要な新しい用途を発見しました。アールヌーボーの建築家ジュール・ラビロットとヘクター・ギマールは、建物のファサードに陶磁器のタイルを飾り始めました。その多くは、アレクサンドル・ビグーの会社によって作られたもので、彫刻の外観。 アールヌーボーの陶器はすぐに彫刻と建築の領域に移りました。

先駆的なフランスのアールヌーボーの陶芸家の1人はErnest Chapletでした。その陶器のキャリアは30年に及んでいます。 彼は日本と中国のプロトタイプの影響を受けた石器を生産し始めた。 1886年からは、画家、ポールゴーギャンと、塗装済みの、部分的にグレーズを施した複数のハンドルと、FélixBracquemond、Jules Dalou、Auguste Rodinと協力して、ストーンウェアのデザインに取り組みました。 彼の作品は1900年の展覧会で高く評価されました。

1900年のパリ博覧会では、主要な国の陶芸商社が重要な場所でした。 ドイツのNymphenburg、Meissen、Villeroy&Boch、英国のDoultonなどがあります。 他の大手フランスの陶芸家にはTaxile Doat、Pierre-Adrien Dalpayrat(fr)、Edmond Lachenal、Albert Dammouse(fr)、Auguste Delahercheなどがあります。

フランスでは、アールヌーボーの陶器が時には彫刻になった。 セーヴル美術館で製作されたアガソン・レオナルドによるスカーフ付きの磁器のフィギュア・ダンサーは、1900年のパリ展示会で両部門で認められました。

ハンガリーのペーチにあるゾルネー工場は、1853年にミケス・ゾルネー(1800-1880)と息子のヴィルモス・ゾルネイ(1828-1900)、タデ・シコルスキー(1852-1940)のチーフデザイナーが石器やその他の陶器を生産するように指導されました。 1893年、ゾソルネはエオシン製の磁器を導入しました。 1873年の世界博覧会(ウィーン)、そして1878年の世界博覧会(ザルネーがグランプリを受賞)など、世界博覧会や国際展示会で革新的な製品を展示することにより、 霜に強いZsolnayの建物の装飾は、特にアールヌーボーの動きの中で、多くの建物で使用されていました。

テキスタイルと壁紙
織物や壁紙は、スタイルの始まりからアールヌーボーの重要な乗り物であり、アールヌーボーのインテリアデザインの重要な要素でした。 英国では、繊維技術のデザインoWilliam MorrisがArts and Crafts Movement、Art Nouveauの立ち上げに貢献しました。 ロンドンのリバティーデパートでは、ヨーロッパ全体にそのスタイルを普及させるために多くのデザインが作られました。 そのようなデザイナーの1人はシルバースタジオで、カラフルなスタイルの花柄を提供しました。 他の独特のデザインは、グラスゴースクール、マーガレットマクドナルドマッキントッシュから来ました。 グラスゴーの学校は、様式化された卵、幾何学的形態、 “Rose of Glasgow”を含むいくつかの特徴的なモチーフを導入しました。

フランスでは、1896年にLa Planteらが装飾品を発表したデザイナーであるEugèneGrassetが大きな貢献をしました。これは、異なる花や植物に基づいたアールヌーボーのデザインを示唆しています。 多くのパターンはミュルーズ、リール、リヨンの主要フランス繊維メーカーのためにドイツとベルギーのワークショップでデザインされています。 ドイツのデザイナーHermann Obristは、花柄、特にシクラメンとフラワーステムをベースにした “ホイッスラッシュ”スタイルを特集し、スタイルの主要なモチーフになっています。 ベルギーのヘンリー・ヴァン・デ・ヴェルデ(Henry van de Velde)は、ポールゴーギャンとナビスの象徴主義からインスピレーションを得て、ブリュッセルのサロン・ラ・リブレ・エステティック(Saron La LibreEsthéthique)でテキスタイル作品LaVeilléed’Angesを発表した。 オランダでは、テキスタイルはしばしば東インドのオランダ植民地のバティック模様に触発されました。 フォークアートはまた、ノルウェーのゲルハルト・ムンテとフリーダ・ハンセンの作品で、中央ヨーロッパとスカンジナビアのタペストリー、カーペット、刺繍と織物の​​創造に影響を与えました。 Otto EckmannのFive Swansデザインは100以上の異なるバージョンで登場しました。 ハンガリーのデザイナー、ヤノス・バサリ(Janos Vaszary)は、アールヌーボーの要素と民俗のテーマを組み合わせました。

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