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建築様式

建築様式は、建物または他の構造を顕著にまたは歴史的に識別可能にする特徴によって特徴付けられる。 スタイルには、フォーム、工法、建築材料、地域特性などの要素が含まれます。 ほとんどのアーキテクチャは、ファッション、信念、宗教の変化や、新しいスタイルを可能にする新しいアイデア、技術、素材の登場を反映して、時間とともに変化するスタイルの年代順に分類することができます。

したがって、スタイルは社会の歴史から現れます。 それらは建築史の主題に記載されています。 いつでも、いくつかのスタイルがファッショナブルであるかもしれません。そしてスタイルが変わると、それは建築家が新しいアイデアを学び適応するにつれて、徐々に変化します。 新しいスタイルは、近年(時間枠?)自らの言語を見つけて、他の言語を獲得しているいくつかのスタイルに分割されているポストモダニズム(アフター・モダニズムを意味する)のような、名前。

スタイルはしばしば他の場所に広がります。そのため、ソースのスタイルは新しい方法で発展し続けますが、他の国は独自のスタイルに従います。 例えばルネサンスの考えは1425年頃にイタリアで現れ、フランス、ベルギー、ドイツ、英語、スペインのルネサンスでは同じスタイルを持つが、独特の特徴を持つ次の200年間にヨーロッパ全土に広がった。 スタイルはまた、自国から学ぶ外国の植民地によって、あるいは入植者が新しい土地に移動することによって、植民地主義を通じて広がる可能性があります。 1つの例は、18世紀後半にスペインの司祭によって持ち込まれ、ユニークなスタイルで建てられたカリフォルニアのスペインミッションです。

スタイルが流行しなくなったら、復活と再解釈が起こるかもしれません。 例えば、古典主義は何度も復活し、新古典主義として新しい人生を見つけました。 それが復活するたびに、それは異なっています。 スペインのミッションスタイルは、100年後にミッションリバイバルとして復活し、すぐにスペインの植民地復興に発展しました。

Vernacularアーキテクチャはわずかに異なり、個別にリストされています。 地元の人々が使用する工法は、労働集約的な方法や地元の素材を使用し、通常は田舎などの小規模な建物で使用されます。 それは国であっても地域によって異なり、国家のスタイルや技術のミニアカウントを取る。 西洋社会が発展するにつれて、新技術と国家建築基準のために、各地の様式はほとんどが時代遅れになっています。

建築様式のコンセプトの歴史
歴史的な芸術と建築の時代的なスタイルの仕組みを構築することは、19世紀の学者たちの主な関心事でした。 1893年のStilfragenのCarl Friedrich von Rumohr、Gottfried Semper、Alois Rieglをはじめとする幅広いスタイルの著述家、HeinrichWölfflinとPaul Franklは、20世紀にかけて議論を続けました。 Paul JacobsthalとJosef Strzygowskiは、時間と空間の広い範囲に渡ってスタイル要素の伝達を追跡する壮大なスキームを提案する際にRieglに従った美術史家の一人です。 このタイプの美術史は、形式主義、または芸術における形や形の研究としても知られています。

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Semper、Wölfflin、Frankl、そしてその後のAckermanは建築史上の背景を持ち、期間スタイルの他の多くの用語と同様に、 “Romanesque”と “Gothic”は、スタイル間の大きな変化が可能なアーキテクチャスタイルを記述するために、より明確で、より簡単に定義することができます。なぜなら、アーキテクチャのスタイルは、絵画のような比喩的なスタイルのスタイルよりも、一連のルールに従って簡単に複製できるからです。 建築期間を記述するために作成された用語は、しばしば視覚芸術の他の領域に適用され、その後音楽、文学、一般文化に広く適用されました。 建築様式の変化はしばしば続くものであり、ゴシックリブボルトから現代の金属および補強コンクリート構造まで、新しい技術または材料の発見によって可能となる。 美術史や考古学における議論の主な領域は、絵画や陶器のような他の分野の文体の変化が新しい技術的可能性への反応であるか、それともRieglのkunstwollenを発達させる独自の刺激があるか、現代の思考が強調されるように、マルクス主義の美術史のより厳格でないバージョンを用いて、後援と芸術家の条件に影響を及ぼす社会的および経済的要因に応じて変化する。

スタイルは美術史の分析の中心的要素として確立されていたが、それを第二次世界大戦によってファッションから脱してしまった美術史上の過度の要因として、アートを見るための他の方法が発展しており、スタイル開発に重点を置く。 スヴェトラーナ・アルパーズにとっては、「美術史におけるスタイルの正常な呼びかけは、本当にうつ病である」。 James Elkinsによると、「20世紀後半には、スタイルの批判は、より容易に制御できる形でそれを保持しながら、コンセプトのヘーゲル要素をさらに減らすことを目指していた。

マンネリズム
多くの建築様式が調和のとれた理想を探求している一方で、マナーニズムは一歩一歩前進して、誇張や過激の美学を探求したいと考えています。 マンネリズムは、その知的な洗練とその人工的(自然主義的ではない)の特質のために注目に値する。 マンネリズムは、バランスと明快さよりむしろ構成上の緊張と不安定さを好む。 マンネリズムの定義とその中の段階は、引き続き美術史家の間で議論の対象となります。

ベネズエラの建築の例は、ローマの外の険しい国の側にあるCaprarolaのVilla Farneseです。 16世紀の彫刻家の普及は、以前のスタイルよりも早くマナー・スタイルを広めました。 マニエリスティヴデザインの中心は、16世紀のブーム時にアントワープでした。 アントワープを通じ、ルネサンスとマナースタイルのスタイルは、一般的にイングランド、ドイツ、北と東ヨーロッパで広く導入されました。 「ローマン」ディテールの装飾が施された緻密で、冷たい城の展示戸口は、この北部のスタイルを実例としています。 マナー・ルネッサンス時代、建築家は、立体的な関係を強調するために建築様式を使って実験しました。 ルネッサンスのハーモニーの理想は、より自由で想像力豊かなリズムに近づきました。 マンネリスト様式に関連した最もよく知られた建築家はMichelangelo(1475-1564)で、巨大な秩序を発明したと信じられています。大型の柱はファサードの底から上まで伸びています。 彼はローマのカンピドーリオのデザインでこれを使用しました。

20世紀以前は、マンネリズムという言葉は否定的な意味合いを持っていましたが、現在は歴史的な期間をより一般的な非批判的な言葉で表現するために使用されています。

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