アニメーションとは、粘土、人形などを使って作った映画を含む一般的なアニメーションとは対照的に、シーケンシャルドローイングを使用して作成された映画、テレビ、またはコンピュータ画面用のフィルムです。アニメーション漫画は、商業目的、教育目的、および個人目的のために作成されています。

多くの場合、トーソンは異常なオブジェクトを受け取り、多くの状況の逆転により、キャラクターが互いに仲良くなる傾向のある落とし穴が漫画の秋に終わることがよくあります。

これは、皮肉、誇張、似顔絵、そして特に想像力を使用して、通常短編映画です。漫画は常にユーモアに賛成ですが、一般的にキャラクターの生活に大きな影響を与えません。アクションの瞬間と要素の数だけギャグの終わりにつながります。

グラフィックスタイルとアニメーションについては、文字の非常に重要な変形(ストレッチ、大きな目、4本の指、スカッシュとストレッチのテクニック)。このようなキャラクターの特殊性はシナリオでは不可欠です。なぜなら、これらのあらゆる種類の非論理的で面白い状況で生きることが可能になるからです。

シナリオに関しては、キャラクターによって表現された状況や感情を強調して、決して描かれないこれらの暴力は、普通の時に死に至った状況に苦しんだ後にキャラクターが復活することが多い。ディズニー様式とは異なり、時々悲劇に変わる(おとぎ話、バンビの母親の死)。

歴史:
静止画に動きの現象を取り込もうとする試みの初期の例は、動物がしばしば重なり合った位置に複数の脚で描かれ、動きの認識を伝えることを明確に試みる旧式の洞窟の絵画に見られる。

一般的なフリップブックと同様に、フェナキススコープ(1832)、ゾエトロープ(1834)およびプラクジノスコープ(1877)は、技術的手段を用いて連続した図面から動きを生み出す初期のアニメーション装置であったが、映画フィルム。

最初のアニメーション投影(スクリーニング)は、フランスの科学教師であったCharles-ÉmileReynaudによってフランスで作成されました。 Reynaudは1877年にPraxinoscopeを、1888年12月にThéâtreOptiqueを創設しました。1892年10月28日、彼はパリのMuséeGrévinで公開されたPauvre Pierrotの最初の動画を投影しました。このフィルムは、使用されているフィルムの穿孔の最初の既知の例としても注目に値する。彼の作品は撮影されていませんでしたが、透明な帯に直接描かれました。 1900年に50万人以上の人々がこの上映に参加しました。

最初の(撮影された)アニメーション投影は、Vitagraph Companyの共同設立者の1人が到着した新聞の漫画家J. Stuart BlacktonによるFunny Faces(1906)のHumorous Phasesでした。この映画では、漫画家の2人の顔の線画が黒板に「生き生きしている」(または生き生きとしていた)。 2人の顔が笑われて目が覚めて、喫煙者は女性の顔に煙を吹き込んだ。また、サーカスのピエロは、小さな犬がフープを飛び越えるように導いた。

1908年にフランスの監督ÉmileCohlがファンタスマゴリー(Fantasmagorie)という伝統的な意味での最初のアニメ化された投影(これは1908年にル・コケマール・デュ・ファンタッシュ[The Puppet’s Nightmare、now lost]とUn Drame chez les fantoches [アメリカ人解放のためのToylandの愛の事、そして英国の解放のための神秘的な恋愛]と呼ばれる人形劇は、1908年にすべて完成しました。

最初の成功したアニメーションの1つは、Winsor McCayのGertie the Dinosaur(1914)でした。真のキャラクタアニメーションの最初の例と考えられます。最初は、アニメアニメーションは白黒で静かでした。 Felix the CatとOswald the Lucky Rabbitは注目すべき例です。

1920年代から1960年代にかけて、劇場版の漫画は数多く製作され、映画劇場の長編映画の前に通常展示されていました。ディズニー(パット・パワーズ、コロンビア、次いでユナイテッド・アーティスト、その後は独立してRKO、パラマウントが配給)、ワーナー・ブラザーズ、MGM、UPA(コロンビア配給)は、 10分のショートパンツ。他のスタジオにはWalter Lantz(ユニバーサル版)、DePatie-Freleng(ユナイテッドアーティストによる配布)、Charles Mintz Studios(後のScreen Gems)(コロンビア版)、Famous Studios(パラマウント版による配布)、Terrytoons(20世紀版狐)。

サウンドトラックを使用する最初の漫画は、1926年にMax FleischerのMy Old Kentucky Homeで行われました。しかし、FleischersはDe Forestのサウンドシステムを使用しており、そのサウンドは映画と完全に同期していませんでした。ミッキーマウスを主演するウォルト・ディズニーの1928年の漫画スチームボート・ウィリーは、レコーディング・セッション中にクリック・トラックを使用して初めて、より良い同期性を生み出しました。 「Mickey Mousing」は、音楽と完全に同期したムービーアクション(アニメーションまたはライブアクション)の用語となりました。使用される音楽は元々ほとんどの時間ですが、音楽引用がしばしば採用されています。アニメ化されたキャラクターは、通常、「ループ」でアクションを実行しました。つまり、繰り返し描かれていました。

他のプロデューサーは2ストリップカラーで早くフィルムを製作したが、ディズニーは1932年に3ストリップのTechnicolor、Flowers and Treesで最初の漫画を制作した.Fleischerスタジオの技術者は、アニメーション作成者がアニメーションを作成するためにライブアクションをトレースするロトスコープを発明したより現実的に見える。しかし、ロトスコピングはアニメーションを堅く見せ、後に撮影された動きを直接トレースしてコピーするのではなく、人間や動物の動きを研究するために使用されました。

その後、The Old Mill(1937年)のマルチプレーン・カメラ、ファンタジアのステレオ・サウンド(1940年)、Lady and the Tramp(1955年)のワイドスクリーン・プロセス、さらには3Dのような他の映画技術がアニメーションに使用されましたLumber Jack-Rabbitと一緒に。

今日の伝統的なアニメーションは従来の方法を使用していますが、特定の分野のコンピュータによって支援されています。これにより、古いテクニックでは実現できなかった新しいツールが利用できなくなります。

生産的プロセス:

プレプロダクション
アイディア
文字、設定、短編映画の時間を記述する非常に少数の行のテキスト。

件名
短編映画の話を語るTale。文字を提示し、設定を記述する。

映画のスクリプト
テキストは、何が起こるか、文字が何を言うかなどを記述するシーン(すなわち、短いもののシーン)に分割されます。

映画だけでなく、アニメーションの描画の実現は、スクリプトのテキストを図面に翻訳するための最初のステップとして、ストーリーボードの作成を予見します。ストーリーボードは、漫画本のドラフトに非常に似ていますが、雲はありません。注釈とともに、場面の下に対話が置かれていますが、図面は大雑把で未解決の特徴がたくさんありますが、これは図面が多いためですが、とりわけそれ自体は美しいものである必要はなく、最高の方法でショットを表示することができます。

ストーリーボードは、最終版まで徐々に変更され、アーティストチームと監督との比較が行われます。たとえば、背景のペインタは、ペイントする場所と文字の代わりに空白を残しておく場所を知っていなければなりません。

広告では、ストーリーボードは撮影前に商店街を顧客に提出するために使用されます。フィルムスクリプト用のストーリーボードとは異なり、これらは既に詳細な説明がされています。図面と注釈で構成されたこの概要は、レコーディング、つまり俳優と脚本家で作業するチームで洗練されます。

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エグゼクティブ生産
エントリーの切開
アニメーションの作業を開始する前に、アニメーターのガイドとなる予備のオーディオトラックを録音するために使用されます。このトラックには音声のみが含まれており、アニメーターが図面の数量に合わせて調整するのに便利です。

完全なオーディオトラックには、ボイスオーバー、サウンドエフェクト、音楽が含まれますが、ポストプロダクション段階でのみ実行されます。

ビデオボード
ストーリーボードの後のステップと声の録音。ストーリーボードのビネットと予備のオーディオトラックの音声を使って実現されるモンタージュから構成されています。

アニマティックまたはライカのリール
ストーリーボードを決定的に承認する前に、非常に近似したアニメーションが実現されます。主に固定された図面から構成されています。この実現はAnimaticと呼ばれ、ストーリーボードの有効性の最後の検証です。

別の同等の名前は、今日はあまり使われていない、ライカのリールです。過去には、ライカ製品が映画撮影に幅広く使用されていたことに由来しています。

バックグラウンド
伝統的な漫画の背景は白いシートに描かれました。この場合、文字の一部も含まれています。

描画、アニメーション、タイミング
このタイミングは文字通り、さまざまなシーンの時間の測定値であり、各シーケンスの正確な図面数を確立するための基本です。

図面はさまざまな方法で作成されています。主題と背景の両方を含むフレームごとの最初の漫画から。移動する文字のみを再描画し、背景を固定したままにすることができる透明な酢酸シート、ロノベトロの使用。今日まで、図面は、半透明の紙のシート上に作成され、その後、電子コンピュータによって走査され、組み立てられる。アニメーターはフレームが連続して描画され、フレームがすぐに順番にマウントされると、キャラクターに動きを与えます。

図面は、影と減算で背景に混ざるように既に作られています。

レイアウト
昔、個々のフレームをレイアウトするために、上に描かれた文字を持つロノベトロのシートは、背景と一緒にフレームに置かれ、イルミネーションされ、フィルムに1つずつ印象付けられました。

より現代的には、文字や背景をスキャンし、デジタル化して結合してコンピュータを短くします。

ポストプロダクション
組み立てと修正
このようにして作成されたシーンは、一緒に組み立てられ、最終的な結果を構成します。

現代のプロダクションでは、小さな誤差を調整したり、色補正をしたり、さまざまなシーンの色を均一にしたり、デジタルで補正したりすることもできます

ダビング、効果音、音楽
ダビングは既に書かれているように、漫画を描く前に記録されています。ダビングは通常慎重に防音された録音室に録音されます。録音室では、声優が書かれた行と画面上でアニメーションが完成して組み立てられ、文字の唇に従います。ダビングに複数の人が含まれている場合は、時間を追求するために一緒に配置してください。ダビングは、俳優がいないことと、自分の声がない人物がいることを考えると、漫画では非常に重要です。

最後に、効果音と音楽が追加され、スクリーンアニメーションも作成されます。

テレビ:
テレビとの競争は1950年代後半に観客を映画館から引き離し、演劇漫画は衰退し始めた。今日、アメリカの聴衆のためのアニメは主にテレビ向けに制作されています。

1950年代のアメリカのテレビ・アニメーションは、ジェイ・ワードの十字軍ウサギの作品によって強調された非常に限られたアニメーションスタイルを特色としていました。チャック・ジョーンズ(Chuck Jones)は、「イラストレーションされたラジオ」という言葉を、映像よりもサウンドトラックに多く依存している大部分のテレビの漫画のいたずらなスタイルを指すように造語しました。その他の有名な1950年代のプログラムには、UPAのジェラルド・マクボイン・ボーイング、ハンナ・バルベラのハックルベリー・ハウンド、クイック・ドロー・マグロウ、ユニバーサルのウォルター・ランツ、ワーナー・ブラザーズ、MGM、ディズニーの古典劇の漫画が再放送されています。

ハンナ・バルベラの漫画「フリントストーンズ」は、1960年から1966年にかけて(そして再開して)、米国で最初に成功したアニメシリーズです。 Scooby-Doo、Where Are You !, The Jetsons、Top Cat、The Alvin Showなど、1960年代初めに他の漫画のスケジュールを立てることで多くのネットワークが成功したが、これらのプログラムはどれも1年以上生き残れなかった(Scooby-ドゥーは40年以上にわたり絶滅の危機に瀕していた漫画ではありませんでしたが)。しかし、ネットワークは土曜日の朝の漫画としてこれらのショーを運営することで成功を収め、子供の間でより多くの人口統計学的統一性を持つ小規模の視聴者に到達しました。土曜日の朝、Nickelodeon、Disney Channel / Disney XD、Cartoon Network、PBS Kids、シンジケート午後のタイムスロットなどのケーブルチャンネルで子どもたちのテレビアニメーションが盛んになりました。

TVアニメーションプロセスのスケジューリング制約、特にリソース管理の問題は、今や限定アニメーションと呼ばれる様々な技術の開発につながった。フルフレームアニメーション(「1つのもの」)は、米国の演劇以外の用途では珍しいものとなりました。

成人向けのPrimetimeの漫画は、The Simpsonsが大人のアニメーションの新しい時代を迎えた1990年代のヒットまで、米国の主流には事実上存在しませんでした。 Aeon Flux、Beavis、Butt-head、South Park、Family Guy、The Cleveland Show、American Dad !, Bob’s Burgers、Aqua Teen Hunger Force(現在Aqua TV Show Showとして知られている)などの “アダルトアニメーション”フューチュラマは、プライムタイムとイブニングアメリカのテレビでアニメーションのシチュエーションを増やしました。加えて、他の国々(特に日本)のアニメーション作品は、1960年代から米国でさまざまなレベルのエアープレイを持っていました。

商業アニメーション:
アニメーションは、グラフィックの魅力とそれが提供できるユーモアの両方のために、テレビコマーシャルで非常に人気があります。 Kelloggの穀物の広告でSnap、Crackle、Popなど、何十年も生き残っているコマーシャルのアニメーションキャラクターもいます。

1957年、 “Louie the Fly”はオーストラリアの家庭用殺虫剤ブランドMorteinの漫画アンタゴニストとしてオーストラリアのテレビで初めて登場し、Geoffry Morgan Pikeによって描かれアニメ化されました。 Bryce Courtenayが作成したジングルでは、1962年以来アニメ化されたTVコマーシャルで使用されています。「Morteinの缶を持つ人」を除いて、誰も気にしないと主張して自慢しています。

伝説のアニメーションディレクター、テックスエイヴリーは、1966年に最初のRaid “Kills Bugs Dead”コマーシャルのプロデューサーでしたが、これは同社にとって非常に成功しました。 このコンセプトは多くの国で使用されています。

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