非客観的、実験的、概念的または具体的な写真と呼ばれることもある抽象的な写真は、オブジェクトの世界とは直接関係がなく、写真機器、プロセス、または材料を使用して作成された視覚画像を描写する手段です。抽象写真は、視聴者から固有のコンテキストを削除するために自然なシーンの断片を分離する場合があり、実際のオブジェクトから一見非現実的な外観を作成するために意図的にステージングされる場合があり、または色、光、影、感触、感覚、または印象を伝えるための質感、形状、および/または形状。画像は、カメラ、暗室、コンピューターなどの従来の写真機器を使用して作成するか、フィルム、紙、その他の写真メディアを直接操作してカメラを使用せずに作成します。
抽象的な写真の定義
「抽象写真」という用語の一般的な定義はありません。主題に関する本や記事には、アーロン・シスキンドの剥離ペイントの写真などの抽象的な主題の完全な表現イメージから、マルコ・ブルーアーの製作されたプリントや本などのカメラやフィルムなしで作成された完全に非表現的なイメージまでが含まれます。この用語は、幅広い視覚的表現を含むと同時に、その性質によって明らかに曖昧なタイプの写真の分類に明示的です。
多くの写真家、批評家、美術史家などは、特定の意味を形式化しようとせずに抽象的な写真について書いたり話したりしています。1916年のアルビン・ラングドン・コバーンは、「抽象写真」というタイトルで展覧会を開催することを提案しました。エントリーフォームには、「主題の関心が特別なものの鑑賞よりも大きい作品は認められない」と明記されています」提案された展示は行われませんでしたが、コバーンは後にいくつかの明確に抽象的な写真を作成しました。
写真家および心理学の教授ジョン・スラーは、彼のエッセイPhotographic Psychology：Image and Psycheで、「抽象的な写真は、現実的または文字通りのものから引き離します。それは、実際の世界の自然な外観および認識可能な主題から引き離します。本当の意味、存在、現実そのものから離れると言っても、概念的な意味と固有の形式に依存して、その目的で具体的な全体とは区別されます….ここに酸のテストがあります：写真を見て、 「それは何ですか？」という声があなたの中にあります。…まあ、そこに行きます。それは抽象的な写真です。」
写真家であり教授でもあるバーバラ・カステンは、「抽象的な写真は、その構築された性質を再確認することにより、現実の客観的なイメージとしての写真の一般的なビューに挑戦します。…表現する義務から解放されて、抽象的な写真はキャッチオールジャンルです。メディアと規律の融合のために。それは写真をテストするアリーナです。」
ドイツの写真家で写真理論家のゴットフリート・イェーガーは、「コンクリート写真」という用語を使用して、「コンクリートアート」という用語を再生し、特定の種類の抽象的な写真を説明しました。彼は言った：
「具体的な写真は目に見えるものを描写しません（現実的な写真やドキュメンタリー写真のように）。
それは目に見えないものを表していません（舞台上の描写的な写真のように）。
ビュー（画像分析、概念、実証写真など）に頼ることはありません。
代わりに、可視性を確立します。目に見えるだけ、目に見えるだけです。
このようにして、メディアキャラクターを放棄し、オブジェクトキャラクターを獲得します。」
最近では、コンセプチュアルアーティストのメルボフナーがブリタニカ百科事典の引用を書いて、「写真は抽象的なアイデアを記録できない」と述べました。ノートカードに写真を撮り、6種類の写真プロセスを使用して印刷しました。彼は言葉、概念、概念の視覚化を芸術そのものに変え、そうすることで、用語自体を定義することなく、さらに別のタイプの抽象的な写真を提示する作品を作成しました。
歴史
19世紀
抽象写真と呼ばれるものの最も初期の画像のいくつかは、技術の発明後の最初の10年以内に現れました。1842年、ジョン・ウィリアム・ドレーパーは分光器で画像を作成しました。分光器は光線を以前は記録されていない可視パターンに分散しました。彼が作ったプリントは、他の写真家が記録した目に見える世界の現実には言及せず、以前は見えなかったものを有形の存在に変換する写真の前例のない能力を実証しました。ドレイパーは彼の画像を芸術ではなく科学記録と見なしていましたが、その画期的な地位と本質的な個性により、その芸術的品質は今日高く評価されています。
イングランドの別の初期の写真家であるアンナ・アトキンスは、乾燥した藻類をシアノタイプの紙に直接置いて作成したフォトグラムの自費出版の本を作成しました。科学的研究として意図された、青の画像の真っ白は、ネガティブなイメージングと植物の自然な文脈の欠如のために、エーテルのような抽象的な品質を持っています。
1895年のX線の発見と1896年の放射能により、以前は見えなかったものや見えなかったものに大衆が魅了されました。それに応じて、写真家は、通常の人間の視覚では見られなかったものをどのようにキャプチャできるかを探り始めました。
これとほぼ同じ時期に、スウェーデンの作家であり芸術家であるアウグスト・ストリンドバーグは、写真プレート上の生理食塩水を熱と冷にさらすことを試みました。これらの実験で彼が作成した画像は、他の方法では見ることができなかったものの不明確なレンダリングであり、プレゼンテーションでは完全に抽象的でした。
世紀の変わり目近くに、フランスのルイダージェは、露出していないプレートをシッターの額に押し付け、心からプレートに画像を投影するように促すことにより、精神プロセスの画像をキャプチャしようとしました。彼が作成した写真はぼやけていて不明確でしたが、ダーゲットは彼が「思考振動」と呼んだものは光線と見分けがつかないと確信していました。
20世紀
20世紀の最初の10年間に、絵画や彫刻の印象派や後期印象派からキュービズムや未来派への移行を早める芸術的探検の波がありました。1903年にパリで開催されたサロンオートムネと呼ばれる一連のアート展では、セザンヌ、ピカソ、マルセルデュシャン、フランシスピカビア、フランティシェククプカ、アルバートグレイズなどのアーティストの過激なビジョンを一般に紹介しました。ジャン・メツィンガー。10年後、ニューヨークのアーモリーショーは、カンディンスキー、ブラック、デュシャン、ロバートドローネーなどの完全に抽象的な作品を見せてスキャンダルを作りました。
抽象芸術に対する大衆の関心と、時にはそれに対する反発は、その時代のより創造的な写真家の何人かによって正式に指摘されました。1910年までに、ニューヨークでアルフレッドスティーグリッツは、マーシャルハートリーやアーサーダブのような抽象画家を、以前は絵画だけを展示していた291のアートギャラリーで見せ始めました。スティーグリッツ、ポール・ストランド、エドワード・スタイヘンなどの写真家は、すべて抽象的な構成で撮影された描写的な被写体を実験しました。
現在抽象写真として認識されている最初の公開画像は、1914年にケルンのErwin Quedenfeldtが示したNatural FormsのSymmetrical Patternsと呼ばれるシリーズでした。2年後、Alvin Langdon Coburnは彼がVortographsと呼ぶシリーズの実験を始めました。1917年の6週間の間に、彼は多面プリズムを備えたカメラで約20枚の写真を撮りました。結果として得られた画像は、彼が見た現実と彼の以前の肖像や都市景観とは意図的に無関係でした。彼は「なぜカメラは現代の表現の束縛を捨てるべきではないのか…？なぜ、私たちは真剣に尋ねます、私たちは平凡な小さな露出を続ける必要があるのですか…？」
1920年代および1930年代には、抽象的な画像を探索した写真家の数が大幅に増加しました。ヨーロッパでは、プラハはアバンギャルドな写真の中心となり、フランティシェク・ドルティコル、ヤロスラフ・レスラー、ヨーゼフ・スデック、ヤロミール・ファンケはすべてキュービズムと未来派の影響を受けた写真を作成しました。特に、レスラーの画像は、表現の抽象化を超えて、光と影の純粋な抽象化になりました。
ドイツおよびその後の米国では、バウハウスのモダニズム学派の指導者であるラースロー・モホリ=ナジが、写真の抽象的な性質を実験しました。彼は「最も驚くべき可能性は写真の原材料で発見されたままである」と言い、写真家は「「絵」ではなく、伝統の美学ではなく、表現の理想的な道具、自己教育のための十分な手段。」
この時期の一部の写真家は、シュルレアリスムや未来主義のビジョンを作品に取り入れることにより、従来の画像の境界線を押し広げました。マン・レイ、モーリス・タバード、アンドレ・ケルテス、カーティス・モファット、フィリッポ・マソエロは、現実と展望の両方に疑問を投げかける驚くべき画像を制作した最も有名な芸術家の一部でした。
マイノホワイト、アーロンシスキンド、ヘンリーホームズスミス、ロッテヤコビなどの第二次世界大戦中およびその後の写真家は、自然界にも抽象化の要素が埋め込まれていることを示す方法で、見つかったオブジェクトの構成を探索しました。
フレデリック・ソマーは、1950年に意図的に再配置されたオブジェクトを撮影することで新境地を切り開き、広く解釈できる曖昧な画像をもたらしました。彼は、TSエリオットの批判と意味に関するエッセイの後に、特定の謎めいたイメージ「聖なる森」にタイトルを付けることにしました。
1960年代は、当時の写真メディアの制限にとどまらず、独自の調査を行い、レイK.メッツカー、ロバートハイネケン、ウォルターチャッペルなど、独自の画像を見つけたり、画像を見つけたりした写真家から始まりました。
1970年代半ばに、ヨーゼフH.ノイマンはケモグラムを開発しました。これは、写真処理と印画紙の塗装の両方の製品です。コンピューターの普及と画像処理ソフトウェアの使用の前は、ケモグラムを作成するプロセスはアナログポストプロダクションの初期の形態と見なすことができます。このプロセスでは、拡大プロセスの後に元の画像が変更されます。デジタルポストプロダクションの作品とは異なり、各ケモグラムはユニークな作品です。
1970年代後半から、写真家は、暗室で開発されなければならなかった当時の伝統的な写真メディアのスケールと表面の両方の限界を広げました。Moholy-Nagyの作品に触発されて、スーザンランカイティスは最初に科学教科書から発見された画像を大規模な写真に埋め込み始め、「考古学的発掘のように探検しなければならないパリンプセスト」と呼ばれました。後に彼女は、写真が何であるかという物理的および概念的な概念を拡大する巨大なインタラクティブなギャラリー構造を作成しました。彼女の作品は「現代の心の断片化を模倣する」と言われていました。
1990年代までに、写真家の新しい波がコンピューターを使用して写真を作成する新しい方法を作成する可能性を探っていました。Thomas Ruff、Barbara Kasten、Tom Friedman、Carel Balthなどの写真家は、写真、彫刻、版画、コンピューター生成画像を組み合わせた作品を作成していました。
21世紀
コンピューターと写真ソフトウェアが広く利用可能になると、抽象的な写真の境界は、フィルムと化学の限界を超えて、ほぼ無限の次元に拡大されました。純粋な芸術家と純粋な写真家の間に残っていた境界は、写真のみを扱っていたがコンピューターで生成された画像のみを作成した個人によって排除されました。21世紀初頭の最も有名な世代の中には、ガストンベルティン、ペネロペウンブリコ、アードボデウェス、エレンキャリー、ニッキーステージャー、シリーヌギル、ウルフガングティルマンズ、ハーベイロイド、アダムブルームバーグとオリバーシャナリンがいました。