Il padiglione sudafricano alla Biennale di Venezia 2015 è a tema “Ciò che resta è domani”, prendendo spunto dall’Esposizione Internazionale d’Arte alla 56a Biennale di Venezia, All the World Futures, Rose e Till presentano una serie di opere di artisti che sono profondamente investiti nelle iterazioni locali di potere, libertà e libertà civile. I curatori desiderano non solo rappresentare lavori recenti e importanti del Sud Africa, ma anche avviare un dibattito complesso e dinamico sul rapporto tra il momento contemporaneo e le narrazioni del passato.

Con questo in mente, hanno cercato modi per inserire nuove opere in una serie di momenti storici senza, in alcun modo, rendere espliciti quei momenti o suggerire una grossolana opposizione o identificazione con la storia. Piuttosto, vedono – e cercano di rappresentare – il passato come una cattura alluvionale nel presente fratturato e multivocale del Sudafrica, un flusso di sogni, desideri e ricordi che spesso ribollono in superficie in modi sia utili che distruttivi.

Le opere contemporanee in mostra pongono una serie di contromosse. Alcuni sono poco interessati alla storia e si concentrano invece sulle rotture del presente. Alcuni si incorporano nelle narrazioni rigurgitate di liberazione e identità nazionale al fine di sconvolgere le certezze di queste narrazioni. Alcuni, attraverso la loro rappresentazione delle particolari particolarità e singolarità delle vite individuali, interrogano i grandi miti della democrazia e della costruzione della nazione. Alcune sono sottili meditazioni sulla perdita, la fuga o la speranza; altri, rifiuto severo della normativa.

Lo spettacolo prende due recenti punti di partenza storici – la Commissione per la verità e la riconciliazione e i recenti attacchi xenofobi – con i curatori che mirano a “turbare le inutili mitologie di democrazia, ubuntu e nazionalismo”.

Incluso nello spettacolo è la versione di Warrick della Sony sul massacro di Marikana. Soft Vengeance di Haroon Gunn-Salie, un cast rosso delle braccia e delle mani della statua di Jan van Riebeeck in Adderley Street è una presa acuta del movimento #RhodesMustFall. (Mi viene in mente il suggerimento di un commentatore che il padiglione sudafricano contenga solo la statua di Rodi ritirata dall’Università di Città del Capo.)

People from Far Away di Gerald Machona, che utilizza significanti di alieni ed esploratori spaziali per affrontare le difficoltà di venire in Sudafrica come Zimbabwe, e Inzilo di Mohau Modisakeng, un video in cui l’artista si impegna in un rituale mattutino Zulu, entrambi situano il corpi degli artisti all’interno di una complessa serie di incroci sociopolitici ed estetici.

Non c’è lavoro dal vivo o performance, nessun intervento, nemmeno un vero lavoro di installazione, non sembra esserci alcun tentativo verso nessun altro tipo di strategia curatoriale.

curatori
Jeremy Rose ha fondato la Mashabane Rose Associates cc (MRA) nel 1996 con Phil Mashabane. Rose è stata architetto principale in numerosi progetti museali, storici e di arte pubblica, tra cui il Mandela Capture Site Museum, la scultura di Mandela Cell, il Freedom Park Museum, Nelson Mandela – “Prigioniero del Presidente”, Parigi, Goodman Gallery Cape, Mandela House Centro visitatori, Memoriale e Museo Hector Pieterson, Museo dell’Apartheid, Centro di liberazione Liliesleaf, Rivonia, Centro Origins Wits University, Scultura pubblica Mandela Capture Site (con l’artista Marco Cianfanelli), Moving in Dance, Newtown, Oprah Winfrey Leadership Academy for Girls e University of Johannesburg Arts Centre.

MRA è stato il 26 ° Sophia Grey Memorial Laureate, è stato selezionato per la categoria cultura World Architecture Festival (Barcellona) per il Museo del Parco della Libertà e ha vinto la lode al World Architecture Festival (Barcellona) per il Freedom Park Memorial. MRA ha vinto il premio al merito dell’Institute of South African Architects per il Centro di liberazione di Liliesleaf, il Pretoria Institute of Architects Award al merito per Freedom Park, il Cube Award for Public Space per il memoriale e museo Hector Pieterson, il Institute of South African Architects Award of Eccellenza per il Museo dell’Apartheid e il Premio Loerie del Grand Prix per il Museo dell’Apartheid.

Christopher Till ha iniziato la sua carriera come direttore della National Gallery of Zimbabwe prima di servire come direttore della Johannesburg Art Gallery dal 1983 al 1991. Come direttore della cultura per la città di Johannesburg, ha istituito il primo ufficio culturale della città e ha contribuito alla formazione di politica delle arti e della cultura. È stato responsabile della fondazione della Biennale di Johannesburg nel 1985 e del Johannes Alts International Alive International Festival nel 1992, e della ricostruzione del Civic Theatre (ora Joburg Theatre). Era un giocatore di ruolo fondamentale nella riqualificazione del Distretto culturale di Newtown. È membro del consiglio di fondazione del Comitato internazionale delle Belle Arti del Consiglio dei musei e presidente del Comitato organizzatore triennale di Città del Capo. È direttore del Museo dell’Apartheid a Johannesburg e del Museo dell’Oro dell’Africa a Città del Capo. Till sta attualmente dirigendo la progettazione e lo sviluppo della nuova Javett Art Gallery and Museum presso l’Università di Pretoria.

La mostra
Ciò che rimane è domani … il passato della violenza lenta non è mai passato … Al momento della stesura di questa introduzione, una fotografia fatta esplodere nella nostra coscienza collettiva. Sulla prima pagina del Sunday Times sudafricano, un uomo mozambicano di nome Emmanuel Sithole è stato mostrato mentre veniva pugnalato a morte mentre la gente guardava. Quelli di noi – non solo in Sudafrica, ma in tutto il mondo – hanno la fortuna di essere nel comfort delle nostre case mentre aprivamo il giornale, mettevamo da parte le nostre tazze di caffè e guardavamo di nuovo questa immagine orribile.

Questa fotografia, e gli eventi di cui era solo una parte, era una rappresentazione mortale e indesiderata dell’idea centrale e alla base di questa mostra, che il passato è tornato a perseguitarci, che in realtà il passato non è affatto significa che se ne è andato, e se vogliamo capire il nostro momento contemporaneo e tramare il nostro futuro in modo che sia più equo, giusto e umano del presente, dobbiamo affrontare ancora una volta la nostra storia.

Il titolo della nostra mostra, Ciò che rimane è domani, non è quindi né un’accettazione rassegnata delle benedizioni miste di quella storia, né un gesto utopico. Trasmette invece il desiderio di valutare il presente rispetto a ciò che lo ha preceduto e di anticipare la possibilità di modi alternativi di essere nel mondo e di creare il mondo. A questo proposito abbiamo preso spunto dal titolo di Okwui Enwezor per la 56a Esposizione Internazionale d’Arte della Biennale di Venezia, Tutti i Futuri del Mondo, e abbiamo cercato di dargli un’interpretazione particolare alla luce di ciò che sappiamo. E ciò che conosciamo meglio – ciò che tocca le nostre vite più direttamente – è ciò che si sta svolgendo nel nostro paese attraverso una serie di eventi violenti ed esplosivi.

Ma questi sconvolgimenti localizzati sono integrati in una matrice globale di potere e capitale, a parte la quale non possiamo iniziare a capire noi stessi e la nostra situazione sociale, politica e culturale. In effetti, se leggiamo le nostre stesse condizioni e risultati come i prodotti e le espressioni di un nazionalismo stretto e idiosincratico di cui solo noi siamo responsabili, affonderemo.

Il potere e il capitale sono multivalenti e presenti in una serie di forme. Ci collegano a un conglomerato di relazioni che non solo emergono dal passato (dall’imperialismo e dal colonialismo) ma si distinguono in qualche modo dalle grandi narrazioni della storia che danno vita alle nozioni di nazione e stato. Il potere e il capitale fanno uso dello stato nazionale, ma non ci credono. Credono solo nella proprietà e nel profitto e impiegano le trappole dello stato per estendere questi privilegi a pochi.

Lo stato, d’altra parte, crede in se stesso e perpetua la propria mitologia della nazione come entità coerente, spiegata logicamente dalla storia, alla quale i cittadini devono dichiarare la loro fedeltà e da cui gli altri sono esclusi. Questo è un aspetto poco esaminato non della xenofobia che sta attualmente esplodendo in Sudafrica, ma del discorso analitico che circonda quel fenomeno.

Quindi, sebbene vi sia stata una reazione rumorosa e oltraggiata – una clamorosa condanna di atti di violenza contro persone che sono venute da altri paesi al fine di trasformarsi in una vita significativa e dignitosa – nelle valutazioni rimane un punto cieco. La xenofobia è attribuita alla disoccupazione e alla povertà e la mancanza di erogazione di servizi di base alle comunità viene messa in discussione, ma emergere ripetutamente nel discorso è la critica del fallimento del governo nel sorvegliare i nostri confini sempre più porosi.

Questo imperativo per la polizia è alimentato dalla convinzione profondamente radicata che alcuni sono “naturalmente” all’interno e altri all’esterno. Certamente, le persone rispettabili e rispettose della legge condannano la persecuzione di coloro che sono fuori, ma non immaginano di poter annullare – o mettere in discussione – quella che si presume sia la loro fondamentale mancanza di appartenenza.

Gli artisti le cui opere sono presentate qui si avventurano in questo terreno. Mettono in discussione ipotesi profonde su chi è dentro e chi è fuori. Hanno la sensazione che ci sia una narrativa di appartenenza che deve essere interrogata. Senza eccezione, mentre sono senza dubbio sensibili quanto il resto di noi allo spettacolo della violenza, sono anche consapevoli del fatto che sotto lo spettacolo sono insidiose forme di violenza “più lente” che ci divorano dall’interno.

Nel curare Ciò che rimane è domani, tuttavia, non abbiamo semplicemente voluto presentare opere che sostengono lo specchio della nostra società o offrire una litania di torti e ingiustizie al fine di dare al pubblico internazionale un senso dello zeitgeist locale. Il lavoro che abbiamo svolto negli ultimi decenni, individualmente e insieme, ci ha reso profondamente sospettosi di elenchi di illeciti o elenchi di risultati. Queste cose ci danno solo l’illusione di aver fatto qualcosa. Entrambi abbiamo lavorato in settori – il settore pubblico, la progettazione e la curatela museale, lo studio di architettura – che ci hanno obbligato in alcune occasioni ad abitare il passato. Avendolo fatto ci ha diffidati della nostalgia e dei pericoli di un approccio mitologico e museologico alla storia. Ma anche così, non abbiamo abbandonato l’idea che il passato sia un riferimento importante, la chiave per sapere cosa fare, anche se, come esseri umani, sembriamo incapaci di imparare dai nostri errori. Non siamo, tuttavia, storici. Piuttosto, pensiamo al mondo in termini visivi e corporei.

Visivo nel senso che trascorriamo molto tempo a contemplare come appaiono le cose e corporeo nel senso che gran parte del nostro lavoro implica considerare come gli esseri umani si muovono e interagiscono con lo spazio, costruendo ambienti e paesaggio. Quindi, al fine di creare qualcosa dalla potenziale cacofonia di un gruppo di singole opere d’arte messe insieme in un unico spazio chiuso, abbiamo organizzato la mostra non tanto attorno a un tema quanto attorno a un momento, segnalato da un piccolo, oscurato , cella di una stanza a un’estremità della mostra attorno alla quale si trovano più o meno le altre opere.

Questa stanza è un riferimento diretto alla prova sul tradimento di Rivonia del 1963–4. Un lavoro video nelle immediate vicinanze collega il processo alla Commissione per la verità e la riconciliazione, iniziata trentadue anni dopo come tentativo di giustizia riparativa. Questi due momenti sono presentati qui come innegabilmente connessi, ma non per suggerire che uno soddisfi l’altro. Certamente lo spettatore è invitato a rivisitare questi eventi passati, ma la presenza di altre opere non consente nostalgia, senso di realizzazione.

Il materiale di queste due installazioni proviene e commissionato, rispettivamente, dal Museo dell’Apartheid, l’unica istituzione in Sudafrica la cui relazione con il passato – il cattivo passato – è indiscussa e necessaria. Nel contesto della mostra, tuttavia, questi manufatti museali sono ora, inevitabilmente, estetizzati. Questa è una manovra deliberata poiché ciò che vogliamo fare, precisamente, è guardare al passato attraverso una lente estetica. Non allo scopo, grossolanamente, di abbellirlo, ma perché ci siamo dati la libertà di applicare ad esso regole diverse da quelle che potrebbero applicarsi nel contesto di un museo.

E così abbiamo disaccoppiato dal loro contesto originale, e dalla loro sede del museo, due frammenti di storia – una prova e una commissione di verità – per rivisitare quella storia attraverso una serie di percorsi diversi da quelli che di solito ci aprono. Abbiamo coinvolto un gruppo di artisti per aiutarci a mettere in atto questo processo (e così facendo abbiamo perpetrato l’inevitabile violenza sul loro lavoro a cui una mostra collettiva non può sfuggire).

In particolare, abbiamo immaginato che la registrazione in loop della voce incarnata di un uomo che parla in difesa silenziosa ma appassionata della lotta per rovesciare il dominio bianco, suonerà nuova. Che le trame non solo della voce, ma della tecnologia defunta che ha catturato le sue cadenze, ci faranno sentire qualcosa che non abbiamo mai sentito prima o che non sentiamo da molto tempo. Abbiamo immaginato che la semplice ripetizione della voce in uno spazio oscuro non solo muoverà coloro che la ascoltano, ma sconvolgerà le inutili mitologie di democrazia, ubuntu e nazionalismo.

Biennale di Venezia 2015
La Biennale d’Arte 2015 chiude una sorta di trilogia iniziata con la mostra curata da Bice Curiger nel 2011, Illuminazioni, e proseguita con il Palazzo Enciclopedico di Massimiliano Gioni (2013). Con All The World Futures, La Biennale prosegue la sua ricerca su riferimenti utili per esprimere giudizi estetici sull’arte contemporanea, una questione “critica” dopo la fine dell’arte d’avanguardia e “non artistica”.

Attraverso la mostra curata da Okwui Enwezor, La Biennale torna a osservare il rapporto tra arte e sviluppo della realtà umana, sociale e politica, nella pressione di forze e fenomeni esterni: i modi in cui, cioè, le tensioni dell’esterno il mondo sollecita le sensibilità, le energie vitali ed espressive degli artisti, i loro desideri, i movimenti dell’anima (il loro canto interiore).

La Biennale di Venezia è stata fondata nel 1895. Paolo Baratta è stato presidente dal 2008, e prima ancora dal 1998 al 2001. La Biennale, che è all’avanguardia nella ricerca e promozione di nuove tendenze dell’arte contemporanea, organizza mostre, festival e ricerche in tutti i suoi settori specifici: Arts (1895), Architecture (1980), Cinema (1932), Dance (1999), Music (1930) e Theater (1934). Le sue attività sono documentate presso l’Archivio storico delle arti contemporanee (ASAC) che recentemente è stato completamente rinnovato.

Il rapporto con la comunità locale è stato rafforzato attraverso attività didattiche e visite guidate, con la partecipazione di un numero crescente di scuole venete e non solo. Questo diffonde la creatività sulla nuova generazione (3.000 insegnanti e 30.000 studenti coinvolti nel 2014). Queste attività sono state supportate dalla Camera di commercio di Venezia. È stata inoltre istituita una collaborazione con università e istituti di ricerca che organizzano tour speciali e soggiorni nelle mostre. Nel triennio 2012-2014, 227 università (79 italiane e 148 internazionali) hanno aderito al progetto Sessioni della Biennale.

In tutti i settori ci sono state maggiori opportunità di ricerca e produzione rivolte alle giovani generazioni di artisti, direttamente in contatto con insegnanti di fama; questo è diventato più sistematico e continuo attraverso il progetto internazionale Biennale College, attualmente in corso nelle sezioni Danza, Teatro, Musica e Cinema.