Il Padiglione Ovest, che ospita sculture e arti decorative del 1700 e 1800, insieme a dipinti del XIX secolo e mostre temporanee di disegni e fotografie. La collezione del J. Paul Getty Museum in mostra al Getty Center comprende “dipinti, disegni, manoscritti miniati, sculture e arti decorative europei precedenti al XX secolo e fotografie americane ed europee del XIX e XX secolo”.

La collezione permanente è esposta cronologicamente nei quattro padiglioni: il nord ospita l’arte più antica mentre l’ovest ospita la più recente. Le gallerie al primo piano di ogni padiglione ospitano opere d’arte sensibili alla luce, come manoscritti miniati, mobili o fotografie.

I lucernari controllati da computer nelle gallerie del secondo piano consentono di esporre i dipinti alla luce naturale. I secondi piani sono collegati da una serie di ponti vetrati e terrazze aperte, entrambe con vista sulle colline circostanti e sulla piazza centrale. La scultura è anche esposta in vari punti all’esterno degli edifici, anche su vari terrazzi e balconi. Il livello inferiore (il più alto dei piani della base) comprende una caffetteria pubblica, il caffè con terrazza e le gallerie fotografiche.

1° piano: Scultura e Arti Decorative
Il Dipartimento di Scultura e Arti Decorative sovrintende una ricca collezione di quasi 1.700 oggetti, che vanno dalla fine del XII secolo alla metà del XX. I possedimenti europei di arti decorative, che J. Paul Getty iniziò ad acquisire negli anni ’30, sono tra i migliori al mondo per qualità, rarità e interesse storico. Di particolare importanza sono gli oggetti creati in Francia sotto i regni di Luigi XIV, Luigi XV e Luigi XVI. La collezione di arti decorative presenta anche i migliori esempi di mobili, argento, ceramica, vetro, tessuti, orologi e bronzi dorati che risalgono dal Rinascimento all’inizio del 1800, oltre a vetrate medievali e rinascimentali.

Istituita nel 1984, la collezione di sculture europee è cresciuta notevolmente fino a includere rari capolavori realizzati dal Medioevo fino all’inizio del 1900. Questo ensemble è stato arricchito nel 2004 da una generosa donazione di Fran e Ray Stark, comprendente 28 pezzi di importanti artisti del XX secolo.

I fondi del dipartimento possono essere visualizzati principalmente al livello della piazza delle gallerie permanenti del Museo, con alcuni pezzi al secondo livello. La maggior parte della Collezione di sculture di Fran e Ray Stark è esposta alla stazione inferiore del tram e in cima alla collina intorno al Getty Center.

Mostra temporanea: Immagini dell’artista
Indagando sui temi dell’identità artistica e della creazione di immagini, questa mostra esamina alcuni dei modi in cui gli artisti hanno rappresentato se stessi, i loro colleghi artisti, la loro attività o l’ambiente circostante negli ultimi cinque secoli. Images of the Artist presenta vari supporti: principalmente disegni, ma anche stampe, fotografie, dipinti e sculture delle collezioni del Getty, integrati da prestiti di istituzioni locali e collezionisti privati.

I ritratti possono fare di più che immortalare le sembianze di una modella. Possono anche costruire, proiettare o perpetuare una certa percezione del soggetto o della sua posizione nella società. Inoltre, possono trasmettere qualcosa sul rapporto tra il ritrattista e il soggetto, mostrare l’abilità del creatore o semplicemente sperimentare la tecnica o lo stile. Nel caso degli autoritratti, l’artista e il soggetto sono una cosa sola, complicando ulteriormente i tentativi di vedere questo tipo di rappresentazione come un resoconto oggettivo. Oltre al loro potenziale di auto-presentazione, tali immagini sono servite come un potente mezzo di autoesplorazione.

Gli artisti hanno usato l’allegoria – o l’uso di figure simboliche per incarnare idee astratte – per rappresentare artisti e creazione artistica sin dal Rinascimento. Il vocabolario visivo dell’allegoria, tuttavia, ha le sue radici nell’antichità classica. Diversi potenti miti della creazione artistica hanno avuto origine nell’antica Grecia, incluso il mito di Pigmalione e Galatea. Spesso utilizzata per elevare l’artista e la sua opera, l’allegoria lascia spazio anche alla parodia. Ciò era particolarmente vero nel diciannovesimo secolo, quando la società metteva in discussione tradizioni e modi di pensare consacrati dal tempo sul ruolo e lo status dell’artista.

La concezione romantica dell’artista è quella di un genio isolato e tormentato. Di conseguenza, spesso tendiamo a immaginare artisti che lavorano da soli in studi scarsamente arredati. Sebbene esistano certamente innumerevoli raffigurazioni di questo tipo, alcune immagini offrono una visione più varia. L’interazione sociale è un aspetto significativo della loro vita, sia con mecenati, insegnanti, colleghi artisti o studenti. Tuttavia, la prevalenza di immagini di artisti soli di fronte a un cavalletto oa un album da disegno suggerisce che il loro lavoro è in definitiva una ricerca solitaria.

Quest’ultima sezione della mostra presenta immagini in cui la somiglianza e la presenza dell’artista sono più sfuggenti rispetto alle altre opere in mostra. Sebbene il corpo dell’artista possa essere frammentario, distorto o semplicemente assente in queste opere, esse recano tracce tangibili dell’artista e del processo fisico o mentale di creazione dell’immagine, sia nelle impronte digitali che nelle ombre.

2° piano: Dipinti
La collezione di dipinti comprende oltre 400 notevoli dipinti europei prodotti prima del 1900. La collezione è esposta nelle gallerie illuminate al secondo piano del Getty Museum e in combinazione con la scultura e l’arte decorativa al livello della piazza. Sebbene i suoi parametri riflettano gli interessi di J. Paul Getty, nei decenni successivi alla sua morte nel 1976 la collezione si espanse considerevolmente oltre la sua predilezione per il Rinascimento italiano e la pittura olandese e fiamminga del XVII secolo per includere i principali esempi della prima pittura italiana e olandese, del XVIII- e la pittura francese dell’Ottocento, e le scuole spagnola e tedesca.

Tra le opere più note ci sono Ritratto di alabardiere di Pontormo, Danae di Orazio Gentileschi, Un vecchio in costume militare di Rembrandt, Roma moderna di Turner, Jeanne (Primavera) di Manet e Iris di Van Gogh. I primi dipinti di Rembrandt (1628-34), così come le opere di Rubens, Jacques-Louis David, Monet e Degas, comprendono aree di profondità. Il Dipartimento dei dipinti continua ad espandere le sue partecipazioni attraverso acquisizioni e donazioni selettive.

Mette in risalto:
Fare una passeggiata in The Promenade di Renoir – The Promenade (“la passeggiata” in francese) è uno dei dipinti più coinvolgenti e accessibili di tutti gli impressionisti. Entra nella seducente rappresentazione di Pierre-Auguste Renoir di una giovane coppia su una passeggiata romantica.

I metodi dell’artista: L’attesa di Degas – In tutta la sua complessità visiva e artistica, L’attesa di Degas è un’immagine di forte risonanza emotiva. In questo pastello, l’impressionista francese ha utilizzato diversi metodi per creare vari effetti. Ha usato colori che sembrano innaturali da vicino ma hanno senso per l’occhio a distanza.⁠ Scopri come questo lavoro rivela la maestria di Degas con il pastello in questa mostra online.

L’arte scandalosa di James Ensor – Nel 1880, il giovane James Ensor era un ambizioso rinnegato. Immergiti nel suo mondo sovversivo ed eccentrico con uno sguardo approfondito al suo dipinto L’ingresso di Cristo a Bruxelles nel 1889.

Jeanne di Édouard Manet – L’elegante e misteriosa Jeanne raffigurata nel dipinto di Manet, la modella e l’approccio del pittore per incarnare la primavera.

Rembrandt nel sud della California – Questa è una mostra virtuale di 14 dipinti di Rembrandt Harmensz. van Rijn (1606-1669) che sono in mostra in cinque musei della California meridionale.

J. Paul Getty Museum
Il J. Paul Getty Museum al Getty Center presenta opere d’arte risalenti all’ottavo fino al ventunesimo secolo, esposte su uno sfondo di architettura drammatica, giardini tranquilli e panorami mozzafiato di Los Angeles. La collezione comprende dipinti, disegni, sculture, manoscritti miniati, arti decorative e fotografie europee, asiatiche e americane.

Il J. Paul Getty Museum, comunemente chiamato Getty, è un museo d’arte in California ospitato in due campus: il Getty Center e Getty Villa. Il Getty Center si trova nel quartiere Brentwood di Los Angeles ed è la sede principale del museo. La collezione presenta l’arte occidentale dal Medioevo ai giorni nostri. I suoi 1,3 milioni di visitatori stimati all’anno lo rendono uno dei musei più visitati degli Stati Uniti. La seconda sede del museo, la Getty Villa, si trova nel quartiere di Pacific Palisades (sebbene si rivendichi nella città di Malibu) e mostra l’arte dell’antica Grecia, di Roma e dell’Etruria.

Nel 1974, J. Paul Getty ha aperto un museo in una ricostruzione della Villa dei Papiri a Ercolano nella sua proprietà a Pacific Palisades, in California. Nel 1982, il museo è diventato il più ricco del mondo quando ha ereditato 1,2 miliardi di dollari. Nel 1983, dopo una crisi economica in quella che allora era la Germania occidentale, il Getty Museum ha acquisito 144 manoscritti medievali miniati dalla Collezione Ludwig di Aquisgrana, in difficoltà finanziaria; John Russell, scrivendo sul New York Times, ha detto della collezione: “Una delle più belle proprietà del suo genere mai assemblate, è certamente la più importante che fosse in mani private”. Nel 1997, il museo si è trasferito nella sede attuale nel quartiere Brentwood di Los Angeles; il museo Pacific Palisades, ribattezzato “Getty Villa”, è stato ristrutturato e riaperto nel 2006.

Nella Getty Villa sono ospitati circa 44.000 pezzi di un periodo del 6.500 aC. La collezione comprende sculture, rilievi, mosaici, dipinti su tavola e affreschi, vasi, bottiglie, coppe e anfore, candele e lucerne, gioielli, spille, bracciali, specchi, pettini, fibbie e soprammobili vari, monete, monumenti e votiefgiften e una collezione degli elementi più diversi.