Walead Beshty (nato a Londra, UK, 1976) è un artista e scrittore con sede a Los Angeles.

Beshty è stato professore associato presso il Dipartimento di Belle Arti presso l’Art Center College of Design di Pasadena e ha insegnato in numerose scuole, tra cui l’Università della California, a Los Angeles; Università della California, Irvine; il California Institute of the Arts; Scuola dell’Istituto d’arte di Chicago; e il programma MFA al Bard College. Beshty ha esposto ampiamente in numerose istituzioni e gallerie in tutto il mondo.

creatività
Nelle sue opere, Walid Beshti utilizza un numero di restrizioni o condizioni che determinano il risultato e non si basa sull’uso di metafore o allusioni. L’artista non attribuisce il lavoro alla sua vita, lascia che alcune azioni abbiano luogo, lasciando tracce. Allo stesso tempo, le opere concettuali di Beshti hanno un fascino estetico. Ad esempio, una serie di fotografie a “raggi X”, per la creazione di cui Beshty ha trasportato il film attraverso una macchina radiografica dell’aeroporto, e quindi stampato il risultato. O una serie di sculture – cubi di vetro che si adattano a scatole FedEx standard, spedite da Beshti. Il vetro si incrinò e si ruppe. Le crepe sono diventate letteralmente un record di viaggio, segni visivi del movimento fisico. O un pavimento a specchio coperto di ragnatele di crepe, che riflette le tracce dei visitatori della galleria. Un tale approccio “alienato” è popolare nell’arte contemporanea – l’opera decentralizza l’artista come agente e arbitro del valore del lavoro. Invece, l’artista imposta le condizioni e le ritirate, consentendo all’interazione tra lo spettatore e l’opera di creare valore.

Formazione scolastica
Beshty ha conseguito un Bachelor of Arts al Bard College nel 1999 e un Master of Fine Arts alla Yale University School of Art nel 2002.

Pratica
“I giochi non sono costituiti da un particolare risultato: i giochi sono costituiti dalle regole utilizzate … Non è se produca o meno una sorta di risultato, ma come tutte queste regole reagiscano l’una con l’altra e come si definiscono un insieme di relazioni: allo stesso modo, non penso che un particolare oggetto sia particolarmente significativo: è molto più il sistema che lo genera “.

“L’arte stessa ha il potenziale per democratizzare l’estetica e reimmaginare la produzione estetica come comunale, disponibile e non gerarchica: mi piace l’idea di demistificare l’estetica comunicando che tutti possiamo creare oggetti estetici, non solo per quelli con capitale o potere”.

“Gli oggetti non hanno significato in se stessi, piuttosto sono suggerimenti per un campo di significati possibili che dipendono dal contesto … Cioè, gli oggetti facilitano determinati risultati che non sono del tutto prevedibili.Queste interazioni si accumulano nel tempo, quindi il significato di un l’oggetto è in continua evoluzione. ”

“… non puoi produrre negativamente, la produzione è un processo attivo e cumulativo.”

“Non mi interessa una definizione grandiosa di un particolare mezzo – una sorta di costruzione ontologica – ma nella particolare espressione di un insieme di relazioni all’interno di contesti specifici. Penso che mi interessi di più la traduzione di idee astratte – da astrazione in generale per materialmente specifico Sono molto sensibile alle astrazioni, ma non voglio trafficarle. ”

“Cerco solo di non nascondere il processo, renderlo disponibile, non cerco di rivelarlo, semplicemente cerco di fare un lavoro che consideri come è nato materialmente, il cui aspetto è direttamente e in modo trasparente legato a quello che sta per nascere. Penso che gli spettatori possano impegnarsi con il lavoro su più livelli: non voglio insegnare una lezione o fornire una ricetta, ma cerco attivamente di non nascondere: il potere nasconde il modo in cui funziona, facendo rispettare un rituale, naturalizzandolo Questo rende il mezzo attraverso il quale si mimetizzano le funzioni di potere e si sublima il potere. Cerco di evitarlo il più possibile, e in parte questo è di situare la produzione del lavoro in una struttura pubblica o comune, accessibile, onnipresente, invece di rivendicare tacitamente l’ispirazione artistica o l’individualità come giustificazione per un lavoro ”

Lavori
Sebbene Beshty sia più conosciuto per il suo lavoro in fotografia, i suoi corpi di lavoro comprendono una grande varietà di media tra cui scultura, pittura, installazione e video. Riguardo alle medie distinzioni, ha sottolineato che egli “deve considerare ogni corpo di lavoro alle sue condizioni, in modo discreto, quindi termini come” scultura “o” fotografia “, nel loro senso più ampio, non entrano realmente nel pensare … ”

Immagini di viaggio
La serie di fotografie di grande formato documenta un ufficio diplomatico iracheno abbandonato situato nell’ex Berlino Est, a sua volta sgomberato in Occidente dalla Repubblica Democratica Tedesca nel 1990. Prima di fotografare il sito, il film non esposto di Beshty è stato danneggiato dalle macchine a raggi X della sicurezza aeroportuale viaggiando a Berlino. Dopo averlo scoperto, ha continuato a utilizzare il film e a passarlo nuovamente attraverso gli scanner nel suo viaggio di ritorno. Questo ha generato immagini con “grandi lavaggi di colore … sovrapposti su di loro” di un sito “denaturato della sua sovranità ed esposto agli elementi”. Il set di nove opere è stato presentato per la prima volta all’Hammer Museum di Los Angeles nel 2006, ed è stato mostrato in mostre in tutto il mondo tra cui la Biennale del 2008 al Whitney Museum of American Art di New York. Nel 2012, l’artista ha perforato i nove negativi originali della serie e le stampe di queste opere, con il titolo Travel Pictures, sono state esposte accanto alla serie originale della Thomas Dane Gallery di Londra.

Lucidi
Seguendo il concetto della serie Travel Pictures, Beshty ha iniziato a viaggiare con i suoi trasparenti 4 x 5 non impressionati nel suo bagaglio, esponendo così il film agli scanner a raggi X ad alta potenza. Nel suo saggio sul lavoro di Beshty per il libro Walead Beshty: Selected Correspondences 2001-2010 (Damiani Editore, 2010), Jason E. Smith descrive gli “Transparencies” come consistenti di campi granulosi, virtualmente monocromatici di colori degradati (lavanda, rosa, prugna, scarlatti, turchese, ma anche grigi d’acciaio e blu carbone) tagliati da un lato all’altro con bande bianche che evocano fasci di luce soffusa o, inversamente, grigi grafitati profondi che ricordano ombre proiettate … Gli acetati … hanno origine in pubblico molto, spazio transitorio dell’aeroporto internazionale, una forma molto specifica di spazio pubblico saturo di tecniche di sorveglianza, monitoraggio e scansione, e uno spazio intermedio situato negli intervalli tra stati sovrani e le loro strutture giuridiche relativamente non ambigue “.

Nel 2009, i lavori sono stati presentati in Altermodern: The Tate Triennial. In un dialogo con il curatore della mostra Nicolas Bourriaud pubblicato nel catalogo della mostra, Beshty commenta le condizioni dell’aeroporto e dei viaggi aerei, affermando: “In questa costellazione di forze, i raggi x hanno un posto d’onore, delineando il confine tra il il mondo “reale” e il limbo del viaggio aereo senza sosta: la sua scoperta accidentale alla fine del 1800 si inserisce perfettamente nel fascino della modernità per la trasparenza: il desiderio di catturare le minuzie del movimento (cinema), di trasformare gli oggetti in superficie (fotografia), in vedere all’interno (radiografia). ”

fotogrammi
Nel 2005, Beshty ha iniziato la produzione dei suoi primi lavori di fotogrammi basati su una serie di lavori possibili ma non documentati di Lázló Moholy-Nagy. Ricordando una conversazione con il nipote di Moholy-Nagy, Beshty descrive gli ipotizzati fotogrammi di Moholy-Nagy come “una serie di opere che usano nient’altro che carta fotografica accartocciata … Le opere sono state logicamente dedotte per essere state probabilmente realizzate nel 1921”, ancora nessuna registrazione di una tale serie esisteva al momento. Attraverso questa conversazione, è stato anche ipotizzato un titolo per le opere, “L’astrazione fatta dalla mia mano con l’assistenza della luce”. I fotogrammi di Beshty, individualmente intitolati “Picture Made by My Hand with the Assistance of Light”, sono stati realizzati esponendo alla luce la carta fotografica bianca e nera accartocciata.

Successive serie di fotogrammi in bianco e nero ea colori sono state prodotte usando processi simili, che Beshty descrive come “tracce multiple di un oggetto tridimensionale sul campo della fotografia.” La fotografia risultante è sia una rappresentazione della carta fotografica che la carta stessa , poiché la carta proietta un’immagine di sé su se stessa attraverso il processo di esposizione. ” In risposta alle opere del fotogramma che vengono descritte come astratte, Beshty afferma che “Qualsiasi fotografia figurativa standard basata su obiettivi è necessariamente” astratta “nel senso tecnico del termine, poiché questa separazione di segno e significato non esiste nelle mie opere , non sono mai astrazioni vere, indipendentemente dal loro aspetto.Questo tipo di oggetto d’arte dovrebbe essere indicato come ‘concreto’ e ‘letterale’, poiché lo spettatore è sempre presentato con il referente e l’immagine allo stesso tempo. fotografie (con una minuscola ‘c’), non fotografie astratte o pittoriche. ”

Nelle serie più recenti, compresi i riccioli di colore e i riccioli neri, Beshty espone la carta fotografica a colori a ciano, magenta e giallo, “l’uso di questo sistema di colori descrive il campo di tutti i colori possibili nell’interazione tra i colori sottrattivi primari”. La carta non esposta è “arricciata” su una parete di metallo nella totale oscurità e mantenuta in posizione con grandi magneti. La carta viene quindi esposta alla luce colorata da un ingranditore orizzontale ed elaborata con un processore del colore di grande formato. Il lavoro finale “non è solo il risultato della tensione tra la dimensione della carta, i confini della camera oscura e il corpo dell’artista, ma anche gli effetti dell’infrastruttura architettonica (cioè il sistema HVAC, la vibrazione dell’edificio, ecc. .), che si esprime attraverso la registrazione (o errata registrazione) dei colori. ”

FedEx funziona
Prodotte per la prima volta nel 2007, le opere di FedEx sono realizzate in vetro stratificato (trasparente o a specchio bidirezionale) o in rame grezzo lucidato, costruito secondo le dimensioni delle scatole di spedizione standardizzate FedEx. I lavori vengono quindi spediti a destinazione tramite il servizio Express di FedEx. Le opere di vetro vengono spedite all’interno di scatole di spedizione FedEx della stessa dimensione, che fungono sia da parte del lavoro che da supporto per la porzione di vetro esposta. Le opere di vetro vengono spedite non protette, in modo che le incrinature compaiano con ogni spedizione successiva. Le opere in rame lucido vengono spedite senza scatola FedEx standard, in modo che qualsiasi manipolazione da parte del corriere imprima sulla superficie del lavoro l’ossidazione. Le lettere di vettura FedEx, la documentazione doganale e gli eventuali adesivi di spedizione aggiunti alla confezione sono considerati parte del lavoro.

Beshty afferma di essere “inizialmente interessato … perché definito da un’entità aziendale in termini legali. C’è un copyright che designa il design di ogni scatola FedEx, ma c’è anche la proprietà aziendale su quella stessa forma. È un volume proprietario di spazio , distinto dal design della scatola, che viene identificato attraverso quello che viene chiamato SSCC #, un codice di spedizione seriale. Ho considerato questo volume come il mio punto di partenza, la perversione di una società che possiede una forma, non solo il design dell’oggetto – e anche il fatto che il volume sia in realtà separato dalla scatola: sono di proprietà indipendente l’uno dall’altro e inoltre mi interessava il modo in cui gli oggetti artistici acquisiscono significato attraverso il loro contesto e attraverso il viaggio, cosa [Daniel] Buren chiamava, qualcosa come “l’insopportabile compromesso dell’opera d’arte portatile”. Quindi, volevo realizzare un lavoro specificamente organizzato attorno al suo traffico, che si materializzasse materialmente attraverso il suo movimento da un luogo all’altro. ” Il curatore e scrittore Nicolas Bourriaud descrive l’opera di Beshty più in generale in un testo incluso nella monografia Storie naturali di Beshty, “… come composto da immagini o oggetti che” ricordano “il loro stato precedente o iniziale, che hanno memorizzato o archiviato il loro corso. La serie FedEx è un esempio esplicito … il modulo è letteralmente prodotto dalla sua incorporazione in un sistema di distribuzione (FedEx) e dalla sua capacità di registrare una traiettoria. ”

Opere selezionate
Beshty ha prodotto i primi pezzi Selected Works come parte della sua mostra del 2008 a Los Angeles, Science Concrète. Queste opere sono state prodotte triturando le opere fotografiche prodotte per la mostra ma non incluse, e la polpa è stata poi modellata in “forme quasi architettoniche, da vecchie scatole di stampa e simili …” Durante la mostra, Beshty ha distrutto il lavori inutilizzati nella stanza sul retro della galleria e li lasciava asciugare su un grande tavolo al centro della stanza. Una volta asciutti, i lavori sono stati aggiunti alla mostra. Dal 2008, Beshty ha prodotto le opere selezionate come pannelli a parete in varie dimensioni incorniciate in rame lucido. Dice del lavoro: “Questa linea di lavoro … riflette il fatto che, anche se finisco sempre per non mostrare molto del lavoro che produco, ho ancora bisogno di spiegare in qualche modo i pezzi scartati. Mi piace pensare l’intero processo è una sorta di ecologia in sé, che si estende ben oltre gli oggetti.I prodotti finali non sono da soli importanti.To sento il bisogno di includere i sottoprodotti, che non vanno mai allo show finale, e di capire un modo in cui possono raggiungere il sito espositivo. ”

Il pavimento a specchio funziona
Le opere di Beshty’s Mirrored Floor sono composte da pannelli in vetro stratificato a specchio stratificato installati verticalmente per coprire l’intero spazio espositivo, inclusi gli uffici del personale. I pannelli si spezzano e si rompono sotto il peso degli spettatori durante il corso dell’esposizione. In occasione di una prima installazione dell’opera, il curatore Jacob Proctor ha osservato che l’opera è “sia una riflessione istantanea e un record in continua evoluzione di traffico e circolazione attraverso la galleria in ogni fase del processo espositivo. in corso … Ogni visitatore della mostra diventa quindi un partecipante attivo nel processo creativo … ciò che il pavimento delimita è una zona in cui è registrata una circolazione di corpi “.

Copper Surrogate funziona
Realizzate in rame grezzo lucidato a specchio, le opere Copper Surrogate vengono prodotte in base alle dimensioni delle superfici di lavoro e dei banchi di una sede espositiva. I surrogati di rame sostituiscono le superfici di lavoro esistenti per un periodo di un ciclo espositivo, e le superfici sono usate dallo staff come normalmente sarebbero, “… le tracce del lavoro manuale eseguito su questi piani del tavolo registri sulla loro superficie come un processo di tocco … “Una volta completato il ciclo espositivo, i surrogati di rame sono considerati completi e vengono appesi come opere murarie per la mostra. In una recensione di Artforum del 2014 delle opere della serie, osserva Tina Kukielski, “le” surrogate di rame “sono indicative: in rame grezzo lucido, [Beshty] ha trovato l’equivalente della carta sensibile alla luce della fotografia. luce, il materiale registra il grasso di gomito del sistema di gallerie … attivamente autorizzarsi con i produttori necessari ed essenziali del sistema. ” Beshty descrive la produzione attiva dell’opera come “tracciare il lavoro immateriale del discorso, delle transazioni e della negoziazione che avviene su queste superfici, sia tra gli addetti ai lavori (ad esempio, la discussione tra un curatore e un gallerista) o con un pubblico (ad esempio l’interazione tra un addetto alla reception e un visitatore della mostra). In ciascuna di queste istanze, il significato del lavoro viene costruito in modo incrementale in modi grandi e piccoli, ed è distribuito da quegli individui che si impegnano su quelle superfici. ”

Nel 2014, Beshty ha esposto grandi opere di rame surrogate realizzate con lastre industriali standard di 10 x 5 piedi in rame lucido piegate a metà in vari angoli. Invece di essere prodotti e contrassegnati come una scrivania o una superficie di lavoro, questi lavori sono stati gestiti dai loro installatori lasciando segni sul processo di installazione sulla loro superficie che si differenziavano in base alla forma, alla scala e alla massa della scultura.

Un parziale disassemblaggio di un’invenzione senza futuro: Helter-Skelter e note casuali in cui le pulegge e le ruote dentate sono in giro a caso su tutto il banco di lavoro
A partire dal 2013, Beshty ha iniziato la produzione su un progetto più che lungo un anno che cataloga ogni oggetto usato o esaurito nel suo studio con stampe di fotogrammi cianotipo su carte scartate, cartone, legno o qualsiasi altro materiale a base di cellulosa prelevato dal suo studio. I materiali contengono “corrispondenze private, interazioni con il museo, e così via. Ogni dettaglio – personale, professionale, tutto – è in realtà nel lavoro stesso, e per di più, è quello che è: è detriti, raffigura detriti; un lavoro, descrive un lavoro. ” Il pezzo risultante è stato installato nel 2014 sul muro lungo 90 metri della galleria Curva del Barbican Centre dal soffitto al pavimento. L’ultimo mese del progetto, Beshty ha prodotto dei cianotipi in residenza al Barbican Centre con oggetti scartati dal luogo. Sono state prodotte oltre 12.000 copie di cianotipo e presentate in ordine cronologico. Beshty afferma che il lavoro “racconta un quadro molto ampio delle diverse forze produttive che vengono spostate nello studio. In questo senso, ho pensato allo studio come … una macchina per fare una specie di immagine … È un’immagine trasparente. un’immagine che mostra esattamente come è nata, tutto ciò che è stato coinvolto, ogni relazione, sia le forze produttive in termini di cose meccaniche – macchinari e tecnologia – ma anche le relazioni sociali. E penso che sia particolarmente importante anche nell’arte, che gran parte di ciò che rende un’opera d’arte sono anche le relazioni sociali tra gli individui, le persone che si uniscono e fanno accadere qualcosa “. Il titolo del lavoro è stato tratto da un titolo proposto in una conferenza del 1979 di Hollis Frampton “in cui discute su come il significato si apre quando la valuta di una cosa è passata … che le cose dormienti hanno un grande potenziale”.

collaborazioni
Nel 2009, Beshty ha collaborato con l’artista Karl Haendel per la mostra Plug ‘n Play a Redling Fine Art di Los Angeles, e nel 2010 ha collaborato a una mostra, LaterLayer, con lo studio di architettura Johnston Marklee. Nel 2013, Beshty ha iniziato la produzione di opere in collaborazione con l’artista Kelley Walker. Le opere degli artisti sono state esposte alla Redling Fine Art di Los Angeles (Walead Beshty + Kelley Walker: Hardbody Software, 2014) e alla Paula Cooper Gallery di New York (Walead Beshty + Kelley Walker: Crystal Voyager, 2014).

Esposizioni
Il lavoro di Beshty è stato esposto in centinaia di mostre in tutto il mondo, tra cui istituzioni come il Jewish Museum, New York; il Museum of Contemporary Art, Los Angeles; il Whitney Museum of American Art, New York; il Museum of Contemporary Art, Chicago; il Museum of Modern Art, New York; Kunsthalle Basel, Svizzera; Tate Britain, Londra; Deichtorhallen Amburgo, Germania; e il Guggenheim Museum, New York e Bilbao, tra gli altri. Ha avuto mostre personali al Barbican Centre di Londra; Malmö Konsthall, Svezia; Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid; Ullens Centre for Contemporary Art, Pechino; il Museo e il Giardino delle Sculture di Hirshhorn, Washington, D.C .; l’Università del Michigan Museum of Art, Ann Arbor; l’Hammer Museum, Los Angeles; e PS1 Contemporary Art Center, New York.

Il lavoro di Beshty è stato incluso tra la 56a Biennale di Venezia (2015), la Biennale di Shanghai (2012), la Biennale di Montréal (2011), la Tate Triennial (2009), la Whitney Biennial (2008) e la Biennale della California (2006 e 2008).

Progetti curatoriali
Beshty ha organizzato una serie di mostre collettive tra cui Picture Industry: Una storia provvisoria dell’immagine tecnica, 1844-2018, Luma Arles, Arles, Francia (2018); Picture Industry presso Hessel Museum, Centre for Curatorial Studies, Bard College, Annandale-on-Hudson, New York (2017); Picture Industry, come parte di Systematically Open? Nuove forme per la produzione di immagini contemporanee, LUMA Arles, Arles, Francia (2016); A Machinery for Living presso Petzel gallery, New York (2014); On the Matter of Abstraction (figure A & B) al Rose Museum of Art della Brandeis University, Waltham, Massachusetts (2013, co-curato con Christopher Bedford); Sunless (Journeys in Alta California dal 1933) alla Thomas Dane Gallery, Londra (2010); Picture Industry (Goodbye to All That) a Regen Projects, Los Angeles (2010); The Gold Standard al PS1 Contemporary Art Center, New York (2006, co-curato con Bob Nickas); e le immagini sono il problema al Pelham Art Center, Pelham, New York (2005), tra gli altri.

Collezioni pubbliche
Il lavoro di Beshty si svolge in collezioni museali permanenti in tutto il mondo, tra cui:

Istituto d’arte di Chicago, Chicago, IL
Solomon R. Guggenheim Museum, New York
Hammer Museum, Los Angeles, CA.
Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C.
Museo d’arte della contea di Los Angeles
Museo di arte contemporanea, Chicago, Chicago, IL
Museo di arte contemporanea, Los Angeles, CA.
Museum of Modern Art, New York
Museo di arte moderna di San Francisco, San Francisco, CA.
Tate, Londra, Regno Unito
Museo dell’Arte del Michigan, Ann Arbor, MI
Victoria and Albert Museum, Londra
Whitney Museum of American Art, New York

scrittura
Beshty ha scritto su una varietà di media, tra cui saggi su cinema, pittura, scultura e fotografia. Inoltre, ha scritto numerosi testi monografici su artisti come Jay DeFeo, Sharon Lockhart, Kelley Walker, Luisa Lambri, Annette Kelm e Michael Asher, tra gli altri. I saggi di Beshty sono stati pubblicati su Afterall, Aperture, Artforum, Cabinet, Parkett e Texte zur Kunst; e in antologie tra cui Akademie X (Phaidon, 2015), The Painting Factory (Museo di arte contemporanea / Rizzoli, 2012), Chance: Documents of Contemporary Art (Whitechapel / MIT, 2010), e Words without Pictures (LACMA, 2009) tra altri. Beshty ha anche curato diverse pubblicazioni tra cui Ethics: Documents of Contemporary Art (Whitechapel / MIT, 2015) e Blind Spot 46 (Photo-Based Art, 2013).

pubblicazioni
Walead Beshty: Pulegge, ruote dentate, specchi e finestre. Museo d’arte dell’Università del Michigan. Pubblicato in occasione dell’omonima mostra nel 2009.
Walead Beshty: Corrispondenze selezionate 2001-2010. Damiani Editore, 2010. Tre corpi di lavoro: scene da Tschaikowskistrasse 17, le sue opere di Travel Picture e selezioni delle sue opere di Trasparenza. Con testi di Jason E. Smith e Peter Eleey.
Walead Beshty e Johnston Marklee: LaterLayer. Depart Foundation, 2010. Pubblicato in occasione della mostra collaborativa di Beshty con lo studio di architettura Johnston Marklee. presentato all’Istituto Italiano di Cultura di Los Angeles.
Walead Beshty: storie naturali. JRP Ringier, 2011. Pubblicato in occasione della mostra Suread Beshty: A Diagram of Forces a Malmö Konsthall, Svezia e Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid. Con testi di Suzanne Hudson, Nicolas Bourriaud e un’intervista con Bob Nickas.
Secondo, edizione ampliata. 2014. Con gli interventi di Beshty, inclusi piatti e testi aggiuntivi
Lionel Bovier, ed., Walead Beshty: 33 Testi: 93.614 Parole: 581.035 Personaggi: Scritti selezionati (2003-2015). Positions Series, JRP | Ringier e Les presses du réel, 2016. Introduzione di George Baker.
Walead Beshty: Procedure, Petzel 2014-2017. DISTANZ, 2017.
Ritratti industriali: primo volume, 2008-2012. JRP | Ringier, 2017. Introduzione di Hans Ulrich Obrist.
Industria dell’immagine: una storia provvisoria dell’immagine tecnica 1844-2018. JRP | Ringier, 2018. Edited by Beshty, pubblicato con LUMA e CCS Bard in occasione della mostra Picture Industry, LUMA, Arles, 12 ottobre 2018 – 6 gennaio 2019.