Le arti visive sono forme d’arte come ceramica, disegno, pittura, scultura, incisione, design, artigianato, fotografia, video, cinema e architettura. Molte discipline artistiche (arti dello spettacolo, arte concettuale, arti tessili) coinvolgono aspetti delle arti visive e arti di altri tipi. Tra le arti visive rientrano anche le arti applicate come industrial design, graphic design, fashion design, interior design e arte decorativa.

L’uso corrente del termine “arti visive” include le belle arti e le arti decorative applicate, ma non è sempre stato così. Prima del movimento Arts and Crafts in Gran Bretagna e altrove all’inizio del XX secolo, il termine “artista” era spesso limitato a una persona che lavora nelle belle arti (come la pittura, la scultura o l’incisione) e non l’artigianato, il mestiere o media di arte applicata. La distinzione è stata sottolineata dagli artisti del movimento Arts and Crafts, che hanno apprezzato le forme d’arte vernacolare tanto quanto le forme alte. Le scuole d’arte facevano una distinzione tra le belle arti e l’artigianato, sostenendo che un artigiano non poteva essere considerato un professionista delle arti.

Un “lavoro di arte visiva” è una pittura, un disegno, una stampa o una scultura, esistenti in una sola copia, in un’edizione limitata di 200 copie o meno che sono firmate e numerate in modo consecutivo dall’autore. Un’opera di arte visiva non include alcun manifesto, mappa, globo, grafico, disegno tecnico, diagramma, modello, arte applicata, film o altro lavoro audiovisivo, libro, rivista, giornale, periodico, base di dati, servizio di informazione elettronica, elettronica pubblicazione, o pubblicazione simile; non includere articoli di merchandising o materiale pubblicitario, promozionale, descrittivo, di copertura o di imballaggio o contenitore;

Istruzione e formazione:
La formazione nelle arti visive è generalmente avvenuta attraverso le varianti dell’apprendista e dei sistemi di laboratorio. In Europa il movimento rinascimentale per aumentare il prestigio dell’artista ha portato al sistema accademico per la formazione degli artisti, e oggi la maggior parte delle persone che perseguono una carriera nelle arti si allenano nelle scuole d’arte a livello terziario. Le arti visive sono ora diventate un argomento elettivo nella maggior parte dei sistemi educativi. (Vedi anche educazione artistica.)

Disegno:
Il disegno è un mezzo per creare un’immagine, utilizzando una qualsiasi ampia varietà di strumenti e tecniche. In genere si tratta di fare segni su una superficie applicando la pressione di uno strumento o di spostare uno strumento su una superficie utilizzando supporti asciutti come matite di grafite, penna e inchiostro, pennelli inchiostrati, matite color cera, pastelli, carboncini, pastelli e pennarelli. Vengono anche utilizzati strumenti digitali che simulano gli effetti di questi. Le principali tecniche utilizzate nel disegno sono: disegno a tratteggio, tratteggio, tratteggio incrociato, tratteggio casuale, scarabocchi, punteggiatura e fusione. Un artista che eccelle nel disegno è indicato come un disegnatore o disegnatore.

Il disegno risale almeno a 16.000 anni fa alle rappresentazioni cavernicole del Paleolitico di animali come quelli di Lascaux in Francia e Altamira in Spagna. Nell’antico Egitto, i disegni a inchiostro su papiro, spesso raffiguranti persone, venivano usati come modelli per la pittura o la scultura. Disegni su vasi greci, inizialmente geometrici, successivamente sviluppati per la forma umana con ceramiche a figure nere durante il VII secolo aC.

Con il divenire comune della carta in Europa nel XV secolo, il disegno fu adottato da maestri come Sandro Botticelli, Raffaello, Michelangelo e Leonardo da Vinci che a volte trattavano il disegno come un’arte a sé stante piuttosto che un palcoscenico preparatorio per la pittura o la scultura.

Pittura:
La pittura presa alla lettera è la pratica di applicare il pigmento sospeso in un supporto (o mezzo) e un agente legante (una colla) su una superficie (supporto) come carta, tela o un muro. Tuttavia, se usato in senso artistico, significa l’uso di questa attività in combinazione con il disegno, la composizione o altre considerazioni estetiche per manifestare l’intenzione espressiva e concettuale del professionista. La pittura è anche usata per esprimere motivi spirituali e idee; i siti di questo tipo di pittura spaziano da opere che ritraggono figure mitologiche sulla ceramica alla Cappella Sistina e al corpo umano stesso.

Origini e storia antica:
Come il disegno, la pittura ha le sue origini documentate nelle caverne e sulle pareti rocciose. I migliori esempi, che alcuni credono di avere 32.000 anni, sono nelle grotte di Chauvet e Lascaux nel sud della Francia. Nei toni del rosso, marrone, giallo e nero, i dipinti sulle pareti e sui soffitti sono di bisonti, bovini, cavalli e cervi.

Dipinti di figure umane possono essere trovati nelle tombe dell’antico Egitto. Nel grande tempio di Ramses II, Nefertari, la sua regina, è raffigurata guidata da Iside. I greci hanno contribuito alla pittura ma gran parte del loro lavoro è andata perduta. Una delle migliori rappresentazioni rimanenti sono i ritratti di mummia di Fayum infernali. Un altro esempio è il mosaico della battaglia di Issus a Pompei, che probabilmente era basato su un dipinto greco. L’arte greca e romana hanno contribuito all’arte bizantina nel IV secolo aC, che ha iniziato una tradizione nell’iconografia.

Il Rinascimento:
Oltre ai manoscritti miniati prodotti dai monaci durante il Medioevo, il successivo importante contributo all’arte europea fu dato dai pittori italiani del Rinascimento. Da Giotto nel XIII secolo a Leonardo da Vinci e Raffaello all’inizio del XVI secolo, questo fu il periodo più ricco dell’arte italiana, poiché le tecniche del chiaroscuro servivano a creare l’illusione dello spazio tridimensionale.

Anche i pittori del nord Europa sono stati influenzati dalla scuola italiana. Jan van Eyck dal Belgio, Pieter Bruegel l’anziano dai Paesi Bassi e Hans Holbein il Giovane dalla Germania sono tra i pittori di maggior successo dei tempi. Hanno usato la tecnica di smaltatura con oli per ottenere profondità e luminosità.

Maestri olandesi:
Il XVII secolo vide l’emergere di grandi maestri olandesi come Rembrandt, che fu particolarmente ricordato per i suoi ritratti e le scene bibliche, e Vermeer che si specializzò nelle scene interne della vita olandese.

Barocco:
Il barocco iniziò dopo il Rinascimento, dalla fine del XVI secolo fino alla fine del XVII secolo. I principali artisti del barocco includevano Caravaggio, che usava pesantemente il tenebrismo. Peter Paul Rubens era un pittore fiammingo che studiò in Italia, lavorò per chiese locali ad Anversa e dipinse anche una serie per Marie de ‘Medici. Annibale Carracci prese le influenze dalla Cappella Sistina e creò il genere della pittura a soffitto illusionistica. Gran parte dello sviluppo che è accaduto nel barocco è stato a causa della Riforma protestante e della conseguente controriforma. Gran parte di ciò che definisce il barocco è l’illuminazione drammatica e l’aspetto generale.

Impressionismo:
L’impressionismo ebbe inizio in Francia nel 19 ° secolo con una libera associazione di artisti tra cui Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir e Paul Cézanne che portò un nuovo stile libero alla pittura, scegliendo spesso di dipingere scene realistiche della vita moderna all’esterno piuttosto che in studio . Ciò è stato possibile grazie a una nuova espressione di caratteristiche estetiche dimostrate dalle pennellate e dall’impressione della realtà. Hanno raggiunto un’intensa vibrazione del colore utilizzando colori puri e non miscelati e pennellate brevi. Il movimento ha influenzato l’arte come una dinamica, muovendosi nel tempo e adattandosi alle nuove tecniche trovate e alla percezione dell’arte. L’attenzione ai dettagli diventa meno importante nel raggiungere, mentre si esplora una visione parziale dei paesaggi e della natura agli occhi degli artisti.

Post impressionismo:
Verso la fine del 19 ° secolo, alcuni giovani pittori hanno portato l’impressionismo a un livello ulteriore, utilizzando forme geometriche e colori innaturali per rappresentare emozioni mentre si sforzava di ottenere un simbolismo più profondo. Di particolare rilievo sono Paul Gauguin, che è stato fortemente influenzato dall’arte asiatica, africana e giapponese, Vincent van Gogh, un olandese che si è trasferito in Francia dove ha attinto dalla forte luce del sud, e Toulouse-Lautrec, ricordato per i suoi dipinti vivaci della vita notturna nel quartiere parigino di Montmartre.

Simbolismo, espressionismo e cubismo:
Edvard Munch, artista norvegese, sviluppò il suo approccio simbolico alla fine del XIX secolo, ispirato dall’impressionista francese Manet. The Scream (1893), la sua opera più famosa, è ampiamente interpretato come rappresentazione dell’ansia universale dell’uomo moderno. In parte a causa dell’influenza di Munch, il movimento espressionista tedesco ebbe origine in Germania all’inizio del 20 ° secolo quando artisti come Ernst Kirschner ed Erich Heckel iniziarono a distorcere la realtà per un effetto emotivo. Parallelamente, lo stile noto come cubismo sviluppato in Francia come artisti si concentrava sul volume e lo spazio delle strutture acuminate all’interno di una composizione. Pablo Picasso e Georges Braque furono i principali sostenitori del movimento. Gli oggetti sono suddivisi, analizzati e riassemblati in una forma astratta. Negli anni ’20, lo stile si era sviluppato nel surrealismo con Dali e Magritte.

incisione:
La stampa sta creando, a fini artistici, un’immagine su una matrice che viene poi trasferita su una superficie bidimensionale (piana) mediante inchiostro (o un’altra forma di pigmentazione). Tranne nel caso di un monotipo, la stessa matrice può essere utilizzata per produrre molti esempi di stampa.

Storicamente, le tecniche principali (anche chiamate media) coinvolte sono la xilografia, l’incisione di linee, l’incisione, la litografia e la serigrafia (serigrafia, serigrafia), ma ce ne sono molte altre, incluse le moderne tecniche digitali. Normalmente, la stampa è stampata su carta, ma altri mezzi vanno dal tessuto e pergamena a materiali più moderni. Le principali tradizioni di stampa includono quella del Giappone (ukiyo-e).

Storia europea:
Le stampe della tradizione occidentale prodotte prima del 1830 circa sono conosciute come stampe antiche. In Europa, dal XIV circa del XIV d.C., è stato utilizzato per le stampe master su carta utilizzando tecniche di stampa sviluppate nei mondi bizantino e islamico. Michael Wolgemut migliorò la xilografia tedesca dal 1475 circa, e Erhard Reuwich, un olandese, fu il primo a usare il tratteggio incrociato. Alla fine del secolo, Albrecht Dürer portò la xilografia occidentale a un palcoscenico che non è mai stato superato, aumentando lo status della xilografia a foglia singola.

Origine e pratica cinese:
In Cina, l’arte della stampa ha sviluppato circa 1.100 anni fa come illustrazioni accanto al testo tagliato in blocchi di legno per la stampa su carta. Inizialmente le immagini erano principalmente religiose ma nella Dinastia Song, gli artisti iniziarono a tagliare i paesaggi. Durante le dinastie Ming (1368-1644) e Qing (1616-1911), la tecnica fu perfezionata sia per le incisioni religiose che per quelle artistiche.

Sviluppo in Giappone 1603-1867:
La stampa su legno in Giappone (giapponese: 木 版画, moku hanga) è una tecnica nota per il suo uso nel genere artistico ukiyo-e; tuttavia, è stato anche usato ampiamente per la stampa di libri nello stesso periodo. La stampa su legno era stata usata in Cina per secoli per stampare libri, molto prima dell’avvento del tipo mobile, ma fu ampiamente adottata in Giappone sorprendentemente tardi, durante il periodo Edo (1603-1867). Benché simile alla xilografia nella stampa occidentale per alcuni aspetti, il moku hanga differisce molto da quello che gli inchiostri a base d’acqua sono usati (al contrario della xilografia occidentale, che usa inchiostri a base di olio), consentendo una vasta gamma di colori vividi, smalti e colori trasparenza.

fotografia
La fotografia è il processo di creazione di immagini mediante l’azione della luce. I pattern luminosi riflessi o emessi dagli oggetti vengono registrati su un supporto sensibile o su un chip di memoria attraverso un’esposizione temporizzata. Il processo viene eseguito tramite otturatori meccanici o esposizione temporizzata elettronicamente di fotoni in dispositivi di elaborazione chimica o di digitalizzazione noti come telecamere.

La parola deriva dalle parole greche φως phos (“luce”), e γραφις graphis (“stilo”, “pennello”) o γραφη graphê, insieme che significa “disegno con luce” o “rappresentazione per mezzo di linee” o “disegno”. ” Tradizionalmente, il prodotto della fotografia è stato definito una fotografia. Il termine foto è un’abbreviazione; molte persone li chiamano anche foto. Nella fotografia digitale, il termine immagine ha iniziato a sostituire la fotografia. (Il termine immagine è tradizionale in ottica geometrica.)

filmmaking:
Il cinema è il processo di creazione di un film, da una concezione e ricerca iniziale, attraverso la scrittura di sceneggiature, riprese e registrazioni, animazione o altri effetti speciali, editing, suono e lavoro musicale e infine distribuzione al pubblico; si riferisce in generale alla creazione di tutti i tipi di film, abbracciando documentari, tensioni di teatro e letteratura nel cinema, e pratiche poetiche o sperimentali, ed è spesso usato per riferirsi anche a processi basati su video.

Computer art
Gli artisti visivi non sono più limitati ai media artistici tradizionali. I computer sono stati utilizzati come uno strumento sempre più comune nelle arti visive dagli anni ’60. Gli usi includono la cattura o la creazione di immagini e forme, la modifica di quelle immagini e forme (compresa l’esplorazione di più composizioni) e il rendering finale o la stampa (inclusa la stampa 3D).

L’arte informatica è qualsiasi in cui i computer hanno avuto un ruolo nella produzione o nella visualizzazione. Tale arte può essere un’immagine, un suono, un’animazione, un video, un CD-ROM, un DVD, un videogioco, un sito Web, un algoritmo, un’installazione di performance o galleria. Molte discipline tradizionali stanno ora integrando le tecnologie digitali e, di conseguenza, le linee tra opere d’arte tradizionali e opere dei nuovi media create utilizzando i computer sono state offuscate. Ad esempio, un artista può combinare la pittura tradizionale con l’arte algoritmica e altre tecniche digitali. Di conseguenza, definire l’arte del computer dal suo prodotto finale può essere difficile. Tuttavia, questo tipo di arte sta cominciando ad apparire nelle mostre del museo d’arte, anche se deve ancora dimostrare la sua legittimità come una forma a sé e questa tecnologia è ampiamente vista nell’arte contemporanea più come uno strumento piuttosto che una forma come con la pittura.

L’uso del computer ha offuscato le distinzioni tra illustratori, fotografi, fotoritocco, modellisti 3D e artisti artigianali. Sofisticato software di rendering e modifica ha portato a sviluppatori di immagini multi-esperti. I fotografi possono diventare artisti digitali. Gli illustratori possono diventare animatori. L’artigianato può essere assistito dal computer o utilizzare le immagini generate al computer come modello. L’utilizzo di clipart da computer ha anche reso la chiara distinzione tra arti visive e layout di pagina meno ovvia a causa del facile accesso e modifica di clip art nel processo di impaginazione di un documento, in particolare per l’osservatore non qualificato.

Arti plastiche:
Le arti plastiche sono un termine, ormai in gran parte dimenticato, che comprende forme d’arte che implicano la manipolazione fisica di un mezzo di plastica modellando o modellando come la scultura o la ceramica. Il termine è stato anche applicato a tutte le arti visive (non letterarie, non musicali).

I materiali che possono essere scolpiti o modellati, come la pietra o il legno, il cemento o l’acciaio, sono stati inclusi nella definizione più stretta, poiché, con strumenti appropriati, tali materiali sono anche in grado di modulare. [Citazione necessaria] Questo uso del termine “plastica” nelle arti non deve essere confusa con l’uso di Piet Mondrian, né con il movimento che ha definito, in francese e inglese, “Neoplasticismo”.

Scultura:
La scultura è un’opera d’arte tridimensionale creata plasmando o combinando materiale duro o plastico, suono, o testo e / o luce, comunemente pietra (roccia o marmo), argilla, metallo, vetro o legno. Alcune sculture sono create direttamente trovando o scolpendo; altri sono assemblati, costruiti insieme e sparati, saldati, modellati o gettati. Le sculture sono spesso dipinte. Una persona che crea sculture si chiama scultore.

Poiché la scultura implica l’uso di materiali che possono essere modellati o modulati, è considerata una delle arti plastiche. La maggior parte dell’arte pubblica è la scultura. Molte sculture insieme in un giardino possono essere indicate come un giardino di sculture.

Gli scultori non sempre realizzano sculture a mano. Con l’aumento della tecnologia nel 20 ° secolo e la popolarità dell’arte concettuale rispetto alla maestria tecnica, altri scultori si sono rivolti ai produttori di arte per produrre le loro opere d’arte. Con la fabbricazione, l’artista crea un disegno e paga un fabbricante per produrlo. Questo permette agli scultori di creare sculture più grandi e complesse con materiali come cemento, metallo e plastica, che non sarebbero in grado di creare a mano. Le sculture possono anche essere realizzate con la tecnologia di stampa 3-d.

La crescente tendenza a privilegiare la pittura, e in misura minore la scultura, al di sopra delle altre arti è stata una caratteristica dell’arte occidentale così come dell’arte asiatica orientale. In entrambe le regioni la pittura è stata vista come il più alto possibile dall’immaginazione dell’artista, e la più lontana dal lavoro manuale – nella pittura cinese gli stili più apprezzati erano quelli della “pittura accademica”, almeno in teoria praticata da gentiluomini dilettanti. La gerarchia occidentale dei generi rifletteva atteggiamenti simili.