Dall’ultima parte del XV secolo, Venezia aveva un ambiente artistico distintivo, fiorente e influente. A partire dalle opere di Giovanni Bellini (1430-1516 circa) e di suo fratello Gentile Bellini (1429-1507 circa) e dei loro laboratori, i maggiori artisti della scuola veneziana comprendevano Giorgione (1477-1510 circa), Tiziano (c 1489-1576), Tintoretto (1518-1594), Paolo Veronese (1528-1588) e Jacopo Bassano (1510-1592) e i suoi fratelli. Considerato dare il primato del colore al filo, la tradizione della scuola veneziana si contrappone al Manierismo prevalente nel resto d’Italia. Lo stile veneziano esercitò una grande influenza sul successivo sviluppo della pittura occidentale.

Caratteristica
I motivi principali sono le immagini sacrali, i dipinti storici, i dipinti di genere, i ritratti di ritratti e le vedute di città.

Una caratteristica caratteristica è il nuovo approccio alla luce e al colore. Ecco che torna la plasticità. Assolutamente prevalenti, soprattutto negli ultimi secoli, sono stati gli edifici e i paesaggi urbani della città commerciale di Venezia.

“Tipico delle scuole di pittura veneziane è il gioco sensuale delle forme, la grande importanza del colore e uno straordinario senso della luce, che conferisce ai paesaggi qualcosa di poetico ed elegiaco”.

– Michelin: pittura veneziana: un mondo di luci e colori

Sviluppo iniziale
All’inizio del XV secolo, l’arte veneziana era dominata dagli stili precedenti derivanti dai suoi legami bizantini, come esemplificato dal lavoro della famiglia Vivarini. Dalla fine del XV secolo, la pittura veneziana si sviluppò attraverso i collegamenti con Andrea Mantegna (1431-1506) (dalla vicina Padova) e di una visita di Antonello da Messina (1430-1479 circa), che introdusse la tecnica della pittura ad olio dei primi Paesi Bassi pittura, probabilmente acquisita attraverso la sua formazione a Napoli. Un altro fattore esterno è stata la visita di Leonardo da Vinci, che è stato particolarmente influente su Giorgione.

Durante la sua lunga carriera, a Bellini è stato attribuito il merito di aver creato lo stile veneziano. Dalle sue opere precedenti, come la sua Madonna dei Piccoli Alberi (1487), che riflette in gran parte l’approccio lineare del Mantegna, in seguito sviluppò uno stile più morbido, in cui i colori brillanti sono usati per rappresentare la forma e suggerire una foschia atmosferica. Applicando questo approccio nella sua pala d’altare di San Zaccaria (1505), l’alto punto di vista, le figure ordinate e interconnesse disposte nello spazio e tutti i gesti sottili si combinano per formare un’immagine tranquilla ma maestosa. Con tali opere è stato descritto come raggiungere gli ideali dell’Alto Rinascimento, e certamente esprime i principali fattori distintivi della scuola veneziana.

Storia
Il 14 ° secolo: la nascita della pittura veneziana
La presenza continua nel cuore di Venezia, i mosaici della Basilica di San Marco, caduti sotto la tradizione pittorica bizantina (XIV secolo), esposti davanti agli occhi dei pittori, coloravano effetti di piastrelle a fondo oro e piatti dai colori vivaci che brillavano nei volumi della basilica e con la luce che cambia. È stato certamente, in ogni momento a Venezia, un forte stimolo per i pittori a lavorare sui colori e sulla pittura: come trasporre questi effetti nella pittura?

All’inizio del 14 ° secolo i pittori veneziani si stanno sempre più aprendo alla pittura del continente, in particolare del movimento gotico del nord Europa. Paolo Veneziano è il primo pittore veneziano il cui nome conosciamo come artista. Fu il primo a sviluppare un linguaggio pittorico personale, in equilibrio tra l’arte bizantina e i nuovi temi della pittura gotica, come qui, l’incoronazione della Vergine. Le parti del corpo rappresentate sono dipinte secondo la tradizione bizantina dell’epoca: dopo una preparazione in bianco (bizantino: leucos), su uno sfondo scuro (marrone-verde, bizantino: sankir) i colori applicati sono sempre più chiari, finire con il bianco. L’accuratezza dell’opera è un know-how miniaturista che produce un effetto arazzo. I motivi floreali degli abiti di Cristo e della Vergine riproducono tessuti di seta ricamati ispirati a ricami cinesi o ceramiche cinesi: un commercio per la strada della seta che riprese la sua crescita con la dinastia Yuan, ancora al potere in quel tempo in Cina che finì proprio a Venezia. Inoltre, gli schemi delle onde dei tessuti, tra Cristo e la Vergine Maria sembrano essere motivo di una calligrafia di fantasia, come era praticato in Italia per diversi secoli prima e durante il Rinascimento.

Il 15 ° secolo

Bartolomeo e Antonio Vivarini, Jacopo Bellini
L’inizio del Quattrocento è segnato a Venezia dall’opera di Jacobello del Fiore del 1400 e dal passaggio di Gentile da Fabriano intorno al 1410. Lo stile di questi pittori è di gotico internazionale: moltiplicazione di aree di colori differenziati, accentuate da distinti ornamenti, e cornici intagliate che rafforzano le diverse parti dei polittici. Opulenza di brocadeand sontuose decorazioni, pose aggraziate e ripetitive: “l’immagine è brillante, celeste, per il suo lusso immerge i fedeli in ammirazione e, quindi, nella devozione.Il prestigio della pittura è usato in pieno per sedurre gli occhi e, attraverso di loro, lo spirito e l’anima dello spettatore “. Bartolomeo Vivarini, dipinto nella Basilica di San Zanipolo, un polittico dedicato a Sant’Agostino (1473) ancora profondamente gotico, mostra un certo “espressionismo” pittorico: spazio senza profondità, economia di colori ridotta a contrasti schietti (nero-bianco-rosso) , pochissimi ornamenti. Carlo Crivelli Dopo aver completato la sua formazione nello studio di Antonio Vivarini e Giovanni d’Alemagna, ha proseguito la sua carriera nelle Marche con una pittura perfettamente integrata con l’architettura del gotico fiammeggiante, internazionale e dei suoi decori.

Ma nel 1446, a Venezia, questa frammentazione decorativa dello spazio non è più all’ordine del giorno, al contrario. Per Antonio Vivarini e Giovanni d’Alemagna, nel trittico dell’Accademia, lo spazio è unificato sui tre pannelli. Su questo punto la pittura crea un’innovazione nella pittura dei polittici a Venezia. Il dipinto segue solo in parte il piccolo trattato sulla pittura di Leon Battista Alberti, pubblicato nel 1435, che codifica alcuni dei principi fondamentali che i suoi amici fiorentini avevano sfruttato durante il primo quarto del XV secolo. secolo: il punto di fuga si trova sull’asse mediano verticale del dipinto, quello della Vergine e del Bambino. Il messaggio trasmesso da questo punto di fuga è chiaro: la Vergine e il Bambino stanno aspettando la nostra venuta, lo sguardo verso questo punto di fuga è solo un vettore. Questo trittico dell’Accademia è anche uno dei più antichi dipinti veneziani su tela sopravvissuti: gli affreschi di Venezia non sono stati conservati a causa delle pareti umide e delle condizioni climatiche. La tela potrebbe, come nel Nord Europa, rendere possibile preservare il dipinto tenendolo scollegato dal muro. Un gran numero di affreschi dovette quindi essere sostituito da dipinti su tela, i dipinti su pannelli si limitarono a formati più modesti. Questo sostegno, la tela, il grano accuratamente ricoperto di rivestimenti bianchi, levigato al tempo di Antonio Vivarini, doveva dare libertà ai pittori veneziani, dal Carpaccio, verso il 1480, di introdurre molti più effetti pittorici nello spessore dello strato pittorico che suonava sulla grana della tela, spessa, con una trama visibile. È preparato dal buio del 16 ° secolo.

Gentile e Giovanni Bellini, Giovanni Battista Cima da Conegliano
Durante questo primo Rinascimento ci sono molti scambi tra le idee che circolano in Europa e le officine veneziane. Così, in una corrente di pensiero che sarà anche quella di Leonardo più tardi nel secolo, Iacopo Bellini, un grande disegnatore intorno al 1440, introduce un gusto per i dettagli studiati sul posto e sostituisce la proliferazione decorativa con una moltitudine di dettagli osservati: ritratti , Animali e oggetti familiari, tutta la natura è studiata con la massima precisione durante questo periodo. Troviamo traccia nei dettagli dell’estasi di San Francesco di: Giovanni Bellini, circa 1480. La pittura a olio, di origine fiamminga e il suo naturalismo, era conosciuta e ammirata in Italia. Ma nel 1475-1476, Antonello da Messina, fece un viaggio a Venezia dove il suo dipinto a olio e lo spazio libero da lui introdotto nella pittura devozionale erano stati particolarmente notati 10. Giovanni Bellini coglierà questo materiale pittorico intorno al 1480 per sviluppare tutti gli effetti di fusione e trasparenza nella rappresentazione degli effetti atmosferici e dell’armonia cromatica peculiari di un momento della giornata, come noi percepiamo più che altrove alla luce di Venezia e della sua laguna. Questa attenzione all’armonia, nei dipinti religiosi come nella natura, riecheggia i riflessi che si sviluppano all’Università di Padova con l’associazione della Vergine Maria con la generosità della Natura. Dai suoi primi grandi dipinti ad olio (come in L’estasi di San Francesco), Giovanni Bellini introduce una nuova luminosità atmosferica nel paesaggio naturale con gli smalti di olio sulla tempera. Questi glaci molto trasparenti facilitano così l’accordo generale dei colori secondo l’unità della luce, e nell’estasi di San Francesco, la luce dell’alba.

Allora, i territori adiacenti o incorporati progressivamente alla Repubblica di Venezia, per offrire a tutti gli artisti l’opportunità di contatti culturali, come con gli umanisti della corte di Ferrara. Le loro ricerche sulla prospettiva geometrica, in particolare quelle di Leon Battista Alberti, raggiungeranno Jacopo Bellini, appassionato di disegni architettonici in prospettiva, e lo trasmetterà al suo studio, in particolare al figlio Giovanni. Il genero di Jacopo Bellini, Andrea Mantegnahe era anche appassionato di geometria prospettica, un artista padovano e non veneziano, ma molto vicino al Bellini, trovato nelle sculture fiorentine Donatello a Padova (in particolare il monumento equestre di Gattamelata ) il gusto abbastanza “rinascimentale” dei monumenti antichi, il loro arredamento, e confrontare ciò che l’artista poteva osservare sul modello vivente, naturale e sul modello, idealizzato. La pala d’altare di San Zeno a Verona, del 1559, è la forma più esplicita. Mantegna dimostra di assimilare il mondo antico contemporaneo della vita di Cristo e la sua rappresentazione in prospettiva per lo spettatore moderno. Questo è quello che fa nei suoi disegni, nei suoi dipinti e nei suoi telai a rilievo, ma anche realizzando le prime grandi incisioni su intaglio, un lavoro meticoloso e che, disegnato in gran numero, circolava oltre le Alpi, nelle mani di Dürer. L’architettura rappresentata in rilievo nella cornice del polittico di Verona è estesa dalla sua rappresentazione in prospettiva all’interno del dipinto. Troviamo questo passaggio tra lo spazio dello spettatore e lo spazio della rappresentazione sacra, come una finestra aperta, nella pala d’altare installata a San Zaccaria nel 1505 da Giovanni Bellini. Questo era stato in grado di sintetizzare tutti questi movimenti nella cultura e nella pratica dei pittori del XV secolo. Era, quindi, il pittore più ammirato di Venezia.

Carpaccio
Molto presto, prima del 1502 Vittore Carpaccio (1460-1526 circa) aveva impostato lo stile e stabilito il loro universo poetico. La sua pittura, molto diversa da quella dei suoi contemporanei, fu tenuta lontana dalle grandi correnti della rivoluzione pittorica di Venezia.

Influenzato dalla pittura fiamminga, è uno dei primi a utilizzare l’onnipresenza dell’architettura, le decorazioni veneziane interne e i paesaggi urbani utopici che prefigurano un genere, la veduta (paesaggi urbani nella stessa Venezia e sulla laguna). Tratterà invariabilmente in modo serio e ingenuo, a volte pittoresco, la realtà veneziana, a margine del modo pittorico del suo tempo. Ha ottenuto numerosi contratti da scuole, associazioni di beneficenza e beneficenza che hanno impiegato artisti per decorare i loro locali. Il gusto di Vittore Carpaccio per le storie potrebbe svilupparsi liberamente nel ciclo di dipinti dedicati agli episodi della vita di Sant’Orsola, destinati alla Scuola di Sant’Orsola.

Ha collaborato con Gentile Bellini e altri due rappresentanti della tradizione narrativa veneziana, Lazzaro Bastiani e Giovanni di Niccolò Mansueti, nel ciclo pittorico della Scuola Grande di San Giovanni Evangelista. Tra il 1501 e il 1503 eseguì per la Scuola di San Giorgio degli Schiavoni, dedicata a San Giorgio e San Trifone, due grandi dipinti raffiguranti San Giorgio e il drago, i due dipinti di San Girolamo e il leone e il Funerale di San Girolamo, così come La visione di Sant’Agostino. In quest’ultimo dipinto Carpaccio rappresenta il posto di lavoro di un umanista coltivato intorno al 1500.

Fine del XV – XVI secolo, Rinascimento italiano a Venezia

Disegno, colorito e sprezzatura
“I veneziani non usano il termine colore, preferiscono quello di colorito o colorire” (una forma del verbo): “Il colorito è in realtà un processo additivo, costruendo gradualmente il dipinto, dalla tela che funge da sfondo, preparato in scuro, a modifiche finali, ottenuto da glacis “. Questo concetto non considera il colore “che esce dal tubo”, ma il processo che utilizza, attraverso i giochi di pennelli e altri strumenti del pittore, materiali pittorici più o meno colorati, opachi o trasparenti. In questo processo l’idea, l’invenzione, che prende forma nei disegni, nei disegni, continua a fare della mimesi un obbligo dell’arte, come stabilito dai pittori del Rinascimento fiorentino nel secolo precedente. Ma, per i pittori veneziani, l’imitazione della natura deve essere in termini di colore e tono – in termini di valore del colore, più o meno chiaro o scuro. “L’imitazione nella pittura deve essere basata sul colore e non sulla linea”. E la fase di disegno, inizialmente su carta anche se viene posizionata direttamente sulla tela con un pennello, continua poi durante il dipinto.

Il disegno veneziano, imbrattato di gesso nero o carboncino molto meglio di piume o gesso, è un sottoinsieme del “colore”, nel senso del colorito. “Se devono servire agli scopi mimetici della pittura, i colori non possono più mantenere la loro intrinseca purezza – non più di quanto il contorno possa preservare la sua integrità fisica”. Ecco perché, a Venezia, stiamo assistendo alla dissoluzione delle forme nel momento in cui a Firenze, come a Roma, l’arte si vanta di aver raggiunto la padronanza dei contorni chiusi: la prospettiva matematica, l’anatomia che garantisce la base fondamentale, ideale e definitiva del dipinto. Mentre a Venezia il dipinto è costruito annullando per ricostruire meglio. Disegnando di nuovo con il pennello, le idee si sviluppano durante il processo pittorico, le figure si muovono, a volte scompaiono, si creano modelli imprevisti che trasformano l’idea. In questi giochi di pennello Paolo Pino ritiene che “la velocità della mano è una cosa molto importante”, che si avvicina all’estetica della “facilità”. Proclama che la struttura, suggerita da una casualità artigianale ed elegante, la sprezzatura, è il primo criterio in tutte le arti e il più difficile da raggiungere: l’arte consiste nel nascondere l’arte.

La rivoluzione del colore e il ritratto a Venezia
Intorno al 1508 lo stile di Giorgione è a un punto di svolta in cui il finissimo chiaroscuro non ignora lo sfumato di Leonardo da Vinci, passato a Venezia nei primi mesi del 1500. La pittura di Leonardo continuò ad essere arricchita da un’ombra crescente e lui era al culmine della sua gloria, così fu osservato, anche a distanza, da tutti i pittori. Il nuovo stile di Giorgione è anche influenzato da un maggiore naturalismo in connessione con il recente confronto offerto dal ritratto di Dürer durante la sua permanenza a Venezia. Il nuovo stile di Giorgione si manifesta nel ritratto artificiale del Museo di San Diego di una vaporosa unione di colori negli sfondi, con questa luce diffusa, e questo impasto localmente compatto e denso che galleggia nei capelli e dà la sensazione del materiale .

Per quanto riguarda la rappresentazione di vasti paesaggi naturali, quelli della tempesta e molti altri, sembra ispirarsi a Leonard universalizzando gli sfondi di Bellini e Cima da Conegliano. Le incisioni di Durer, dove la natura è molto presente, come la Festa del Rosario (Venezia, 1506) con i suoi singoli alberi hanno sicuramente stimolato l’emulazione tra i pittori veneziani, non solo Giorgione.

Intorno al 1520 Tiziano abbandona il mistero contemplativo di Giorgione e mette in scena sobriamente la realtà naturale, lo status sociale e la psicologia del suo modello. The Man with a Glove riflette una nuova concezione della relazione individuale e senza precedenti tra il pittore e il suo modello. Il pittore di Venezia prende il chiaroscuro modulandolo grazie agli effetti di trasparenza delle parti inferiori, ma soprattutto grazie agli accordi di toni di superficie (la pittura tonale) dove appaiono di colore grigio. Oltre a fondere sfumature adiacenti il ​​pittore veneziano dispiega tutto un gioco impastato nelle luci (con alcune evidenziazioni bianche a fuoco) e velato su ombre trasparenti.

La seconda metà del 16 ° secolo: nuove pratiche di colore
Fu durante questo periodo nella seconda metà del 16 ° secolo, le caratteristiche più sorprendenti dell’arte veneziana raggiungere la maturità. Abbiamo la più chiara espressione nelle opere di Tiziano dopo il 1551, quelle di Veronese, Tintoret e Jacopo Bassano con la loro pratica del materiale pittorico e la loro libertà di fattura, il gioco del pennello nitido e spontaneo.

Nel 1551, dopo un breve periodo in Italia (ritratto di Papa Paolo III Farnese, 1543) e Roma, Tiziano si stabilì a Venezia per rimanervi fino alla sua morte nel 1576. Lo stile dei suoi ultimi anni riflette l’essenza dell’arte pittorica veneziana. Ha poi realizzato dipinti per il suo principale mecenate, Filippo II di Spagna, con, tra le altre cose, estratti dalle Metamorfosi di Ovidio: Diana e Atteone e Diana e Callisto. In questo periodo, Tiziano rielaborò i suoi dipinti per periodi molto lunghi (dieci anni per la Crocifissione della sagrestia dell’Escuriale, moltiplicando gli effetti della pittura per linee con grana apparente, a volte tracciata con la punta delle dita, ed esplora tutte le possibilità del non un disegno che richiede un’opera dello spettatore quando “finisce” il dipinto fondendo le forme evocate dal dipinto (colorito) lasciato nello stato di colori vorticosi, “un tripudio di fuoco”. la ninfa e il pastore, e persino la tortura di Marsia sono giudicati finiti dal pittore che ha apposto la sua firma tra il 1570 e il 1576. La magia dei suoi giochi di pittura, su una superficie senza effetto prospettico, diventerà bidimensionale avrà un’influenza decisiva sul corso della storia della pittura moderna.

Le figure più importanti della prossima generazione di Tiziano sono Tintoretto (1518-1594) con l’eccezionale collezione di dipinti del maestro sul tema Vita, Passione e Morte di Gesù presso la Scuola Grande di San Rocco, poi Paul Veronese (1528-1588 ) e Jacopo Bassano (1515-1592). Tutti e tre sono influenzati dall’ultimo modo di Tiziano, anche se questo si oppone. Interpretano anche il Manierismo dell’Italia centrale, ma spesso introducono, e soprattutto durante gli ultimi anni, potenti effetti di luce e ombra, un luminismo che tocca anche molti luoghi di creazione pittorica, di cui l’Europa del Nord e l’Italia settentrionale della Lombardia. È questa tradizione che riprende Caravaggio e si amplifica fino al tenebrismo nel XVII secolo.

Paul Veronese, nato a Verona, è a Venezia dal 1555. Se il colore è l’essenza dell’arte veneziana, allora il veronese è una figura caratteristica. Nel senso che intendiamo “colore” oggi, come colore dello spazio, i colori sono generalmente chiari e armoniosamente combinati secondo principi che corrispondono al gioco di effetti complementari e complementari di contrasti simultanei, come è stato evidente Delacroix 35 che illustra i dipinti di Veronese con sorpresa. Ma dobbiamo tornare alla parola “colore” il significato che aveva in quel momento: gli effetti di tonalità, valore e intensità, nonché il materiale pittorico lavorato dal pennello, dal dito e dal tessuto, anche con qualsiasi strumento che consenta di graffiare la vernice fresca e più o meno indurita. Per quanto riguarda l’uso dei toni scuri che Giorgione utilizza all’inizio del secolo in una fusione, Tiziano, Veronese, Tintoret e Bassano praticano questa gamma di colori ma con effetti di materiale pittorico vigoroso, con striature caricate con più o meno chiare e opache su sfondi scuri. Ad esempio, i dipinti di Veronese includono: La conversione di San Pantaleone e San Pantaleone guarisce un bambino, tra l’altro, commissionato nel 1587. Come nei tardo quadri di Bassano, Tiziano e Tintoretto, queste scene, molto spesso notturne, vivono con il movimenti del pennello sulla tela grumosa, nei toni scuri e nelle strisce chiare.

Il 17 ° secolo
Le opinioni sono divise sulla pittura veneziana nel 17 ° secolo, molti la vedono come un periodo o l’attività creativa diminuisce, diminuisce. La prima parte del secolo ha visto perpetuare la tradizione stabilita alla fine del 16 ° secolo. Palma il Giovane è sicuramente l’artista più interessante da questo punto di vista, ex allievo di Tiziano, dipinge di più nello stile di Tintoretto e Jacopo Bassano.

Diversi artisti, che non sono veneziani ma risiedono a Venezia, mantengono un certo livello di creatività: Domenico Fetti (Roma 1589- Venezia 1624), Johann Liss (Germania 1595- Venezia 1630) e Bernardo Strozzi (Genova 1581- Venezia 1644). Questi artisti perpetuano a modo loro la tradizione pittorica della città. Domenico Fetti conserva alcuni effetti del caravagismo, per poi avvicinarsi all’arte veneziana. Le soluzioni di Bernardo Strozzi per la messa in scena dei ritratti saranno utilizzate da artisti del secolo successivo: Ghislandi e persino Giambattista Tiepolo. Per quanto riguarda lo stile di Francesco Maffeiat alla fine del secolo, ricorda quello di Veronese con effetti molto più contrastanti.

Sviluppi successivi
Sebbene Tintoretto sia talvolta classificato come artista manierista, incorpora anche aspetti veneziani e individualistici. Nel suo Miracolo dello schiavo (1548), i tratti manieristi includono la scena affollata, il collegamento intrecciato di figure (come nelle figure centrali, dallo schiavo scorciato a terra alla figura miracolosa di San Marco nel cielo, attraverso la figura in turbante, vestita di grigio), e il dramma nei gesti e nelle pose. Ma la colorazione mantiene i caldi rossi, gli ori e i verdi della scuola veneziana, e le figure sono disposte in un vero spazio tridimensionale, in contrasto con le composizioni più compresse di molte opere manieriste, e con il suo schermo teatrale intensamente teatrale la sua pittura è un precursore del barocco.

Seguendo Tintoretto arrivarono Paolo Veronese e il Bassano. Questi sono alcuni dei più notevoli nel gran numero di artisti della tradizione veneziana, molti originariamente al di fuori del territorio della Repubblica.

Successo internazionale della pittura veneziana
Nei secoli successivi – 15, 16, 17 – la pittura veneziana divenne apprezzata e richiesta a livello internazionale, in particolare nelle corti e nelle signorie imperiali.

Giorgione è attivo in Veneto, dove Vasari pone come allievo di Giovanni Bellini, da cui riprende il gusto per il colore e l’attenzione per i paesaggi. Era molto vicino agli intellettuali legati alle famiglie patrizie. Da qui derivano molti dei suoi ordini relativi a ritratti e opere di piccolo formato. Affascina anche con il suo colore e i suoi paesaggi armoniosi, che spesso nascondono o dominano il significato criptico delle sue opere: è stato il primo importante contributo al tonalismo.

Tra tutti, il più famoso e richiesto artista veneziano del periodo è senza dubbio il bellunese Tiziano Vecellio, inizialmente anche socio in affari con Giorgione, che lo ha influenzato in modo decisivo, soprattutto nella prima parte della sua carriera. Lui, oltre alle sue capacità pittoriche, in particolare nella tecnica personale dell’uso del colore, dimostrò anche un’indiscussa capacità di creare una rete di conoscenze che spesso lo faceva preferire ai suoi contemporanei per gli ordini più importanti.

Il XVI secolo ha visto l’apertura della scena internazionale per la scuola veneziana. Sarà ora quello di influenzare i movimenti dei paesi del nord, che inizialmente hanno determinato la loro nascita. Artisti come Jacopo Bassano, Paolo Veronese e Tintoretto divennero un modello di ispirazione nella scuola pittorica europea dell’epoca. Anche in architettura c’è una tendenza simile grazie al Palladio, che sarà per secoli un modello di ispirazione nella costruzione di edifici in tutto il nord.

L’influenza veneziana continua certamente in tutto il barocco del diciassettesimo secolo: vedi a questo riguardo le opere di Spranger e Elsheimer.

Il 18 ° secolo
Il XVIII secolo rappresenta il grande proscenio dell’arte figurativa veneziana. L’influenza religiosa diminuisce nei temi rappresentati, ma i grandi filoni del XVI secolo riemergono. La centralità dell’uomo e in particolare delle donne e del paesaggio si combinano in un ambiente spesso arcadico. La centralità culturale di Venezia può essere vista dal fatto che rimane un must per il Grand Tour. Venezia e Parigi sono le capitali del gusto dell’aristocrazia e dei principali mercati dell’arte e della raccolta. Il successo dello stile veneziano risiede nel recupero dei modelli più sontuosi del Seicento come Tiziano Vecellio in un modo rinnovato con i tempi. Rococo.

La figura che spicca assolutamente nel periodo culminante della scuola veneziana è Giambattista Tiepolo (1696 – 1770) con la sua verve narrativa storica. Padre dei pittori Giandomenico e Lorenzo Tiepolo, il suo stile grandioso è caratterizzato come sofisticato e iperbolico, in un senso tipicamente settecentesco; le scene che crea evocano un mondo che è infinitamente espanso e fittizio, reso da una tavolozza cromaticamente brillante e una luce fredda e irreale, creata usando un tono argenteo che viene riflesso dagli oggetti così come dalle figure, che perdono tutta la consistenza plastica. Oltre ai Tiepolo, grandi artisti di decorazioni sacre e profane sono anche Sebastiano Ricci e Giovanni Battista Piazzetta.

Giovanni Antonio Canal, meglio conosciuto come Canaletto (1697 – 1768), è rimasto noto soprattutto come artista del paesaggio. I suoi dipinti, oltre a unirsi in rappresentazione topografica, architettura e natura, sono il risultato dell’attenta resa atmosferica, dalla scelta di precise condizioni di illuminazione per ogni particolare momento della giornata e da un’indagine condotta con criteri di oggettività scientifica, in concomitanza con maggiore momento di diffusione delle idee razionalistiche dell’Illuminismo; insistendo sul valore matematico della prospettiva, a volte usava la camera ottica per dipingere i suoi lavori.

Francesco Guardi (1712 – 1793), a differenza di Canaletto, non mira, nei suoi quadri, a risultati di chiara percezione, ma propone un’interpretazione dei dati reali soggettivi e suggestivi, creando immagini di città evanescenti e talvolta irreali; a volte raggiunge una sensibilità pre romantica, grazie alla scissione delle forme e alle ombre malinconiche.

Insieme a Giovanni Antonio Canal e Francesco Guardi, un altro famoso vedutista è Bernardo Bellotto (1721-1780), nipote di Canaletto, che fu chiamato in tutta Europa a dipingere le varie corti.

Tra gli altri artisti del paesaggio, Antonio Stom (1688 – 1734), autore di tele di grande formato con scene storiche.

Tra i ritrattisti non possiamo non citare Rosalba Carriera (1675-1757) la prima ad usare l’Ivory in the Miniature, uno specialista della tecnica pastello e acclamato in tutta Europa.

Nel 1797, con l’arrivo di Napoleone Bonaparte e la fine della Repubblica di Venezia, finì la gloriosa era della pittura veneziana e veneziana.

XIX secolo
Dopo il Settecento e l’era di Canaletto, Guardi e Tiepolo, il movimento veneziano trova in sé gli elementi per una peculiare evoluzione della pittura di paesaggio.

Di particolare rilievo è il lavoro di Pompeo Marino Molmenti e della nuova generazione di pittori che aiuta a formare. Tra questi, Domenico Bresolin e la sua casa in rovina sono emblematici della fine dell’età imperiale veneziana e della scelta di soggetti umili, quasi in rovina.

Guglielmo Ciardi, uno dei protagonisti della pittura veneziana alla fine dell’Ottocento, passò il testimone ai figli Emma Ciardi e Beppe Ciardi, che portarono le loro tecniche nel 900. Suo padre insegnò ai suoi figli come fosse necessario immergersi il paesaggio in plein air. per assaporarlo in tutte le sue sfumature. Tutti e 3 fanno molti dipinti che rappresentano anche l’entroterra veneziano. Successivamente Emma Ciardi ha riscontrato un grande successo nel Regno Unito.

Altri artisti veneziani dell’Ottocento sono Nono, Querena, Nani, Milesi, Selvatico, Favretto rivelano la particolare visione basata sulla luce e sul colore delle loro opere, con esempi di realismo che sembrano accompagnare l’inizio della diaspora veneziana e la crescente povertà di la situazione post-unitaria, che in pochi decenni porterà all’emigrazione di quasi un Veneto in due.

Il movimento figurativo nelle opere dei pittori veneziani di fine Ottocento sembra in questo senso singolarmente parallelo alle evoluzioni dei Macchiaioli e degli Impressionisti in Toscana e in Francia, in particolare per temi basati sul realismo, il colore e la luce. Il famoso cabinet ottico di Luigi Querena in cui il realismo assoluto è dato da un uso convincente del colore

novecento
Il ventesimo secolo è caratterizzato dalla fondazione del nuovo fronte delle arti, di cui Emilio Vedova è uno dei fondatori. Venezia soprattutto nel periodo post-bellico è piena di mostre, collezionisti e gallerie d’arte aperte in successione.
In particolare, la Galleria Cavallino fondata da Carlo Cardazzo, nonché amica di Peggy Guggenheim, riesce a riunire un gruppo di artisti di grande talento come Mario Deluigi, Virgilio Guidi, Vinicio Vianello, Bruna Gasparini, Bruno De Toffoli, e come Rampin, Tancredi, Licata. Il Movimento Spazialista è nato. Altri artisti famosi sono Arturo Martini, Teodoro Wolf Ferrari e Vittorio Zecchin.

Nel 1914 la mostra organizzata all’Hotel Excelsior al Lido di Venezia dagli artisti veneziani “respinti dalla Biennale di Venezia” suscitò una grande esposizione esponendo opere d’arte di Guido Cadorin, Vittorio Zanetti Tassis, Lulo De Blaas, Bortolo Sacchi e Napoleone Martinuzzi.

Anche il famoso architetto e designer Carlo Scarpa nacque in questo secolo.

Il giovane mosaicista Riccardo Licata si trasferì con sua madre a Venezia. Qui fa amicizia con gli artisti Santomaso, Vedova, Viani, Turcato, Birolli. Successivamente ha incontrato altri giovani pittori come Ennio Finzi, Tancredi Parmeggiani, Bruno Blenner. Insieme allo scultore Giorgio Zennaro – costituisce un gruppo di tendenza astratto ..

Alcuni punti di riferimento nella storia dell’arte
Secondo gli storici dell’arte, la scuola di pittura veneziana inizia il Duecento (13 ° secolo) o il Trecento (14 ° secolo) di un periodo noto come pre-rinascimentale (secondo lo storico dell’arte Jacob Burckhardt, questo Rinascimento prima del tempo inizia dall’XI secolo in Toscana e diffuso fino al secolo successivo Provenza e Italia mediana) e completamente seguito dal primo Rinascimento in Quattrocento.

È trasformato in un alto Rinascimento all’inizio del Cinquecento (tra il 1500 e il 1530), seguito dal Manierismo o dal tardo Rinascimento, che va dal 1520 (la morte di Raffaello) per concludersi rapidamente nel 1580.

Il barocco, che inizia alla fine del 16 ° secolo 17 ° secolo, anche nato in Italia, poi continua nel tardo periodo barocco chiamato specificamente Rococò (che è seguito dal neoclassicismo).

Rappresentanti famosi

15 ° secolo
La famiglia Bellini: Jacopo Bellini (Venezia 1400 – Venezia 1470)
La famiglia Vivarini: Bartolomeo Vivarini (Venezia 1432 circa – Italia ca.1495)
La famiglia Bellini: Giovanni Bellini (Venezia ~ 1425-1433 – Venezia 1516)
La famiglia Vivarini: Il cognato: Giovanni d’Alemagna (Germania? 1411 – Padova, Repubblica di Venezia 1450)
La famiglia Vivarini: Antonio Vivarini (Murano 1415 – Venezia 1480)
La famiglia Bellini: Gentile Bellini (Venezia ~ 1428 – Venezia ~ 1507)
Andrea Mantegna (Vivence, Repubblica di Venezia 1431 – Mantova, Repubblica di Venezia 1506)
La famiglia Vivarini: Alvise Vivarini (Venezia ca.1445 – Venezia tra il 1503 e il 1505)
Lazzaro Bastiani (Venezia 1449 – Venezia 1512)
Cima da Conegliano (Conegliano, Repubblica di Venezia 1459 – Conegliano, Repubblica di Venezia 1517)
Vittore Carpaccio (Venezia ~ 1460 – Venezia ~ 1526)

16 ° secolo
Giorgione (Castelfranco Veneto 1477 – Venezia 1510)
Lorenzo Lotto (Venezia 1480 – Loreto, marzo 1546) atto. Veneto, Bergamo e le Marche
Giovanni Gerolamo Savoldo (Lombardia 1480 – Venezia 1548) atto. Venezia
La famiglia Palma: Palma il Vecchio (Serina, Bergamo, Lombardia 1480 – Venezia 1528)
Giovanni Cariani (San Giovanni Bianco, Lombardia 1480-85 – Venezia 1547)
Sebastiano del Piombo (Venezia 1485 – Roma 1547) atto. Venezia e ap. 1511 Roma
Tiziano (Pieve di Cadore (provincia di Belluno, Veneto) 1490 – Venezia 1576)
Paris Bordone (Treviso 1500 – Venezia 1571) atto. Venezia, Fontainebleau, Milano
Andrea Schiavone (Zara, Dalmazia 1500-1510 – Venezia 1563) atto. Venezia
Battista del Moro (Verona 1512-14 – Venezia v. 1573)
La famiglia Bassano: padre Jacopo Bassano (Bassano del Grappa, Veneto 1515 – Bassano del Grappa 1592)
Tintoretto (Venezia 1518 – Venezia 1594)
Paul Veronese (Verona 1528 – Venezia 1588)
La famiglia Palma: Palma il Giovane (Venezia 1548/1550 – Venezia 1628)
La famiglia Bassano: Leandro Bassano (Bassano del Grappa 1557 – Venezia 1622)
La famiglia Bassano: Francesco Bassano il Giovane (Bassano del Grappa 1559 – Venezia 1592)
La famiglia Bassano: Gerolamo Bassano (Bassano del Grappa 1566 – Venezia 1621)
La famiglia Bassano: Giovanni Battista Bassano o Giovanni Battista da Ponte (Bassano del Grappa 1553 -? 1613)

17 ° secolo
Marcantonio Bassetti (Verona 1588 – Verona 1630), atto. Venezia, Verona, Roma
Domenico Fetti (Roma 1589- Venezia 1624)
Johann Liss (Germania 1595- Venezia 1630)
Bernardo Strozzi (Genova 1581- Venezia 1644)
Sebastiano Ricci (1659 Belluno, Veneto – 1734 Venezia)

18mo secolo
Rosalba Carriera (Chioggia 1675 – Venezia 1757)
Giambattista Pittoni (Venezia 1687 – Venezia 1767)
Giovanni Battista Piazzetta (Venezia 1683 – Venezia 1754)
Giambattista Tiepolo (Venezia 1696 – Madrid 1770)
Canaletto (Venezia 1697 – Venezia 1768)
Pietro Longhi (Venezia 1701 – Venezia 1785)
Francesco Zugno (Venezia 1709 – Venezia 1787)
Michele Marieschi (Venezia 1710 – Venezia 1743)
Francesco Guardi (Venezia 1712 – Venezia 1793)
Bernardo Bellotto (Venezia 1722 – Varsavia, 1780)
Giandomenico Tiepolo (figlio di Giambattista) (Venezia 1727 – Venezia 1804)

eredità
La scuola veneziana ha avuto una grande influenza della pittura successiva e la storia dell’arte successiva occidentale è stata descritta come un dialogo tra l’approccio più intellettuale e scultoreo / lineare delle tradizioni fiorentine e romane, e il più sensuale, poetico e piacevole- alla ricerca della colorata scuola veneziana. Specificamente attraverso la presenza di Tiziano in Spagna, lo stile veneziano influenzò l’arte spagnola successiva, compresa quella di Velázquez, e attraverso Rubens fu trasmesso più ampiamente attraverso il resto dell’Europa.

Nel XVIII secolo la pittura veneziana ebbe una fioritura finale nella pittura decorativa del Tiepolo e nella veduta del Canaletto e del Guardi o viste panoramiche, in gran parte della città stessa. L’estinzione della Repubblica da parte degli eserciti rivoluzionari francesi nel 1797 ha effettivamente portato a termine il caratteristico stile veneziano; aveva almeno probabilmente superato la rivale Firenze in questo senso.