I temi che preoccupavano i pittori del Rinascimento italiano erano quelli di entrambi i temi e l’esecuzione – ciò che era dipinto e lo stile in cui era dipinto. L’artista aveva molta più libertà sia di soggetto che di stile rispetto a un pittore medievale. Alcuni elementi caratteristici della pittura rinascimentale si sono evoluti molto durante il periodo. Questi includono la prospettiva, sia in termini di come è stata raggiunta e l’effetto a cui è stata applicata, e il realismo, in particolare nella raffigurazione dell’umanità, sia come elemento simbolico, ritratto o narrativo.

Lo sviluppo di temi nella pittura del Rinascimento italiano è un’estensione dell’articolo di pittura italiana del Rinascimento, per il quale fornisce ulteriori immagini con commenti. Le opere racchiuse vanno da Giotto agli inizi del XIV secolo al Giudizio Universale di Michelangelo degli anni Trenta.

Temi
La Flagellazione di Cristo di Piero della Francesca (sopra) mostra in un unico piccolo lavoro molti dei temi della pittura rinascimentale italiana, sia in termini di elementi compositivi che di argomenti. Appare subito evidente la padronanza della prospettiva e della luce di Piero. Gli elementi architettonici, tra cui il pavimento piastrellato che diventa più complesso attorno all’azione centrale, si combinano per creare due spazi. Lo spazio interiore è illuminato da una fonte di luce invisibile a cui Gesù guarda. La sua esatta posizione può essere individuata matematicamente mediante un’analisi della diffusione e dell’angolo delle ombre sul soffitto a cassettoni. Le tre figure che stanno fuori sono illuminate da una diversa angolazione, sia dalla luce del giorno che dalla luce riflessa dal pavimento e dagli edifici.
Il tema religioso è legato al presente. Il sovrano è un ritratto dell’imperatore in visita di Bisanzio. La flagellazione è anche chiamata “flagellazione”. Il termine “flagello” è stato applicato alla peste. Fuori stanno tre uomini che rappresentano quelli che hanno seppellito il corpo di Cristo. I due più anziani, Nicodemo e Giuseppe di Arimatea, sono ritenuti ritratti di uomini che hanno recentemente perso i loro figli, uno dei quali da piaga. Il terzo uomo è il giovane discepolo Giovanni, ed è forse un ritratto di uno dei figli, oppure rappresenta entrambi in una singola figura idealizzata, in coincidenza con il modo in cui Piero dipinse gli angeli.

Elementi di pittura rinascimentale
La pittura rinascimentale differiva dalla pittura del periodo tardo medievale per enfatizzare la stretta osservazione della natura, in particolare per quanto riguarda l’anatomia umana, e l’applicazione dei principi scientifici all’uso della prospettiva e della luce.
Prospettiva lineare
Le immagini nella galleria qui sotto mostrano lo sviluppo della prospettiva lineare negli edifici e nei paesaggi urbani.

Nell’affresco di Giotto, l’edificio è come un palcoscenico con un lato aperto allo spettatore.
Nell’affresco di Paolo Uccello, il paesaggio urbano dà un’impressione di profondità.
La Santissima Trinità di Masaccio fu dipinta con proporzioni matematiche accuratamente calcolate, nelle quali fu probabilmente assistito dall’architetto Brunelleschi.
Fra Angelico usa il semplice motivo di una piccola loggia accuratamente disegnata per creare uno spazio intimo.
Gentile Bellini ha dipinto un vasto spazio, la Piazza San Marco a Venezia, in cui le figure sfuggenti si aggiungono al senso della prospettiva.
Leonardo da Vinci fece disegni dettagliati e misurati dello sfondo. Le rovine classiche preparatorie per iniziare l’incompiuta Adorazione dei Magi.
Domenico Ghirlandaio ha creato un’ambientazione eccezionalmente complessa ed espansiva su tre livelli, tra cui una rampa ripidamente discendente e un muro sporgente. Elementi del paesaggio, come la chiesa sulla destra, sono visti in parte attraverso altre strutture.
Il progetto di Raffaello per Fire in the Borgo mostra gli edifici attorno a una piccola piazza in cui gli eventi sullo sfondo sono evidenziati dalla prospettiva.

Paesaggio
La rappresentazione del paesaggio è stata incoraggiata dallo sviluppo della prospettiva lineare e dall’inserimento di paesaggi dettagliati sullo sfondo di molti dipinti dei primi Paesi Bassi del XV secolo. Anche attraverso questa influenza è arrivata la consapevolezza della prospettiva atmosferica e l’osservazione del modo in cui le cose distanti sono influenzate dalla luce.

Giotto usa alcune rocce per dare l’impressione di un ambiente montano.
Paolo Uccello ha creato un’ambientazione dettagliata e surreale come palcoscenico per molte piccole scene.
Nella Deposizione del Corpo di Cristo di Carpaccio, il desolato paesaggio roccioso riecheggia la tragedia della scena.
Il paesaggio di Mantegna ha una qualità scultorea tridimensionale che suggerisce un vero spazio fisico. I dettagli delle rocce, i loro strati e le loro fratture, suggeriscono che egli studiò le formazioni geologiche del calcare rosso prevalente nelle aree del Nord Italia.
Antonello da Messina imposta la cupa scena della Crocifissione in contrasto con la placida campagna che rotola in lontananza, diventando più chiara e più blu mentre si allontana.
Giovanni Bellini ha creato un paesaggio dettagliato con una scena pastorale tra le montagne in primo piano e sullo sfondo. Ci sono numerosi livelli in questo paesaggio, che lo rende l’equivalente del complesso paesaggio urbano del Ghirlandaio (sopra).
Il Perugino ha ambientato l’Adorazione dei Magi contro il familiare paesaggio collinare dell’Umbria.
Leonardo da Vinci, mostra un uso teatrale della prospettiva atmosferica nella sua visione delle montagne scoscese intorno al Lago di Garda ai piedi delle Alpi nel Nord Italia.

Luce
Luce e ombra esistono in un dipinto in due forme. Il tono è semplicemente la luminosità e l’oscurità delle aree di un’immagine, classificate dal bianco al nero. La disposizione tonale è una caratteristica molto significativa di alcuni dipinti. Chiaroscuro è la modellazione di superfici apparenti all’interno di un’immagine con la suggestione di luce e ombra. Mentre il tono era una caratteristica importante dei dipinti del periodo medievale, il chiaroscuro no. Divenne sempre più importante per i pittori del 15 ° secolo, trasformando la rappresentazione dello spazio tridimensionale.

L’Annunciation to the Shepherds di Taddeo Gaddi è il primo grande dipinto di scena notturna. La fonte di luce interna dell’immagine è l’angelo.
Nella pittura di Fra Angelico, la luce del giorno, che sembra provenire dall’attuale finestra della cella fraterna che questo affresco adorna, illumina dolcemente le figure e definisce l’architettura.
Nel suo sogno dell’imperatore, Piero della Francesca riprende il tema della scena notturna illuminata da un angelo e applica la sua conoscenza scientifica della diffusione della luce. Il modello tonale così creato è un elemento significativo nella composizione del dipinto.
Nel suo Agony in the Garden, Giovanni Bellini usa il tramonto sbiadito in una serata nuvolosa per creare un’atmosfera di tensione e tragedia imminente.
Nel ritratto formale di Domenico Veneziano, l’uso del chiaroscuro per modellare la forma è lieve. Tuttavia, il dipinto si basa fortemente sui contrasti tonali del viso pallido, sullo sfondo a metà tono e sul capo scuro con corpetto modellato per effetto.
Botticelli usa il chiaroscuro per modellare il volto della persona e definire i dettagli della sua semplice veste. La luce e l’ombra sul bordo della finestra definiscono l’angolo della luce.
La paternità suggerita di questo ritratto del primo Cinquecento comprende Ridolfo del Ghirlandaio, Mariotto Albertinelli e Giuliano Bugiardini. Il dipinto combina molti degli effetti luminosi delle altre opere in questa galleria. La forma è modellata dalla luce e dall’ombra, come se da un sole al tramonto, che dà un elemento di dramma, esaltato dal paesaggio. Il motivo tonale creato dal capo scuro, il lino bianco e la posizione della mano sono una caratteristica compositiva del dipinto.
Nel Giovanni Battista di Leonardo da Vinci, gli elementi del dipinto, compresi gli angoli degli occhi e della bocca della modella, sono mascherati dall’ombra, creando un’aria di ambiguità e mistero.

Anatomia
Pur rimanendo largamente dipendente dall’osservazione topografica, la conoscenza dell’anatomia fu avanzata dalla meticolosa dissezione di Leonardo da Vinci di 30 cadaveri. Leonardo, tra gli altri, impressionò gli studenti della necessità di osservare da vicino la vita e fece del disegno di modelli dal vivo una parte essenziale dello studio formale di uno studente sull’arte della pittura.

La Crocifissione di Cimabue, ampiamente distrutta dall’inondazione nel 1966, mostra la disposizione formale, con il corpo ricurvo e la testa pendente che era prevalente nell’arte tardo medievale. L’anatomia è fortemente stilizzata per conformarsi alla tradizionale formula iconica.
Giotto abbandonò la formula tradizionale e dipinse dall’osservazione.
La figura di Cristo di Massacio è scorciata come se fosse vista dal basso, e mostra la parte superiore del tronco tesa come per lo sforzo di respirare.
Nella Deposizione di Giovanni Bellini l’artista, pur non tentando di suggerire le brutali realtà della crocifissione, ha tentato di dare l’impressione della morte.
Nel Battesimo di Piero della Francesca, la robusta figura di Gesù è dipinta con una semplicità e una mancanza di muscolosità nettamente definita che smentisce il suo naturalismo.
La figura di Gesù in questo dipinto, che è l’opera combinata di Verrocchio e del giovane Leonardo, è stata probabilmente redatta da Verrocchio. I contorni mantengono la linearità alquanto contorta dell’arte gotica. Gran parte del torso, tuttavia, si pensa sia stato dipinto da Leonardo e rivela una forte conoscenza della forma anatomica.
La foto di Leonardo di San Girolamo mostra i risultati di uno studio dettagliato del cingolo scapolare, noto da una pagina di disegni.
Michelangelo ha usato l’anatomia umana per un grande effetto espressivo. Era famoso per la sua abilità nella creazione di pose espressive e fu imitato da molti altri pittori e scultori.

Realismo
L’osservazione della natura significava che forme fisse e gesti simbolici che nell’arte medievale, e in particolare lo stile bizantino prevalente in gran parte dell’Italia, erano usati per trasmettere significato, erano sostituiti dalla rappresentazione dell’emozione umana mostrata da una gamma di individui.

In questa Resurrezione, Giotto mostra i soldati addormentati con facce nascoste da elmi o scorciate per enfatizzare la postura rilassata.
Al contrario, Andrea Castagno ha dipinto un’immagine a grandezza naturale del condotierre, Pippo Spano, all’erta e con i piedi oltre il bordo della nicchia dipinta che lo incornicia.
Filippo Lippi in questo primo lavoro mostra un gruppo di bambini molto naturalistico che si affolla intorno alla Vergine Maria, ma guardando con innocente curiosità allo spettatore. Uno dei bambini ha la sindrome di Down.
Masaccio descrive il dolore derivante dalla perdita dell’innocenza quando Adamo ed Eva vengono espulsi dalla presenza di Dio.
Antonello da Messina dipinse diverse versioni di Ecce Homo, il Cristo tormentato mentre veniva presentato al popolo dal governatore romano. Tali dipinti di solito mostrano Cristo in un ruolo tragico ma eroico, riducendo al minimo la rappresentazione della sofferenza. Le raffigurazioni di Antonello sono estremamente realistiche.
Nel suo Cristo Lamentazione sopra i Morti, Mantegna ha raffigurato il cadavere di Gesù con audaci scorci, come se lo spettatore fosse in piedi alla fine della lastra.
In questo particolare di un dipinto più grande, Mantegna mostra un bambino piccolo, con indosso un raccoglitore pancia e ciabatte bucate, voltandosi e masticando le dita mentre il Cristo bambino è circonciso.
Giorgione dipinge un ritratto naturale e non civilizzato di una donna anziana, insolito nella raffigurazione dei suoi capelli scomposti e della bocca aperta con i denti storti.

Figura composizione
Tra le preoccupazioni degli artisti incaricati di realizzare grandi opere con più figure, era come rendere il soggetto, solitamente narrativo, facilmente leggibile dallo spettatore, di aspetto naturale e ben composto all’interno dello spazio del quadro.

Giotto combina tre elementi narrativi separati in questa drammatica scena ambientata contro i caschi disumanizzanti delle guardie. Giuda tradisce Gesù ai soldati baciandolo. Il Sommo Sacerdote segnala a una guardia di catturarlo. Pietro taglia l’orecchio dal servo del sommo sacerdote mentre si avvicina per mettere le mani su Gesù. Cinque figure dominano il primo piano, circondando Gesù in modo che solo la sua testa sia visibile. Eppure, grazie alla sapiente disposizione dei colori e ai gesti degli uomini, Giotto rende il volto di Gesù il punto focale del dipinto.
In La morte di Adamo, Piero della Francesca ha messo il moribondo patriarca in modo che sia messo in rilievo contro la veste nera indossata da una sua famiglia. La sua importanza per la storia è ulteriormente enfatizzata dall’arco di figure formato attorno a lui e dalle diagonali delle braccia che portano tutte alla sua testa. p
La Resurrezione del Figlio di Teofilo è un insieme straordinariamente coeso, considerato che fu iniziato da Masaccio, rimasto incompiuto, vandalizzato e infine completato da Filippino Lippi. Masaccio dipinse la sezione centrale.
Il Pollaiuolo, in questo dipinto altamente sistemato, ha preso l’arco incrociato usato dagli arcieri in primo piano, come la struttura compositiva. All’interno di questa grande forma triangolare, divisa verticalmente, ha alternato le figure tra le viste anteriore e posteriore.
Il dipinto lungo e stretto di Botticelli su Marte e Venere è basato su una W con le figure che si rispecchiano a vicenda. Gli amanti, che poco prima erano uniti, ora sono separati dal sonno. I tre piccoli cerbiatti che elaborano il dipinto tengono insieme la composizione.
La maestria di Michelangelos nella composizione di figure complesse, come nel suo The Entombment, è stata quella di ispirare molti artisti per secoli. In questo pannello dipinto la figura di Cristo, sebbene verticale, è accasciata e un peso morto al centro dell’immagine, mentre coloro che cercano di portare il corpo si sporgono verso l’esterno per sostenerlo.
A prima vista, la Caduta dei Dannati di Signorelli è un guazzabuglio di corpi spaventoso e violento, ma grazie alla sapiente disposizione delle figure in modo che le linee, piuttosto che intersecare, scorrono in un percorso ondulato attraverso l’immagine, la composizione è sia unificata che risolto in un gran numero di azioni separate. I colori dei diavoli servono anche a dividere l’immagine tra i tormentatori e i tormentati.
La battaglia di Ostia fu eseguita dagli assistenti di Raffaello, probabilmente per il suo progetto. Il primo piano del dipinto è organizzato in due forme ad arco sovrapposte, mentre i prigionieri più grandi sono sottomessi, mentre a sinistra e leggermente dietro, sono costretti a inginocchiarsi davanti al Papa. Mentre il Papa si erge sopra il secondo gruppo e lo domina, il primo gruppo è dominato da un soldato il cui colore e lo splendido copricapo agiscono come un trampolino visivo per il Papa. Ai bordi di questo gruppo due figure incurvate si rispecchiano a vicenda, creando una tensione in cui uno si allontana dal bordo del dipinto e l’altro tira verso l’alto al suo centro.

Grandi opere

pale d’altare
Durante il periodo rinascimentale, la grande pala d’altare aveva uno status unico come commissione. Una pala d’altare era destinata a diventare un punto focale, non solo visivamente nell’edificio religioso occupato, ma anche nelle devozioni degli adoratori. La Madonna delle Rocce di Leonardo da Vinci, ora nella National Gallery di Londra, ma precedentemente in una cappella a Milano, è una delle tante immagini che è stata usata nella petizione della Beata Vergine Maria contro la peste. Il significato di queste immagini per coloro che li hanno commissionati, che hanno adorato nella loro posizione e chi li ha creati, viene perso quando sono visti in una galleria d’arte.

Le due Madonne in trono di Cimabue e Duccio di Buoninsegna dimostrano le variazioni su un tema che è stato formalizzato e vincolato dalla tradizione. Sebbene le posizioni di Madonna col Bambino siano molto simili, gli artisti hanno trattato la maggior parte delle caratteristiche in modo diverso. Il trono di Cimabue è frontale e usa la prospettiva per suggerire la sua solidità. Gli angeli, i loro volti, ali e aloni, sono disposti in modo da formare un modello ricco. I dettagli in foglia oro del capo della Madonna prelevano le pieghe in una delicata rete. Il bambino si siede regalmente, con i piedi regolati allo stesso angolo di quelli di sua madre.
Nella Madonna di Rucellai di Duccio, la più grande del genere a 4,5 metri di altezza, il trono è regolato in diagonale e il Bambino, molto più di un bambino nonostante il suo gesto, siede diagonalmente opposto a sua madre. Mentre il posizionamento degli angeli in ginocchio è piuttosto semplicistico, essi hanno un naturalismo nelle loro posture ripetute e sono variati dalle bellissime combinazioni di colori delle loro vesti. Sulla veste della Madonna il bordo dorato forma una linea sinuosa che definisce la forma e i contorni e ravviva l’intera composizione con un unico dettaglio decorativo.
La Madonna di Ognissanti di Giotto è ora ospitata nella stessa stanza degli Uffizi come quella di Cimabue e di Duccio, dove i progressi che ha fatto sia nell’osservare la natura, sia nel suo uso della prospettiva, possono essere facilmente confrontati con i maestri precedenti. Mentre la pittura è conforme al modello di una pala d’altare, le figure al suo interno non seguono la formula tradizionale. La Madonna col Bambino sono solidamente tridimensionali. Questa qualità è esaltata dal trono a baldacchino che contribuisce all’elemento decorativo principale, mentre i bordi in oro sono ridotti al minimo. Gli angeli, che si rispecchiano a vicenda, hanno un drappeggio piuttosto individuale.
Cento anni dopo, Masaccio, ancora entro i limiti della pala d’altare formale, crea con sicurezza una figura tridimensionale drappeggiata in pesanti toghe, il suo paffuto Christ Child che si succhia le dita. I liuti suonati dai piccoli angeli sono entrambi ripidamente scorciati.
Nella pittura di Fra Angelico le figure mancano di enfasi sulla massa di Masaccio. Angelico era famoso per la sua delicatezza nel dipingere la Madonna. L’attrattiva di tali dipinti è dimostrata dal modo in cui gli angeli adoranti sono raggruppati attorno. Come nel dipinto di Masaccio, l’aureola della Madonna è decorata con una scrittura pseudo-kufic, probabilmente per suggerire la sua origine mediorientale.
Nelle mani di Piero della Francesca la cornice formale in oro si trasforma in una nicchia classica, disegnata in perfetta prospettiva lineare e definita dalla luce del giorno. I santi assortiti si raggruppano in modo naturale, mentre la Madonna siede su un trono realistico su un piccolo podio coperto da un tappeto orientale, mentre il donatore Federico da Montefeltro si inginocchia ai suoi piedi. Una concessione alla tradizione è che la Madonna è di dimensioni maggiori rispetto alle altre figure.
Nella pittura di Bellini, mentre da una parte, le figure e l’ambientazione danno l’effetto di un grande realismo, l’interesse di Bellini per le icone bizantine si manifesta nella intronizzazione gerarchica e nel contegno della Madonna.
Il pittore milanese Bergognone ha attinto aspetti del lavoro di Mantegna e Bellini per creare questo dipinto in cui la veste rossa ei capelli dorati di Caterina d’Alessandria sono effettivamente bilanciati dal contrasto bianco e nero di Caterina da Siena, e incorniciato da un rustico arco di mattoni rotti.
Nella Madonna della Vittoria di Andrea Mantegna, la Madonna può occupare la posizione centrale, incorniciata nel suo gazebo inghirlandato, ma il centro dell’attenzione è Francesco II Gonzaga i cui risultati sono riconosciuti non solo dalla Madonna e da Cristo Bambino ma dagli eroici santi, Michele e Giorgio.
Leonardo da Vinci abbandonò ogni tipo di baldacchino formale e circondò la Madonna col Bambino con la grandezza della natura in cui pose le figure in una composizione trapezoidale attentamente bilanciata ma apparentemente informale.
La Madonna Sistina di Raffaello usa la formula non di una pala d’altare ma il ritratto formale, con una cornice di tende verdi attraverso le quali si può vedere una visione, testimoniata da Papa Sisto II per il quale l’opera è intitolata. Le nuvole intorno alla Vergine sono composte da volti cherubici, mentre i due cherubini iconici così amati dalla moda degli angeli del tardo XX secolo si appoggiano sul davanzale. Questo lavoro è diventato il modello per Murillo e molti altri pittori.
Andrea del Sarto, mentre usa le figure per un effetto molto naturale e realistico, si abbandona alla realtà pratica della Madonna delle Arpie collocando la Madonna su un plinto classico come se fosse una statua. Ogni figura è in uno stato di instabilità, segnato dalla spinta in avanti del ginocchio della Madonna contro il quale bilancia un libro. Questo dipinto mostra le tendenze che dovevano essere sviluppate nella pittura manierista.

Cicli di affreschi
Il lavoro pagato più grande e più dispendioso che un artista potesse fare era uno schema di affreschi per una chiesa, un palazzo privato o una costruzione di comuni. Di questi, il più grande schema unitario in Italia che rimane più o meno intatto è quello creato da una serie di artisti diversi alla fine del periodo medievale presso la Basilica di San Francesco d’Assisi. Seguì lo schema proto-rinascimentale di Giotto a Padova e molti altri che andarono dalla Cappella dei Magi di Benozzo Gozzoli per i Medici alla suprema realizzazione di Michelangelo per Papa Giulio II nella Cappella Sistina.

Giotto dipinse la grande Cappella degli Scrovegni a Padova con la Vita della Vergine e la vita di Cristo. Rompendo dalla tradizione medievale, ha fissato uno standard di naturalismo.
I due grandi affreschi di Allegorie del Buon e Cattivo Governo dipinti da Ambrogio Lorenzetti per il Comune di Siena sono completamente secolari e mostrano una visione dettagliata di un paesaggio urbano con i cittadini, sottolineando l’importanza dell’ordine civico.
Al contrario, Andrea di Bonaiuto, dipinto per i Domenicani nella nuova chiesa di Santa Maria Novella, ha completato un enorme affresco del Trionfo della Chiesa, che mostra il ruolo della chiesa nell’opera della Salvezza, e in particolare, il ruolo dei Domenicani, che appaiono simbolicamente anche come i segugi del Paradiso, che guidano il popolo di Dio. Il dipinto include una vista del Duomo di Firenze.
Masaccio e Masolino hanno collaborato al ciclo di affreschi della Cappella Brancacci, più famosa per le innovazioni realistiche di Masaccio, lo stile più elegante di Masolino è visto in questo paesaggio cittadino che combina sapientemente due episodi della vita di San Pietro.
Il ciclo di affreschi di Piero della Francesca nella chiesa di San Francesco ad Arezzo, segue da vicino la Leggenda della Vera Croce come scritto da Jacopo da Varagine nella Leggenda aurea. Le immagini rivelano i suoi studi di luce e prospettiva, e le figure hanno una solidità quasi monolitica.
Il ciclo di affreschi di Benozzo Gozzoli per la cappella privata del palazzo mediceo è un’opera tarda dello stile gotico internazionale, una rappresentazione fantasiosa e riccamente ornamentale dei Medici con il loro entourage come i Re Magi.
L’elaborato ciclo per Palazzo Schifanoia della casa d’Este di Ferrara, eseguito in parte da Francesco del Cossa, era anche fantasioso nelle sue raffigurazioni di divinità classiche e segni zodiacali che si combinano con scene della vita della famiglia.
I dipinti di Mantegna per i Gonzaga mostrano anche la vita familiare, ma hanno una preponderanza di elementi altamente realistici e utilizzano sapientemente la vera architettura della stanza che decorano, la mensola del camino che forma un basamento per le figure e i veri pendenti a soffitto apparentemente supportati su pilastri dipinti.
Mentre nella Cappella Brancacci, gli storici cercano di identificare i volti di Masaccio, Masolino e forse Donatello tra gli apostoli, Domenico Ghirlandaio alla Cappella Sassetti non fa alcun tentativo di mascherare i suoi modelli. Ogni affresco in questo ciclo religioso ha due serie di figure: quelli che raccontano la storia e quelli che ne sono testimoni. In questa scena della nascita della Vergine Maria, alcune delle nobili donne di Firenze sono entrate, come per congratularsi con la nuova madre.
La punizione dei figli di Korah di Botticelli è uno degli episodi della serie La vita di Mosè, che, insieme a La vita di Cristo, fu commissionata negli anni 1480 come decorazione della Cappella Sistina. Gli artisti Perugino, Domenico Ghirlandaio e Cosimo Rosselli hanno lavorato tutti allo schema attentamente progettato e armonioso.
Il dipinto di Michelangelo del soffitto della Cappella Sistina, che eseguì da solo per un periodo di cinque anni, con narrazioni di Genesi, figure profetiche e gli Antenati di Cristo, era destinato a diventare una delle opere d’arte più famose al mondo.
Contemporaneamente, Raffaele e alcuni dei suoi assistenti dipinsero le camere papali conosciute come Stanze di Raffaello. Nella Scuola di Atene Raffaello raffigura personaggi famosi del suo tempo, tra cui Leonardo, Michelangelo, Bramante e se stesso, come filosofi dell’antica Atene.

Soggetti
Le immagini devozionali della Madonna col Bambino sono state prodotte in numeri molto grandi, spesso per clienti privati. Anche scene della vita di Cristo, della vita della Vergine o delle vite dei santi sono state fatte in gran numero per le chiese, in particolare scene legate alla Natività e alla Passione di Cristo. L’Ultima Cena era comunemente raffigurata in refettori religiosi.

Durante il Rinascimento un numero crescente di mecenati ebbe la loro somiglianza con la posterità dipinta. Per questo motivo esiste un gran numero di ritratti rinascimentali per i quali il nome della modella è sconosciuto. Ricchi mecenati privati ​​commissionarono opere d’arte come decorazione per le loro case, di argomenti sempre più laici.

Dipinti devozionali

La Madonna
Queste piccole immagini intime, che ora sono quasi tutte nei musei, sono state per lo più fatte per proprietà privata, ma occasionalmente potrebbero abbellire un piccolo altare in una cappella.

La Madonna che adorava il Cristo Bambino con due Angeli è sempre stata particolarmente popolare per l’espressivo angelo bambino che sostiene il Cristo Bambino. Dipinti di Filippo Lippi come questo influenzano particolarmente Botticelli.
Verrocchio separa la Madonna e Cristo Bambino dallo spettatore da un davanzale di pietra, usato anche in molti ritratti. La rosa e le ciliegie rappresentano l’amore spirituale e l’amore sacrificale.
La Madonna col Bambino di Antonello da Messina è superficialmente molto simile a quella del Verrocchio, ma è molto meno formale e sia la madre che il bambino sembrano muoversi piuttosto che posare per il pittore. Il gomito in prospettiva del Bambino mentre raggiunge il seno di sua madre si verifica nel lavoro di Raffaello e può essere visto in una forma diversa nel Tondo di Michelangelo di Doni.
Le figure poste alle diagonali opposte viste in questa prima Madonna col Bambino da Leonardo da Vinci erano un tema compositivo che doveva ripetersi in molte delle sue opere e essere imitato dai suoi allievi e da Raffaello.
Giovanni Bellini è stato influenzato dalle icone greco-ortodosse. Il tessuto dorato di questo dipinto prende il posto dello sfondo a foglia d’oro. L’arrangiamento è formale, ma i gesti, e in particolare lo sguardo adorante della madre, danno un calore umano a questa immagine.
La Madonna col Bambino di Vittore Carpaccio è molto insolita nel mostrare il Cristo Bambino come un bambino completamente vestito con abiti contemporanei. I dettagli meticolosi e la domesticità sono suggestivi della pittura dei primi Paesi Bassi.
Il Tondo Doni di Michelangelo è la più grande di queste opere, ma era una commissione privata. La composizione molto insolita, la forma contorta della Madonna, le tre teste tutte vicine alla parte superiore del dipinto e lo scorcio radicale erano tutti aspetti molto stimolanti, e Agnolo Doni non era sicuro di volerli pagare.
Raphael ha abilmente messo in campo le forze avversarie e unito la Madonna col Bambino con uno sguardo amorevole.

Dipinti secolari

ritratti
Durante la seconda metà del XV secolo, ci fu una proliferazione di ritratti. Sebbene i soggetti di alcuni di loro siano stati in seguito ricordati per i loro successi o la loro nobile discendenza, le identità di molti sono andate perse e quella del ritratto più famoso di tutti i tempi, la Gioconda di Leonardo da Vinci, è aperta a speculazioni e controversie.

Il vantaggio di un ritratto di profilo come il Ritratto di Sigismondo di Piero della Francesca Pandolfo Malatesta è che identifica il soggetto come una firma facciale. Le proporzioni del viso, i rispettivi angoli della fronte, naso e fronte, la posizione e la forma dell’occhio e l’insieme della mascella rimangono riconoscibili attraverso la vita. Inoltre, una volta che una somiglianza del profilo è stata presa, può essere usata per lanciare una medaglia o scolpire un’immagine in rilievo.
Il pollaiolo si è conformato alla formula, sottolineando il profilo di questa giovane donna con una linea sottile che definisce anche la delicata forma delle sue narici e gli angoli della sua bocca. Ma ha aggiunto una qualità tridimensionale grazie al sottile uso del chiaroscuro e al trattamento del ricco broccato fiorentino della manica.
Alesso Baldovinetti, d’altra parte, ha utilizzato il profilo di questa ragazza dai tratti forti per creare uno schema sorprendente di un contorno evidenziato sullo sfondo più scuro. Lo sfondo è una forma vivace che si aggiunge alla struttura compositiva del dipinto. Il piccolo filetto nero sulla fronte risponde al modello dinamico della manica ricamata.
Il ritratto di Botticelli, anche se girato a tre quarti con una forte modellazione tonale, ha molto a che fare con il dipinto di Baldovinetti nella sua sorprendente disposizione delle forme nel vestito rosso, il cappello ei capelli scuri e il disegno che formano sullo sfondo.
Il ritratto di Antonello da Messina, alcuni anni prima di quello di Botticelli, ha una somiglianza passeggera. Ma questo dipinto non si basa molto sull’abile disposizione di forme chiaramente sagomate. Antonello ha usato i vantaggi della pittura ad olio, come contro la tempera di Botticelli, per ottenere una somiglianza sottile e dettagliata in cui le sopracciglia cespugliose, le imperfezioni della pelle e l’ombra della barba sono state rese con precisione fotografica.

Nella Monna Lisa Leonardo ha utilizzato la tecnica dello sfumato, il chiaroscuro dalle sfumature delicate che modella i contorni della superficie, lasciando trasparire i dettagli nell’ombra. La tecnica conferisce un’aria di mistero a questo dipinto che ha portato alla sua fama duratura. Le belle mani diventano quasi un elemento decorativo.
Il ritratto di Giovanni Bellini dell’eletto duca di Venezia ha un’aria ufficiale e difficilmente potrebbe essere più formale. Eppure il volto è caratterizzato da ciò che si potrebbe sperare nel doge, saggezza, umorismo e risolutezza. Sebbene sia un dipinto più elaborato, ha molto in comune con il senso del design di Baldovinetti.
Il soggetto del ritratto di Tiziano è sconosciuto, e la sua notevole fama si basa esclusivamente sulla sua bellezza e composizione insolita in cui il viso è sostenuto ed equilibrato dalla grande manica blu di raso trapuntato. La manica è quasi dello stesso colore dello sfondo; la sua ricca tonalità lo dà forma. Il lino bianco della camicia ravviva la composizione, mentre gli occhi dell’uomo riprendono il colore della manica con una luminosità penetrante.

Il nudo
Questi quattro famosi dipinti dimostrano l’avvento e l’accettazione del nudo come soggetto per l’artista a pieno titolo.

Nella Nascita di Venere di Botticelli, la figura nuda, sebbene centrale per il dipinto, non è di per sé il soggetto. Il soggetto del dipinto è una storia della mitologia classica. Il fatto che la Dea Venere si sia alzata nuda dal mare fornisce la giustificazione per lo studio di nudo che domina il centro dell’opera.
Dipinto trent’anni dopo, il significato esatto della foto di Giovanni Bellini non è chiaro. Se il soggetto fosse stato dipinto da un pittore impressionista, sarebbe del tutto inutile attribuire un significato. Ma in questo lavoro rinascimentale, c’è la presenza di uno specchio, un oggetto che di solito è simbolico e che suggerisce un’allegoria. The young lady’s nakedness is a sign not so much of seduction, as innocence and vulnerability. However, she decks herself out in an extremely rich headdress, stitched with pearls, and having not one, but two mirrors, sees only herself reflected endlessly. The mirror, often a symbol of prophecy, here becomes an object of vanity, with the young woman in the role of Narcissus.
Giorgione’s painting possibly predates Bellini’s by ten years. It has always been known as The Sleeping Venus but there is nothing in the painting to confirm that it is, indeed, Venus. The painting is remarkable for its lack of symbolism and the emphasis on the body simply as an object of beauty. It is believed to have been completed by Titian.

Classical mythology
Paintings of classical mythology were invariably done for the important salons in the houses of private patrons. Botticelli’s most famous works are for the Medici, Raphael painted Galatea for Agostino Chigi and Bellini’s Feast of the Gods was, with several works by Titian, in the home of Alfonso I d’Este

Pollaiuolo’s Hercules and the Hydra typifies many paintings of mythological subjects which lent themselves to interpretation that was both Humanist and Christian. In this work good overcomes evil, and courage is glorified. The figure of Hercules has resonances with the Biblical character of Samson who also was renowned for his strength and slew a lion.
In Botticelli’s Pallas and the Centaur, Wisdom, personified by Athena, leads the cowering Centaur by the forelock, so learning and refinement are able to overcome brute instinct, which is the characteristic symbolised by the centaur.
Raphael’s Galatea, though Classical in origin, has a specifically Christian resonance that would have been recognised by those who were familiar with the story. It is about the nature of love. While all around her aspire to earthly love and succumb to the arrows shot by the trio of cupids, Galatea has chosen spiritual love and turns her eyes to Heaven.