L’architettura effimera ebbe una particolare rilevanza nel barocco spagnolo, in quanto assolveva diverse funzioni tanto estetiche quanto politiche, religiose e sociali. Da un lato, era una componente indispensabile di supporto per le realizzazioni architettoniche, realizzata in modo deperibile e transitorio, che permetteva una riduzione del costo dei materiali e un modo di catturare nuovi design e soluzioni più audaci e originali del nuovo Stile barocco., Che non poteva essere fatto in costruzioni convenzionali. D’altra parte, la sua volubilità ha reso possibile l’espressione di una vasta gamma di produzioni progettate secondo le sue diverse funzionalità: archi trionfali per la ricezione di personaggi di re e aristocrazia, catafalchi per cerimonie religiose, tumuli funerari e vari scenari per atti sociali o religiosi , come la festa del Corpus o della Settimana Santa.
Queste realizzazioni erano decorate in modo abbondante e sviluppavano un programma iconografico che enfatizzava il potere delle classi dominanti del tempo, sia politiche che religiose: nella sfera politica esaltava il potere onnipotente della monarchia assolutista, mentre nel religioso elogiava dominanza spirituale della Chiesa della Controriforma. Avevano un’alta componente di propaganda, come veicoli di ostentazione di queste classi dominanti, quindi erano diretti principalmente alle persone, che ricevevano queste magnifiche cerimonie e spettacoli.
Sebbene non ci siano state tracce materiali di questo tipo di lavoro, sono noti grazie a disegni e incisioni, nonché a resoconti letterari dell’epoca, che li descrivevano in grande dettaglio. Molti scrittori e cronisti si sono dedicati a questo tipo di descrizioni, dando origine a un nuovo genere letterario, le “relazioni”.
Il barocco: una cultura dell’immagine
L’architettura è l’arte e la tecnica di costruire edifici, progettando spazi e volumi con uno scopo utilitaristico, principalmente abitativo, ma anche varie costruzioni di segno sociale, o civile o religioso. Lo spazio, essendo modificato dall’essere umano, viene trasmutato, acquisisce un nuovo senso, una nuova percezione, con cui acquisisce una dimensione culturale, mentre acquisisce un significato estetico, perché è percepito in modo intellettuale e artistico, come un espressione dei valori socioculturali inerenti a ogni persona e cultura. Questo carattere estetico può dare allo spazio una componente effimera, da utilizzare in eventi pubblici e celebrazioni, rituali, feste, mercati, spettacoli, servizi religiosi, eventi ufficiali, eventi politici, ecc.
Nel Barocco le arti si uniscono per creare un’opera d’arte totale, con un’estetica teatrale e scenografica, una messa in scena che mette in risalto lo splendore del potere dominante (Chiesa o Stato). L’interazione di tutte le arti esprimeva l’uso del linguaggio visivo come mezzo di comunicazione di massa, incarnato in una concezione dinamica della natura e dello spazio circostante, in una cultura dell’immagine.
Una delle principali caratteristiche dell’arte barocca è la sua natura illusoria e artificiale: “l’ingegno e il design sono l’arte magica attraverso la quale si arriva a ingannare l’occhio finché non si rimane stupiti” (Gian Lorenzo Bernini). Il visual e l’effimero erano particolarmente apprezzati, così il teatro e i vari generi di spettacoli e spettacoli hanno guadagnato popolarità: danza, pantomima, dramma musicale (oratorio e melodramma), spettacoli di burattini, acrobazie, circhi, ecc. il mondo è un teatro (theatrum mundi) e la vita è una funzione teatrale: “il mondo intero è un palcoscenico, e tutti gli uomini e le donne sono meri attori” (Come ti piace, William Shakespeare, 1599). 3 Allo stesso modo, le altre arti, in particolare l’architettura, tendevano a essere drammatizzate. Era un’arte basata sull’inversione della realtà: nella “simulazione”, nel trasformare il falso in vero e nella “dissimulazione”, nel trasmettere il vero al falso. Non mostrano le cose come sono, ma come vorrebbero che fossero, specialmente nel mondo cattolico, dove la Controriforma ebbe un magro successo, dal momento che metà dell’Europa passò al protestantesimo. Nella letteratura si manifestava dando libero sfogo all’artificio retorico, come mezzo di espressione propagandistica in cui la sontuosità del linguaggio cercava di riflettere la realtà in modo zuccherato, ricorrendo a figure retoriche come metafora, paradosso, iperbole, antitesi, iperbato, ellissi ecc. Questa trasposizione della realtà, che è distorta e ingrandita, alterata nelle sue proporzioni e soggetta al criterio soggettivo della finzione, è anche passata nel campo della pittura, dove la prospettiva di scorcio e illusionista viene abusata per il bene di effetti più grandi e sorprendenti e fantastico
L’arte barocca ha cercato la creazione di una realtà alternativa attraverso la finzione e l’illusione. Questa tendenza ha avuto la sua massima espressione nella festa e nella celebrazione ludica: edifici come chiese o palazzi, o un quartiere o un’intera città, sono diventati teatri della vita, in scenari in cui la realtà e l’illusione erano mescolate, dove i sensi erano soggetti all’inganno e artificio. Sotto questo aspetto, la Chiesa della Controriforma aveva un ruolo speciale, che cercava attraverso la pompa e lo sfarzo per mostrare la sua superiorità sulle chiese protestanti, con atti come masse solenni, canonizzazioni, giubilei, processioni o investiture papali. Ma altrettanto sontuose erano le celebrazioni della monarchia e dell’aristocrazia, con eventi come incoronazioni, matrimoni e nascite reali, funerali, vittorie militari, visite di ambasciatori o qualsiasi evento che avrebbe permesso al monarca di dispiegare il suo potere di ammirare la gente. I partiti barocchi hanno significato coniugazione di tutte le arti, dall’architettura e dalle arti plastiche alla poesia, alla musica, alla danza, al teatro, alla pirotecnica, alle composizioni floreali, ai giochi d’acqua, ecc. Architetti come Bernini o Pietro da Cortona, o Alonso Cano e Sebastián Herrera Barnuevoin Spagna , hanno contribuito con il loro talento a tali eventi, progettando strutture, coreografie, illuminazioni e altri elementi, che spesso servivano da banco di prova per traguardi futuri più seri.
Durante il barocco, il carattere ornamentale, ornato e ornato dell’arte di questo periodo ha mostrato un senso vitale transitorio, legato al memento mori, il valore effimero delle ricchezze di fronte all’inevitabilità della morte, in parallelo al genere pittorico di la vanitas .. Questo sentimento ci ha portato a valutare in modo vitalistico la caducità del momento, a godere dei momenti di ricreazione della luce che la vita regala, o celebrazioni e atti solenni. Così, nascite, matrimoni, morti, atti religiosi o incoronazioni reali e altri atti ludici o cerimoniali, erano coperti da una pompa e da un artificio di natura teatrale, dove venivano elaborate grandi assemblee che agglutinano l’architettura e le decorazioni per fornire un’eloquente magnificenza a ogni celebrazione, che divenne uno spettacolo di carattere quasi catartico, dove l’elemento illusorio, l’attenuazione del confine tra realtà e fantasia, assunse un’importanza particolare.
Architettura barocca spagnola
In Spagna, l’architettura della prima metà del diciassettesimo secolo accusava il patrimonio herreriano, con un’austerità e una semplicità geometrica di influenza scurialense. Il barocco fu introdotto gradualmente soprattutto nella decorazione interna decorata di chiese e palazzi, dove le pale d’altare si stavano evolvendo verso livelli sempre più alti di magnificenza. In questo periodo, Juan Gómez de Mora fu la figura più importante, con risultati come il clero di Salamanca (1617), il municipio (1644-1702) e la Plaza Mayor di Madrid (1617-1619). Altri architetti del tempo furono Alonso Carbonel, autore del Buen Retiro Palace (1630-1640), o Pedro Sánchez e Francisco Bautista, autori della Collegiata di San Isidro di Madrid (1620-1664).
Verso la metà del secolo, le forme più ricche ei volumi più liberi e più dinamici stavano guadagnando terreno, con decorazioni naturalistiche (ghirlande, sostegni vegetali) o forme astratte (modanature e baquetones ritagliati, generalmente in una forma mistilinea). A questo punto vale la pena ricordare i nomi di Pedro de la Torre, José de Villarreal, José del Olmo, Sebastián Herrera Barnuevo e, soprattutto, Alonso Cano, autore della facciata della Cattedrale di Granada (1667).
Tra la fine del secolo e l’inizio del XVIII fu dato lo stile churrigueresco (dai fratelli Churriguera), caratterizzato dal suo esuberante decorativismo e l’uso di colonne salomoniche: José Benito Churriguera fu l’autore della Pala d’altare principale di San Esteban de Salamanca (1692) e la facciata del palazzo-chiesa di Nuevo Baztán a Madrid (1709-1722); Alberto Churriguera progettò la Plaza Mayor di Salamanca (1728-1735); e Joaquín Churriguera fu l’autore del Colegio de Calatrava (1717) e del chiostro di San Bartolomé (1715) a Salamanca, di influenza plateresca. Altre figure del tempo furono: Teodoro Ardemans, autore della facciata del Consiglio Comunale di Madrid e il primo progetto per il Palazzo Reale di La Granja de San Ildefonso (1718-1726); Pedro de Ribera, autore del Ponte di Toledo (1718-1732), il Cuartel del Conde-Duque (1717) e la facciata della Chiesa di Nuestra Señora de Montserrat a Madrid (1720); Narciso Tomé, autore del Trasparente della Cattedrale di Toledo (1721-1734); il tedesco Konrad Rudolf, autore della facciata della cattedrale di Valencia (1703); Jaime Bort, architetto della facciata della Cattedrale di Murcia (1736-1753); Vicente Acero, che progettò la Cattedrale di Cadice (1722-1762); e Fernando de Casas Novoa, autore della facciata dell’Obradoiro della Cattedrale di Santiago de Compostela (1739-1750).
L’effimero nell’architettura barocca spagnola
Lo splendore dell’architettura effimera avvenne nell’età moderna, nel Rinascimento e, soprattutto, in quello barocco, periodo di consolidamento della monarchia assoluta, quando i monarchi europei cercarono di elevare la loro figura rispetto a quella dei loro sudditi, ricorrendo a tutti i tipi di atti propagandistici ed esaltanti del suo potere, in cerimonie politiche o religiose o celebrazioni di natura ludica, che mostravano la magnificenza del suo governo.
Va notato che, sebbene questo periodo fosse un certo declino politico ed economico, in campo culturale vi era un grande splendore, la cosiddetta Età dell’Oro, con una magnifica fioritura della letteratura e delle arti. D’altra parte, sebbene in campo politico la monarchia fosse risolutamente autoritaria, il modo di governare mostrava una forte componente populista; mentre nella sfera religiosa la fede rigorosa era combinata con una visione del mondo di natura realistica e critica. Questi elementi hanno contribuito alla volontà di un’arte vicina al popolo, che ha mostrato in modo facile e diretto gli aspetti morali e ideologici che le classi dominanti volevano trasmettere ai loro soggetti. Così, secondo lo storico José Antonio MaravallBaroque, l’arte e la cultura erano “dirette”, poiché il suo obiettivo era la comunicazione; «Massive», poiché era diretto verso la città; e “conservatore”, poiché cercava di perpetuare i valori tradizionali.
Queste distrazioni aiutarono la popolazione a far fronte alle loro difficoltà: secondo Jerónimo de Barrionuevo, “questi divertimentos sono bene necessari per sopportare così tante avversità”. Questa evasione della realtà porta Antonio Bonet Correa a descrivere questo periodo come “spazio e tempo utopico”, poiché non cessa di essere un sollievo temporaneo alla dura realtà della maggioranza della popolazione, immersa nella miseria.
L’architettura effimera era generalmente realizzata con materiali poveri e deperibili, come legno, cartone, stoffa, stucco, canna, carta, stoppa, calce o gesso, che tuttavia erano esaltati dalla monumentalità delle opere e dai loro disegni originali e fantasiosi, come oltre che per la sontuosità della decorazione ornamentale. Erano opere in cui partecipavano sia l’architettura che la scultura, la pittura e le arti decorative, e dove la scenografia era particolarmente importante. Si poteva fare sia all’interno di edifici – templi genericamente religiosi – e nelle strade di città, attraverso numerose tipologie di edifici come archi di trionfo, castelli, portici, templi, catafalco, padiglioni, gallerie, colonnati, logge, edicole, piramidi, obelischi, piedistalli, baldaquinos, tramoyas, altari, baldacchini, ecc. 16Altrettanto rilevanti erano le sculture, gli arazzi, i tessuti e dipinti; quest’ultimo rappresentava spesso finte architetture o paesaggi, con la consueta rappresentazione di “parnassiani”, monti con vegetazione, fiumi e fontane in cui figuravano divinità, muse e figure storiche. Altri elementi decorativi erano ciotole, arazzi floreali, ghirlande, cornucopie, specchi, candelabri, scudi e bandiere. Oltre a tutto questo, dobbiamo prendere in considerazione elementi mobili come carrelli o passi di processioni, entourage e comitive, maschere, mojigangas, giochi di canne e automobili, così come altri elementi come fuochi d’artificio, corride, naumaquias, giostre e simulazioni di guerra, musica, danza, teatro e altri generi dello spettacolo.
Forse l’elemento più emblematico dell’architettura effimera barocca era il tumulo funebre, poiché significava più che altro la concezione del transitorio, la transitorietà della vita, che si traduce nella fugacità della festa, nella celebrazione effimera. Le bolle funerarie rappresentano, oltre all’architettura effimera, il caso, il vuoto, la natura sfuggente dell’esistenza, contrastando la temporalità corporea con l’immortalità dell’anima. Sono perciò frequenti nella decorazione di tumuli e riferimenti catafalici alla morte, attraverso scheletri, teschi, clessidre, candele e altri elementi che alludono alla fine dell’esistenza umana. L’evoluzione tipologica dei tumuli era derivata dal catafalco di tipo monumentale ereditato dal manierista Renaissanceto dal catafalco di tipo pirata del plenum barocco, con un piano turriforme e un tempio a forma di cupola, alla deriva verso la fine del barocco nel baldacchino di tipo catafalco ; già alla fine del XVIII secolo si sarebbero evoluti nell’obelisco catafalco, di stile neoclassico. Va notato che i tumuli erano riservati alla famiglia reale, finché nel 1696 Carlo II approvò la sua apertura ai membri dell’aristocrazia e alla gerarchia ecclesiastica.
Molti architetti hanno utilizzato l’architettura effimera come banco di prova per formule e soluzioni originali e audaci rispetto all’architettura convenzionale, che hanno poi testato su realizzazioni stabili, con le quali questa modalità ha aiutato in modo potente il progresso dell’architettura spagnola. Alcuni degli architetti più famosi hanno realizzato questo tipo di lavoro, come Juan Gómez de Mora, Pedro de la Torre, José Benito Churriguera, Alonso Cano, José del Olmo e Sebastián Herrera Barnuevo. Persino artisti di fama intervenuti in questo tipo di lavoro, come El Greco, nella progettazione del tumulo di Mergaret di Austria-Stiria (1612); Rubens all’ingresso del cardinale-infante Ferdinando d’Austria ad Anversa nel 1635; Velázquez, nella decorazione delle nozze di Luigi XIV e Maria Teresa d’Austria, nell’Isola dei Fagiani (1660); o Murillo, nella celebrazione dell’Immacolata Concezione a Siviglia (1665).
Ogni evento era adatto per la celebrazione effimera: i monarchi celebravano in modo sontuoso ogni evento rilevante della loro vita, come nascite, battesimi, onomastici, matrimoni, cerimonie di intronizzazione, visite a città, vittorie militari, accordi diplomatici, funerali, ecc. Per quanto riguarda le celebrazioni religiose, quelle del Corpus Domini e della Settimana Santa, celebrate con processioni, viacrucis, rogativas, auto di massa e sacramentali, dove solevano montare grandi palchi per le festività, e insieme alle processioni religiose venivano aggiunti elementi folcloristici come maschere, mojigones, fanfare, giganti e grandi teste. Altre celebrazioni furono motivate da atti puntuali, solitamente canonizzazioni, come Luis Bertrán nel 1608, Francisco Javier, Ignacio de Loyola, Isidro Labrador e Teresa de Jesus nel 1622, Tomás de Villanueva nel 1658, Francisco de Borja nel 1671 o Pascual Baylón nel 1690 ; o decreti pontifici, come il breve di Alessandro VII in cui riconobbe l’Immacolata Concezione della Vergine (1662). Un significato speciale ebbe la canonizzazione di Fernando III nel 1671, poiché agglutinò nello stesso interesse per la Chiesa e la monarchia, coniugando i valori delle classi dominanti dell’Antico Regime.
La commissione della monarchia e della Chiesa portò un certo sostegno ai professionisti dell’architettura, delle arti plastiche e decorative e dell’artigianato, che avevano quindi incarichi di lavoro in un periodo di crisi economica in cui c’era poco lavoro a livello civile. 28 D’altro canto, l’architettura effimera raggiunse un livello di popolarità che conferì un grande prestigio al professionista che lo fece: così la gara si svolse per l’assegnazione dei funerali di Maria Luisa de Orleans nel 1689, vinta da uno sconosciuto fino ad allora José Benito de Churriguera, ha servito questo per lanciare con grande successo la sua carriera professionale.
Va notato che di queste realizzazioni effimere non ci sono stati resti materiali, e sono conosciuti solo da incisioni e disegni, e da resoconti scritti che descrivono in dettaglio tutti i dettagli di queste celebrazioni. Queste storie hanno dato origine a un nuovo genere letterario, le “relazioni”, che hanno come principale punto di riferimento Juan Calvete de Estrella, autore di The Imperial Tumulus, adornato di storie e segni ed epitaphios in prosa e versi latini (1559). Questa letteratura abbondava in descrizioni dettagliate degli eventi celebrati dalla monarchia e dalla Chiesa, con particolare attenzione agli elementi simbolici, spesso incarnati in geroglifici e scudi, i cui motti, solitamente in Latin, traducevano in spagnolo in versi. D’altra parte, queste cronache non hanno smesso di mostrare i valori politici, sociali e morali che i potenti personaggi che patrocinavano questi splendori sostenevano.
Nel diciottesimo secolo seguirono le stesse tipologie festive, poiché i Borboni mantennero gli stessi protocolli e repertori di celebrazioni e solennità. L’evoluzione nelle architetture effimere fu principalmente stilistica, specialmente dal primo terzo del secolo, in cui la promozione dell’Accademia di Belle Arti di San Fernando promosse le linee classiciste, in un movimento che sarebbe stato battezzato come neoclassicismo. D’altra parte, l’ascesa dell’illuminismo portò alla riduzione della grande pompa religiosa del segno controriformista. I nuovi eventi avevano un carattere più didattico, con una chiara distinzione tra sacro e profano, e la musica e l’opera diventavano più rilevanti.
Traguardi principali
Entrata di Filippo III a Lisbona (1619): fu onorato con la costruzione di tredici archi trionfali, finanziati dalle corporazioni della città, decorati con divinità e eroi mitologici, figure allegoriche e riferimenti letterari tratti da autori classici come Ovidio o Virgilio, o di Dante e testi biblici, oltre a scudi ed emblemi di natura simbolica. Gli archi hanno mostrato uno stile architettonico di reminiscenze manieriste, ispirato all’opera di Serlio e Vignola.
Ingresso di Mariana d’Austria a Madrid (1649): è stato progettato da Alonso Cano, che ha costruito quattro archi trionfali dedicati ai quattro continenti principali e ai quattro elementi, in questa relazione: Europa-Aria, Asia-Terra, Africa-Fuoco e l’America-Water. Costruì anche una facciata nobile nel Buen Retiro, su piedistalli di pietra di Berroque, con sei colonne di ordine dorico e cornici decorate con castelli e leoni. Accanto a questa copertura, sulla fontana Olivo del vecchio Prado di San Jerónimo, sorgeva una montagna del Parnaso con due cime, una presieduta da Ercole-Sol e un’altra da Pegaso, con Apoloin al centro e nove statue dedicate alle muse e Poeti spagnoli
Riconoscimento dell’Immacolata Concezione a Valencia (1662): fu celebrato per mezzo anno con mascherate e cavalcate e furono costruiti altari temporanei in tutta la città, alcuni con i manici che lanciavano fiocchi di cotone simulando la neve, alludendo alla purezza della Vergine . Uno dei più elaborati era presso la Facoltà di Filosofia, coperto di arazzi e ricami in seta e oro, coronato da un’allegoria del Trionfo della Chiesa, affiancato da papa Alessandro VII e dall’arcivescovo di Valencia, Martín López de Ontiveros.
Celebrazione dell’Immacolata Concezione a Siviglia (1665): fu progettata da Bartolomé Esteban Murillo e celebrata nella chiesa di Santa María la Blanca, sulla cui facciata erano collocati due archi trionfali, uno dedicato al Mistero dell’Immacolata Concezione e un altro al Trionfo dell’Eucaristia, accanto a un perimetro limitato coperto di tende da sole e occupato da altari decorati con temi mariani. Un grande dipinto della Vergine di Juan Valdés Leal fu posto sulla porta della chiesa.
Canonizzazione di Fernando III (1671): fu celebrata a Siviglia, città riconquistata dal santo re, la cui cattedrale era adornata da vari monumenti ed emblemi realizzati da Bernardo Simón de Pineda, in collaborazione con il pittore Juan Valdés Leal e lo scultore Pedro Roldán . L’intero complesso della Cattedrale di Siviglia era decorato con tele dipinte, tra cui la Giralda e il Patio de los Naranjos; tutte le cappelle erano ornate e nel trascoro un arco di trionfo fu eretto con l’effigie dell’onorata nell’incoronazione, circondata da figure allegoriche; Inoltre, nella pala d’altare del tabernacolo è stato collocato un palcoscenico con un dipinto di Murillo. Questo insieme di monumenti esercitò un’influenza notevole sull’architettura del tempo, che durò fino al regno di Felipe V, come espressione di un barocco spiccatamente spagnolo, con forme dinamiche e profusamente decorative. Va notato che i disegni di questo evento sono stati stampati in una “relazione” scritta da Fernando de la Torre Farfán, considerato il libro più bello stampato nella Spagna del barocco.
Entrata di Maria Luisa de Orleans a Madrid (1680): fu organizzata da Claudio Coello e José Jiménez Donoso con l’aiuto di Matías de Torres e Francisco Solís tra gli altri pittori, José Ratés e José Acedo nell’architettura e Pedro Alonso de los Ríos , Enrique di Cardona e Mateo Rodríguez, responsabile di opere di scultura, tra molti altri artisti. Sono stati eretti cinque archi trionfali, nella strada del Prado, italiana, la Puerta del Sol, la Puerta de Guadalajara e Santa María, insieme a portici, fontane e sculture decorative nel Retiro, San Felipe, Plaza de la Villa e Plaza de Palacio. Tutti gli elementi erano decorati in modo ornamentale, in un’apoteosi del barocco più decorativo, con abbondanza di motivi vegetali e di pietra.
Catafalco di Maria Luisa de Orleans a Madrid (1689): opera di José Benito de Churriguera, il suo disegno è servito da modello per tumuli funerari fino al XVIII secolo. Si trovava nella chiesa del Real Monasterio de la Encarnación a Madrid, ed era formato da un’alta piattaforma a quattro gradini, sulla quale due corpi si ergevano con una decorazione abbondante di modanature, fogliame, tarja e stipes, nonché diverse sculture di figure allegoriche e immagini dei defunti.
Catafalco di Carlo II a Barcellona (1700): opera di Josep Vives, era un tumulo a forma di turban con una base di ochavada con scudi sorretti da aquile e leoni, su cui si ergeva una piramide a gradini ornata di teschi e pergamene e sormontata da un baldacchino esagonale con i veri emblemi. Il programma iconografico consisteva in allegorie dei regni ispanici (Castiglia, Aragona, Catalogna, India, Milano, Napoli, Sicilia, Fiandre), i quattro continenti (Europa, America, Africa, Asia), i quattro fiumi principali della penisola iberica ( Ebro, Duero, Tajo, Guadalquivir), le virtù teologali (Fede, Speranza, Carità) e cardinali (Prudenza, Giustizia, Fortezza, Temperanza), Victoria e Phoenix Bird.
Tumulo di Luis XIV a Barcellona (1715): opera di Josep Vives, aveva pianta quadrata con piedistalli negli angoli, coronata da statue, pergamene e ornamenti, raffigurante le Virtù con angeli che reggevano un ritratto del defunto, il tutto incoronato da un baldacchino con la corona reale.
Entrata di Felipe V a Siviglia (1729): ha celebrato l’arrivo del monarca, che ha convertito la città andalusa nella sede della corte per cinque anni. La città era adornata con paramenti, dipinti e arazzi, e vari edifici come piramidi e archi trionfali, nonché statue di eroi mitologici, colonne di Ercole con un leone che gettava acqua attraverso la sua bocca e un Colosso di Rodi sotto il quale passò una barca.
La nomina dell’arcivescovo del cardinale Luis de Borbón (1742): si è tenuta a Siviglia, dove sono stati organizzati una mascherata e una sfilata di carri decorati, oltre a fuochi d’artificio, l’illuminazione della Giralda e la germinazione del vino dalle fontane del palazzo episcopale per tre giorni.
Catafalque di Felipe V a Madrid (1746): opera di Juan Bautista Sacchetti, presentava un seminterrato con due scalinate con balaustre rappresentanti le figure di Nettuno e Cibele, su cui sorgeva un tempio di aspetto diafano e aria, decorato con scheletri. Ispirato al lavoro della famiglia italiana degli scenografi Galli Bibbiena, il suo stile è incorniciato da una più classica filiazione barocca e internazionale, allontanandosi dal barocco ispanico ereditato dal secolo precedente.
Tomba di Felipe V a Cervera (1746): opera di Pere Costa, fu eretta nella cappella dell’Università di Cervera. Aveva una base ottagonale, ai lati della quale c’erano alcune piramidi con allegorie di Teologia, Diritto Canonico, Filosofia e Matematica; sul cornicione erano rappresentate la legge civile, la medicina, la poesia e la retorica; nell’incoronazione c’era una figura della Morte che calpestava corone e scettri, e uno scudo con l’iscrizione Philippi quod potui rapui, allusivo a quella Morte strappò la sua mortalità, ma non le sue imprese immortali.
Proclamazione di Fernando VI a Siviglia (1747): fu celebrata con una processione di otto carrozze decorate, fatte di legno e ricoperte di stucco, decorate con colori vivaci. La prima macchina fu la Proclamazione della Maschera, seguita da quella della Gioia Comune, quattro dedicate ai quattro elementi, quella di Apollo e quella dei Re, che portava i ritratti dei nuovi monarchi.
Arrivo di Carlos III a Barcellona (1759): per il suo arrivo al porto furono costruiti un ponte, una scala e un arco trionfale, decorati con figure della mitologia marina e allegorie astrologiche. Poi c’erano diversi archi con rappresentazioni della storia della città, alludendo alla sua mitica fondazione di Ercole. Nella Lonja de Mar è stato collocato un grande schermo che rappresenta il sistema solare, ponendo il re come il centro dell’universo. C’era anche una mascherata e una processione di cinque auto che hanno fatto il giro della città per tre notti, decorate con un’estetica rococò.
Arrivo di Carlos III a Madrid (1759): varie strutture furono costruite dall’architetto di moda dell’epoca, Ventura Rodríguez, con la collaborazione dello scultore Felipe de Castro; le iscrizioni dei tessuti ornamentali furono scritte da Pedro Rodríguez de Campomanes e Vicente Antonio García de la Huerta. Le strade di Madrid erano decorate con arazzi e arazzi, con colori vivaci come oro, blu pastello e lapislazzuli; nella Puerta del Sol fu costruito un tempio a tutto tondo (tholos), con imitazioni di diaspro per le colonne, di bronzo in basi e capitelli e di marmo in cornici e piedistalli; Sulla strada del carretas fu eretto un arco di trionfo, decorato con rilievi e trofei; un altro arco fu posto nella via principale, con rappresentazioni allusive alla pietà e alla liberalità del re, accanto a una doppia galleria di ordine composto che ringraziava il nuovo monarca per la sospensione dei debiti fiscali. Tutti questi ornamenti sono stati progettati in uno stile più sobrio del solito, puntando ora al neoclassicismo della fine del secolo, anche se la sua concezione era ancora fondamentalmente barocca.
Tomba della regina Maria Amalia di Sassonia a Barcellona (1761): realizzata nella cattedrale, fu opera di Manuel e Francesc Tramulles. Sulla facciata è stato posto un portale barocco con segni e simboli mortuari, nonché un’allegoria della Catalogna in lutto. All’interno sono stati collocati scudi dei regni della monarchia ispanica, della Sassonia e dei quattro continenti. Nel trascoro era collocato un portale con un’allegoria di Barcellona a forma di ninfa piangente. Infine, tra il coro e il presbiterio fu installato un mausoleo che presentava un corpo basso con allegorie di Tarragona, Tortosa, Lleida, Gerona, Vich, Manresa, Mataró e Cervera; negli intercolumni c’erano sculture di Dolore, Amore, Lealtà e Gratitudine e, al centro, la bara reale con scettro e corona; nel secondo corpo c’erano sculture sedute di generosità, costanza, intelligenza e obbedienza; nella parte superiore del corpo, Carità, Religione, Umiltà, Preghiera e, nel centro, Barcellona; infine, nel coronamento, Eterna Felicità.