Lo sfumato è una delle tecniche pittoriche che produce, con smalti di una trama liscia e trasparente, un effetto vaporoso che conferisce al soggetto imprecisi contorni. “Consiste in un modo di dipingere estremamente morbido, che lascia una certa incertezza sulla conclusione del contorno e sui dettagli delle forme quando si osserva il lavoro da vicino, ma che non provoca indecisione, quando ci si posiziona in un punto giusto distanza (EM) “. Lo sfumato, in italiano “come il fumo”, si oppone al vigore e all’accentuazione della linea che si chiama, nella pittura classica, “sentimento”.

Lo sfumato è uno dei quattro effetti canonici di pittura del Rinascimento. Gli altri tre sono unione, chiaroscuro (o chiaroscuro) e cangiante. Non dovrebbe essere confuso con la prospettiva atmosferica, che è oggetto di un’altra riflessione teorica e generalmente non è ottenuta con gli stessi mezzi. Tuttavia, la tecnica consente un’altra interpretazione: Leonardo, uno scienziato quanto un pittore, ha studiato con un fisico l’acutezza dei fenomeni di illuminazione e, in particolare, la questione dei passaggi insensibili dell’ombra alla luce e l’abolizione di contorni (che non esistono in natura). La traduzione di tali osservazioni sul piano pittorico produce l’involucro vaporoso delle forme (sfumato) e ipso facto suggerisce l’atmosfera che le circonda.

Leonardo da Vinci ha teorizzato l’uso dello sfumato. “Assicurati che le tue ombre e le luci si fondano senza linee o linee come il fumo”. Combinato con il chiaroscuro, simula il volume, anche privo di contorno esatto, poiché cambia da un occhio all’altro e ad ogni movimento.

La sfumatura applicata al paesaggio, in particolare al distanziamento degli oggetti attraverso la sfocatura e la sfocatura dovuta all’effetto della nebbia, viene indicata come prospettiva aerea.

La tecnica è una sottile sfumatura destinata a produrre una transizione morbida tra colori e toni, al fine di ottenere un’immagine più credibile. Viene spesso utilizzato per creare sfumature sottili che non includono linee o bordi, da aree di luce a aree di oscurità. La tecnica è stata utilizzata non solo per dare un rendering elusivo e illusionistico del volto umano, ma anche per creare ricchi effetti atmosferici. Leonardo da Vinci descrisse la tecnica come una fusione di colori, senza l’uso di linee o bordi “alla maniera del fumo”.

Leonardo da Vinci divenne il più eminente professionista dello sfumato, ad esempio in Virgin of the Rocks e nel suo famoso dipinto della Gioconda. Leonardo da Vinci descrisse sfumato come “senza linee o bordi, nella maniera del fumo o al di là del piano di messa a fuoco”.

Oltre a Leonardo, altri eminenti professionisti dello sfumato comprendevano Correggio, Raffaello e Giorgione. La Vergine del Campo di Raffaello è un famoso esempio (guarda soprattutto la sua faccia). Studenti e seguaci di Leonardo (detto Leonardeschi) hanno anche provato le mani a sfumato dopo Leonardo: artisti come Bernardino Luini e Funisi.

Nella pittura del XV secolo prevale l’uso della linea, in particolare quella dei contorni delle figure, con ombre precise e colori satinati. È la scuola del “primato del disegno”, per citare la definizione di Giorgio Vasari, che distingue il Rinascimento fiorentino e che crea figure dai valori grafici.

Nonostante fosse fiorentino per la formazione e nonostante fosse uno dei più grandi stilisti di tutti i tempi, era ancora molto giovane di questa tradizione, preferendo toni attenuati, sottili gradazioni luminose e veli laterali che davano ai dipinti un effetto particolarmente morbido e curioso, dove era impossibile vedere tracce della pennellata.

I primi esperimenti di sfocatura hanno avuto luogo negli sfondi, dove l’atmosfera di vapori, nuvole e umidità rende vaghi i contorni, come nell’Annunciazione degli Uffizi. In seguito, Leonardo arrivò ad applicare questi valori anche ai soggetti, non di rado alzando i colori con le dita, per ottenere quella luce tenue e l’atmosfera avvolgente tipica dei capolavori come la Giocola o San Giovanni Battista. Vasari descrisse questo stile e “molto umoristico” e “terribilmente oscuro”, cioè chiaramente introspecificato.

Le indicazioni di Leonardo sono raccolte dai leonardi della Lombardia, ma anche da altri pittori come il Correggio ei Veneziani. Questi ultimi applicano il modo di rendere i contorni sfocati e di rendere la circolazione dell’aria atmosferica con effetti di amalgama che legano le figure del paesaggio; questo è evidente nei lavori dell’ultima fase di Giovanni Bellini, di Giorgione e dei suoi allievi, come i giovani Tiziano, Lorenzo Lotto e Sebastiano del Piombo. Questa tecnica, unita alla vivacità della tavolozza dei veneziani, ha dato origine al tonalismo, un’altra delle correnti fondamentali della pittura del XVI secolo.

La presenza di Albrecht Dürer a Venezia offre l’opportunità di una riflessione internazionale sulle novità del tonalismo.

I romantici, la corrente realista (Courbet), poi gli impressionisti abbandonarono o semplificarono questa tecnica lunga e minuziosa (impiega tra uno strato e l’altro alcuni giorni o settimane di essiccazione) per adottare un dipinto che dia più enfasi alla spontaneità del tocco , a sinistra visibile, così come l’effetto del materiale incollato dice impasto (in contrapposizione alla liscia fattura dei pittori del Quattrocento e agli inizi del Cinquecento). Produttore di un materiale estremamente sottile e liscio nella carne, Leonardo da Vinci ha lavorato almeno quattro anni sulla Mona Lisa, secondo la testimonianza di Vasari.

La maniera di Leonardo e le modalità materiali della sua scrittura sono sempre state singolari, motivo per cui lo studio fisico dei materiali utilizzati nella pittura di Leonardo da Vinci è stato a lungo limitato. Le autorità del Museo del Louvre, interessate dalla conservazione della Gioconda, hanno iniziato a partire dal 2004 estese analisi della sua materia, con vari metodi di esame senza campionamento. L’analisi degli strati pittorici e la composizione dei pigmenti mediante spettrometria di fluorescenza a raggi X, dagli scienziati del Centro per la ricerca e il restauro dei Musei di Francia (Louvre) e l’impianto europeo di radiazione di sincrotrone a Grenoble è durata sei anni. . Nel 2010 ha concluso che l’immagine è coperta da decine di strati da 1 a 3 micron. Questo non è il caso di tutte le opere di Leonardo; La Belle Ferronnière, ad esempio, è dipinta molto più abitualmente e rapidamente, mentre San Giovanni Battista e Sant’Anna del Louvre sono dipinti secondo questo processo e secondo la tecnica ultra-meticolosa di “dissolvenza complessa”, uno dei più decisivi le fasi sono il micro-divisionismo.

L’analisi ha mostrato l’uso sorprendente di ossido di manganese, specifico per Leonardo. Questo pigmento, molto siccativo, di solito non è raccomandato per la pittura ad olio; ma potrebbe essere un vantaggio per molti strati molto sottili. Tuttavia, era necessario macinarlo molto più finemente del solito. Si suppone che gli schizzi di mulini trovati nei manoscritti di Leonardo corrispondano a una macchina per macinare i pigmenti, necessaria per arrivare a questo risultato. Gli strati di vernice non hanno segni di pennello. Secondo alcuni scienziati, Leonard dipingeva con le dita grasse; altri osservano che un legante con una proporzione adeguata di solvente può consentire la scomparsa dei segni del pennello. La tecnica vincenziana di “fusione complessa” è tuttavia comprovata: tracce di micro-chiavi, coperte o meno con sottili strati traslucidi, si possono osservare nella Mona Lisa del Prado e nella Sainte Anne (Inv 737) della Galleria degli Uffizi. a Firenze, copie da studio eseguite sotto la direzione di Leonard (Franck, 2014).

Per gli altri pittori, Leonardo non poteva vendere e lavorare a lungo, quindi la sua estrema cura per la Gioconda era impossibile. Lo sfumato è realizzato in meno strati, più spesso, con un diverso effetto visivo, ottenendo solo una leggera sfocatura, senza la luminosità del processo di Leonardo. Raffaello dipinge così in tre strati, che richiede solo due periodi di asciugatura, e questo è senza dubbio il caso della maggior parte degli artisti in seguito.

Dal periodo barocco, l’insistenza sul disegno da parte del mainstream costringe gli artisti a rinunciare a sfumato, in favore di una linea marcata che enfatizza il contorno e accentua l’espressione, mettendo in evidenza il controllo della linea. Questo effetto è denominato, nelle parole del tempo, il “sentimento”.