Sculture di Lucio Fontana, Museo Diocesano di Milano

La sezione dedicata a Lucio Fontana è costituita dall’insieme di due nuclei che sono venuti separatamente al Museo Diocesano, intenzionalmente raccolti ed esibiti come testimonianza della straordinaria attività scultorea dell’artista a Milano e nel campo dell’arte sacra.

Nel 2000, i calchi in gesso realizzati da Fontana in occasione del concorso indetto dallo stesso nel 1950 per la costruzione della quinta porta del Duomo di Milano e il disegno della Pala della Vergine Assunta, realizzato nel 1955, arrivarono al Museo dalla Veneranda Fabbrica del Duomo per la cattedrale. Per realizzare la collezione delle opere di Fontana, la bianca Via Crucis del 1955 è arrivata nel 2011 al Museo della Regione Lombardia, concepita dall’artista come parte di un intervento per la cappella della Nursery Home Nursery Ada Bolchini Dell’Acqua (Milano, via Cascina Corba).

Biografia
Lucio Fontana (19 febbraio 1899 – 7 settembre 1968) era un pittore, scultore e teorico argentino-italiano. È principalmente conosciuto come il fondatore dello spazialismo.

Nato a Rosario, provincia di Santa Fe, in Argentina da genitori immigrati italiani, era il figlio dello scultore Luigi Fontana (1865-1946). Fontana trascorse i primi anni della sua vita in Argentina e poi fu inviato in Italia nel 1905, dove rimase fino al 1922, lavorando come scultore con suo padre, e poi da solo. Già nel 1926, partecipò alla prima mostra di Nexus, un gruppo di giovani artisti argentini che lavoravano a Rosario de Santa Fé.

Lavoro
Nel 1927 Fontana tornò in Italia e studiò sotto lo scultore Adolfo Wildt, presso l’Accademia di Brera dal 1928 al 1930. Fu lì che presentò la sua prima mostra nel 1930, organizzata dalla galleria d’arte milanese Il Milione. Durante il decennio successivo viaggiò in Italia e Francia, lavorando con pittori astratti ed espressionisti. Nel 1935 entra a far parte dell’associazione Abstraction-Création a Parigi e dal 1936 al 1949 realizza sculture espressioniste in ceramica e bronzo. Nel 1939, si unì alla Corrente, un gruppo milanese di artisti espressionisti.

Nel 1940 tornò in Argentina. A Buenos Aires (1946) fondò l’Accademia Altamira insieme ad alcuni dei suoi studenti e rese pubblico il Manifesto Bianco, dove si afferma che “Materia, colore e suono in movimento sono i fenomeni il cui sviluppo simultaneo costituisce la nuova arte” . Nel testo, che Fontana non firmò ma a cui contribuì attivamente, iniziò a formulare le teorie che avrebbe dovuto espandere come Spazialismo, o Spatialismo, in cinque manifesti dal 1947 al 1952. Al suo ritorno dall’Argentina nel 1947, egli ha sostenuto, insieme a scrittori e filosofi, il primo manifesto dello spazialismo (Spazialismo) **. Fontana aveva trovato il suo studio e le opere completamente distrutte dai bombardamenti alleati di Milano, ma presto riprese le sue opere di ceramica ad Albisola. A Milano,

Dopo il suo ritorno in Italia nel 1948, Fontana espose il suo primo Ambiente spaziale a luce nera (‘Ambiente spaziale’) (1949) alla Galleria del Naviglio di Milano, un’installazione temporanea costituita da una gigantesca forma simile ad un’ameba sospesa nel vuoto in un stanza buia e illuminata dalla luce al neon. Dal 1949 iniziò il cosiddetto concetto spaziale o serie di barre, che consisteva in buchi o tagli sulla superficie dei dipinti monocromatici, disegnando un segno di ciò che chiamava “un’arte per l’era spaziale”. Ha ideato il generico titolo Concetto spaziale (“concetto spaziale”) per queste opere e lo ha usato per quasi tutti i suoi dipinti successivi. Questi possono essere suddivisi in grandi categorie: i Buchi (“buchi”, a partire dal 1949, e il Tagli (“tagli”), che istituì a metà degli anni ’50.

Fontana spesso rivestiva il retro delle sue tele con una garza nera in modo che l’oscurità brillasse dietro i tagli aperti e creasse un misterioso senso di illusione e profondità. Ha quindi creato un elaborato soffitto al neon chiamato “Luce spaziale” nel 1951 per la Triennale di Milano. Nella sua importante serie di Concetto spaziale, La Fine di Dio (1963-1964), Fontana utilizza la forma dell’uovo. Con la sua serie Pietre (pietre), iniziata nel 1952, Fontana fonde lo scultoreo con la pittura incrostando le superfici delle sue tele con impasto pesante e vetro colorato. Nel suo ciclo Buchi (buchi), iniziato tra il 1949 e il 1950, ha perforato la superficie delle sue tele, rompendo la membrana della bidimensionalità per evidenziare lo spazio dietro l’immagine. Dal 1958 ha purificato i suoi dipinti creando superfici opache, monocromatiche, focalizzando così lo spettatore ‘ s attenzione alle fette che rendono la pelle della tela. Nel 1959 Fontana espose dipinti recisi con molteplici elementi combinabili (chiamò i set quanti) e iniziò Nature, una serie di sculture realizzate tagliando uno squarcio attraverso una sfera di terracotta, che successivamente gettò in bronzo.

Fontana si è impegnato in numerosi progetti di collaborazione con i più importanti architetti della giornata, in particolare con Luciano Baldessari, che ha condiviso e sostenuto la sua ricerca per Spatial Light – Structure in Neon (1951) alla IX Triennale e, tra le altre cose, gli ha commissionato progettare il soffitto del cinema nel padiglione Sidercomit alla 21a Fiera di Milano nel 1953.

Intorno al 1960, Fontana iniziò a reinventare i tagli e le forature che fino a quel momento avevano caratterizzato il suo stile molto personale, coprendo tele con strati di pittura ad olio denso applicati a mano e pennello e usando un bisturi o un coltello Stanley per creare grandi fessure nella loro superficie . Nel 1961, a seguito di un invito a partecipare insieme agli artisti Jean Dubuffet, Mark Rothko, Sam Francis e altri in una mostra di pittura contemporanea intitolata “Arte e contemplazione”, tenutasi a Palazzo Grassi a Venezia, ha creato una serie di 22 opere dedicate alla città lagunare. Ha manipolato la vernice con le dita e vari strumenti per creare solchi, a volte includendo frammenti sparsi di vetro di Murano. Fontana fu successivamente invitata da Michel Tapié a esporre le opere alla Martha Jackson Gallery di New York.

Tra le ultime opere di Fontana ci sono una serie di Teatrini (“piccoli teatri”), in cui è tornato ad un linguaggio essenzialmente piatto usando backcloths racchiusi in ali che ricordano una cornice; il riferimento al teatro enfatizza l’atto di guardare, mentre in primo piano una serie di sfere irregolari o di sagome ondulate e oscillanti crea un vivace gioco di ombre. Un’altra opera di quel tempo, Trinità (Trinity) (1966), è costituita da tre grandi tele bianche punteggiate da linee di fori, abbracciate in uno scenario teatrale costituito da fogli di plastica ultramarina che ricordano vagamente le ali.

Negli ultimi anni della sua carriera, Fontana divenne sempre più interessato alla messa in scena del suo lavoro nelle numerose mostre che lo onorarono in tutto il mondo, così come all’idea di purezza raggiunta nelle sue ultime tele bianche. Queste preoccupazioni furono importanti alla Biennale di Venezia del 1966, per la quale progettò l’ambiente per il suo lavoro. Nel Documenta IV di Kassel nel 1968, posizionò una grande fessura di gesso al centro di un labirinto completamente bianco, tra soffitto e pavimento (Ambiente spaziale bianco).

Poco prima della sua morte era presente alla dimostrazione “Destruction Art, Destroy to Create” al Finch College Museum di New York. Quindi lasciò la sua casa a Milano e andò a Comabbio (in provincia di Varese, Italia), città madre della sua famiglia, dove morì nel 1968.

Fontana ha creato una prolifica quantità di opere grafiche con motivi astratti e figure, poco conosciute nel mondo dell’arte, mentre stava producendo le sue opere astratte perforate. Fu anche scultore del busto di Ovidio Lagos, fondatore del quotidiano La Capital, in marmo di Carrara.

Esposizioni
Fontana fece le sue prime mostre personali alla Galleria del Milione, Milano, nel 1931. Nel 1961, Michel Tapié organizzò la sua prima mostra negli Stati Uniti, una mostra della serie di Venezia, alla Martha Jackson Gallery di New York. La sua prima mostra personale in un museo americano si tenne al Walker Art Center di Minneapolis nel 1966. Partecipò alla Bienal de São Paulo e a numerose mostre in tutto il mondo. Tra le altre, importanti retrospettive sono state organizzate dalla Collezione Peggy Guggenheim, Venezia (2006), Hayward Gallery, Londra (1999), Fondazione Lucio Fontana (1999) e il Centre Georges Pompidou (1987; si recarono a La Fundación ‘la Caixa’ Barcellona; Museo Stedelijk, Amsterdam; Whitechapel Gallery, Londra). Dal 1930 il lavoro di Fontana era stato esposto regolarmente alla Biennale di Venezia, e ha rappresentato l’Argentina varie volte; gli è stato assegnato il Gran Premio per la pittura alla Biennale di Venezia del 1966. Nel 2014, il Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris dedica una retrospettiva all’artista. L’arte Tornabuoni ha tenuto una mostra parallela nello spazio della sua galleria Avenue Matignon a Parigi.

collezioni
Le opere di Fontana si trovano nelle collezioni permanenti di oltre cento musei in tutto il mondo. In particolare, esempi della serie Pietre sono ospitati nello Stedelijk Museum di Amsterdam, nel Centre Pompidou, a Parigi, nel Museum of Modern Art di New York, nella Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma, nel Museum of Contemporary Art di Villa Croce a Genova e il Van Abbemuseum, Eindhoven. I gioielli di Fontana sono inclusi nella collezione permanente del Museum of Fine Arts di Boston.

Mercato dell’arte
Lo studioso italiano Enrico Crispolti ha curato un catalogo in due volumi di dipinti, sculture e ambienti di Fontana nel 2006. Nel 2013, Luca Massimo Barbero, Nina Ardemagni Laurini e Silvia Ardemagni hanno pubblicato un catalogo in tre volumi di opere su Fontana, tra cui più di 5.500 opere in ordine cronologico.

Una rara, grande opera cremisi con una singola barra, che Fontana ha dedicato a sua moglie e che è sempre stata conosciuta come Teresita, ha ottenuto 6,7 milioni di sterline (11,6 milioni di dollari) a Christie’s London nel 2008, quindi un disco d’asta per l’artista. Il Concetto Spaziale di Fontana, Attese (1965), proveniente dalla collezione di Anna-Stina Malmborg Hoglund e Gunnar Hoglund, ha stabilito un nuovo record per un taglio a 8,4 milioni di sterline a Sotheby’s London nel 2015. Ancora più popolari sono le tele ovali di Fontana. Sotheby’s ha venduto un’opera intitolata Concetto spaziale, la fine di dio (1963) per £ 10,32 milioni nel 2008. Parte del circolo veneziano di Fontana, Festival on the Grand Canal è stato venduto a Christie’s a New York per $ 7 milioni nel 2008.

Punti salienti
Al piano terra, un’intera sezione del museo è dedicata alle opere scultoree di Lucio Fontana. Tra questi spiccano, oltre ai cerotti preparatori della quinta porta del Duomo di Milano e della Pala della Vergine Assunta, le quattordici stazioni della Via Crucis (Via Crucis bianca, 1955), in deposito al Museo dal Regione Lombardia

L’arcivescovo Antonio da Saluzzo riceve le offerte dal popolo Gesso, 98 x 169 x 45 cm
L’opera fa parte del gruppo di cinque calchi in gesso, che è arrivato al Museo nel 2000 dalla Veneranda Fabbrica del Duomo, realizzato in occasione del concorso indetto nel 1950 dalla Veneranda Fabbrica per la costruzione della quinta porta della cattedrale . Il tema del concorso, Origini ed Eventi della cattedrale, è stato scelto dallo stesso arcivescovo di Milano, il Beato Card. Ildefonso Schuster. Nel 1951 l’artista partecipò al primo grado del concorso presentando un modello di porta che si distingueva per la sua originalità inventiva e compositiva. L’estrema sintesi formale seguita dai dodici episodi e la resezione dei corpi dei papi lombardi utilizzati come architrave non soddisfacevano la Commissione che invitava l’artista a partecipare al secondo grado del concorso apportando alcune modifiche formali e compositive. Nel 1952 Fontana vince il primo premio ex Luciano Minguzzi ma, negli anni seguenti, stanco delle lunghe incertezze della Commissione, abbandona il progetto. Nell’intonaco in questione, la scena è simmetricamente divisa in due parti: a sinistra l’arcivescovo insieme ad un altro personaggio, forse il duca Giangaleazzo, mentre a destra troviamo un gruppo di figure che rappresentano la comunità di fedeli che offre le offerte per la costruzione della Cattedrale

Pala d’altare della Vergine Assunta, cm 320 x 180 x 50
Il disegno della pala d’altare dell’Assunzione Virginit fu creato da Lucio Fontana nel 1955 in seguito al concorso lanciato nel novembre 1950 dalla Veneranda Fabbrica del Duomo in concomitanza con l’annuncio del dogma dell’Assunzione di Maria da parte di Papa Pio XII. L’opera, concepita come una pala d’altare, era destinata a una navata minore della cattedrale. La pala d’altare, progettata in marmo e rimasta sul palco dello schizzo, rappresenta centralmente su uno sfondo ondulato la figura della Vergine Assunta di dimensioni monumentali, ai piedi della quale vi è una predella più piccola raffigurante un’intensa Pietà. Dalla composizione unitaria di Assunzione e Pietà, una soluzione fornita da Fontana fin dall’inizio, deriva il contrasto tra l’estroversione dirompente della prima e l’intima memoria della seconda.

Via Crucis “bianco” in ceramica smaltata, 14 piastrelle ottagonali, 41,5 x 21 x 10 cm ciascuna
Concepita come parte di un intervento per la cappella del Nursery Home Nursery Ada Bolchini Dell’Acqua (Milano, via Cascina Corba), la bianca Via Crucis è il risultato della collaborazione tra Marco Zanuso, che progettò l’edificio tra il 1953 e il 1954, e Lucio Fontana, che ha concepito una decorazione ad hoc per lo spazio della cappella secondo il principio dell’unità concettuale tra la decorazione scultorea e l’ambiente. L’opera è composta da quattordici piastrelle in ceramica bianca smaltata ottagonale, brevemente incise e contrassegnate da intensi accenni cromatici, strettamente collegati al dramma narrativo. Nelle quattordici stazioni sono registrate le scene della condanna di Gesù e dell’ascesa al Calvario riassunte in alcuni elementi narrativi. Le figure spiccano isolate su una superficie inferiore liscia e lucida brevemente incisa con tagli netti.

Museo Diocesano di Milano
Il Museo Diocesano di Milano è nato nel 2001 su iniziativa dell’Arcidiocesi di Milano con l’obiettivo di proteggere, valorizzare e far conoscere i tesori artistici della diocesi nel contesto del contesto spirituale che li ha ispirati. Dall’anno seguente è teatro dell’iniziativa Un capolavoro per Milano.

Il Museo Diocesano si trova nella cornice dei chiostri di Sant’Eustorgio, parte integrante di uno dei più antichi complessi monumentali di Milano, costruito dalle unità unite della basilica e del convento domenicano, un fiorente centro nel corso del secoli in una zona importante per la storia del cristianesimo milanese.

La collezione permanente è costituita da oltre settecento opere d’arte che abbracciano il periodo che va dal 4 ° al 21 ° secolo. All’interno della Galleria di Pittura dell’Arcivescovo si trovano le raccolte degli arcivescovi milanesi (parte dei Monti, Visconti, raccolta Riccardi e la raccolta completa di Erba Odescalchi). Oltre ai dipinti provenienti dalle chiese della diocesi, il Museo ospita un importante gruppo di opere di arredamento liturgico. Completano la collezione la sezione dedicata ai dipinti su pannelli in foglia d’oro (opere principalmente provenienti dalla sfera della Toscana del 14 ° e 15 ° secolo, raccolte dal Prof. Alberto Crespi e donate al Museo), e sculture e dipinti provenienti dalla collezione di Caterina Marcenaro. Infine, attorno a un primo nucleo di opere scultoree di Lucio Fontana,