La Scuola di Fontainebleau (Ecole de Fontainebleau 1530-1610) fa riferimento a due periodi di produzione artistica in Francia durante il tardo Rinascimento incentrato sul castello reale di Fontainebleau, che furono cruciali nella formazione della versione francese del Manierismo settentrionale.
Termine che comprende il lavoro in un’ampia varietà di media, tra cui pittura, scultura, stucchi e incisioni, prodotto dal 1530 al primo decennio del 17 ° secolo in Francia (es. La Ninfa di Fontainebleau). Evoca un mondo irreale e poetico di eleganza figure allungate, spesso in ambientazioni mitologiche, oltre ad incorporare ricche e intricate ornamentazioni con un tipo caratteristico di cinturini La frase fu usata per la prima volta da Adam von Bartsch in Le Peintre-graveur (21 voll., Vienna, 1803-21), riferendosi a un gruppo di incisioni e incisioni, alcune delle quali fatte senza dubbio a Fontainebleau in Francia Più in generale, designa l’arte realizzata per decorare il castello di Fontainebleau, costruito dal 1528 da Francesco I e dai suoi successori, e per estensione copre tutte le opere che riflettono l’arte di Fontainebleau Con la rivalutazione del manierismo nel 20 ° secolo, la popolarità della scuola di Fontainebleau è aumentata enormemente
Centrata attorno ai pittori che lavorano principalmente sulla decorazione del castello di Fontainebleau, questa scuola è caratterizzata da una interpretazione francese misurata del manierismo.
Il nome dato a questo movimento artistico, tuttavia, risale al XIX secolo, usato per la prima volta nel 1818 dallo storico Adam Bartsch (1757-1821), nella sua opera incisa (1803-1821), per designare le stampe fatte da un gruppo di artisti negli anni Quaranta, sotto l’influenza di due maestri italiani che lavoravano al castello di Fontainebleau: il Rosso e il Primatice.
Per estensione, questo termine è stato applicato a tutte le forme d’arte che fiorirono a Fontainebleau, e poco dopo, nello stesso spirito, a Parigi.
La prima scuola di Fontainebleau (1526-1570 circa)
Nel 1526, quando era appena tornato dalla prigionia, Francis I portò un grande gruppo di artisti italiani dall’Italia per abbellire il suo palazzo di Fontainebleau 3. Crea così il suo desiderio, una sorta di “nuova Roma”, che sarà chiamata la Scuola di Fontainebleau, con un influente circolo intellettuale e artistico.
Dal 1530, sotto l’influenza degli italiani Rosso e Primatice, vengono lanciate le grandi formule di uno stile decorativo che prevarrà in tutta Europa. La loro grande innovazione nella decorazione d’interni è l’alleanza, per la prima volta in Francia, di ornamenti o figure in stucco con affreschi e boiserie.
Tra i soggetti preferiti ci sono i dipinti mitologici o allegorici, ispirati all’antichità, dove i nudi sono trattati con eleganza 4. Grazie a Rosso, la First School di Fontainebleau sviluppa le capacità decorative della cartuccia associandola agli avvolgimenti e alle morbide cut-out della pelle. Questa formula non sarà mai conosciuta per essere un successo universale.
Nella Galerie François I, questa nuova introduzione allo stucco arricchisce affreschi o medaglioni, con bordi in rilievo. Questo sistema a cornice, creato su impulso del Rosso, anima qui figure, putti, ghirlande di frutta, bucrani, satiri o maschere, nel mezzo dell’ondulazione di cuoio e fori di nicchie. Questi stucchi a volte bianchi, a volte dipinti e dorati, incorniciano figure allegoriche, mentre creano giochi di ombre e di luci.
Opera di un italiano, ma impensabile al di fuori del contesto francese, la Galerie François Ier si rivela come un vasto ensemble per la glorificazione della monarchia francese. Ammirata immediatamente dagli stranieri, e in primo luogo dagli italiani, improvvisamente fece di Fontainebleau un importante centro artistico, come una “nuova Roma”, realizzando così la grande ambizione del re che è rappresentato come “vincitore dell’Ignoranza”.
Questo nuovo tipo di galleria impone in Francia un mondo immaginario inedito: la corte, abituata fino ad ora alle decorazioni di arazzi con soggetti religiosi o eroici, scopre l’universo della Favola e le sue provocanti nudità. Un tale lavoro deve aver causato una sensazione e accelerato l’evoluzione delle menti.
Mentre la morte avvenne, il Rosso nel 1540, Primatice, prese la direzione delle opere di Fontainebleau, assistito in questo da Nicolò dell’Abbate.
Il completamento della decorazione della camera della Duchessa d’Etampes, gli dà l’opportunità di realizzare un vasto complesso decorativo, i cui cicli allegorici mettono in primo piano la figura umana. Tuttavia, viene trattato come elemento decorativo tra molti altri, prima, così come ghirlande o cartucce, per piegarsi alla formulazione complessiva e ai requisiti della composizione. La sua scala e il suo canone seguono quindi gli imperativi dell’effetto generale. In generale, è il manierismo italiano, introdotto e rinnovato dal Rosso e dal Primatice che controlla l’aspetto fluido e allungato delle figure, in particolare quando si tratta del nudo femminile che viene poi animato dalla “linea serpentina”.
Sopra i pannelli di questa stanza si sviluppano scene erotiche ispirate alla vita di Alessandro Magno. Questa serie di affreschi, realizzati tra il 1541 e il 1544, trae anche ispirazione dai successi di Raffaello come dalla lussuria di François I er: re libertino alle molte amanti (avrebbe avuto 27 alla volta), avrebbe detto in Brantôme: “Una corte senza signore, è come un giardino senza fiori” 6. Incompiute per un certo periodo, queste decorazioni furono completate dal 1570 da Niccolò dell’Abate, per lasciare il lavoro all’ala del Belle-Cheminée. Tra queste opere, siamo venuti dal Primatice: “Alexander domare Bucéphale”, “Le nozze di Alessandro” e “Roxane e Alessandro risparmiano Timoclée”, integrati da quelli di Niccolo dell’Abate tra cui: “Alexander ha un set in una scatola imposta le opere di Omero “e” Thalestris si arrampica nel letto di Alessandro “.
Poco dopo, il Ballroom, prese una festa diversa, Primatice fu soppiantata da Philibert Delorme. Le finestre qui vetrate consentono lo sviluppo di affreschi sopra un’alta falegnameria a pannelli. Un soffitto a cassettoni sviluppato da Scibec de Carpi completa l’ensemble. Sul fondo si trova un gigantesco camino incorniciato da due satiri in bronzo, il cui eclettico gioco di forme, luce e materiali, denota uno stile manierista italiano. Negli embrasures delle finestre, compaiono serie dipinte di scene mitologiche ispirate alla Storia della guerra di Troia e realizzate da Niccolò dell’Abbate, che lavora in parallelo per Anne de Montmorency (Illuminismo di Proserpina, o Storia di Euridyce).
Queste conquiste Bellifontain hanno influenzato notevolmente artisti francesi come Jean Goujon, Antoine Caron e Noël Jallier. A volte, altri artisti invitati da François I, come Benvenuto Cellini o Girolamo della Robbia, sono associati con la Scuola di Fontainebleau. Un certo numero di questi personaggi, influenzati dall’arte italiana, iniziarono a partecipare alla decorazione interna del castello in costruzione di Ecouen. In generale, se lo spirito degli elementi decorativi rimane fedele alle realizzazioni di Fontainebleau, le composizioni di questo nuovo sito vedono un’evoluzione nel trattamento degli stucchi, gradualmente sostituito dal trompe l’oeil.
Prendendo le parti prese dalla sala da ballo di Fontainebleau, le stanze del castello di Ancy-le-Franc sono adornate con alti pannelli ricoperti da affreschi attribuiti in gran parte a Primatice o ad altri pittori di Fontainebleau. Il loro stile particolare qui testimonia ancora l’influenza esercitata dalle residenze reali su tutte le produzioni artistiche del momento.
Verso la metà del XVI secolo, quando il mercato della stampa è in piena esplosione, i dipinti realizzati da questa scuola vengono copiati in incisioni, apparentemente in occasione di un breve programma organizzato che include gli stessi pittori. stesso 8. L’arte del vetro colorato è influenzata, il pezzo di arredamento copia i motivi più famosi. Gli scultori, anche i più grandi, non sono insensibili ad esso. Così i mecenati eseguiti dagli artisti di Fontainebleau per tappezzieri, orafi e smaltatori contribuirono naturalmente alla stretta interdipendenza delle arti in quel momento.
Lungi dalla scomparsa alla morte dei suoi due ultimi creatori, la Scuola di Fontainebleau, sopravvive, a volte in modo molto arcaico fino alla fine del secolo. La sua influenza sull’arte francese è sorprendente: si nota fino in provincia negli affreschi del castello di Oiron e poi di Tanlay. Così, mescolando il bellifontain e le influenze romane, la galleria del Château d’Oiron (1547-1549) realizzata da Noël Jallier sul tema dell’Eneide e dell’Iliade, fa la sintesi tra Francia e Italia. Troviamo anche i cavalieri italiani e una grande passione nell’azione dei personaggi, ispirati al Rosso, mentre uno sfumato poetico invade i paesaggi romani.
Infine, nel castello di Tanlay, gli affreschi della volta a cupola del piano superiore della Torre della Lega, rappresentano con la stessa linea serpentina, personaggi della corte di Francia, travestiti da dei dell’Olimpo.
Nonostante la diversità delle feste decorative, il gran numero di tecniche utilizzate e il carattere cosmopolita di un ambiente che riunisce artisti italiani, francesi e fiamminghi, le produzioni della Scuola di Fontainebleau presentano una grande unità di stile, caratterizzata da una concezione comune di figura e ornamento. Il mondo nato da questo accordo non ha equivalenti in Italia, bisogna ammettere che un clima particolare alla corte di Francia, sontuoso, sensuale, elegante, ha indirizzato in una nuova direzione il genio di Rosso e Primatice.
Le opere di questa “prima scuola di Fontainebleau” sono caratterizzate dall’uso estensivo di stucchi (cornici e cornici) e affreschi, e da un elaborato (e spesso misterioso) sistema di allegorie e iconografia mitologica. Motivi decorativi rinascimentali come grottesche, cinture e putti sono comuni, così come un certo grado di erotismo. Le figure sono eleganti e mostrano l’influenza delle tecniche del manierismo italiano di Michelangelo, Raffaello e in particolare del Parmigianino. Primaticcio fu anche diretto a fare copie di antiche statue romane per il re, diffondendo così l’influenza della statuaria classica.
Molte delle opere di Rosso, Primaticcio e dell’Abate non sono sopravvissute; parti del castello sono state rimodellate in varie date. I dipinti del gruppo sono stati riprodotti in stampe, per lo più incisioni, che sono state apparentemente prodotte inizialmente a Fontainebleau stesso, e più tardi a Parigi. Questi diffusero lo stile attraverso la Francia e oltre, e registrarono anche diversi dipinti che non sono sopravvissuti.
Lo stile manierista della scuola di Fontainebleau influenzò gli artisti francesi (con cui lavoravano gli italiani) come il pittore Jean Cousin il Vecchio, gli scultori Jean Goujon e Germain Pilon e, in misura minore, il pittore e ritrattista François Clouet, figlio di Jean Clouet.
Laboratorio di incisioni
Sebbene non ci siano prove certe, la maggior parte degli studiosi ha concordato che esisteva un laboratorio di incisioni nel palazzo di Fontainebleau, che riproduceva i disegni degli artisti per le loro opere nel palazzo, così come altre composizioni da loro prodotte. Gli stampatori più produttivi furono Léon Davent, Antonio Fantuzzi e Jean Mignon, seguiti dal “misterioso” artista conosciuto dal suo monogramma come “Maestro I♀V” (♀ è il simbolo alchemico del rame, da cui sono state realizzate le lastre da stampa) e il seminario sembra essere stato attivo tra il 1542 e il 1548 al più tardi; François I di Francia morì nel marzo 1547, dopo di che finirono i finanziamenti per il palazzo e la scuola si disperse. Queste furono le prime incisioni eseguite in Francia, e non molto indietro rispetto ai primi usi italiani della tecnica, che ebbe origine in Germania. Le prime impressioni di tutte le stampe di Fontainebleau sono in inchiostro marrone e la loro intenzione sembra essere stata essenzialmente riproduttiva.
L’intenzione del seminario era di diffondere il nuovo stile che si stava sviluppando a palazzo più ampiamente, sia in Francia che tra i colleghi italiani in Italia. Non è chiaro se l’iniziativa di fare questo sia venuta dal re o da un altro mecenate, o solo dagli artisti. David Landau ritiene che Primaticcio sia stata la forza trainante; si era fatto avanti per diventare il direttore dei lavori di Fontainebleau dopo il suicidio di Rosso Fiorentino nel 1540.
L’impresa sembra essere stata “solo leggermente prematura” in termini di acquisizione di un mercato. Le stampe incise erano spesso contrassegnate da segni di inesperienza del laboratorio e talvolta incompetenza con la tecnica di incisione, e secondo Sue Welsh Reed: “Poche impressioni sopravvivono da queste lastre, ed è discutibile se molti siano stati tirati. eseguiti e non ben stampati, erano spesso graffiati o non ben lucidati e non si pulivano, alcuni potevano essere fatti di metalli morbidi come il rame, come il peltro. ” Un mercato in espansione per le stampe preferiva le “trame altamente rifinite” di Nicolas Beatrizet, e in seguito incisori “abili ma fondamentalmente non ispirati” come René Boyvin e Pierre Milan.
Artisti notevoli della prima scuola
Niccolò dell’Abbate (c.1509-1571) (italiano)
Damiano del Barbiere, stuccatore e scultore italiano
Francesco Scibec da Carpi (morto nel 1557), produttore di mobili italiano, che lavorava alle boiseries.
Léon Davent, incisore francese
Antonio Fantuzzi, pittore e incisore italiano
Rosso Fiorentino (Giovanni Battista di Jacopo de ‘Rossi) (1494-1540) (italiano)
Juste de Juste (1505-1559) scultore e incisore franco-italiano
Luca Penni (1500 / 1504-1556 circa) (italiano)
Francesco Primaticcio (c.1505-1570) (italiano)
Léonard Thiry, fiammingo, pittore e incisore
La seconda scuola di Fontainebleau (1594-1617)
Dal regno di Enrico IV si sviluppa uno stile tardo manierista chiamato “Seconda scuola di Fontainebleau”. Facendo eco al primo, si riferisce principalmente ai pittori che erano attivi nei cantieri reali. durante il regno di Enrico IV (1594 – 1610) e la reggenza di Maria de ‘Medici (1610-1617). Anche il campo di attività di questa seconda scuola ha largamente superato il quadro dell’unico castello di Fontainebleau; la sua parte era grande nella decorazione del Louvre e di Saint-Germain-en-Laye, per non parlare del lavoro svolto per la manifattura reale degli arazzi 8. Questa nuova squadra, tuttavia, differisce dalla precedente per il suo grande numero di artisti di origine fiamminga e, più in generale, per un’influenza nordica più pronunciata, che può essere spiegata dalle circostanze politiche del tempo. .
Dopo un lungo periodo di disordini legati alle guerre di religione, il rinnovamento delle arti è particolarmente sorprendente nel regno di Enrico IV, toccando tutte le aree: pittura, scultura, architettura, libro d’arte ma anche giardini d’arte e arti di corte, compresi i balletti e entrate trionfali.
Rinnovando con il tempo di Francesco I, il re sta lavorando per far rivivere le arti francesi da un importante patrocinio. Per attrarre artisti che fuggirono di nuovo da Parigi, iniziò a lavorare negli anni ’90 del secolo scorso per contribuire alla fama del regno coinvolgendoli in programmi ambiziosi (Galerie de Diane, Galerie des Cerfs, Pavillon des Poëles, New Castle of Saint-Germain- en-Laye …). Enrico IV, il primo re della dinastia dei Borbone, ma anche erede del trono Valois, non cessa mai di ricordare la legittimità di questa potenza conquistata. Fontainebleau è quindi parte di queste opere incompiute sotto i Valois che il re vuole completare mentre allo stesso tempo aiuta la capitale a riguadagnare il suo primato nel campo artistico.
È in questo contesto di rinnovata prosperità, che si sviluppa la seconda Scuola di Fontainebleau. La continuità con la prima squadra è tanto più sensibile che anche la seconda fa parte della tendenza internazionale del Manierismo, da cui il nome comune. Ma con l’ispirazione parmigiana che dominava con il Primatice sono più influenze miste. Gli italiani non giocano più il primo ruolo perché sono benissimo i francesi che ora occupano le posizioni manageriali. Se guardiamo ancora al Primatice, il Rosso o Nicolò Dell’Abate, i cui colori e le tendenze “moderne” dei loro paesaggi e le loro scene di genere sono apprezzate, l’ispirazione generale è cambiata: il contributo fiammingo, che è diventato essenziale, porta a un’interpretazione più personale della pittura, che associa alle formule manieriste elementi di un realismo spesso vicino alla caricatura: Toussaint Dubreuil, Ambroise Dubois e Martin Fréminet sono oggi considerati i principali maestri di questo movimento.
Durante tutto il regno di Enrico IV, questi artisti cercano costantemente di rinnovare lo stile decorativo francese, sfruttando le opportunità offerte dalla ripresa dei cantieri reali. Per svolgere la loro ricerca, la nuova squadra non esita a trarre non solo dalle fonti dell’arte di Fontainebleau, che dal contemporaneo italianizzante fiammingo, portando così diverse distorsioni nei loro prestiti. Così l’Ambroise Dubois fiammingo e il francese Toussaint Dubreuil (scomparso prematuramente nel 1602) sintetizzano il loro contributo per composizioni con stravaganti distorsioni e nudi erotici, con uno stile brillante ed eclettico. Tuttavia, la fiamma sembra del tutto estinta e la confusione di spazio e scala nella maggior parte delle composizioni maschera la povertà dell’immaginazione e dello stile.
A differenza della prima scuola di Fontainebleau, nessun artista francese della seconda generazione raggiunge il valore e il carisma di Rosso o Primatice. Nonostante il suo desiderio di indipendenza e di rinnovamento, questa scuola è troppo spesso attratta dagli elementi vistosi e fantastici dei modelli italiani, caratterizzati da prospettive estreme e una tavolozza esagerata e aspra; troppe opere affondano poi in una formula confusa e in un evidente erotismo, segni di una comprensione superficiale dell’arte del tardo Rinascimento.
Se la Seconda Scuola di Fontainebleau riunisce artisti francesi come Jacob Bunel, Guillaume Dumée, Gabriel Honnet o il già barocco Martin Freminet, per creare le decorazioni delle residenze reali, solo Antoine Caron impressiona con la sua arte di corte estremamente sofisticata. I suoi dipinti sono stranamente simili a giganteschi balletti, probabilmente ispirati al divertimento preferito della corte di Caterina de ‘Medici, suo principale patrono.
Ora meno focalizzato su temi mitologici o allegorici, ispirati all’antichità, la Seconda Scuola di Fontainebleau è più propensa a rivolgersi ai temi romantici e letterari delle canzoni di Tasso e Ariosto: i soggetti di Gerusalemme consegnati o dei Franciade conoscono poi un clamoroso successo. Tuttavia, i temi religiosi sono ancora molto popolari perché spesso legati a ordini prestigiosi, perfettamente illustrati nell’arredo barocco della cappella della Trinità di Fréminet, come una nuova “Sistina francese” del XVII secolo.
Con la sontuosità delle sue decorazioni, il castello di Fontainebleau diventa per un certo tempo un importante centro artistico che si aggiunge alla radiazione della nuova dinastia; Gli scambi tra arte parigina e arte Bellifontain sembravano intensificarsi.
Tuttavia, i legami che uniscono la Francia di Henri IV e Marie de Médicis ai maggiori centri artistici europei, permettono a questa nuova squadra di Bellifontaine di collocarsi in un contesto più ampio, in collegamento con Firenze, Anversa o Nancy, il cui brillante centro artistico è dominato da Jacques Bellange (morto nel 1616) ma il cui stile è inesorabilmente aumentato sotto l’influenza di Jean de Hoey e Jerome Franck.
Mentre molte opere degli artisti della Seconda Scuola di Fontainebleau sono purtroppo scomparse, la conservazione al castello di Ancy-le-Franc, una vasta serie di scenografie, relative sia alla prima che alla seconda scuola di Fontainebleau, è oggi uno dei principali testimoni della produzione pittorica francese del Rinascimento.
In conclusione, il famoso dipinto che rappresenta Gabrielle d’Estrées e una delle sue sorelle, riassume perfettamente le caratteristiche della pittura francese della corte reale del tempo, mescolando sensualità, freschezza dei colori e influenza della pittura italiana del Rinascimento. Distinguendosi dai maestri della prima scuola, con un colore più caldo e contrastante, l’arte di questi pittori impastava ancora modelli del primo manierismo italiano, ha svolto un ruolo innegabile di transizione con l’arte parigina dell’inizio del xvii secolo , esprimendo tanto le nuove tendenze del classicismo come quelle del barocco.
Tuttavia, lo splendore delle opere della Prima Scuola è tale che maestri come Primatice e Nicolò dell’Abbate continuano ad esercitare un’influenza decisiva per tutto il periodo: resteranno un importante riferimento al XV secolo per classici come Laurent de La Hyre , Jacques Blanchard, Lubin Baugin e persino i fratelli Le Nain.
Il loro stile avrebbe continuato ad avere un’influenza sugli artisti nei primi decenni del 17 ° secolo, ma altre correnti artistiche (Peter Paul Rubens, Caravaggio, le scuole olandesi e fiamminghe naturaliste) le avrebbero presto eclissate.
Artisti notevoli della seconda scuola
Ambroise Dubois (1542-1614 circa) (nato fiammingo)
Toussaint Dubreuil (c.1561-1602)
Martin Fréminet (1567-1619)