La pittura scenica teatrale comprende discipline di ampio respiro, che comprendono praticamente l’intero ambito della pittura e delle tecniche artigianali. Un pittore scenico esperto (o artista scenico) avrà competenze in pittura di paesaggi, pittura figurativa, trompe l’oeil e rifiniture finte, e sarà versatile in diversi media come acrilico, olio e pittura a tempera. Il pittore potrebbe anche essere realizzato in abilità tridimensionali come la scultura, l’intonacatura e la doratura.

Il pittore scenografico subordina le proprie capacità al designer teatrale. In alcuni casi i designer dipingono le proprie opere.

Le tecniche e le conoscenze specialistiche del pittore scenografico riproducono un’immagine in scala più ampia dalla maquette di un designer, forse con fotografie di accompagnamento e ricerche originali, e talvolta con campioni di pittura e stile.

Vernice scenica
La vernice scenica è stata tradizionalmente mescolata dal pittore usando il colore della polvere di pigmento, un legante e un mezzo. Il legante aderisce alla polvere su se stesso e sulla superficie su cui è applicato. Il mezzo è un diluente che consente di lavorare più facilmente la vernice, scomparendo quando la vernice si asciuga. Oggi è comune utilizzare marchi di pitture decorative già pronte o pigmenti sospesi in un mezzo a cui verrà aggiunto un legante.

Origini e storia
La pittura teatrale è probabilmente antica quanto il teatro europeo stesso, che fu costruito nell’antica Grecia nel VI secolo aC. Chr.

Plinio il Giovane e Vitruvio riferirono in questo periodo di dipinti nei teatri e nelle arene romane.

Decorazioni fisse e dipinte sul palcoscenico sotto forma di telai rivestiti di lino dietro a un palcoscenico architettonicamente immutabile erano usate nel Rinascimento, ad esempio nella scena prospettica del Teatro Olimpico. In questa fase si è utilizzata l’alta arte della rappresentazione prospettica degli artisti del Rinascimento, per ingannare l’osservatore dell’illusione di uno scenario scenico spaziale. Qui, i passaggi del palco tra la parte anteriore e quella posteriore erano dotati di tessuti dipinti su telai di legno per completare l’effetto spaziale di una prospettiva per lo spettatore. Sia nel periodo rinascimentale che in quello barocco, sono stati riscoperti elementi decorativi antichi, elaborati nel design e funzionalmente estesi.

La prospettiva centrale preferita della pittura fin dal Rinascimento fu incorporata nell’ormai inarrestabile rapido sviluppo della decorazione scenica. Di conseguenza, Filippo Bunelleschi (1377-1446) è anche chiamato il pioniere della pittura teatrale. Il risultato furono dipinti su larga scala, che non sono in alcun modo inferiori ai dipinti ad olio contemporanei in termini di tecnologia e perfezione. Lo scopo di questa prospettiva centrale del punto di fuga era l’illusione di un punto di fuga nell’infinito, ad esempio, spesso usato per rappresentare imponenti canyon e superare il loro effetto.

All’inizio del barocco, Giovanni Battista Aleotti sviluppò scene mobili all’aperto nel 1606 per rendere mutevole la decorazione scenica. Questi elementi decorativi rigidi sono stati naturalmente dipinti con rappresentazioni sceniche, sceniche o architettoniche. Anche per la trasformazione del disegno scenografico sono stati dipinti i Telari – che sono stati modellati sull’antica Periakten. Questi componenti prismatici verticali a tre lati potevano essere percepiti fianco a fianco dal fronte come una superficie omogenea, che ha consentito a una svolta di cambiare rapidamente e senza complicazioni il design del palcoscenico.

Parti di decorazione dipinte
tecniche pittoriche
Poiché il pittore teatrale dipinge sul palco una moltitudine di tende, le sue tecniche sono altrettanto varie e specifiche dei materiali e degli altri materiali su cui ha bisogno di lavorare.

Per molto tempo – e ancora – c’erano e sono tecniche che sono non dette e appartengono ai segreti professionali dei pittori teatrali e sono difficili da imparare; A quel tempo la gente diceva spesso “dovevano essere rubati con gli occhi”. Le tecniche che sono ben note sono anche tecniche di pittura comunemente usate nella free art, come la pittura di Alla prima (dipinta in uno strato) e la tecnica dello smalto (pittura multistrato). Quest’ultimo è molto spesso usato nella pittura teatrale; Non per nulla il pittore teatrale dipinge le sue enormi “tele” sul pavimento.

La tecnica di smaltatura implica un mezzo diluito, per cui anche lo strato più superficiale di vernice traspare fino all’ultimo attraverso ulteriori strati applicati di pittura.

Tradizionalmente, questo viene fatto come segue: Il motivo, che dovrebbe successivamente adornare la prospettiva come un dipinto, viene prima disegnato con il carbone – per mezzo di una bacchetta di carbone (un pezzo di carbone sulla lunga verga) in piedi sul substrato di tessuto primerizzato. Il precursore del carbonio viene quindi disegnato con un colore diluito (spesso un tono seppia o marrone); ma non solo i contorni, ma già un’estesa elaborazione. Qui puoi già ottenere una plasticità del dipinto smaltando le aree che devono essere più scure più volte. Questo processo, che serve a concretizzare il suo pre-disegnare e “trattenere” la superficie pittorica, è chiamato sinterizzazione. Per quanto riguarda la sinterizzazione, i lavori di verniciatura vengono smaltati, la sinterizzazione deve ancora vedere. Alla fine, le luci e il buio sono un po ‘più opachi. Nel corso di dipinti su larga scala che si trovano principalmente nei teatri dell’opera, è consigliabile fissare la pre-estrazione del carbone con una smerigliatura molto sovradimensionata per mezzo di una pistola a spruzzo. In questa tecnologia di processo, la consistenza granulosa dell’impronta, che viene mantenuta anche in un successivo dipinto traslucido, si combina con un motivo a spruzzo, se viene lavorato con una pistola a spruzzo.

Il pittore teatrale è – oltre alla sua abilità artistica – anche un imitatore, di marmo, pietra, legno, ruggine, patina, ecc. Per ogni imitazione ci sono le varie tecniche e trucchi; sopra glassa di birra a struttura di marmo “wrap” o Kolzkörner “beat”. Qui, tuttavia, viene data priorità all’effetto remoto, come in tutti i dipinti teatrali; perché il prossimo spettatore, che guarda il lavoro sul palco, di solito siede ad almeno otto metri di distanza.

Occupazione e attività
La professione di pittura scenica è ancora chiamata pittura teatrale nell’uso linguistico. Il suo percorso formativo è stato riconosciuto ufficialmente solo nell’ex Germania occidentale dal febbraio 2000. L’apprendimento di questa professione si svolge principalmente nell’ambito di una formazione professionale ed è solitamente di tre anni. Oggi, la maggior parte dei corsi di formazione si svolgono nel sistema duale (ovvero a scuola e in azienda), oltre che in singoli casi solo a livello operativo. Ci sono tre scuole professionali ben conosciute in Germania: una a Berlino, una a Essen e una a Baden-Baden. L’unica università in Germania ad offrire dipinti teatrali si trova a Dresda. Sia per il corso di laurea che per la maggior parte delle società di formazione, un portfolio di opere artistiche come applicazione è un prerequisito necessario. Ad oggi, non esiste un master per il percorso formativo; Tutti i pittori di fase sono o non qualificati, abili lavoratori o studenti laureati.

I pittori teatrali sono per lo più impiegati in teatro statale e municipale e nei teatri dell’opera, il loro posto di lavoro è la stanza della pittura. Tuttavia, ci sono un numero crescente di compagnie o studi indipendenti di decorazione; in cui vengono impiegati pittori di scena freelance, ma anche artisti o pittori decorativi. Anche nelle produzioni cinematografiche vengono impiegati pittori di scena che arredano il set con i loro dipinti.

collezioni
Più grandi collezioni di dipinti teatrali storici sono state conservate in Germania presso il Museo del teatro di Meiningen (decorazioni del periodo del tour di Meininger, 1874-1890) e nella Sala dei concerti di Ravensburg (decorazioni del pittore di corte di Stoccarda Wilhelm Plappert, 1902-1910).