Sala dei segni e del gesto dell’arte Informel, Museo del Novecento

Al terzo piano si trova una sala dedicata ad Alberto Burri e Art Informel dei maggiori maestri italiani: Emilio Vedova, Giuseppe Capogrossi, Gastone Novelli, Tancredi, Carla Accardi e Osvaldo Licini. La mostra dedicata agli anni Cinquanta e Sessanta espone opere di Piero Manzoni e degli artisti del gruppo Azimuth, da Enrico Castellani ad Agostino Bonalumi.

Biografia
Alberto Burri (12 marzo 1915 – 13 febbraio 1995) era un artista visivo italiano, pittore, scultore e medico con sede a Città di Castello. È associato al materialismo del movimento artistico informale europeo e ha descritto il suo stile come un polimaterialista. Aveva legami con lo spazialismo di Lucio Fontana e, con Antoni Tàpies, un’influenza sul rilancio dell’arte dell’assemblea del dopoguerra in America (Robert Rauschenberg) come in Europa.

Nei primi anni
Nacque a Città di Castello (Perugia) il 12 marzo 1915, il figlio maggiore di Pietro, commerciante di vini, e Carolina Torreggiani, insegnante elementare.

Dopo essersi diplomato al liceo Annibale Mariotti di Perugia, nel 1934 si iscrisse alla facoltà di medicina dell’Università della stessa città, laureandosi il 12 giugno 1940.

Il 9 ottobre 1940, con il grado di secondo luogotenente complementare, fu richiamato alle armi e presto licenziato per seguire il tirocinio in ospedale, ai fini della qualifica per esercitare la professione. Dopo la laurea, tornò nell’esercito e, all’inizio di marzo 1943, fu assegnato alla decima legione nell’Africa settentrionale. Ai tempi della resa italiana in Africa, fu catturato dagli inglesi l’8 maggio 1943 e, passato nelle mani degli americani, fu imprigionato, insieme a Giuseppe Berto e Beppe Niccolai, nel “campo criminale” per non -operatori del campo di concentramento di Hereford (in Texas) dove rimase per 18 mesi. Nella primavera del 1944 si rifiutò di firmare una proposta di dichiarazione di collaborazione e fu catalogato tra i fascisti “irriducibili”.

Quadri
Dall’astrazione alla materia
Quando Burri tornò in Italia il 27 febbraio 1946, la sua decisione si scontrò con la grave recessione post-Seconda Guerra Mondiale e l’insoddisfazione dei suoi genitori. Si trasferisce a Roma come ospite del violinista e compositore Annibale Bucchi, cugino di sua madre, che incoraggia la sua attività di pittore.

Mentre era a Roma, ebbe la possibilità di stabilire un contatto con le poche ma molto attive istituzioni dedicate alla pittura, che stavano creando una nuova piattaforma per le arti visive dopo la guerra.

Rimase un artista riservato, lavorando e creando incessantemente, inizialmente in un piccolo studio in Via Margutta ma spesso uscendo. È un dato di fatto, Milton Gendel – un giornalista americano che visitò lo studio di Burri nel 1954 -, in seguito riferì: “Lo studio è dalle pareti spesse, imbiancate, pulite e ascetiche; il suo lavoro è” sangue e carne “, tessuto strappato arrossato che sembra essere parallelo al rigore delle ferite che Burri ha sperimentato in tempo di guerra. ”

La prima mostra personale di opere figurative di Burri ebbe luogo il 10 luglio 1947 nella galleria-libreria La Margherita, a Roma, presentata dai poeti Leonardo Sinisgalli e Libero De Libero. Tuttavia, la produzione artistica di Burri fluì definitivamente in forme astratte prima della fine dello stesso anno, l’uso della tempera di piccolo formato derivante dall’influenza di artisti come Jean Dubuffet e Joan Miró, il cui studio fu visitato da Burri durante un viaggio a Parigi in l’inverno del 1948.

Catrame, muffa, gobbo
La ricerca artistica di Burri divenne personale in breve tempo, tra il 1948 e il 1950 iniziò a sperimentare l’uso di materiali insoliti e “non ortodossi” come catrame, sabbia, zinco, pomice e polvere di alluminio e colla di cloruro di polivinile, essendo quest’ultimo materiale elevato a la stessa importanza dei colori ad olio. Durante questa transizione artistica, il pittore ha mostrato la sua sensibilità per il tipo misto di astrazione di Enrico Prampolini, una figura centrale nell’arte astratta italiana. Ciononostante Burri ha fatto un ulteriore passo avanti nel suo Catrami (Tars), presentando il catrame non come un semplice materiale collage, ma come un colore reale che – attraverso diverse tonalità lucide e opache in nero monocromatico -, si fonde con la totalità del dipinto .

Il suo “Nero 1” (Nero 1) del 1948 fu successivamente preso dall’artista come pietra miliare iniziale della sua pittura e stabilì la prevalenza del monocromatico nero, che sarà mantenuto come identità stretta durante la sua carriera, a fianco del bianco, dal Bianchi (Bianchi) Serie 1949–50 e rosso.

La seguente serie di Muffe (Stampi) presentava letteralmente le reazioni spontanee dei materiali impiegati, consentendo alla materia di “prendere vita” in gocciolamenti e concrezioni che riproducevano gli effetti e l’aspetto della vera muffa. In alcune opere d’arte dello stesso periodo che ha chiamato Gobbi (Gobbo), Burri si è concentrato sull’interazione spaziale del dipinto, ottenendo un altro risultato originale dovuto all’incorporazione di rami di albero sul retro della tela che ha spinto la bidimensionalità verso lo spazio tridimensionale .

Nel 1949 il critico Christian Zervos pubblicò la foto di un Catrame (esposto a Parigi l’anno precedente) nel famoso Cahiers d’art.

Nonostante l’affinità di Burri con l’informalismo e la sua amicizia con Ettore Colla, che avvicinò Alberto al Gruppo Origine (fondato e sciolto nel 1951 dallo stesso Colla, Mario Balocco e Giuseppe Capogrossi), la ricerca artistica del pittore appariva sempre più solitaria e indipendente.

Sacchi e l’emergere americano
A partire dal 1952 Burri ottenne una forte caratterizzazione personale con i Sacchi (Sacks), opere d’arte ottenute direttamente dal tessuto di iuta ampiamente distribuito dal Piano Marshall: il colore era quasi del tutto scomparso, lasciando spazio al materiale di superficie in modo che la pittura coincidesse con la sua materia nella sua totale autonomia, poiché non era più una separazione tra la superficie pittorica e la sua forma.

L’eleganza artistica formale e gli equilibri spaziali ottenuti attraverso vapori di aeroformi, crateri, strappi, strati di colore sovrapposti e forme diverse, l’arte di Burri differenziata, fondata su riflessi attenti e calcoli precisi, dai gesti impulsivi che caratterizzavano la pittura d’azione nello stesso periodo.

Burri offrì una prima visione di questi elementi peculiari nel 1949, con SZ1 (acronimo di Sacco di Zucchero 1 che significa Sacco di zucchero, 1): la presenza di una porzione della bandiera americana contenuta nell’opera d’arte anticipava l’uso dello stesso soggetto realizzato dalla pop art. Nel caso di Burri, tuttavia, non vi erano implicazioni sociali o simboliche, poiché l’equilibrio formale e cromatico del dipinto era l’unico vero obiettivo.

Censura e successo
Il Sacchi di Burri non conquistò la comprensione del pubblico e fu invece considerato estremamente lontano dalla nozione di arte. Nel 1952, anno della sua prima partecipazione alla Biennale di Venezia, i Sacchi intitolati Lo Strappo (The Rip) e Rattoppo (Patch) furono respinti.

Ancora una volta, nel 1959, un punto dell’ordine del Parlamento italiano chiese la rimozione di una delle opere del pittore dalla Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma.

L’opera di Burri ricevette una diversa e positiva considerazione nel 1953, quando James Johnson Sweeney (direttore del Museo Solomon R. Guggenheim) scoprì i dipinti di Burri alla Galleria Obelisco di Roma, e successivamente introdusse l’opera dell’artista negli Stati Uniti, in una mostra collettiva rappresentante delle nuove tendenze artistiche europee. Questo incontro in seguito portò a una lunga amicizia con Sweeney che divenne un attivo sostenitore dell’arte di Burri nei principali musei americani e scrisse il primo monogramma sull’artista nel 1955. Durante lo stesso anno Robert Rauschenberg visitò due volte lo studio del pittore: nonostante le differenze linguistiche tra i due artisti hanno impedito loro di parlare tra loro, le visite di Rauschenberg hanno fornito un contributo sostanziale per la creazione dei suoi dipinti combinati.

La forte relazione di Burri con gli Stati Uniti divenne ufficiale quando conobbe Minsa Craig (1928–2003), una ballerina americana (studentessa di Martha Graham) e coreografa che sposò il 15 maggio 1955 a Westport, nel Connecticut. Rimasero uniti in ogni cosa, per il resto della loro vita.

Adozione del fuoco
Dopo alcuni sporadici tentativi, nel 1953-1954 Burri condusse una sperimentazione attentamente pianificata con il fuoco, attraverso piccole combustione su carta, che servirono da illustrazioni per un libro di poesie di Emilio Villa. Il poeta fu uno dei primi a comprendere il rivoluzionario potenziale artistico del pittore, scrivendone dal 1951 e collaborando con lui ai libri d’artista. In seguito ha ricordato una visita comune a un giacimento petrolifero (per un reportage del 1955 per la rivista “Civiltà delle Macchine”) come una forte influenza per l’interesse dell’artista sull’uso del fuoco.

Combustione, legno, ferro, plastica
La procedura adottata per la Combustione (Combustions) passò dalla carta alla Legni (Woods) intorno al 1957, in sottili fogli di impiallacciatura di legno fissati su tela e altri supporti.

Nello stesso periodo Burri stava anche lavorando alla Ferri (Ferri), creazioni realizzate con fogli di metallo tagliati e saldati con la torcia Blow, per mirare all’equilibrio generale degli elementi. L’applicazione più nota di questa procedura è stata raggiunta nelle Plastiche durante gli anni Sessanta, quando una graduale apertura critica nei confronti dell’arte di Burri si è manifestata anche in Italia.

La fiamma ossidrica era solo apparentemente un dispositivo distruttivo. Infatti, i crateri modellati dalla fiamma su cellophane, plastica nera, rossa o trasparente o sulla serie Bianchi Plastica (White Plastic), in cui la plastica trasparente è posata su un supporto bianco o nero, sono stati leggermente diretti dal soffio del pittore. Gli equilibri della questione furono quindi nuovamente evidenziati, in una sorta di “sfida” verso la casualità della fiamma da un lato, e in una sorta di tentativo di “dominare il caso”, intrinseco alla filosofia di Burri, dall’altro.

Da Cretto a Cellotex
Dal 1963 in poi, Burri e sua moglie iniziarono a trascorrere gli inverni a Los Angeles. Il pittore si distaccò progressivamente dalla comunità artistica della città, concentrandosi profondamente sul proprio lavoro. Durante i suoi ricorrenti viaggi nel Parco nazionale della Valle della Morte, l’artista ha trovato nel naturale crack del deserto lo sperone visivo che lo ha portato, a partire dal 1973, a creare Cretti (Cracks) sviluppando l’uso dell’effetto vernice scoppiettante delle sue opere del 1940.

Impiegando una speciale miscela di caolino, resine e pigmenti, il pittore ha asciugato la sua superficie con il calore di un forno. Burri ha arrestato il processo di riscaldamento nel momento desiderato usando uno strato di colla PVA, ottenendo così effetti di cracking sempre maggiori, che sono stati sempre bilanciati grazie alla vasta conoscenza del chimico del pittore.

Grande Cretto a Gibellina
Burri ha riprodotto la procedura utilizzata per i Cretti, bianchi o neri, anche in scultura, su grandi estensioni dell’Università della California, di Los Angeles e di Napoli (Museo di Capodimonte) Grandi Cretti (Grandi Crepe) in argilla cotta (entrambi 49 x 16) e, soprattutto, nella vasta copertura in cemento del Grande Cretto di Gibellina, sulle rovine dell’antica cittadina siciliana distrutta dal terremoto del 1968. Iniziato nel 1984 e interrotto nel 1989, il lavoro è stato completato nel 2015, in occasione del centenario della nascita dell’artista. È una delle più grandi opere d’arte mai realizzate, che si estende su una superficie di circa 85.000 metri quadrati. La sua copertura di cemento bianco si espande sulla città, seguendo la vecchia mappa stradale in lunghe arterie e corridoi, che sono percorribili, riportando simbolicamente in vita la città devastata.

Cellotex e i grandi cicli di dipinti
Durante gli anni Settanta l’arte di Burri vide una graduale transizione verso dimensioni più ampie, mentre le retrospettive si susseguirono in tutto il mondo. Ne è un esempio la grande mostra personale che attraversa gli Stati Uniti nel 1977-1978 e termina al Solomon R. Guggenheim Museum di New York.

Nel ciclo pittorico del 1979 chiamato Il Viaggio, Burri ha ripercorso, attraverso dieci composizioni monumentali, i momenti chiave della sua produzione artistica.

Il materiale privilegiato in questa fase è Celotex (l’autore ha aggiunto una l al suo nome), una miscela industriale di scarti e adesivi per la produzione del legno, molto spesso utilizzata nella realizzazione di pannelli isolanti. Fino ad allora, il pittore aveva usato questo materiale nelle sue opere precedenti sin dai primi anni ’50 come supporto per le sue opere in acetato e acrilico.

Successivamente Cellotex è stato utilizzato per le serie cicliche concepite come polittico su una struttura geometrica dominante e chiara, attraverso sfumature graffiate estremamente sottili o giustapposizioni di porzioni lisce e ruvide come Orsanmichele (1981), o in variazioni monocromatiche nere come Annottarsi (Up to Nite, 1985 ), così come in forme multicolori come Sestante (Sextant, 1983) o l’omaggio all’oro dei mosaici di Ravenna nella sua ultima serie Nero e Oro (Nero e Oro).

Scultura e scenografia
L’intera produzione artistica di Burri è stata concepita dall’autore come un inseparabile insieme di forma e spazio, sia nella pittura che nella scultura. Un esempio è il motivo ricorrente dell’archivolto, visto nella sua forma semplice nella pittura e in prospettiva in sculture di ferro come il Teatro Scultura – opera presentata alla Biennale di Venezia del 1984 – e nella serie Ogive del 1972 in ceramica.

La forte continuità delle opere scultoree di Burri con i suoi dipinti si può vedere anche nella UCLA di Los Angeles e nella ceramica di Capodimonte di Napoli Grandi Cretti (con l’aiuto del lungo collaboratore ceramista Massimo Baldelli) o nella Grande Ferro (Grande Ferro) esposta a Perugia in occasione dell’incontro del 1980 tra l’artista e Joseph Beuys.

Il Grande Cretto di Gibellina non rientra correttamente nella categoria della land art, ma ha caratteristiche che combinano architettura, scultura e spazio. Altre sculture su ferro sono permanentemente conservate nei musei di Città di Castello, Ravenna, Celle (Pistoia), Perugia e Milano, dove le ali rotanti del Teatro Continuo (Teatro Continuo) sono allo stesso tempo spazio scenico e scultura, impiegando il parco del Castello Sforzesco come backcloth naturale.

Set da teatro
Il teatro ha avuto un ruolo privilegiato nella produzione artistica di Burri. Sebbene in interventi isolati, il pittore ha lavorato nei campi della prosa, del balletto e dell’opera. Nel 1963 Burri disegna i set per Spirituals, il balletto di Morton Gould alla Scala, a Milano. Le Plastiche del pittore enfatizzano la forza drammatica di opere teatrali come l’adattamento teatrale Ignazio Silone del 1969 a San Miniato (Pisa) e Tristan e Iseult, eseguito nel 1975 al Teatro Regio di Torino.

Nel 1973 Burri disegna scenografie e costumi per November Steps, ideato da sua moglie Minsa Craig, con una colonna sonora di Toru Takemitsu. Il balletto stava interagendo con un primo esempio di arte visiva da un filmato che illustrava come il Cretti è diventato progressivamente nato.

Lavoro grafico
Burri non ha mai considerato l’arte grafica di secondaria importanza per la pittura. Partecipò intensamente alla sperimentazione di nuove tecniche di stampa come la riproduzione del 1965 della Combustioni – in cui i fratelli Valter ed Eleonora Rossi riuscirono perfettamente a imitare l’effetto di bruciare sulla carta – o le irregolari cavità Cretti (1971) con le stesse stampanti .

Ulteriori sviluppi innovativi si possono trovare nei serigrafi Sestante (1987-1989) – con l’aiuto del vecchio amico e collaboratore di Burri Nuvolo – alla serie Mixoblack (1988), creata a Los Angeles con gli stampatori Luis e Lea Remba sulla polvere di marmo e sabbia in particolare effetti tridimensionali.

Un fatto significativo è che Burri ha utilizzato i soldi del Premio Feltrinelli per la grafica – assegnatagli nel 1973 dall’Accademia dei Lincei – per promuovere e sostenere il restauro degli affreschi di Luca Signorelli nel piccolo oratorio di San Crescentino, a pochi chilometri da La casa di campagna di Burri a Città di Castello; un ulteriore esempio di come moderno e contemporaneo siano mentalmente vicini all’arte di Burri.

eredità
Alberto Burri è morto senza figli il 13 febbraio 1995 a Nizza, in Costa Azzurra, dove si era trasferito per la facilità di vita e per un enfisema polmonare.

Poco prima della sua morte, il pittore ricevette la Legione d’Onore e il titolo Ordine di merito della Repubblica italiana, oltre a essere nominato membro onorario dell’American Academy of Arts and Letters. La sua serie grafica Oro e Nero (Oro e Nero), è stata donata dall’artista tra gli altri alla Galleria degli Uffizi a Firenze 1994, quando ormai stava già iniziando a essere considerato più un artista “classico” che un artista “contemporaneo”.

L’arte di Alberto Burri ha catturato l’interesse di molti colleghi artisti contemporanei, da Lucio Fontana e Giorgio Morandi a Jannis Kounellis, Michelangelo Pistoletto e Anselm Kiefer, che hanno riconosciuto la grandezza di Burri – e, in alcuni casi, l’influenza – ancora e ancora.

Fondazione e musei
Secondo la volontà del pittore, la Fondazione Palazzo Albizzini è stata fondata a Città di Castello nel 1978, al fine di tutelare il lavoro di Burri. La prima collezione museale, inaugurata nel 1981, è quella situata all’interno del condominio rinascimentale Albizzini. La casa patrizia del XV secolo, appartenuta ai patroni delle Nozze della Vergine di Raffaello, fu ristrutturata dagli architetti Alberto Zanmatti e Tiziano Sarteanesi secondo i piani di Burri.

La seconda collezione è quella degli ex capannoni di essiccazione del tabacco di Città di Castello, una struttura industriale gradualmente abbandonata negli anni ’60 e inaugurata nel 1990, espandendosi su un’area di 11.500 metri quadrati. Allo stato attuale, la struttura presenta la totalità di grandi cicli pittorici dell’artista, sculture monumentali e, a partire da marzo 2017, l’intera produzione grafica del pittore.

L’esterno nero della struttura e i particolari adattamenti dello spazio rappresentano un ultimo tentativo di Burri di creare un’opera d’arte totale, in continuità con l’idea di equilibrio formale e psicologico che perseguiva costantemente.

Critica
Alberto Burri è attualmente riconosciuto come un innovatore radicale della seconda metà del XX secolo, come precursore delle soluzioni trovate da movimenti artistici come Arte Povera, Neo-Dada, Nouveau réalisme, Postminimalismo e arte di processo, lasciando aperte molte interpretazioni critiche e interpretazioni metodologiche del suo lavoro.

Nella sua monografia del 1963, Cesare Brandi ha sottolineato l’essenzialità della pittura di Burri e il suo rifiuto sia dei dettagli decorativi sia delle provocazioni delle avanguardie storiche (ad esempio il futurismo), favorendo un nuovo approccio attraverso un concetto di “pittura non dipinta”.

D’altra parte, Enrico Crispolti ha interpretato l’impiego del materiale da parte di Burri da un punto di vista esistenziale – come James Johnson Sweeney aveva similmente avuto nella prima monografia su Burri pubblicata nel 1955 – implicando una critica verso una certa deriva etica postbellica.

Pierre Restany lo considerava un “caso speciale” nella storia del minimalismo, essendo stato “il monumentale outsider e precursore geniale allo stesso tempo”. Maurizio Calvesi ha adottato una lettura psicoanalitica nel corso degli anni, trovando “valori etici” nella sua arte, identificando allo stesso tempo le origini rinascimentali della patria di Burri: Piero della Francesca avrebbe ispirato a Burri il senso dello spazio e la solennità delle masse che il il pittore si trasferì quindi sui legni bruciati o sui sacchi logori.

Più recentemente, la posizione di Burri è stata rivalutata grazie alla grande mostra retrospettiva del 2015 Alberto Burri: The Trauma of Painting a cura di Emily Braun per il Museo Solomon R. Guggenheim e alla mostra collettiva 2016 Burri Lo spazio di Materia tra Europa e USA a cura di l’attuale presidente della Fondazione Bruno Corà, che ha messo in primo piano il cambiamento radicale della pittura tradizionale occidentale e del collage moderno provocato da Burri, concentrandosi anche sul suo recupero “psicologico” degli equilibri formali della pittura classica.

Tra le molte letture storiche, il giudizio di Giulio Carlo Argan (scritto nel catalogo della Biennale di Venezia del 1960) rimane emblematico: “Per Burri dobbiamo parlare per un Trompe-l’œil rovesciato, perché non è più un dipinto per simulare la realtà, ma è realtà per simulare la pittura “.

Mercato dell’arte
L’11 febbraio 2014 Christie’s ha stabilito il record dell’artista con l’opera Combustione Plastica, venduta per £ 4.674.500 (intervallo stimato da £ 600.000 a £ 800.000). L’opera (firmata e datata sul retro) in plastica, acrilico e combustione (4 piedi x 5 piedi) è stata realizzata tra il 1960 e il 1961.

Il disco dell’artista è stato fondato nel 2016 a Londra quando, durante la serata dedicata da Sotheby’s al contemporaneo Sacco e Rosso del 1959, l’opera è stata venduta per oltre 9 milioni di sterline, raddoppiando così il record precedente.

tributi
L’arte di Alberto Burri ha ispirato molti registi italiani, tra cui Michelangelo Antonioni, che trasse ispirazione dalla ricerca materiale del pittore per il suo Deserto rosso del 1964.

Il compositore Salvatore Sciarrino ha scritto un omaggio per commemorare la scomparsa del pittore nel 1995, commissionato dal Festival delle Nazioni di Città di Castello. Per lo stesso festival, gli ex capannoni per l’essiccazione del tabacco sono diventati la cornice di una composizione di Alvin Curran nel 2002.

Il Grande Cretto di Gibellina ha funzionato più volte come set per il Festival Orestiadi e come set per un’esibizione del 2015 degli artisti Giancarlo Neri e Robert Del Naja (Massive Attack). Il balletto November Steps del 1973, con le scenografie ei costumi di Burri, è stato riproposto nel 2015 dal Guggenheim Museum di New York. Nel 2016 il coreografo Virgilio Sieni ha creato l’opera Quintetti sul Nero, ispirata al maestro umbro. Nel 2017 John Densmore (The Doors) si è esibito davanti al Grande Nero Cretto (Large Black Crack) a ucla, Los Angeles durante l’evento Burri Prometheia.

Nel corso degli anni, gli stilisti hanno tratto ispirazione da Burri, da Roberto Capucci, con il suo capo d’abbigliamento del 1969 Omaggio a Burri che presenta tratti asimmetrici che ricreano gli effetti Cretti, fino a Laura Biagiotti per la sua (ultima) collezione 2017.

Nel 1987 Burri ha creato i poster ufficiali della Coppa del Mondo FIFA del 1990. L’Umbria Jazz Festival ha utilizzato la serie Sestante per il poster dell’edizione 2015, in occasione del centenario della nascita dell’artista.

Museo del Novecento a Milano
Il Museo del Novecento a Milano è una mostra permanente di opere d’arte del XX secolo ospitate nel Palazzo dell’Arengario e nell’adiacente Palazzo Reale di Milano. Il museo ha assorbito le collezioni del precedente Museo Civico di Arte Contemporanea (CIMAC) che si trovava al secondo piano del Palazzo Reale e che fu chiuso nel 1998.

Il Museo del Novecento, situato all’interno del Palazzo dell’Arengario in Piazza del Duomo, ospita una collezione di oltre quattromila opere che catalizzano lo sviluppo dell’arte italiana del XX secolo.

Il Museo del Novecento è stato istituito il 6 dicembre 2010 con l’obiettivo di diffondere la conoscenza dell’arte del 20 ° secolo e di offrire una visione più completa delle collezioni che la città di Milano ha ereditato nel tempo. Oltre alla sua principale attività espositiva, il Museo è attivo nella conservazione, ricerca e promozione del patrimonio artistico e culturale italiano del 20 ° secolo con l’obiettivo finale di raggiungere un pubblico sempre più vasto.

A parte una stanza singola che ospita opere di artisti stranieri tra cui Braque, Kandinsky, Klee, Léger, Matisse, Mondrian e Picasso, la maggior parte delle opere esposte nel museo sono di artisti italiani. Una sezione importante è dedicata ai futuristi italiani, con opere di Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Fortunato Depero, Luigi Russolo, Gino Severini, Mario Sironi e Ardengo Soffici. Anche la grande tela di Giuseppe Pellizza da Volpedo Il Quarto Stato (1902) è esposta in una sala a sé stante.

Altre sezioni del museo sono dedicate a singoli artisti come Giorgio de Chirico, Lucio Fontana e Morandi. Ci sono anche sezioni dedicate ai movimenti artistici del XX secolo, tra cui Astrattismo, Arte Povera, Novecento Italiano, Postimpressionismo e Realismo, e generi come il paesaggio e l’arte monumentale.