Labirinto di Roma, The Romanesque Art Collection, Museo Nazionale d’Arte della Catalogna

La collezione di arte romanica è una delle più importanti ed emblematiche del museo per la sua eccezionale serie di set di pitture murali. In effetti, la sua unicità non ha eguali in nessun altro museo al mondo. Molti di questi dipinti, provenienti da piccole chiese rurali nei Pirenei e in altre parti della Vecchia Catalogna, erano conosciuti e apprezzati dai primi anni del 20 ° secolo, soprattutto dopo la spedizione dei Pirenei (1907) di una missione dell’Institut d’Estudis Catalans , che più tardi pubblicò i dipinti murali catalani. Anni dopo è stato scoperto che un gruppo di finanzieri stranieri e antiquari aveva acquistato la maggior parte dei dipinti alla rinfusa negli Stati Uniti. Sebbene a quel tempo in Spagna non esistessero leggi che vietassero l’espatrio di opere d’arte, il Board of Museums effettuò un’operazione di salvataggio, sradicamento e trasferimento efficiente al Museo di Barcellona (1919-1923), quindi al Parco della Ciutadella, per proteggere questa eredità romanica, un’arte di totale unicità che è stata vista come un simbolo della nascita e della formazione della Catalogna.

Il percorso delle sale d’arte romaniche è fondamentalmente cronologico e stilistico e mostra le diverse tendenze artistiche dell’arte romanica in Catalogna, con opere che fondamentalmente appartengono all’XI, XII e XIII secolo.

L’itinerario inizia con i dipinti murali di Sant Joan de Boí, vicini alla tradizione franco-carolingia, e prosegue con le serie di influenze italiane che hanno dominato la scena pittorica dalla fine dell’XI secolo, senza dubbio legate allo slancio di Riforma gregoriana, con esempi come i dipinti murali di Sant Quirze de Pedret, Santa Maria d’Àneu o Sant Pere del Burgal.

Uno dei capolavori della collezione sono i dipinti dell’abside di Sant Climent de Taüll, con il famoso Pantocratore o Cristo in maestà, il capolavoro indiscusso del XII secolo e una prova tangibile del potere creativo della pittura catalana. Accanto a è l’intera Santa Maria de Taüll, l’esempio più importante di un interno di chiesa romanica completamente dipinto che ha conservato gran parte di questa decorazione.

La fine del tour si concentra sui dipinti di San Pedro de Arlanza e quelli della sala capitolare di Sixena. Per quanto riguarda quest’ultimo, questo è uno dei più magnifici dipinti in stile di rinnovamento del 1200 in Europa ed è conservato nel Museo dopo il grave incendio che ha subito nel 1936, durante la Guerra Civile.

Il tour mostra anche altre tecniche che distinguono l’arte catalana, come la pittura su legno o la scultura in legno, e altre che completano la visione estetica dell’arte romanica, come l’oreficeria o la scultura in pietra.

La collezione di dipinti sul tavolo, unica in Europa, è anche una sezione unica della pittura romanica, sia in termini di quantità che di antichità delle opere catalane che sono conservate – anche il risultato dell’interesse romano per l’arte romanica dalla fine del diciannovesimo secolo – per quanto riguarda la qualità e la diversità tecnica che mostrano. Frontiere come i cosiddetti Apostoli o La Seu d’Urgell, quelle di Alós d’Isil, di Avià o Cardet possono essere considerate paradigmi di una tecnica pittorica originale e di grande interesse artistico. D’altra parte, la collezione di sculture in legno offre una visione ampia e completa del romanico, con opere eccezionali di vari tipi come la Vergine di Ger, la Maestà Batlló o le sculture della Discesa di Erill la Vall.

Vale la pena menzionare anche gli esempi di scultura in pietra, tra cui alcuni pezzi di Ripoll e un folto gruppo di opere provenienti da tutta la città di Barcellona, ​​con i raffinati capitelli in marmo del vecchio ospedale. San Nicola. Infine, la collezione ha un campione significativo di smalti, prodotti principalmente a Limoges, come lo stelo Mondoñedo.

Tra dicembre 2010 e giugno 2011, le sale della collezione romanica sono state chiuse a causa della manutenzione e del rinnovamento del discorso del museo. Durante questo periodo sono state migliorate l’illuminazione, le condizioni di conservazione preventiva, nonché le parti più usurate della pavimentazione. Sono stati riaperti il ​​29 giugno 2011, in un atto presentato da Narcís Serra.

L’architettura come quadro delle arti
Durante l’XI, il XII e il XIII secolo, le costruzioni civili e militari come palazzi e fortificazioni assunsero grande importanza. Ci sono pochi resti che vengono conservati se li confrontiamo con i tipi di opere religiose, per questo motivo gran parte della conoscenza che abbiamo oggi sull’architettura e l’arte del periodo romanico è legata alle chiese, così come alla cattedrale e agli insiemi monastici.

Per comprendere il senso della maggior parte delle opere romaniche, si dovrebbe tener conto del fatto che l’edificio è la struttura per il resto della produzione. Lo spazio interno si adatta alle esigenze liturgiche di ciascun centro ed è quindi gerarchico. Uno dei punti più rilevanti è l’altare e l’ambiente circostante, il presbiterio, dove si svolge l’atto essenziale della messa: l’Eucaristia. La forma più comune dell’altare è il mensa o il tavolo, con una copertura che può essere asciugamani o pannelli dipinti o intagli, oppure può essere ricoperta di metalli preziosi come oro o argento. La maggior parte degli oggetti o delle opere sono destinati a questo spazio (baldacchino, frontespizi dell’altare, immagini, ecc.). Tutto sommato, l’abside, che presiede il presbiterio e l’altare, è di solito il luogo nella chiesa in cui si trova la rappresentazione pittorica più importante, con una teofania o rappresentazione della divinità al centro.

La chiesa di Santa Maria de Taüll è l’esempio più completo che è conservato della decorazione pittorica di un interno romanico. Puoi trovare sulla volta dell’abside l’Epifania o l’adorazione dei re, con la Madre di Dio come trono per il bambino Gesù. Questo ensemble si completa con scene tratte dalla prova finale e altre storie bibliche sui muri, nonché sulle colonne e sugli archi di separazione delle navate. Le differenze stilistiche evidenziano la mano di due maestri, quello che ha dipinto l’abside e l’autore della prova finale.

L’interno di un edificio romanico era molto più sontuoso di quanto si possa immaginare dai resti di oggi. È necessario includere gli oggetti destinati al culto, dalle immagini ai calici sacri usati intorno all’altare. In questi casi, la produzione era molto varia in termini di materiali e tecniche, ma vale la pena sottolineare le officine degli orafi e degli argentieri specializzati nella lavorazione dell’oro, dell’argento e dello smalto.

All’esterno degli edifici vi è una decorazione scultorea e pittorica nei punti più notevoli che si trovano intorno alle porte e ai chiostri, e anche nei mobili liturgici o utilizzati per scopi funebri. Un esempio paradigmatico di decorazione scultorea si trova sul portale monumentale di Santa Maria de Ripoll.

Aspetti formali
Nonostante la sua internazionalizzazione, l’arte romanica presenta una grande varietà di movimenti stilistici che dipendono dal momento e dall’area, nonché dallo sfondo culturale e artistico dei promotori e degli artisti. In generale, nelle arti figurative, le forme tendevano ad essere distorte rispetto alle forme naturali, verso una dipendenza da motivi geometrici, astrazione e una certa rigidità. Ma potrebbero anche essere fornite soluzioni, basate su una certa espressività e dinamismo, o su altre ispirate all’arte dell’antichità.

Un’altra caratteristica del romanico è la vivacità dei colori. La densità delle pieghe e dei contorni chiaramente definiti nei corpi senza alcun riferimento alla terza dimensione. Intorno all’anno 1200, tuttavia, l’arte subì un forte rinnovamento, come ad esempio lo stampaggio dei corpi, con più volume, un trattamento più simile al movimento e ai gesti e di volti più espressivi.

Per quanto riguarda la scultura, è stato recuperato il senso dello stampaggio, che ha cercato contrasti di luce e ombra nella pietra. Il contributo dell’antichità è particolarmente visibile in alcuni complessi ispirati agli antichi sarcofagi romani (questo contributo è particolarmente significativo nella celebre opera di Mestre de Cabestany), e anche nelle capitali di tipo corinzio. Può essere visto in questo modo nelle capitali di Besalú, con uno schema basato su due o tre file di foglie di acanto e nelle volte sviluppate ad angolo. Accanto a questa attenzione ai temi vegetali, sono state sviluppate anche rappresentazioni figurative, come si può vedere nei pilastri di Sant Miquel de Camarasa.

La cornice storica dell’arte romanica
L’arte romanica risponde a uno specifico contesto storico, caratterizzato dalle condizioni favorevoli prodotte dalla metà del X secolo in poi, quando l’Europa occidentale si riprese gradualmente dopo un periodo di instabilità. Ciò ha comportato miglioramenti nelle tecniche agricole, un aumento demografico, nella rivitalizzazione del commercio e nel miglioramento delle comunicazioni. Era il periodo del feudalesimo, basato su una struttura sociale molto gerarchica.

La Chiesa ha partecipato a questa struttura, fin dall’inizio come difensore dei valori spirituali. Dal papato di Roma fu intrapresa una profonda riforma, nota come Riforma Gregoriana, con l’obiettivo di combattere il rilassamento morale del clero e anche di rafforzare l’indipendenza della Chiesa rispetto al potere secolare. Questo ambiente di ristrutturazione ha portato a un’impressionante politica di costruzione, che ha promosso la costruzione di nuovi edifici e il rinnovamento di altri già esistenti.

L’interesse per la Terra Santa (Gerusalemme, Betlemme, ecc.), Dove Gesù Cristo aveva vissuto, e per i centri che possedevano le reliquie dei santi più preziosi (in particolare Roma e Santiago de Compostela), portarono allo sviluppo di una serie di vie di comunicazione per i pellegrinaggi, che hanno contribuito all’internazionalizzazione dell’arte. La circolazione della conoscenza portò all’arrivo in Occidente dell’influenza dell’arte bizantina, sia sotto forma di dipinti che di sculture. Le crociate, spedizioni cristiane per liberare la Terra Santa dai musulmani, iniziate alla fine dell’XI secolo, favorirono anche l’intensificazione dei contatti. Il rapporto con il mondo islamico ha portato con sé anche un grande arricchimento nei settori culturali e artistici.

I promotori e gli artisti
L’iniziativa delle costruzioni fu condotta principalmente dai conti e dalle autorità della chiesa e dalla nobiltà, che finanziarono principalmente attraverso donazioni. Un buon esempio di questo sono i dipinti dell’abside della chiesa del monastero di Santa Maria del Burgal, in cui, oltre ai personaggi biblici, vi è una rappresentazione del promotore e della famiglia del conte: la contessa Llúcia, moglie del conte Arnau I di Pallars Sobirà. Appare con un atteggiamento di offerta, apparentemente rispettosa, in conformità con il momento solenne dell’offerta.

Il portale monumentale di Ripoll è un altro buon esempio dell’importanza dei promotori. Il suo vasto programma scultoreo può avere un senso al di là di quello strettamente religioso per evocare la consacrazione della chiesa da parte dell’abate Oliba, nel 1032, che era un imprenditore di importanti attività costruttive che è evidente nell’importanza di Ripoll come centro monastico internazionale rilevanza.

L’architetto o il capomastro, insieme alle officine o scultori e pittori, hanno lavorato su iniziativa del promotore e seguendo un programma definito, contribuendo alla loro capacità di realizzare il progetto e alla loro padronanza tecnica. Gli artisti hanno fatto il loro lavoro sulla base di modelli consolidati, nonostante fosse anche necessario accettare alcuni margini di creatività. Inoltre, è noto che alcuni di essi sono stati integrati nelle comunità. A differenza di tempi più recenti, è più facile conoscere i nomi dei promotori e non quelli degli artisti, una situazione che non cambierebbe fino all’arte gotica.

Uno dei pochi di cui conosciamo il nome in Catalogna fu lo scultore Arnau Cadell, che si rappresentò scolpendo un capitol nel chiostro di Sant Cugat del Vallès. Più tardi, fino al XIII secolo, il frontale dell’Aragona di Gia contiene un’iscrizione con il nome dell’autore, Giovanna, un gesto che deve essere interpretato come un segno di autoaffermazione e orgoglio.

Gli storici dell’arte usano il termine maestro per designare l’autore di un’opera o una serie di opere stilisticamente correlate. La natura stessa delle opere ha determinato che gli architetti, gli scultori di pietra e i pittori murali dovevano viaggiare, lavorando da un luogo a un altro, partecipando alle commissioni ricevute. Ma c’erano anche officine stabili, come è noto dalla produzione di smalti che provenivano da Limoges.

Questi studi, laboratori e gruppi artistici itineranti erano situati vicino alle sedi più importanti delle diocesi e delle principali abbazie, che erano i loro principali clienti. Non sappiamo quasi nulla dei seminari che hanno lavorato in Catalogna nel periodo romanico. Solo, e come ipotesi, si parla dell’esistenza di un seminario basato su affinità o tecniche stilistiche in varie opere. In Catalogna si parlava di presunti seminari come quelli di Ripoll, il Seu d’Urgell, Vic o Girona.

Arte romanica in Catalogna e relazione con l’arte europea
Nelle contee catalane, l’arte romanica si manifestò dall’inizio dell’XI secolo e durò fino al 13 ° secolo. Nell’architettura e nell’arte è stato riconosciuto dai maggiori centri europei, in particolare quelli dell’Italia e della Linguadoca, in modo tale che le influenze esterne fossero determinanti per le successive trasformazioni.

All’inizio, i più importanti centri artistici riflettevano la continuità rispetto al X secolo, caratterizzato dalla tradizione carolingia, come si può vedere nella chiesa del monastero di Sant Pere de Rodes. Durante la maggior parte dell’XI secolo, l’architettura ha presentato soluzioni derivate dalla fine del mondo antico e dall’Italia, che sono state utilizzate anche in gran parte del Mediterraneo occidentale. L’esempio più importante, tra quelli conservati, è quello di Sant Vicenç de Cardona. E non bisogna dimenticare l’illustrazione di manoscritti come quelli del monastero di Ripoll.

Il dipinto, in particolare intorno al 1100, presentava tendenze diverse, alcune segnate dalle influenze italiane, e altre più strettamente legate ai centri artistici francesi. Fu in quei momenti che un pittore straordinario stava lavorando a Sant Climent de Taüll, la chiesa consacrata nel 1123.

Il contributo di movimenti e laboratori dall’estero sarebbe una costante che alimenterebbe le trasformazioni architettoniche e artistiche anche tra la seconda metà del XII secolo e intorno al 1200. Le influenze che arrivarono da Tolosa in Linguadoca sarebbero state la base più significativa della scultura da metà del XII secolo. Intorno al 1200, un profondo rinnovamento, chiaramente favorito dall’aristocrazia e dai tribunali, rappresentò l’incorporazione in Catalogna di tendenze bizantine. In alcuni casi, le manifestazioni riflettevano le ultime tendenze del tempo che avrebbero portato al gotico, in una fase successiva.

Il romanico nel contesto: dove, quando e come
Il termine romanico fu adottato nel diciannovesimo secolo per designare alcuni movimenti artistici che erano considerati in debito con l’arte romana dai tempi antichi, specialmente in termini di architettura. Da allora, questa parola è stata applicata, ma bisogna tenere conto del fatto che l’arte che è stata sviluppata nel cuore del Medioevo, fondamentalmente durante l’XI e il XII secolo, presentava una grande varietà di tendenze.

All’inizio era collegato al mondo carolingio (dagli ultimi decenni dell’VIII al IX secolo) e al mondo ottoniano (dalla metà del X secolo al primo terzo del XIII secolo), mentre al alla fine convisse con le prime manifestazioni di arte gotica, emerse approssimativamente dal 1140 in poi.

Geograficamente costituisce una parte molto importante dell’Europa, in particolare il sud e l’ovest, dalla Scandinavia al Mediterraneo, sebbene sia stata introdotta anche in Terra Santa. Il romanico è la prima arte medievale occidentale che doveva raggiungere l’omogeneità e l’internazionalizzazione, sebbene presentasse numerose varianti regionali.

La componente simbolica
L’arte romanica è caratterizzata dal simbolismo, in modo tale che episodi e personaggi debbano essere interpretati in base al loro valore simbolico, più che alla loro narrazione. Il repertorio tematico si basa fondamentalmente sulla Bibbia e sulla vita dei santi.

I temi selezionati e la loro posizione all’interno della chiesa rispondono a vari scopi. Innanzitutto, un senso didattico in vista dei fedeli, ai quali era necessario illustrare gli aspetti essenziali della religione: le immagini sono la Bibbia degli analfabeti. Spesso i temi appaiono come un avvertimento dei pericoli di cadere nel peccato o come un’immagine della lotta tra il bene e il male. Culto e liturgia influenzano anche l’organizzazione dei temi, in quanto sono un riflesso delle cerimonie e degli eventi che possono aver luogo all’interno o all’esterno delle chiese. In alcuni casi si può anche osservare un senso politico, inteso come riferimento alla dimostrazione di potere o come riferimento ai governanti.

Ma dietro il simbolismo più immediato delle scene, ci sono anche altri livelli di interpretazione che non erano sempre alla portata degli spettatori. Alcuni argomenti sono difficili da interpretare o appaiono in punti lontani dall’occhio dello spettatore.

La tecnica della pittura murale. Abbattimento, trasferimento e arrivo al museo
La parte più importante della collezione di dipinti murali del museo fu riunita in un’operazione effettuata tra il 1919 e il 1923. Si era scoperto che i dipinti romanici della chiesa di Santa Maria de Mur, nel Pallars Jussà, erano stati venduto e rimosso dal muro. Si è quindi ritenuto che il resto della pittura murale romanica catalana fosse a rischio. L’azione decisiva del Board of Museums e di Joaquim Folch i Torres, allora direttore del museo, ha ribaltato la situazione. Tra l’autunno del 1919 e il 1923, i dipinti furono acquisiti, furono rimossi dal loro supporto originale, le pareti delle chiese, e furono trasferiti a Barcellona, ​​dove furono fissati a un altro supporto e preparati per essere esposti nel museo .

Quasi tutti i dipinti murali romanici del museo sono stati rimossi dalle pareti usando la tecnica Strappo, vale a dire, viene estratto solo lo strato pittorico, lasciando il rivestimento in gesso sulla parete originale.

Nel processo tecnico di pittura su una parete all’aria aperta, i pigmenti vengono applicati sulla parete su uno strato di malta ancora umido. Quando la malta si asciuga, i pigmenti si cristallizzano insieme alla malta stessa.

In Catalogna, i pigmenti più usati nel periodo romanico erano terre naturali dei Pirenei: ematiti per il rosso o aerinite per il blu. In casi eccezionali sono stati utilizzati quelli importati, come il lapislazzuli o l’azzurrite per il blu.

Museo Nazionale d’Arte della Catalogna
Il Museo Nazionale d’Arte della Catalogna, noto anche con il suo acronimo MNAC, è un museo d’arte nella città di Barcellona che riunisce tutte le arti la cui missione è preservare ed esibire la collezione del mondo più importante dell’arte catalana, mostrando tutto dal romanico ad oggi. Il suo attuale direttore è Josep Serra.

Il MNAC è un consorzio con una propria personalità giuridica costituita dalla Generalitat de Catalunya, dal Consiglio comunale di Barcellona e dall’Amministrazione statale generale. Oltre alle pubbliche amministrazioni, gli individui e gli enti privati ​​che collaborano con l’amministrazione sono rappresentati nel consiglio di fondazione del museo.

La sede principale si trova nel Palazzo Nazionale di Montjuïc, inaugurato nel 1929 in occasione dell’Esposizione Internazionale. Altre tre istituzioni fanno parte del museo nel suo insieme: la Biblioteca del Museo Víctor Balaguer a Vilanova i la Geltrú, il Museo Garrotxa di Olot e il Museo Cau Ferrat di Sitges, la cui gestione è indipendente e la cui proprietà si basa sui rispettivi consigli .