La musica romantica è un periodo di musica classica occidentale iniziata tra la fine del XVIII e l’inizio del XIX secolo. È legato al Romanticismo, il movimento artistico e letterario europeo sorto nella seconda metà del XVIII secolo, e la musica romantica in particolare dominava il movimento romantico in Germania.
Nel periodo romantico, la musica divenne più esplicitamente espressiva e programmatica, trattando i temi letterari, artistici e filosofici del tempo. Famosi primi compositori romantici includono Beethoven (le cui opere spaziano sia in questo periodo che nel precedente periodo classico), Schubert, Schumann, Chopin, Mendelssohn, Bellini e Berlioz. La fine del XIX secolo vide una drammatica espansione nella dimensione dell’orchestra e nella gamma dinamica e nella diversità degli strumenti usati in questo ensemble. Inoltre, i concerti pubblici sono diventati una parte fondamentale della società della classe media urbana, in contrasto con i periodi precedenti, quando i concerti venivano pagati e interpretati principalmente per gli aristocratici. Famosi compositori della seconda metà del secolo includono Bruckner, Johann Strauss II, Brahms, Liszt, Čajkovskij, Dvořák, Verdi e Wagner. Tra il 1890 e il 1910, una terza ondata di compositori tra cui Mahler, Richard Strauss, Puccini e Sibelius si basò sull’opera dei compositori del medio romantico per creare opere musicali ancora più complesse, e spesso molto più lunghe. Un marchio di spicco della musica del tardo XIX secolo è il suo fervore nazionalistico, come esemplificato da figure come Dvořák, Sibelius e Grieg. Altre importanti figure del tardo secolo includono Saint-Saëns, Fauré, Rachmaninoff e Franck.
La musica romantica era spesso divisa tra diversi stili, spesso in contrasto tra loro. Fin dall’inizio ci fu una divisione tra il nuovo tedesco e la parte classica. Il nuovo stile tedesco è stato contrassegnato da una chiara rottura con la musica precedente. Era più emotivo nell’espressione, e spesso caratterizzato dalla cosiddetta musica di programma, cioè, la musica seguiva un programma o era ispirata da un’opera letteraria o da un’opera d’arte. Lo stile opposto era più orientato alla classe, il che significa che sebbene fosse una direzione più romantica, si potevano sentire ispirazione da Mozart, Beethoven, Haydn e la vecchia guardia. Di solito aveva una musica più assoluta, cioè la musica era di fronte e non doveva essere mescolata con altre forme d’arte.
Un’altra distinzione è andata all’opera. All’inizio, l’opera era caratterizzata dai discendenti di Gioachino Rossini, dove le arie graziose spesso dominavano le opere comiche, o la grande opera, combattendo contro le forze naturali o sociali, i contrasti e gli stati d’animo. Inoltre, l’opera tedesca aveva cominciato a svilupparsi in una direzione fortemente romantica già dai Jegerbruden nel 1821, dove dominavano esseri soprannaturali, la battaglia contro il male, il fuoco medievale e le saghe tedesche e i giornali pubblici. Questo ha preso Richard Wagner su. Ha anche creato l’idea di Gesamtkunstwerk, che comprende tutte le parti dell’opera, dai cantanti all’orchestra, al libretto, alla scenografia e alla coreografia, la cooperazione per raccontare un messaggio forte. Wagner ha usato l’orchestra in misura molto maggiore rispetto alle precedenti opere e ha scritto lui stesso le storie in modo da poter meglio abbinare ogni cosa. Il suo chiaro opposto fu Giuseppe Verdi, che creò opere basate su celebri opere teatrali, poesie o romanzi, e si concentrò su un’orchestrazione più semplice, concentrandosi ancora su canzoni e buone melodie. Tuttavia, Verdi fu anche influenzato dall’importanza del dramma, anche se tenne le opere di Wagner a una certa distanza. Verso la fine del romanticismo è arrivata la vera opera, opere molto più realistiche sul presente e le sue sfide, in particolare con Giacomo Puccini come campione. Queste erano una sinergia tra le idee di Wagner e Verdis sull’opera.
Anche nelle sinfonie c’era una netta distinzione tra quelli ispirati da Hector Berlioz e Franz Liszt e la loro musica programmatica (Bedřich Smetana, Anton Bruckner e Pjotr Tsjajkovsky) da una parte, e Mendelssohn e Schumann sostenitori che si concentravano sulla musica assoluta (John Brahms , Antonín Dvořák e Gustav Mahler) dall’altra. Le sinfonie erano anche in parte ispirate alle idee musicali di Wagner. I fan della musica di programma si ispirarono più spesso a Wagner, mentre i seguaci della musica assoluta erano molto più scettici.
La musica romantica era anche uno sviluppo nel balletto, nuovi stili come l’operetta appariva, la valle viennese divenne allemannseie e apparvero molti virtuosi e alzò il livello dei giochi da concerto. Le orchestre stavano crescendo e il conduttore divenne più importante. Il pianoforte, che stava già avanzando nel periodo precedente, divenne dominante in molte case e come principale strumento per vari concerti e spettacoli di cicli di canzoni.
Tratti
Caratteristiche spesso attribuite al Romanticismo:
una nuova preoccupazione e arrendersi alla Natura;
un fascino per il passato, in particolare il Medioevo e le leggende della cavalleria medievale;
una svolta verso il mistico e il soprannaturale, sia religioso che semplicemente spettrale;
un desiderio per l’infinito;
connotazioni misteriose di lontananza, insolito e favoloso, strano e sorprendente;
un focus sul notturno, il fantasma, lo spaventoso e terrificante;
visione fantastica e esperienze spirituali;
una nuova attenzione data all’identità nazionale;
enfasi su soggettivismo estremo;
interesse per l’autobiografico;
scontento con formule e convenzioni musicali.
Tali elenchi, tuttavia, proliferavano nel tempo, determinando un “caos di fenomeni antitetici”, criticati per la loro superficialità e per aver significato così tante cose diverse che non ci fu un significato centrale. Gli attributi sono stati anche criticati per essere troppo vaghi. Per esempio, le caratteristiche del “fantasma e del soprannaturale” potrebbero applicarsi allo stesso modo del Don Giovanni di Mozart del 1787 e del The Rake’s Progress di Stravinsky del 1951 (Kravitt 1992, 93-95).
Nella musica c’è una linea divisoria relativamente chiara nella struttura e nella forma musicale dopo la morte di Beethoven. Sia che si consideri Beethoven un compositore “romantico” o meno, l’ampiezza e la potenza del suo lavoro hanno fatto sorgere la sensazione che la forma classica della sonata e, in effetti, la struttura della sinfonia, della sonata e del quartetto d’archi si fossero esaurite. Schumann, Schubert, Berlioz e altri compositori del primo periodo romantico tendevano a guardare in direzioni alternative. Alcune caratteristiche della musica romantica includono:
L’uso di strutture musicali nuove o precedentemente non così comuni come il ciclo delle canzoni, il notturno, l’etude del concerto, l’arabesco e la rapsodia, accanto ai generi classici tradizionali. La musica dei programmi è diventata un po ‘più comune;
Una struttura armonica basata sul movimento dal tonico al sottodominante o tasti alternativi piuttosto che il dominante tradizionale e l’uso di progressioni armoniche più elaborate (Wagner e Liszt sono noti per le loro progressioni sperimentali);
Una maggiore enfasi sulla melodia per sostenere l’interesse musicale. Il periodo classico usava spesso materiale tematico breve, anche frammentario, mentre il periodo romantico tendeva a fare maggiore uso di temi più lunghi, più completamente definiti e più soddisfacenti;
L’uso di una gamma più ampia di dinamiche, ad esempio da ppp a fff, supportata da una grande orchestrazione;
Usare una gamma tonale più ampia (exp usando le note più basse e più alte del piano);
Le forme della musica romantica
Sinfonia
Trasportato al massimo grado da Ludwig van Beethoven, la sinfonia divenne la forma più prestigiosa a cui molti compositori si dedicarono. Il più conservatore rispetta il modello di Beethoven: Franz Schubert, Felix Mendelssohn, Robert Schumann o Johannes Brahms. Altri mostrano un’immaginazione che va oltre questo quadro, nella forma o nello spirito: il più audace di loro è Hector Berlioz.
Infine, alcuni vanno oltre a raccontare una storia in tutte le loro sinfonie; come Franz Liszt, creeranno il poema sinfonico, un nuovo genere musicale, di solito composto da un singolo movimento e ispirato da un tema, un personaggio o un testo letterario. Poiché il poema sinfonico si articola attorno a un leitmotif (il motivo musicale che consente di identificare un personaggio, ad esempio l’eroe), è quello di avvicinare la musica al programma sinfonico.
Lied
Questo genere musicale è apparso con l’evoluzione del pianoforte verso il piano durante il periodo romantico. Il termine è una musica vocale accompagnata principalmente da questo strumento. La canzone è tratta da poesie romantiche e questo stile permette di avvicinare la voce dei sentimenti il più vicino possibile. Uno dei primi e più famosi compositori di lieder è Franz Schubert, con The King of the Alders, tuttavia, molti altri compositori romantici si sono concessi il genere di mentire come Robert Schumann, Johannes Brahms, Hugo Wolf o Gustav Mahler.
Concerto
Fu Beethoven ad inaugurare il Concerto romantico, con i suoi cinque concerti per pianoforte (in particolare il quinto) e il suo concerto per violino. Il suo esempio è seguito da molti compositori: il concerto rivaleggia con la sinfonia nel repertorio delle grandi formazioni orchestrali.
Infine, il concerto permetterà ai compositori strumentali di rivelare il loro virtuosismo, come Niccolò Paganini al violino e Frédéric Chopin o Franz Liszt al pianoforte.
L’elemento vocale nella musica romantica
L’era romantica non era più un secolo di grandi composizioni vocali. Esistevano ancora una serie di compositori di cappella, raffinati e raffinati, come Mendelssohn e Brahms, che realizzarono un’armonia inconcepibile e effetti cromatici nel sedicesimo secolo, epoca florida dello stile a cappella. Soprattutto in Germania, i mezzi per raggiungere questa raffinatezza erano le composizioni corali per gli uomini, che, tuttavia, non dovevano il loro impulso a ragioni puramente artistiche, dal momento che diventavano un’espressione di nazionalismo o attività partigiane, mentre il resto delle dimostrazioni basate sulla voce cadde in disuso. I grandi campioni del periodo romantico non pensarono, per un momento, a comporre opere per la chiesa e quindi contribuirono all’ascolto dei versetti della Bibbia.
Erano scritti oratori, come El paraíso y la peri, di Schumann. Brahms scrisse un Requiem tedesco, un’opera religiosa con testo interamente in tedesco. Sono state scritte anche messe e altre opere religiose. L’Ave Maria di Schubert è una menzogna per canto e pianoforte.
Strumentazione e scala
Come in altri periodi, la strumentazione è stata adattata alle esigenze musicali del periodo. Compositori come Hector Berlioz, hanno orchestrato le loro opere in un modo mai sentito prima, dando una nuova importanza agli strumenti a fiato. Aumentarono le dimensioni dell’orchestra standard e furono inclusi strumenti come l’ottavino e il corno inglese, che furono usati molto occasionalmente prima. Mahler ha scritto la sua ottava sinfonia, conosciuta come la “Sinfonia dei Mille” dalla massa orchestrale e corale necessaria per interpretarlo.
Oltre a richiedere un’orchestra più grande, le opere del Romanticismo si allungarono. Una tipica sinfonia di Haydn o Mozart, compositori di classicismo, può durare circa venti o venticinque minuti. Già la terza sinfonia di Beethoven, che di solito è considerata il Romanticismo iniziale, dura circa quarantacinque minuti. E questa tendenza è cresciuta notevolmente nelle sinfonie di Anton Bruckner e ha raggiunto i suoi livelli massimi nel caso di Mahler, con sinfonie che hanno una durata di un’ora (come nel caso del primo e del quarto) di sinfonie che durano più di un’ora e un metà (come il terzo o l’ottavo).
D’altra parte, nel Romanticismo l’importanza del virtuoso strumentista crebbe. Il violinista Niccolò Paganini fu una delle stelle musicali del primo Ottocento. Liszt, oltre ad essere un notevole compositore, era anche un virtuoso del pianoforte, molto popolare. Durante le esibizioni dei virtuosi, erano abituati a distinguersi più dalla musica che stavano suonando.
Questi sono alcuni degli strumenti che appaiono nel Romanticismo:
Vento
Contrafagot: specie di fagotto di grandi dimensioni, i cui suoni sono prodotti nell’ottava tomba del fagotto ordinario.
Sassofono: strumento a fiato composto da un tubo conico di metallo curvo a forma di U, con diverse chiavi e un ugello di legno e canna. Ci sono varie dimensioni
Corno inglese: strumento a fiato, più grande e più serio dell’oboe.
Tuba: strumento a fiato di grandi proporzioni e sonorità voluminose e serie.
Tastiera
Piano: Sebbene esistesse già nel classicismo, il pianoforte è il grande strumento del romanticismo. Permette la massima espressività ai compositori, che sono, molte volte, virtuosi di questo strumento.
Breve cronologia
Le radici classiche del Romanticismo (1780-1815)
In letteratura, si dice spesso che il Romanticismo iniziò negli anni 1770 o 1780, con il movimento tedesco chiamato Sturm und Drang. Fu principalmente influenzato da Shakespeare, saghe popolari, reali o di finzione, e dalla poesia di Omero. Scrittori come Goethe o Schiller hanno cambiato radicalmente le loro pratiche, mentre in Scozia Robert Burnstranscribed la poesia delle canzoni popolari. Questo movimento letterario si rifletteva in vari modi nella musica del periodo classico, tra cui il lavoro di Mozart nell’opera tedesca, la scelta di canzoni e melodie che sarebbero state utilizzate in opere commerciali e nel graduale aumento della violenza nell’espressione artistica. Tuttavia, la capacità o l’interesse della maggior parte dei compositori di aderire al “Romanticismo e alla rivoluzione” era limitata dalla loro dipendenza dalle corti reali. Un esempio di questo è la storia della prima di Le nozze di Figaro di Mozart, che è stata censurata per essere rivoluzionaria.
Anche in termini puramente musicali, il Romanticismo ha preso la sua sostanza fondamentale dalla struttura della pratica classica. In questo periodo sono stati aumentati gli standard di composizione e interpretazione e sono state create forme standard e gruppi di musicisti. Senza mancare il motivo, ETA Hoffmann ha definito “tre compositori romantici” per Haydn, Mozart e Beethoven. Una delle correnti interne più importanti del classicismo è il ruolo del cromatismo e dell’ambiguità armonica. Tutti i più importanti compositori classici hanno usato l’ambiguità armonica e la tecnica di muoversi rapidamente tra diverse tonalità senza stabilire una vera tonalità. Uno degli esempi più noti di quel caos armonico è all’inizio di The Creation of Haydn. Tuttavia, in tutte queste escursioni la tensione era basata su sezioni articolate, un movimento verso il dominante o il relativo maggiore e una trasparenza della trama.
Negli anni 1810, l’uso del cromatismo e della tonalità minore erano stati combinati, il desiderio di passare a più tonalità per ottenere una gamma musicale più ampia e la necessità di una gamma operistica maggiore. Mentre in seguito Beethoven fu visto come la figura centrale del movimento, compositori come Muzio Clementi o Louis Spohrthey rappresentarono meglio il gusto del tempo per incorporare più note cromatiche nel loro materiale tematico. La tensione tra il desiderio di più colore e il desiderio classico di mantenere la struttura, ha portato a una crisi musicale. Una risposta è stata quella di andare verso l’opera, dove il testo poteva garantire una struttura anche quando non c’erano modelli formali. ETA Hoffman, ora più noto per le sue critiche musicali, ha presentato con la sua opera Undinae (1814) un’innovazione musicale radicale. (Da non confondere con Ciajkovskij del 1869). Un’altra risposta a questa crisi è stata ottenuta utilizzando forme più brevi, tra cui alcune nuove come il notturno, in cui l’intensità armonica di per sé era sufficiente per far avanzare la musica.
I primi compositori romantici di Joseph Villegas (1815-1850)
Nel secondo decennio del diciannovesimo secolo, il passaggio a nuove fonti per la musica, insieme a un uso più pronunciato del cromatismo nelle melodie e all’esigenza di un’espressione più armonica, produsse un palpabile cambiamento stilistico. Le ragioni che hanno motivato questo cambiamento non erano solo musicali ma anche economiche, politiche e sociali. Il palcoscenico era pronto per una nuova generazione di compositori in grado di parlare al nuovo ambiente post-napoleonico europeo.
Nel primo gruppo di compositori di solito si raggruppano Beethoven, Louis Spohr, ETA Hoffmann, Carl Maria von Weber e Franz Schubert. Questi compositori sono cresciuti nel mezzo della drammatica espansione della vita concertistica tra la fine del diciottesimo e l’inizio del diciannovesimo secolo, e questo ha modellato i loro stili e aspettative. Molti hanno accolto Beethoven come modello da seguire o, almeno, da aspirare. Anche le melodie cromatiche di Muzio Clementi e le opere di Rossini, Cherubini, Spontini e Mehul hanno esercitato una certa influenza. Allo stesso tempo, la composizione di canzoni per voce e pianoforte su poesie popolari, per soddisfare la domanda di un mercato in crescita di case borghesi, era una nuova e importante fonte di input economici per i compositori.
Le opere più importanti di questa ondata di compositori romantici furono forse i cicli di canzoni e le sinfonie di Schubert, le opere di Weber, specialmente Oberon, Der Freischütz ed Euryanthe. Per il momento, i lavori di Schubert sono stati interpretati solo prima di un pubblico limitato e potevano solo esercitare un impatto notevole a poco a poco. Al contrario, le opere di John Field si sono incontrate rapidamente, in parte perché è stato in grado di comporre piccole e “caratteristiche” opere per pianoforte e danze.
La prossima coorte di compositori romantici comprende Franz Liszt, Felix Mendelssohn, Frédéric Chopin e Hector Berlioz. Nacquero nel diciannovesimo secolo e presto iniziarono la produzione di composizioni di grande valore. Mendelssohn era particolarmente precoce, scrivendo i suoi primi quartetti, un ottetto per archi e musica orchestrale prima di compiere vent’anni. Chopin si dedicò alla musica per pianoforte, compresi gli studi (studi) e due concerti per pianoforte. Berlioz avrebbe composto la prima sinfonia notevole dopo la morte di Beethoven, la già citata fantastica sinfonia. Liszt ha composto musica orchestrale, ma è noto per innovare nella tecnica del pianoforte, i suoi studi trascendentali sono tra le opere che richiedono più virtuosismo.
Allo stesso tempo è stata istituita quella che oggi è conosciuta come “opera romantica”, con una forte connessione tra Parigi e l’Italia settentrionale. La combinazione del virtuosismo orchestrale francese, delle linee vocali italiane e del potere drammatico, insieme ai libretti basati sulla letteratura popolare, stabilì le norme che continuano a dominare la scena operistica. Le opere di Vincenzo Bellini e Gaetano Donizetti erano immensamente popolari in questo momento.
Un aspetto importante di questa parte del Romanticismo era la diffusa popolarità dei concerti per pianoforte (o “recital”, come li definiva Franz Liszt), che comprendeva improvvisazioni di temi popolari, brevi brani e brani più lunghi, come le sonate di Beethoven o di Mozart. Uno degli esponenti più importanti delle opere di Beethoven fu Clara Wieck, che in seguito sposò Robert Schumann. Le nuove strutture di viaggio offerte all’epoca, grazie al treno e poi al vapore, permisero ai gruppi internazionali di fan di pianisti virtuosi, come Liszt, Chopin e Thalberg, di emergere. Questi concerti sono stati trasformati in eventi da soli. Niccolò Paganini, famoso virtuoso del violino, fu un pioniere di questo fenomeno.
Tra la fine degli anni Trenta e gli anni Quaranta dell’Ottocento, i frutti di questa generazione furono presentati al pubblico, come le opere di Robert Schumann, Giacomo Meyerbeer e del giovane Giuseppe Verdi. È importante notare che il Romanticismo non era il solo, e nemmeno il più importante, genere musicale del tempo, poiché i programmi di concerti erano in gran parte dominati da un genere post-classico, esemplificato dal Conservatorio di Parigi, così come dalla musica di corte. Questo ha cominciato a cambiare con l’ascesa di alcune istituzioni, come le orchestre sinfoniche con stagioni regolari, una moda promossa da Felix Mendelssohn stesso.
Fu in questo momento che Richard Wagner produsse la sua prima opera di successo, e iniziò la sua ricerca di nuovi modi per espandere il concetto di “drammi musicali”. A Wagner piaceva definirsi un rivoluzionario e aveva problemi costanti con i suoi usurai e le autorità; Allo stesso tempo si è circondato di una cerchia di musicisti con idee simili, come Franz Liszt, con il quale si è dedicato a creare la “musica del futuro”.
Di solito si indica che il romanticismo letterario terminò nel 1848, con le rivoluzioni che si svolsero in quell’anno e che segnarono una pietra miliare nella storia dell’Europa, o almeno nella percezione delle frontiere dell’arte e della musica. Con l’avvento dell’ideologia “realista” e la morte di personaggi come Paganini, Mendelssohn e Schumann e il ritiro di Liszt dal palco, è apparsa una nuova generazione di musicisti. Alcuni sostengono che questa generazione dovrebbe essere chiamata vittoriana piuttosto che romantica. In effetti, gli ultimi anni del diciannovesimo secolo sono spesso descritti come tardo Romanticismo.
Tardo romanticismo (1850-1870)
Arrivati nella seconda metà del 19 ° secolo, molti dei cambiamenti sociali, politici ed economici che hanno avuto inizio nell’era post-napoleonica sono stati affermati. Il telegrafo e le ferrovie hanno unito molto più l’Europa. Il nazionalismo, che fu una delle fonti più importanti dell’inizio del secolo, fu formalizzato in elementi politici e linguistici. La letteratura che aveva come pubblico la classe media, divenne l’obiettivo principale della pubblicazione di libri, tra cui l’ascesa del romanzo come principale forma letteraria.
Molte delle figure della prima metà del diciannovesimo secolo si erano ritirate o erano morte. Molti altri hanno seguito altre strade, sfruttando una maggiore regolarità nella vita concertistica e risorse finanziarie e tecniche disponibili. Nei precedenti cinquanta anni, molte innovazioni nella strumentazione, tra cui lo scarico doppio a pianoforte (doppia scarpata), gli strumenti a fiato con valvole e cordolo (mentoniera) dei violini e delle viole, passarono dall’essere qualcosa di nuovo agli standard. L’aumento dell’educazione musicale è servito a creare un pubblico più ampio per la musica per pianoforte e per i concerti musicali più sofisticati. Con la fondazione di conservatori e università, si aprì la possibilità per i musicisti di fare carriera stabile come professori, invece di essere imprenditori che dipendevano dalle proprie risorse. La somma di questi cambiamenti può essere vista nell’ondata titanica di sinfonie, concerti e poemi sinfonici che sono stati creati, e l’espansione delle stagioni liriche in molte città e paesi, come Parigi, Londra o l’Italia.
Il tardo periodo romantico vide anche l’ascesa dei cosiddetti generi “nazionalisti” che erano associati alla musica popolare (folklorica) e alla poesia di certi paesi. La nozione di musica tedesca o italiana era già ampiamente affermata nella storia della musica, ma dalla fine del XIX secolo furono creati i sottogeneri russi (Mikhail Glinka, Musorgski, Rimsky-Korsakov, Čajkovskij e Borodin); Ceco, finlandese e francese. Molti compositori erano esplicitamente nazionalisti nei loro obiettivi, cercando di comporre l’opera o la musica associata alla lingua e alla cultura delle loro patrie.
Post-romanticismo (1870-1949)
Può essere considerato un movimento tra fine Ottocento e inizio Novecento che differisce dal Romanticismo per l’esuberanza orchestrale e la sproporzione negli sviluppi sinfonici, ma è anche caratterizzato da un intenso cromatismo che supera Richard Wagner. Nei compositori post-romantici si osserva la malinconia che produce la perdita della cultura romantica.
I compositori più rappresentativi di questo stile furono Anton Bruckner, Erik Satie, Gustav Mahler e Richard Strauss.
Il musicista romantico
Con l’atteggiamento verso la società e il mondo, Beethoven divenne il modello del movimento romantico, che allo stesso tempo era un modello pericoloso. Era, certamente, la figura di questo che ha fornito l’era romantica con il paradigma del suo concetto di “Artista”. Ciò non fece scomparire l’idea che si ebbe del “musicista” che prestò alla società un servizio diretto, cioè la canzone, organista di chiesa, cantante di coro, direttore di orchestra di teatro e una lunga eccetera.
Ciò che è chiaro è che il palcoscenico romantico ha dato origine allo scontro tra “l’artista” e il “filisteo”, come Robert Schumann ha detto musicalmente nel suo lavoro Carnevale. Con Beethoven iniziò un periodo in cui le sinfonie, gli oratori, la musica da camera, il coro e la lirica, di ogni genere e persino le opere, furono composte senza che nessuno le commissionasse, per un pubblico immaginario, per il futuro e per l’eternità.
L’isolamento del musicista romantico non si è verificato senza un effetto retroattivo sulla sua personalità e sul carattere del suo lavoro. Prima del 1800, tutte le composizioni dovevano essere suscettibili di valutazione immediata; se la deviazione dei vecchi costumi, della tradizione era eccessiva, non era esente da pericoli, poiché più di un compositore aveva l’opportunità di imparare dalla propria esperienza. Questo è stato il caso di Monteverdi, Gluck o Haydn, tra gli altri.
D’altra parte, competere nell’originalità era più l’eccezione che la regola. Quindi, le generazioni si sono succedute. I musicisti romantici hanno resistito alla tradizione, e non solo hanno smesso di evitare l’originalità, ma hanno perseguitato la cosa e più il libero delle idee preconcette era un’opera, maggiore era la stima che suscitava.
La musica romantica, la musica del diciannovesimo secolo, appare piena di una successione di personalità tra le più varie, con una serie di profili molto più marcati e differenziati rispetto ai secoli precedenti ed è un compito molto difficile tracciare chiaramente la traiettoria dei loro Evoluzione.
Romanticismo nel XX secolo (dal 1901 in poi)
Molti dei compositori che nacquero nel diciannovesimo secolo e continuarono a comporre nel XX secolo, usarono forme che erano in evidente connessione con la precedente era musicale, tra cui Sergei Rachmaninoff, Giacomo Puccini, Richard Strauss e Kurt Atterberg. D’altra parte, molti dei compositori che in seguito sono stati identificati come modernisti, hanno scritto nelle loro prime opere con uno stile romantico marcato, come Igor Stravinsky (il suo balletto The Firebird è notevole), Arnold Schoenberg (Gurrelieder) e Béla Bartók ( Il castello della barba blu). Ma il vocabolario e la struttura musicale di fine Ottocento non si fermano qui; Ralph Vaughan Williams, Erich Korngold, Berthold Goldschmidt e Sergéi Prokófiev hanno continuato questo genere di composizione oltre il 1950.
Sebbene alcune nuove tendenze, come il neoclassicismo o la musica atonale, mettessero in discussione la preminenza del genere romantico, l’interesse per l’uso di un vocabolario cromatico incentrato sulla tonalità, rimaneva presente nelle opere più importanti. Samuel Barber, Benjamin Britten, Gustav Holst, Dmitri Shostakovich, Malcolm Arnold e Arnold Bax, anche se si consideravano compositori moderni e contemporanei, hanno spesso mostrato tendenze romantiche nelle loro opere.
Il romanticismo raggiunse un retaggio retorico e artistico intorno al 1960: tutto indicava che il futuro sarebbe stato formato da generi di composizione d’avanguardia o con qualche tipo di elementi neoclassici. Mentre Hindemith ritornava a stili più riconoscibili nelle loro radici romantiche, molti compositori si muovevano in altre direzioni. Sembrava che solo nell’URSS o in Cina, dove c’era una gerarchia accademica conservatrice, il romanticismo avesse un posto. Tuttavia, alla fine degli anni ’60 iniziò una rinascita della musica che aveva una superficie romantica. Compositori come George Rochberg passarono dalla musica seriale a modelli basati su Gustav Mahler, un progetto in cui fu accompagnato da altri come Nicholas Maw e David Del Tredici. Questo movimento è spesso chiamato neo-romanticismo e include opere come la Prima Sinfonia di John Corigliano.
Un’altra area in cui il genere romantico è sopravvissuto, ed è persino fiorita, è nelle colonne sonore. Molti dei primi emigranti fuggiti dalla Germania nazista erano compositori ebrei che avevano studiato con Mahler oi suoi discepoli a Vienna. La colonna sonora del film Gone With the Wind del compositore Max Steiner è un esempio dell’uso dei leitmotiv wagneriani e dell’orchestrazione mahleriana. La musica dei film della Golden Age di Hollywood è stata composta in gran parte da Korngold e Steiner, così come da Franz Waxman e Alfred Newman. La prossima generazione di compositori per il cinema, composta da Alexander North, John Williams e Elmer Bernstein, ha tratto questa tradizione nella composizione della musica orchestrale per un cinema più familiare alla fine del XX secolo.
Forme musicali del romanticismo
Il periodo romantico musicale durò dal 1770 al 1910, quindi lo strumento più usato era il pianoforte. Nel campo della musica strumentale, la sua principale eredità era la sonata, che aveva raggiunto la sua espressione più forte e il suo significato universale nelle sinfonie di Beethoven.
La via nella sinfonia romantica
Fin dall’inizio, i romantici hanno adottato un atteggiamento rilassato rispetto alla forma sinfonica.
A quel tempo era già stato pubblicato e montato l’Eroica, quel modello di gravità suprema che suona come un inno della struttura più pura. Quella composizione in cui nessuno strumento si impone all’interno del gruppo e dove ognuno contribuisce all’obiettivo sinfonico globale.