Musica rinascimentale

La musica rinascimentale è musica vocale e strumentale scritta ed eseguita in Europa durante l’era rinascimentale. Il consenso tra gli storici della musica è stato quello di iniziare l’era intorno al 1400, con la fine dell’era medievale, e di chiuderla verso il 1600, con l’inizio del periodo barocco, quindi iniziare il Rinascimento musicale circa cento anni dopo l’inizio del Rinascimento come è inteso in altre discipline. Come nelle altre arti, la musica del periodo fu significativamente influenzata dagli sviluppi che definiscono il periodo dell’era moderna: l’ascesa del pensiero umanistico; il recupero del patrimonio letterario e artistico della Grecia antica e dell’antica Roma; maggiore innovazione e scoperta; la crescita delle imprese commerciali; l’ascesa di una classe borghese; e la Riforma protestante. Da questa società in evoluzione è emerso un linguaggio musicale comune e unificante, in particolare lo stile polifonico (questo significa musica con più linee melodiche indipendenti eseguite simultaneamente) della scuola franco-fiamminga, il cui più grande maestro era Josquin des Prez.

L’invenzione della macchina da stampa nel 1439 rese più economica e facile la distribuzione di musica e testi di teoria musicale su una scala geografica più ampia e più persone. Prima dell’invenzione della stampa, canzoni e musica che erano state scritte e testi di teoria musicale dovevano essere copiati a mano, un processo lungo e costoso. La domanda di musica come intrattenimento e come attività per il tempo libero per dilettanti istruiti aumentò con l’emergere di una classe borghese. La diffusione di chansons, mottetti e masse in tutta Europa coincise con l’unificazione della pratica polifonica nello stile fluido che culminò nella seconda metà del XVI secolo nel lavoro di compositori come Giovanni Pierluigi da Palestrina, Orlande de Lassus, Thomas Tallis e William Byrd. La relativa stabilità politica e prosperità nei Paesi Bassi, insieme a un fiorente sistema di educazione musicale nelle molte chiese e cattedrali della zona, permise la formazione di un gran numero di cantanti, strumentisti e compositori. Questi musicisti erano molto richiesti in tutta Europa, in particolare in Italia, dove chiese e tribunali aristocratici li assoldavano come compositori, artisti e insegnanti. Poiché la stampa aveva facilitato la diffusione della musica stampata, verso la fine del XVI secolo, l’Italia aveva assorbito le influenze musicali del nord con Venezia, Roma e altre città diventando centri di attività musicale. Ciò ha invertito la situazione rispetto a cento anni prima. Opera, un genere teatrale drammatico in cui i cantanti sono accompagnati da strumenti, sorse in questo momento a Firenze. Opera è stato sviluppato come un tentativo deliberato di far risorgere la musica dell’antica Grecia (OED 2005).

La musica fu sempre più liberata dai vincoli medievali, e fu permessa una maggiore varietà nella gamma, nel ritmo, nell’armonia, nella forma e nella notazione. D’altra parte, le regole del contrappunto sono diventate più vincolanti, in particolare per quanto riguarda il trattamento delle dissonanze. Nel Rinascimento, la musica divenne un veicolo per l’espressione personale. I compositori hanno trovato il modo di rendere la musica vocale più espressiva dei testi che stavano impostando. La musica secolare (musica non religiosa) ha assorbito le tecniche dalla musica sacra e viceversa. Forme secolari popolari come il chanson e il madrigale si diffusero in tutta Europa. Le corti hanno impiegato virtuosi interpreti, sia cantanti che strumentisti. La musica divenne anche più autosufficiente con la sua disponibilità in forma stampata, esistente per il suo stesso interesse. Le versioni precursori di molti strumenti moderni familiari (tra cui violino, chitarra, strumenti per liuto e tastiera) si svilupparono in nuove forme durante il Rinascimento. Questi strumenti sono stati modificati per rispondere all’evoluzione delle idee musicali e hanno presentato nuove possibilità per compositori e musicisti da esplorare. Comparvero anche le prime forme di strumenti moderni a fiato e ottoni come il fagotto e il trombone; estendendo la gamma di colori sonori e aumentando il suono degli ensemble strumentali. Nel corso del XV secolo, il suono delle triadi piene (accordi di tre note) divenne comune, e verso la fine del 16 ° secolo il sistema dei modi di chiesa cominciò a scomparire del tutto, lasciando il posto alla tonalità funzionale (il sistema in cui canzoni e i pezzi sono basati su “chiavi” musicali), che dominerebbero la musica occidentale per i successivi tre secoli.

A partire dall’era rinascimentale, la musica sacra e secolare è sopravvissuta in quantità, incluse le opere vocali e strumentali e le opere vocali / strumentali miste. Un’enorme varietà di stili e generi musicali fiorì durante il Rinascimento. Questi possono essere ascoltati su registrazioni fatte nel 20 ° e 21 ° secolo, tra cui messe, mottetti, madrigali, chansons, canzoni accompagnate, danze strumentali e molti altri. A partire dalla fine del 20 ° secolo, furono formati numerosi gruppi di musica antica. Le prime orchestre specializzate nella musica del Rinascimento danno concerti e fanno registrazioni, usando riproduzioni moderne di strumenti storici e usando stili di canto e di esibizione che i musicologi ritengono siano stati usati durante l’era.

Panoramica
Una delle caratteristiche più pronunciate della musica d’arte europea del primo Rinascimento era la crescente dipendenza dall’intervallo del terzo e dalla sua inversione, il sesto (nel Medioevo, il terzo e il sesto erano stati considerati dissonanze e solo gli intervalli perfetti venivano trattati come consonanze : il quarto perfetto il quinto perfetto, l’ottava e l’unisono). La polifonia – l’uso di più linee melodiche indipendenti, eseguite simultaneamente – divenne sempre più elaborata per tutto il XIV secolo, con voci altamente indipendenti (sia nella musica vocale che nella musica strumentale). L’inizio del quindicesimo secolo ha mostrato una semplificazione, con i compositori che spesso si sforzano di ottenere morbidezza nelle parti melodiche. Ciò è stato possibile a causa di una gamma vocale molto maggiore nella musica: nel Medioevo, la gamma ristretta ha reso necessario il frequente incrocio di parti, richiedendo quindi un maggiore contrasto tra loro per distinguere le diverse parti. Il modale (in contrapposizione a quello tonale, noto anche come “chiave musicale”, un approccio sviluppato nella successiva era della musica barocca, intorno al 1600-1750), le caratteristiche della musica rinascimentale iniziarono ad abbattere verso la fine del periodo con l’aumento dell’uso di movimenti radicali di quinti o quarti (vedi il “cerchio delle quinte” per i dettagli). Un esempio di progressione di accordi in cui le radici di accordi si muovono nell’intervallo di un quarto sarebbe la progressione di accordi, nella tonalità di Do maggiore: “Re minore / Sol maggiore / Do maggiore” (queste sono tutte triadi; accordi). Il movimento dall’accordo di re minore all’accordo di G Major è un intervallo di un quarto perfetto. Anche il movimento dall’accordo in sol maggiore a quello in do maggiore è un intervallo di un quarto perfetto. Questo in seguito si è sviluppato in una delle caratteristiche distintive della tonalità durante l’era barocca.

Le principali caratteristiche della musica rinascimentale sono (Fuller 2010):

Musica basata sulle modalità.
Texture più ricca, con quattro o più parti melodiche indipendenti eseguite simultaneamente. Queste linee melodiche intrecciate, uno stile chiamato polifonia, sono una delle caratteristiche principali della musica rinascimentale.
Mescolando, piuttosto che contrastare, le linee melodiche nella trama musicale.
Armonia che ha posto una maggiore preoccupazione sul flusso regolare della musica e sulla sua progressione degli accordi.
Lo sviluppo della polifonia produsse i notevoli cambiamenti negli strumenti musicali che segnano musicalmente il Rinascimento dal Medioevo. Il suo uso ha incoraggiato l’uso di ensemble più grandi e ha richiesto set di strumenti che si fondessero insieme su tutta la gamma vocale (Montagu n.d.).

generi
Le principali forme musicali liturgiche (basate sulla chiesa) rimaste in uso durante tutto il periodo rinascimentale furono masse e mottetti, con alcuni altri sviluppi verso la fine dell’era, specialmente quando i compositori di musica sacra iniziarono ad adottare forme musicali secolari (non religiose) (come il madrigale) per uso religioso. Le masse del XV e XVI secolo avevano due tipi di fonti usate, monofoniche (una sola linea melodica) e polifoniche (più linee melodiche indipendenti), con due forme principali di elaborazione, basate sulla pratica del cantus firmus o, a partire da un po ‘di tempo 1500, il nuovo stile di “pervasive imitation”, in cui i compositori scriveranno musica in cui le diverse voci o parti potrebbero imitare i motivi melodici e / o ritmici eseguiti da altre voci o parti. Sono stati utilizzati quattro tipi principali di masse:

Massa cantus firmus (tenore di massa)
Il cantus firmus / imitazione di massa
La massa parafrasica
La massa d’imitazione (massa della parodia)
Le masse erano normalmente intitolate alla fonte da cui avevano preso in prestito. La massa cantus firmus utilizza la stessa melodia monofonica, solitamente tratta dal canto e solitamente nel tenore e più spesso in valori di nota più lunghi rispetto alle altre voci (Burkholder n.d.). Altri generi sacri erano il madrigale spirituale e laude.

Durante il periodo, la musica secolare (non religiosa) ha avuto una distribuzione crescente, con una grande varietà di forme, ma bisogna essere cauti nell’assumere un’esplosione nella varietà: poiché la stampa ha reso la musica più ampiamente disponibile, molto altro è sopravvissuto da questa era rispetto alla precedente era medievale, e probabilmente un ricco magazzino di musica popolare del tardo medioevo è andato perduto. La musica secolare era musica indipendente dalle chiese. I tipi principali erano il Lied tedesco, la frottola italiana, il chanson francese, il madrigale italiano e il villancico spagnolo (Fuller 2010). Altri generi vocali secolari includevano la caccia, rondeau, virelai, bergerette, ballade, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta e la canzone del liuto. Apparvero anche forme miste come il mottetto-maglio e il mottetto secolare.

La musica puramente strumentale includeva musica per registratori o viole e altri strumenti e danze per vari ensemble. I generi strumentali comuni erano la toccata, il preludio, il ricercar e la canzona. Le danze suonate da ensemble strumentali (o talvolta cantate) includevano la bassa danse (bassadanza), tourdion, saltarello, pavane, galliard, allemande, courante, bransle, canarie, piva e lavolta. La musica di molti generi potrebbe essere arrangiata per uno strumento solista come liuto, vihuela, arpa o tastiera. Tali disposizioni furono chiamate intabulations (It. Intavolatura, Ger. Intabulierung).

Verso la fine del periodo, si ascoltano i primi precursori drammatici dell’opera come la monodia, la commedia madrigale e l’intermediario.

Teoria e notazione
Secondo Margaret Bent: “La notazione rinascimentale è poco prescrittiva secondo i nostri standard [moderni], quando viene tradotta in forma moderna acquisisce un peso prescrittivo che sovrascrive e distorce la sua apertura originale” (Bent 2000, 25). Le composizioni rinascimentali furono annotate solo in singole parti; i punteggi erano estremamente rari e le stanghette non venivano utilizzate. I valori delle note erano generalmente più grandi di quelli attualmente in uso; l’unità primaria del battito era il semibreve, o la nota intera. Come era accaduto dopo l’Ars Nova (vedi musica medievale), potrebbero esserci due o tre di questi per ogni breve (una doppia nota intera), che può essere considerata equivalente alla “misura” moderna, sebbene era di per sé un valore di nota e una misura no. La situazione può essere considerata in questo modo: è la stessa regola secondo la quale nella musica moderna un quarto di nota può essere uguale a due note da 1/8 o tre, che verrebbero scritte come una “tripletta”. Allo stesso modo, potrebbero esserci due o tre della nota successiva più piccola, la “minim” (equivalente alla moderna “mezza nota”) a ciascun semibreve.

Queste diverse permutazioni erano chiamate “tempus perfetto / imperfetto” al livello della relazione semibreve, “prolusione perfetta / imperfetta” al livello del minimo del semibreve ed esistevano in tutte le possibili combinazioni l’una con l’altra. Il three-to-one è stato definito “perfetto” e il “due-a-uno” imperfetto. ” Esistevano anche regole in base alle quali le singole note potevano essere dimezzate o raddoppiate in valore (“imperfette” o “alterate”, rispettivamente) se precedute o seguite da altre note certe. Le note con teste di nota nere (come le banconote) si sono verificate meno frequentemente. Questo sviluppo della notazione mensurale bianca può essere il risultato del maggiore uso della carta (anziché della pergamena), poiché la carta più debole era meno in grado di sopportare il graffio richiesto per riempire le teste di carta piene; la notazione dei tempi precedenti, scritta su pergamena, era stata nera. Altri colori, e in seguito note piene, furono usati anche di routine, principalmente per far rispettare le imperfezioni o le alterazioni sopra menzionate e per richiedere altri cambiamenti ritmici temporanei.

Accidentals (ad esempio, aggiunte diesis, flat e naturali che cambiano le note) non sono sempre state specificate, un po ‘come in certe notazioni di diteggiatura per strumenti di chitarra (tablature) oggi. Tuttavia, i musicisti del Rinascimento sarebbero stati altamente addestrati nel contrappunto diadico e quindi possedevano questa e altre informazioni necessarie per leggere correttamente un punteggio, anche se le alterazioni non erano state scritte. Come tale, “ciò che la notazione moderna richiede [accidentalmente] sarebbe stato perfettamente apparente senza notazione a un cantante esperto di contrappunto. ” (Vedi musica ficta.) Un cantante interpreterà la sua parte immaginando formule cadenzali con altre parti in mente, e quando cantano insieme, i musicisti eviterebbero ottave parallele e quinte parallele o altererebbero le loro parti cadenzali alla luce delle decisioni prese da altri musicisti ( Bent 2000, 25). È attraverso le tablature contemporanee di vari strumenti a pizzico che abbiamo ottenuto molte informazioni su quali sono stati gli incidenti eseguiti dai praticanti originali.

Per informazioni su teorici specifici, vedi Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius e Pietro Cerone.

Periodo iniziale (1400-1470)
Anche i principali compositori dell’epoca del primo Rinascimento hanno scritto in uno stile tardo medievale e, in quanto tali, sono figure di transizione. Leonel Power (circa nel 1370 o 1380 – 1445) fu un compositore inglese delle ere di musica del tardo medioevo e del primo Rinascimento. Insieme a John Dunstaple, fu una delle figure più importanti della musica inglese all’inizio del XV secolo (Stolba 1990, p.140, Emmerson e Clayton-Emmerson 2006, 544). Power è il compositore meglio rappresentato nel Manoscritto della Vecchia Sala, una delle uniche fonti non danneggiate della musica inglese degli inizi del XV secolo. Il potere fu uno dei primi compositori a stabilire movimenti separati dell’Ordinario della Messa, che erano tematicamente unificati e destinati a prestazioni contigue. Il Manoscritto dell’Antica Sala contiene la sua massa basata sull’antifona mariana, Alma Redemptoris Mater, in cui l’antifona si afferma letteralmente nella voce tenore di ogni movimento, senza ornamenti melodici. Questa è l’unica impostazione ciclica dell’Ordinario di massa che può essere attribuita a lui (Bent n.d.). Scrisse cicli di massa, frammenti e singoli movimenti e una varietà di altre opere sacre.

John Dunstaple (o Dunstable) (1390-1453 circa) è stato un compositore inglese di musica polifonica di epoca tardo medievale e del primo Rinascimento. Fu uno dei più famosi compositori attivi all’inizio del XV secolo, un quasi contemporaneo di Potere, e fu molto influente, non solo in Inghilterra ma nel continente, specialmente nello stile in via di sviluppo della Scuola borgognona. L’influenza di Dunstaple sul vocabolario musicale del continente era enorme, soprattutto considerando la relativa scarsità delle sue opere (attribuibili). Fu riconosciuto per aver posseduto qualcosa di mai sentito prima nella musica della scuola borgognone: la contenance angloise (“il volto inglese”), termine usato dal poeta Martin le Franc nel suo Le Champion des Dames. Le Franc ha aggiunto che lo stile ha influenzato Dufay e Binchois. Scrivendo alcuni decenni più tardi, verso il 1476, il compositore fiammingo e teorico musicale Tinctoris riaffermò la potente influenza di Dunstaple, sottolineando la “nuova arte” che Dunstaple aveva ispirato. Il Tinctoris salutava Dunstaple come il fons et origo dello stile, la sua “fonte e origine”.

La contenzione angloise, sebbene non definita da Martin le Franc, era probabilmente un riferimento al tratto stilistico di Dunstaple nell’uso dell’armonia triadica completa (accordi di tre note), insieme a una predilezione per l’intervallo del terzo. Supponendo che fosse stato nel continente con il duca di Bedford, Dunstaple sarebbe stato presentato al fauxbourdon francese; prendendo in prestito alcune delle sonorità, ha creato eleganti armonie nella propria musica usando terze e seste (un esempio di un terzo intervallo sono le note C ed E, un esempio di un sesto intervallo è le note C e A). Presi insieme, questi sono visti come le caratteristiche che definiscono la musica del primo Rinascimento. Molti di questi tratti potrebbero aver avuto origine in Inghilterra, mettendo radici nella scuola borgognona verso la metà del secolo.

Poiché numerose copie delle opere di Dunstaple sono state trovate in manoscritti italiani e tedeschi, la sua fama in tutta Europa deve essere stata diffusa. Delle opere a lui attribuite sopravvivono solo una cinquantina, tra le quali due masse complete, tre sezioni di massa collegate, quattordici sezioni di massa individuali, dodici moti isoritmici completi e sette impostazioni di antifone mariane, come Alma redemptoris Mater e Salve Regina, Mater misericordiae . Dunstaple fu uno dei primi a comporre le masse usando un’unica melodia come cantus firmus. Un buon esempio di questa tecnica è il suo seculorum Missa Rex. Si ritiene che abbia scritto musica secolare (non religiosa), ma nessuna canzone in lingua volgare può essere attribuita a lui con alcun grado di certezza.

Oswald von Wolkenstein (1376-1445 circa) è uno dei più importanti compositori del primo Rinascimento tedesco. È meglio conosciuto per le sue melodie ben scritte e per il suo uso di tre temi: viaggio, Dio e sesso.

Gilles Binchois (1400-1460 circa) era un compositore olandese, uno dei primi membri della scuola borgognona e uno dei tre più famosi compositori del primo quindicesimo secolo. Mentre spesso si classificarono dietro i suoi contemporanei Guillaume Dufay e John Dunstaple da studiosi contemporanei, le sue opere furono ancora citate, prese in prestito e utilizzate come materiale di base dopo la sua morte. Binchois è considerato [da chi?] Essere un raffinato melodista, scrivendo linee sagomate con cura, facili da cantare e da ricordare. Le sue canzoni sono apparse in copie decenni dopo la sua morte e sono state spesso usate come fonti per la composizione di massa di compositori successivi. La maggior parte della sua musica, anche la sua musica sacra, è semplice e chiara a grandi linee, a volte anche ascetica (simile a un monaco). Un maggiore contrasto tra Binchois e l’estrema complessità del subtilizzatore ars del precedente (quattordicesimo secolo) sarebbe difficile da immaginare. La maggior parte delle sue canzoni secolari sono rondeaux, che divenne la forma di canto più comune durante il secolo. Scrive raramente in forma strofica e le sue melodie sono generalmente indipendenti dallo schema rima dei versi a cui sono impostate. Binchois scrisse musica per la corte, canzoni secolari d’amore e cavalleria che soddisfacevano le aspettative e soddisfacevano il gusto dei duchi di Borgogna che lo impiegavano, e evidentemente amavano la sua musica di conseguenza. Circa metà della sua musica secolare esistente si trova nella Oxford Bodleian Library.

Guillaume Du Fay (circa 1397-1474) fu un compositore franco-fiammingo del primo Rinascimento. Figura centrale della Scuola borgognona, fu considerato dai suoi contemporanei come il principale compositore in Europa nella metà del XV secolo (Planchart n. Du Fay ha composto nella maggior parte delle forme comuni del giorno, tra cui messe, mottetti, Magnificat, inni, semplici impostazioni di canto in fauxbourdon e antifone all’interno dell’area della musica sacra, e rondeaux, ballades, virelais e alcuni altri tipi di chanson all’interno il regno della musica profana. Nessuno della sua musica sopravvissuta è specificamente strumentale, sebbene gli strumenti siano stati certamente utilizzati per alcune delle sue musiche secolari, specialmente per le parti inferiori; tutta la sua musica sacra è vocale. Gli strumenti potrebbero essere stati utilizzati per rinforzare le voci nella performance reale per quasi tutti i suoi lavori. Sette Messe complete, 28 singoli movimenti di massa, 15 ambientazioni di canto usate in Propagazione di Massa, tre Magnificat, due impostazioni di Benedicamus Domino, 15 impostazioni antifone (sei antifone Mariane), 27 inni, 22 mottetti (13 di questi sono più drammatici in più uno stile angolare e austero del XIV secolo che ha lasciato il posto a una parte di scrittura più melodica e sensuale, dominata dagli acuti, con frasi che terminano nella cadenza “under-third” nella giovinezza di Du Fay) e alle 87 canzoni che sicuramente da lui sono sopravvissute.

Periodo medio (1470-1530)
Nei primi anni del 1470, la musica cominciò a essere stampata usando una macchina da stampa. La stampa musicale ha avuto un effetto importante sul modo in cui la musica si diffuse, perché non solo un pezzo di musica stampato raggiungeva una regione geografica e un pubblico più ampi di qualsiasi altro manoscritto scritto a mano o manoscritto, ma lo faceva anche a costi inferiori. Anche durante il XVI secolo, una tradizione di produttori famosi si sviluppò per molti strumenti. Questi creatori erano maestri del loro mestiere. Un esempio è la famiglia Neuschel di Norimberga, per le loro trombe.

Verso la fine del XV secolo, la musica sacra polifonica (esemplificata nelle masse di Johannes Ockeghem e Jacob Obrecht) era tornata ad essere più complessa, in un modo che può forse essere considerato correlato alla maggiore esplorazione dei dettagli nella pittura a il tempo. Ockeghem, in particolare, amava il canone, sia contrappuntistico che mensurale. Ha composto una massa, Missa prolationum, in cui tutte le parti sono derivate canonicamente da una linea musicale. Fu nei primi decenni del secolo successivo che la musica sentita in un tactus (si pensi alla firma del tempo moderna) di due semibreve-a-breve cominciò ad essere così comune come con tre semibreve-a-un-breve, come era prevalsa prima di quel tempo.

All’inizio del XVI secolo, c’è un’altra tendenza alla semplificazione, come si può vedere in certa misura nel lavoro di Josquin des Prez e dei suoi contemporanei nella scuola franco-fiamminga, poi in quello di G.P. Palestrina. Palestrina reagiva in parte alle restrizioni del Concilio di Trento, che scoraggiava la polifonia eccessivamente complessa poiché si pensava che inibisse la comprensione del testo da parte dell’ascoltatore. I compositori Franco-Fleming dell’inizio del XVI secolo si allontanarono dai complessi sistemi di riproduzione canonica e di altri generi della generazione di Ockeghem, tendendo verso punti di imitazione e sezioni di duetto o di trio all’interno di una trama complessiva che crebbe fino a cinque e sei voci.

Periodo tardivo (1530-1600)
A Venezia, dal 1530 circa fino al 1600 circa, si sviluppò un impressionante stile polychorico, che diede all’Europa una delle più grandiose sonorità musicali composte fino a quel momento, con cori multipli di cantanti, ottoni e archi in diverse posizioni spaziali nella Basilica San Marco di Venezia (vedi Scuola veneziana). Queste rivoluzioni multiple si diffusero in Europa nei decenni successivi, iniziando in Germania e poi trasferendosi in Spagna, Francia e Inghilterra un po ‘più tardi, delineando l’inizio di quella che oggi conosciamo come l’era musicale barocca.

La Scuola Romana era un gruppo di compositori di musica prevalentemente sacra a Roma, che attraversa il tardo Rinascimento e il primo barocco. Molti dei compositori avevano un collegamento diretto con il Vaticano e la cappella papale, sebbene lavorassero in diverse chiese; stilisticamente sono spesso in contrasto con la Scuola veneziana di compositori, un movimento concorrente che era molto più progressista. Di gran lunga il più famoso compositore della scuola romana è Giovanni Pierluigi da Palestrina. Ben noto come prolifico compositore di masse e mottetti, era anche un importante madrigalista. La sua capacità di riunire le esigenze funzionali della Chiesa cattolica con gli stili musicali prevalenti durante il periodo della Controriforma gli ha dato la sua fama duratura (Lockwood, O’Regan e Owens n.

La breve ma intensa fioritura del madrigale musicale in Inghilterra, per lo più dal 1588 al 1627, insieme con i compositori che li hanno prodotti, è conosciuta come la Scuola Madrigale Inglese. I madrigali inglesi erano a cappella, prevalentemente di stile leggero, e generalmente cominciavano come copie o traduzioni dirette di modelli italiani. La maggior parte erano da tre a sei voci.

Musica reservata è uno stile o una pratica esecutiva in una musica vocale a cappella della seconda metà del XVI secolo, principalmente in Italia e nel sud della Germania, con raffinatezza, esclusività ed intensa espressione emotiva del testo cantato.

strumenti
Molti strumenti hanno avuto origine durante il Rinascimento; altri erano variazioni o miglioramenti su strumenti che erano esistiti in precedenza. Alcuni sono sopravvissuti fino ai giorni nostri; altri sono scomparsi, solo per essere ricreati al fine di eseguire musica del periodo su strumenti autentici. Come ai giorni nostri, gli strumenti possono essere classificati come ottoni, archi, percussioni e legni.

Gli strumenti medievali in Europa erano più comunemente usati singolarmente, spesso accompagnati da un drone o occasionalmente in parti. Almeno dal 13 ° secolo fino al XV secolo ci fu una divisione degli strumenti in haut (strumenti rumorosi, stridenti, esterni) e bas (strumenti più silenziosi e più intimi) (Bowles 1954, 119 et passim). Solo due gruppi di strumenti potevano suonare liberamente in entrambi i tipi di ensemble: il cornetto e il sacco, e il tabor e il tamburello (Burkholder n.d.).

All’inizio del XVI secolo, gli strumenti erano considerati meno importanti delle voci. Sono stati usati per danze e per accompagnare la musica vocale (Fuller 2010). La musica strumentale è rimasta subordinata alla musica vocale, e gran parte del suo repertorio era in vari modi derivati ​​o dipendenti dai modelli vocali (OED 2005).

organi
Vari tipi di organi erano comunemente usati nel Rinascimento, dai grandi organi ecclesiastici ai piccoli portali e agli organi a canne chiamati regalie.

Ottone
Gli strumenti d’ottone nel Rinascimento erano tradizionalmente interpretati da professionisti. Alcuni dei più comuni strumenti di ottoni che sono stati suonati:
Tromba a scorrimento: simile al trombone di oggi, tranne che al posto di una sezione del corpo che scorre, solo una piccola parte del corpo vicino al bocchino e il boccaglio stesso è fermo. Inoltre, il corpo era a forma di S, quindi era piuttosto ingombrante, ma era adatto per la musica di ballo lento per la quale era più comunemente usata.
Cornett: fatto di legno e suonato come il registratore (soffiando da un’estremità e muovendo le dita su e giù all’esterno) ma usando un boccaglio a coppa come una tromba.
Tromba: le prime trombe non avevano valvole e si limitavano ai toni presenti nella serie di armonici. Inoltre sono stati realizzati in diverse dimensioni.
Sackbut (a volte sackbutt o sagbutt): un nome diverso per il trombone (Anon. N.d.), che sostituì la tromba a scorrimento entro la metà del 15 ° secolo (Besseler 1950, passim).

stringhe
Come famiglia, gli archi venivano usati in molte circostanze, sia sacre che secolari. Alcuni membri di questa famiglia includono:

Viol: questo strumento, sviluppato nel XV secolo, ha normalmente sei corde. Di solito veniva giocato con un inchino. Ha qualità strutturali simili alla viuela pizzicata spagnola (chiamata viola da mano in Italia); la sua principale caratteristica di separazione è la sua dimensione maggiore. Questo ha cambiato la postura del musicista per farlo appoggiare al pavimento o tra le gambe in modo simile al violoncello. Le somiglianze con la vihuela erano tagli di vita affilato, tasti simili, schiena piatta, costole sottili e accordature identiche. Quando veniva suonato in questo modo, veniva talvolta chiamato “viola da gamba”, per distinguerlo dalle viole suonate “sul braccio”: viole da braccio, che si evolse nella famiglia del violino.
Lira: la sua costruzione è simile ad una piccola arpa, anche se invece di essere strappata, viene strimpellata con un plettro. Le sue corde variavano in quantità da quattro, sette e dieci, a seconda dell’epoca. È stato suonato con la mano destra, mentre la mano sinistra ha zittito le note che non erano desiderate. Le lire più recenti sono state modificate per essere giocate con un arco.
Arpa Irlandese: chiamata anche Clàrsach nel gaelico scozzese, o il Cláirseach in irlandese, durante il Medioevo era lo strumento più popolare di Irlanda e Scozia. A causa del suo significato nella storia irlandese, è visto anche sull’etichetta Guinness ed è il simbolo nazionale dell’Irlanda fino ad oggi. Per essere giocato, di solito viene spennato. [Chiarimento necessario] Le sue dimensioni possono variare notevolmente da un’arpa che può essere giocata in una delle sue ginocchia a un’arpa a grandezza naturale che viene posizionata sul pavimento
Hurdy-gurdy: (noto anche come il violino delle ruote), in cui le corde sono suonate da una ruota che passa le corde. La sua funzionalità può essere paragonata a quella di un violino meccanico, in quanto il suo arco (ruota) viene ruotato da una manovella. Il suo suono distintivo è principalmente dovuto alle sue “corde di droni” che forniscono un suono costante simile nel suono a quello delle cornamuse.
Gittern e mandore: questi strumenti sono stati utilizzati in tutta Europa. Precursori di strumenti moderni tra cui il mandolino e la chitarra.

Percussione
Alcuni strumenti a percussione del Rinascimento includono il triangolo, l’arpa dell’ebreo, il tamburello, le campane, il cymbala, il vaso del rombo e vari tipi di tamburi.

Tamburello: il tamburello è un tamburo a cornice. La pelle che circonda il telaio è chiamata la pergamena e produce il battito colpendo la superficie con le nocche, le dita o la mano. Potrebbe anche essere suonato scuotendo lo strumento, lasciando suonare i jingle o le campane del tamburo (se ne ha) per “clank” e “jingle”.
Arpa da ebreo: uno strumento che produce suoni usando forme della bocca e tentando di pronunciare vocali diverse con la propria bocca. Il cappio all’estremità piegata della lingua dello strumento viene pizzicato in diverse scale di vibrazione creando diversi toni.

Legni (aerofoni)
Gli strumenti a fiato (aerofoni) producono suoni attraverso una colonna vibrante d’aria all’interno del tubo. Fori lungo il tubo consentono al giocatore di controllare la lunghezza della colonna d’aria, e quindi il passo. Ci sono diversi modi per far vibrare la colonna d’aria, e questi modi definiscono le sottocategorie degli strumenti a fiato. Un giocatore può soffiare attraverso un foro della bocca, come in un flauto; in un bocchino con una sola canna, come in un clarinetto o sax moderno; o una doppia ancia, come in un oboe o fagotto. Tutti e tre questi metodi di produzione di toni possono essere trovati negli strumenti del Rinascimento.

Shawm: una tipica shawm orientale (necessaria per la chiarificazione) è senza chiave ed è lunga circa un piede con sette fori per le dita e un foro per il pollice. I tubi erano anche più comunemente fatti di legno e molti di essi avevano intagli e decorazioni su di essi. Era lo strumento a doppia canna più popolare del periodo rinascimentale; era comunemente usato nelle strade con tamburi e trombe a causa del suo suono brillante, penetrante e spesso assordante. To play the shawm a person puts the entire reed in their mouth, puffs out their cheeks, and blows into the pipe whilst breathing through their nose.

Reed pipe: Made from a single short length of cane with a mouthpiece, four or five finger holes, and reed fashioned from it. The reed is made by cutting out a small tongue, but leaving the base attached. It is the predecessor of the saxophone and the clarinet.
Hornpipe: Same as reed pipe but with a bell at the end.
Bagpipe/Bladderpipe: Believed by the faithful to have been invented by herdsmen who thought using a bag made out of sheep or goat skin would provide air pressure so that when its player takes a breath, the player only needs to squeeze the bag tucked underneath their arm to continue the tone. The mouth pipe has a simple round piece of leather hinged on to the bag end of the pipe and acts like a non-return valve. The reed is located inside the long mouthpiece, which would have been known as known as a bocal, had it been made of metal and had the reed been on the outside instead of the inside.
Panpipe: Employs a number of wooden tubes with a stopper at one end and open on the other. Each tube is a different size (thereby producing a different tone), giving it a range of an octave and a half. The player can then place their lips against the desired tube and blow across it.
Transverse flute: The transverse flute is similar to the modern flute with a mouth hole near the stoppered end and finger holes along the body. The player blows across the mouth hole and holds the flute to either the right or left side.
Recorder: The recorder was a common instrument during the Renaissance period. Rather than a reed, it uses a whistle mouthpiece as its main source of sound production. It is usually made with seven finger holes and a thumb hole.