Arte religiosa

L’arte sacra o l’arte sacra sono immagini artistiche che usano ispirazione e motivi religiosi e sono spesso volte ad elevare la mente allo spirituale. L’arte sacra coinvolge le pratiche rituali e cultuali e gli aspetti pratici e operativi del percorso della realizzazione spirituale all’interno della tradizione religiosa dell’artista.

Arte cristiana
L’arte sacra cristiana è prodotta nel tentativo di illustrare, integrare e ritrarre in forma tangibile i principi del cristianesimo, sebbene siano possibili altre definizioni. Si tratta di immaginare le diverse credenze nel mondo e come appare. La maggior parte dei gruppi cristiani usa o hanno usato l’arte in una certa misura, anche se alcuni hanno avuto forti obiezioni a certe forme di immagine religiosa, e ci sono stati periodi importanti di iconoclastia all’interno del cristianesimo. La maggior parte dell’arte cristiana è allusiva, o costruita attorno a temi familiari all’osservatore designato. Uno dei temi cristiani più comuni è quello della Vergine Maria che tiene il bambino Gesù. Un altro è quello di Cristo sulla croce. A beneficio degli analfabeti, un elaborato sistema iconografico sviluppato per identificare in modo definitivo le scene. Ad esempio, Sant’Agnese raffigurata con un agnello, San Pietro con le chiavi, San Patrizio con un trifoglio. Ogni santo detiene o è associato ad attributi e simboli nell’arte sacra.

Storia
L’arte paleocristiana sopravvive a date vicine alle origini del cristianesimo. I più antichi dipinti cristiani sopravvissuti provengono dal sito di Megiddo, datato intorno al 70, e le più antiche sculture cristiane sono di sarcofagi, risalenti all’inizio del II secolo. Fino all’adozione del cristianesimo da parte di Costantino l’arte cristiana derivò il suo stile e gran parte della sua iconografia dall’arte romana popolare, ma da questo punto i grandi edifici cristiani costruiti sotto il patronato imperiale portarono all’esigenza di versioni cristiane dell’élite romana e dell’arte ufficiale, di cui mosaici in le chiese di Roma sono gli esempi superstiti più importanti.

Durante lo sviluppo dell’arte cristiana nell’impero bizantino (vedi arte bizantina), un’estetica più astratta sostituì il naturalismo precedentemente stabilito nell’arte ellenistica. Questo nuovo stile era ieratico, il che significava che il suo scopo principale era quello di trasmettere un significato religioso piuttosto che rendere con precisione oggetti e persone. Prospettiva realistica, proporzioni, luce e colore sono stati ignorati a favore della semplificazione geometrica delle forme, della prospettiva inversa e delle convenzioni standardizzate per ritrarre individui ed eventi. La controversia sull’uso delle immagini scolpite, l’interpretazione del Secondo comandamento e la crisi dell’iconoclastia bizantina hanno portato a una standardizzazione delle immagini religiose all’interno dell’Ortodossia orientale.

Il Rinascimento vide un aumento delle opere monumentali secolari, ma fino alla Riforma protestante l’arte cristiana continuò ad essere prodotta in grandi quantità, sia per le chiese e il clero che per i laici. Durante questo periodo, Michelangelo Buonarroti dipinse la Cappella Sistina e scolpì la famosa Pietà, Gianlorenzo Bernini creò le massicce colonne nella Basilica di San Pietro e Leonardo Da Vinci dipinse l’Ultima Cena. La Riforma ha avuto un enorme impatto sull’arte cristiana, portando rapidamente la produzione di arte cristiana pubblica a un blocco virtuale nei paesi protestanti e causando la distruzione della maggior parte dell’arte che esisteva già.

Come una nozione secolare, non settaria, universale di arte sorse nell’Europa occidentale del 19 ° secolo, gli artisti laici occasionalmente trattarono temi cristiani (Bouguereau, Manet). Solo raramente era un artista cristiano incluso nel canone storico (come Rouault o Stanley Spencer). Tuttavia molti artisti moderni come Eric Gill, Marc Chagall, Henri Matisse, Jacob Epstein, Elizabeth Frink e Graham Sutherland hanno prodotto opere d’arte famose per le chiese. Attraverso un’interpretazione sociale del cristianesimo, anche Fritz von Uhde

Dall’avvento della stampa, la vendita di riproduzioni di opere pie è stata un elemento importante della cultura cristiana popolare. Nel 19 ° secolo, questo includeva pittori di genere come Mihály Munkácsy. L’invenzione della litografia a colori ha portato all’ampia diffusione di santini. Nell’era moderna, le società specializzate in moderni artisti cristiani commerciali come Thomas Blackshear e Thomas Kinkade, sebbene ampiamente considerate nel mondo dell’arte fine come kitsch, hanno avuto molto successo.

L’ultima parte del 20 ° e la prima parte del 21 ° secolo hanno visto uno sforzo mirato di artisti che rivendicano la fede in Cristo per ristabilire l’arte con temi che ruotano intorno alla fede, Cristo, Dio, la Chiesa, la Bibbia e altri classici Temi cristiani degni di rispetto dal mondo dell’arte laica. Artisti come Makoto Fujimura hanno avuto un’influenza significativa sia nelle arti sacre che in quelle secolari. Altri artisti degni di nota sono Larry D. Alexander, Gary P. Bergel, Carlos Cazares, Bruce Herman, Deborah Sokolove e John August Swanson.

Arte buddista
L’arte buddista ebbe origine nel subcontinente indiano seguendo la vita storica di Siddhartha Gautama, dal VI al V secolo aC, e successivamente si sviluppò per contatto con altre culture mentre si diffondeva in Asia e nel mondo.

L’arte buddista seguiva i credenti mentre il dharma si diffondeva, si adattava e si evolve in ogni nuovo paese ospite. Si sviluppò a nord attraverso l’Asia centrale e nell’Asia orientale per formare il ramo settentrionale dell’arte buddhista, e ad est fino al sud-est asiatico per formare il ramo meridionale dell’arte buddista. In India, l’arte buddista fiorì e persino influenzò lo sviluppo dell’arte indù, fino a quando il Buddismo scomparve quasi in India intorno al X secolo, in parte a causa della vigorosa espansione dell’Islam a fianco dell’Induismo.

Arte buddista tibetana
La maggior parte delle forme d’arte buddista tibetane sono legate alla pratica del Vajrayana o del tantra buddista. L’arte tibetana include thangkas e mandala, che spesso includono raffigurazioni di Buddha e bodhisattva. La creazione dell’arte buddhista viene solitamente praticata come meditazione oltre a creare un oggetto come aiuto alla meditazione. Un esempio di questo è la creazione di un mandala di sabbia da parte dei monaci; prima e dopo la costruzione vengono recitate preghiere e la forma del mandala rappresenta il puro ambiente (palazzo) di un Buddha sul quale è meditato per allenare la mente. L’opera è raramente, se mai, firmata dall’artista. L’altra arte buddista tibetana include oggetti rituali in metallo, come il vajra e il phurba.

Arte buddista indiana
Due luoghi suggeriscono in modo più vivido di altri la vitalità della pittura rupestre buddista del V secolo d.C. Uno è Ajanta, un sito in India da tempo dimenticato fino a quando non fu scoperto nel 1817. L’altro è Dunhuang, una delle grandi postazioni di oasi sulla Via della Seta … I dipinti spaziano dalle immagini devozionali calme del Buddha alle scene vivaci e affollate, spesso caratterizza le donne seducenti a petto pieno e con la vita stretta più familiari nella scultura indiana che nella pittura. L’arte principale includeva moschee e una madonna (l’arte di Maria e forse suo figlio)

Arte islamica
Un divieto di raffigurare immagini rappresentative nell’arte religiosa, così come la natura naturalmente decorativa della scrittura araba, ha portato all’uso di decorazioni calligrafiche, che di solito implicavano ripetizioni geometriche che esprimevano ideali di ordine e natura. Era usato su architettura religiosa, tappeti e documenti scritti a mano. L’arte islamica ha riflesso questa visione del mondo equilibrata e armoniosa. Si concentra sull’essenza spirituale piuttosto che sulla forma fisica.

Anche se c’è stata un’avversione verso il potenziale culto degli idoli attraverso la storia islamica, questa è una visione sunnita chiaramente moderna. Le miniature persiane, insieme con le raffigurazioni medievali di Maometto e gli angeli nell’Islam, rappresentano esempi di spicco contrari alla tradizione sunnita moderna. Inoltre, i musulmani sciiti sono molto meno contrari alla raffigurazione di figure, incluso il Profeta, purché la raffigurazione sia rispettosa.

Rappresentazione di figure nell’arte sacra islamica
La resistenza islamica alla rappresentazione degli esseri viventi deriva in ultima analisi dalla convinzione che la creazione di forme viventi sia unica per Dio, ed è per questo motivo che il ruolo delle immagini e dei creatori di immagini è stato controverso. Le più forti affermazioni sul soggetto della rappresentazione figurativa sono fatte nelle Hadith (Traditions of the Prophet), dove i pittori sono sfidati a “respirare la vita” nelle loro creazioni e minacciati di punizione nel Giorno del Giudizio. Il Corano è meno specifico, ma condanna l’idolatria e usa il termine arabo musawwir (“creatore di forme” o artista) come epiteto di Dio. Parzialmente in seguito a questo sentimento religioso, le figure in pittura erano spesso stilizzate e, in alcuni casi, si verificava la distruzione di opere figurative. L’iconoclastia era precedentemente conosciuto nel periodo bizantino e l’aniconicismo era una caratteristica del mondo giudaico, ponendo così l’obiezione islamica alle rappresentazioni figurative in un contesto più ampio. Come ornamento, tuttavia, le figure erano in gran parte prive di un significato più ampio e, pertanto, potevano rappresentare meno sfide. Come per altre forme di ornamentazione islamica, gli artisti hanno liberamente adattato e stilizzato forme umane e animali di base, dando origine a una grande varietà di disegni basati sulla figura.

Calligrafia
La calligrafia è l’elemento più apprezzato e più fondamentale dell’arte islamica. È significativo che il Corano, il libro delle rivelazioni di Dio al Profeta Muhammad, sia stato trasmesso in arabo, e che inerente alla scrittura araba sia il potenziale per lo sviluppo di una varietà di forme ornamentali. L’uso della calligrafia come ornamento aveva un certo fascino estetico, ma spesso includeva anche una componente talismanica sottostante. Mentre la maggior parte delle opere d’arte aveva iscrizioni leggibili, non tutti i musulmani sarebbero stati in grado di leggerli. Bisogna sempre tenere a mente, tuttavia, che la calligrafia è principalmente un mezzo per trasmettere un testo, anche se in una forma decorativa. Dai suoi primi e semplici esempi primitivi del V e VI secolo dC, l’alfabeto arabo si sviluppò rapidamente dopo la nascita dell’Islam nel 7 ° secolo in una bellissima forma d’arte. Le due principali famiglie di stili calligrafici erano gli stili secchi, chiamati generalmente Kufic, e gli stili morbidi in corsivo, che includono Naskhi, Thuluth, Nastaliq e molti altri.

Geometria
I motivi geometrici costituiscono uno dei tre tipi non decorativi di decorazione nell’arte islamica, che includono anche la calligrafia e motivi vegetali. Sia isolati che usati in combinazione con ornamenti non naturali o rappresentazione figurale, i motivi geometrici sono comunemente associati all’arte islamica, in gran parte a causa della loro qualità aniconica. Questi disegni astratti non solo adornano le superfici dell’architettura monumentale islamica ma fungono anche da elemento decorativo principale su una vasta gamma di oggetti di tutti i tipi.